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Avec Madgermanes, Birgit Weyhe a passé en revue l'histoire germano-africaine et, dans une certaine mesure, une partie de son histoire personnelle. Cette année, elle se rend à Montréal pour le Festival BD.

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La bande dessinée allemande a toujours conservé son identité et ne fait aucun compromis en termes de contenu. Nous nous concentrons sur la scène comique actuelle et sur certains des auteurs allemands les plus importants.

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Avec Sibylla, ne vous attendez pas à une biographie comme on en trouve tant (trop, peut-être), sorte de résumé Wikipédia réhaussé de dessins et de bulles pour rendre le fond plus digeste et attractif. Il n'en est rien dans cet album. Je ne suis pas même bien sûr d'avoir bien tout perçu de la vie de la poétesse, bien cerné le vrai du fictionnel, de pouvoir distinguer, dans les séquences biographiques, ce qui ressort du document et ce qui ressort de l'invention. Mais peu importe. Si je ne suis pas persuadé d'avoir bien cerné les contours biographiques qui affleurent dans ce livre, je suis en revanche absolument certain d'avoir vécu une expérience de lecture sidérante, d'être entré dans ce livre comme on s'enfonce dans un rêve épais et doux à la fois.

Avec ce double récit, ou plutôt avec cet album à la pulsation double, Max Baitinger interroge autant le processus de création d'une biographie que la biographie elle-même : lorsque le premier récit achoppe, le second le relance. Nous assistons ainsi à un dialogue anachronique, d'un premier abord peu poreux entre la vie de la poétesse et celle du dessinateur à la tâche, avec tous les doutes qui incombent à ce genre de création.

Ne prenant pas le biais d'expliquer de manière pédagogique ce qui signe la force lyrique des vers de Sibylla Schwartz, Baitinger préfère incarner leur puissance évocatrice. Ce faisant, il réalise un album envoutant qui travaille le langage de la bande dessinée, qui nous happe et nous fascine par le jeu permanent qu'il met en place. De nombreuses séquences ne trouvent pas nécessairement de justification narrative, autre que la délicatesse qu'elles mettent en scène, que le simple pouvoir de séduction qu'engendrent des dessins placés les uns après les autres et décrivant une action ordinaire. On pense notamment à Tobias Tycho Schalken dans cette synergie expérimentale qui ne contrarie pas le récit mais plutôt l'élève et le suspend dans une sphère du sensible.

Les dessins de Baitinger sont d'une élégance magistrale, empreints de ligne claire, de minimalisme et de matérialité. Si d'ordinaire ces trois adjectifs peuvent paraitre antinomiques lorsqu'il s'agit d'une création graphique (et plus encore de bande dessinée), l'auteur parvient ici à une étonnante fusion, à faire du dessin un espace sculptural autour duquel gravite une force expérimentale qui le percute et l'incarne, zones graphiques où le mystère visuel habite l'image. Le regard se délecte ainsi de ces espaces dissonants où s'incarne un dialogue plastique saisissant tandis que l'esprit se repait de ces séquences délicates et envoutantes.

Si, après la lecture de cet album, on ne peut véritablement discuter des qualités baroques des vers de Sibylla Schwartz, nous pouvons en revanche partager le plaisir que ce livre aura procuré, peut-être moins pour ce qu'il raconte que pour la manière dont il le raconte. Et finalement, quoi de plus naturel de se faire le miroir d'une modernité par la modernité même, ici en bande dessinée. Max Baitinger se fait ainsi probablement le meilleur porte-parole de cette jeune poétesse en portant l'élégance du langage séquentiel à des degrés de raffinement rarement atteints. Sybilla est un très, très beau livre, une expérience rare et capiteuse !

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Biographie expérimentale avec Sibylla de Max Baitinger

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Sibylla Schwartz est une jeune poète allemande dont les sonnets vont marquer la période Baroque. Malgré son décès précoce en 1638 (elle n’a alors que 17 ans), elle a laissé derrière elle une grande quantité de poèmes qui tombèrent malheureusement dans l’oubli à partir du 18 e siècle malgré la puissance lyrique qui les habite.

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Mangas, animés... Rosalie a toujours baigné dans la pop culture des années 1970 du Pays du soleil levant. Aussi dès qu'elle a pu, en octobre 2016, elle est partie à la rencontre du Japon. Après un premier voyage, elle décide d'y passer quelques mois. Là, elle est accueillie dans une maison pour du woofing à Oichi. Sensée y rester quelques mois, suite à une expérience gravissime, elle écourte ce séjour. Ce moment remet en cause sa vision du pays, mais elle s'accroche, et décide de rester. Elle s'installe à Tokyo et a un petit boulot.

La BD raconte un quotidien de jeune femme découvrant un pays déroutant pour l'occidental. Une expérience faite de rencontres et de découvertes du pays, sur fond de déconstruction de l'image idéalisée du pays, en particulier dans le domaine des relations hommes femmes. Le ton autobiographique subtil mêlé à des contes japonais éclairants la culture japonaise nous embarque dans le voyage. L'aventure est racontée avec justesse.

Le dessin en noir et blanc tout en finesse et très évocateur de Rosolie Stroesser raconte avec élégance ce séjour initiatique. Il évite les clichés. Et les décors réa listes ont ce qu'il faut de précision. Et on avance dans la BD en découvrant le pays, et en parallèle, la jeune Rosalie qui grandit, se défait de ses illusions, surmonte l'agression et s'épanouit.

Regarder : 'Shiki' par Rosalie Stroesser, l'autrice se met en 4

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Shiki, 4 saisons au Japon par Rosalie Stroesser est paru chez Payot et Rivages dans la collection Virages graphiques

Le label " Découverte jeune talent " France Inter

Shiki de Rosalie Stroesser a reçu notre label Jeune Talent : une façon d'attirer le regard sur une jeune autrice à laquelle qui nous croyons. Ce partenariat sans contrepartie financière pose un coup de projecteur sur les artistes de BD de demain.

Les précédents livres labelisés

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"Shiki" de Rosalie Stroesser : désillusions japonaises, label Jeune talent France Inter

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Rosalie, jeune étudiante française fan de culture nippone décide de s'envoler pour quelques mois pour le Japon. Là, après une première expérience assez traumatisante, elle s'installe à Tokyo, et vit d'un job de serveuse. Un récit initiatique fort pour une première BD d'une jeune autrice prometteuse.

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En cette rentrée, Journal du Japon vous propose de découvrir un roman... graphique, le récit en noir et blanc d'un an de séjour au Japon entre campagne et ville, entre douceur et amertume. Le Japon que Rosalie a vécu, entre ombre et lumière.
Le Japon au fil des saisons et des rencontres...

Octobre 2016, Rosalie, jeune artiste passionnée par les vieux mangas des années 70, rentre d'une année passée au Japon. Elle y a vécu quatre saisons, beaucoup de rencontres et d'aventures plus ou moins heureuses, découvert les côtés merveilleux de ce pays et de sa culture, mais aussi les faces sombres, en particulier en tant que femme dans une société très patriarcale.
" Comment raconter en quelques phrases cette année si dense ? Comment expliquer cette relation particulière, toute en contradictions, que j'ai développée avec le Japon ? Ce mélange incohérent d'attirance et de rejet ? "
En prenant ses feutres et en livrant un récit passionnant sur plus de 300 pages !

Après nous avoir raconté l'histoire de la naissance du Japon, Rosalie nous emmène dans la campagne japonaise, dans une auberge dans laquelle elle vit et travaille avec quatre autres jeunes filles, sous le regard attentionné mais un peu étrange du propriétaire. L'occasion pour le lecteur de découvrir le quotidien entre cuisine, courses, cueillette, promenade au milieu des rizières, des plaqueminiers et susuki de l'automne. Il y a les délicieux mochi, les soirées temaki, les promenades sous la pluie, les photos en kimono... mais tout est loin d'être rose et c'est précipitamment qu'elle quitte ce lieu qui aurait pu paraître idyllique.

Direction Tokyo pour l'hiver, changement de décor, de rythme, petite colocation avec la gentille Nao qui cuisine très bien l'oden, plat typique de l'hiver japonais et a un merveilleux kotatsu, le meuble indispensable dans les maisons japonaises mal isolées. Rosalie travaille dans un bar où les clients sont gentils, mais ont parfois des gestes déplacés. Prendre sur soi et profiter de son temps libre pour aller se promener, aller se détendre à Odaiba avec son ami Yusukue.

Arrive le printemps et quelques jours à Kyoto. S'émerveiller sous les torii, dans le château Nijo, au musée du manga et sous un sakura !

Puis dix mois après son retour en France, un voyage au Japon l'été pour retrouver ses amis et faire le point sur ses sentiments vis à vis de ce pays décidément bien compliqué à cerner. Il y a la beauté du Mont Fuji, l'ambiance merveilleuse des matsuri, mais aussi la difficile place de la femme dans cette société où les hommes dominent, humilient, maltraitent celles à qui on demande beaucoup et on donne peu.

Un livre qui nous plonge dans le Japon du quotidien, entre émerveillement et tristesse, entre douceur et colère. Un pays qu'on aime et qu'on déteste en même temps, dont on attend beaucoup et qui parfois déçoit. Une complexité qui est livrée avec sensibilité et honnêteté.

Un univers graphique dans lequel on se plonge totalement, de la chambre à la cuisine, des rizières au rues de Tokyo, d'un bain à un bar, de l'étang aux lotus de Ueno à un sanctuaire dans la foret. Et toujours tous ces petits détails enchanteurs : un toit de chaume, des tatamis, des portes qui coulissent, des motifs de kimonos... Avec en bonus des contes et légendes traditionnels en couleur de toute beauté !

Un Japon en noir et blanc à découvrir d'urgence !

Entretien : Le Japon de Rosalie Stroesser
Journal du Japon : Pouvez-vous vous présenter aux lecteurs de Journal du Japon (parcours artistique, pourquoi le Japon) ?
Rosalie Stroesser : Bonjour lecteurs ! Je m'appelle Rosalie, je suis illustratrice et autrice de bande dessinée. J'ai grandi dans les Alpes, j'ai suivi un cursus scolaire classique et après le lycée le choix d'une poursuite d'études dans l'art ne s'est pas imposé comme une évidence. J'hésitais entre la physique-chimie et le graphisme. C'est finalement vers le graphisme que je me suis tournée, en obtenant un BTS design graphique, puis vers l'illustration, en DMA illustration, puis enfin vers la BD, un domaine que je ne connaissais pas plus que ça, que j'ai découvert en DMA et qui m'est apparu vaste et bourré de possibilités. En ce qui concerne le Japon, j'ai toujours été attirée par ce pays. J'ai grandi avec les films des studios Ghibli, et ma grand-mère qui avait beaucoup voyagé là-bas me faisait rêver petite avec ses récits et ses photos. J'étais très attirée par les paysages, la culture graphique et traditionnelle du pays et son folklore.
Quelles sont vos sources d'inspiration (manga, littérature japonaise) ? En vous voyant cheminer à vélo au fil des pages dans des paysages variés, j'ai pensé à TANIGUCHI et L'homme qui marche, version La jeune femme qui pédale...
J'aime beaucoup Taniguchi, ses histoires douces et contemplatives m'ont probablement nourries, mais c'est Shigeru MIZUKI que je citerais en source d'inspiration principale. J'adore son noir et blanc, ses décors si minutieux et si beaux, ses personnages si drôles, ce contraste justement entre décors fouillés et hyperréalistes et ses personnages cartoon. Comme tout le monde j'aime aussi énormément Tayou MATSUMOTO. Son dessin est incroyable et j'aime beaucoup le rythme de ses histoires, ses mises en scènes.
Le choix du noir et blanc (sauf pour les contes traditionnels) s'est-il imposé tout de suite, comme une évidence?
Je dirais que oui. Quand j'ai commencé à faire des recherches graphiques j'ai essayé plusieurs techniques mais je n'ai jamais envisagé la couleur. Je voulais que le Japon ait une présence aussi importante sinon plus que mon personnage, que mes décors soient fouillés, riches en détails, mais pas trop lourds, les plus élégants possible. Le noir et blanc reste aussi ma zone de confort et je pense que j'aurais mis 5 ans à faire cette bd si je l'avais faite en couleur.
Comment a évolué votre relation au Japon depuis ce voyage ? Allez-vous y retourner bientôt ?
Mon rapport au Japon aujourd'hui est peut-être un peu plus apaisé qu'à l'époque. Fin 2016 quand je suis rentrée en France après un an passé au Japon j'étais encore dans l'excitation, dans l'enthousiasme de la nouveauté, dans le déni aussi des choses les plus dures que j'avais vécues là-bas. En 2017-2020 j'étais dans une phase de colère par rapport à ces choses, à ce sexisme insidieux. Je me suis vraiment sentie trahie par ce pays sur lequel j'avais projeté tant de fantasmes. Aujourd'hui ces fantasmes, ces attentes m'amusent un peu. Je n'idéalise plus le Japon comme avant, il y a des aspects de cette culture qui me désespèrent (comme en France, comme partout), et d'autres qui m'attirent toujours autant. J'y retournerai peut-être, si j'arrive à concilier ça et ma décision de ne plus prendre l'avion ^^.
Petit questionnaire sur " votre Japon " :
J'hésite entre printemps et automne... Disons automne.

plat préféré (onigiri, oden... un autre ?)

Onigiri au kombu!

Kusamochi (sucrerie à base d'armoise et de riz gluant, fourré à l'anko, une pâte de haricot rouge sucrée)

Amer béton de Tayou Matsumoto, NonNonBâ de Shigeru Mizuki, Le vieil homme et son chat de Nekomaki, Ashita no Joe de Tetsuya Chiba et Asao Takamori, Solanin d'Inio Asano...

" Bunbuku chagama ", un conte qui met en scène un être mi-théière, mi-tanuki.

ce que vous aimez particulièrement au Japon / ce que vous détestez

Quand j'étais retournée à Tokyo en 2017 j'avais écrit un mail à un ami qui contenait justement une liste de tout un tas de choses que j'aimais/ détestais au Japon, du très anodin au plus viscéral. Pour en citer quelques unes :

J'aime l'intérieur des maisons japonaises, l'odeur des tatamis et les shoji (portes coulissantes en papier).

J'aime les petits jardins en pots que l'on trouve devant chaque maison.

J'aime voir le linge qui sèche au vent sur les balcons.

J'aime le train et la petite musique kitsch qui annonce leur arrivée (elles sont différentes dans chaque ville).

J'aime l'umeshu, la liqueur de prune que je bois souvent.

J'aime les divinités qu'ils vénèrent et leur représentations. J'aime le fait que même en pleine ville, on tombe tous les 100 mètres sur un petit temple, un petit sanctuaire, des statuettes de yokai difformes, tout un tas de trucs un peu random...

J'aime (parfois) l'effervescence et les lumières de la nuit.

Je déteste la manière dont sont considérées les femmes. Je généralise mais l'objectif premier de beaucoup de Japonaises est de trouver un mari, si possible un homme riche, si possible avant 25 ans. Une fille se doit d'être désirable et la manière d'y arriver est aussi standardisée. Il faut être jolie, il faut être douce, il faut être soumise, il faut être consentante, toujours. Il faut être stupide ou en tout cas prétendre l'être pour que l'homme ne se sente pas inférieur. J'ai vu des interviews d'hommes abordés dans la rue qui disaient franchement qu'ils aiment cette tendance, qu'ils sont attirés par les filles 'kawaii' qui agissent comme des enfants de 8 ans parce qu'ils ont le sentiment de devoir la protéger et d'être en position dominante.

Je déteste les supermarchés et le sur-emballage extrême qu'on y trouve.
Journal du Japon remercie Rosalie pour sa disponibilité et ses réponses passionnantes !
Plus d'informations sur le site de l'éditeur.

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Shiki, 4 saisons au Japon : le roman graphique doux-amer de Rosalie Stroesser

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Découvrez l'année qu'a vécu Rosalie Stroesser au Japon par le passé à travers son roman graphique en noir et blanc !

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Rosalie, comment est né ce projet de BD ? Et combien de temps t'a pris
sa réalisation ?
Ce projet est né pendant mon année passée au Japon. Avant même d'y emménager j'imaginais raconter " en direct " mon voyage sous forme d'anecdotes, de petits strips, de croquis... ce que je n'ai finalement pas fait, pour des raisons diverses. En rentrant en France, je savais que j'avais envie de raconter ce que j'avais vécu là-bas, de parler de mon rapport avec ce pays, mais j'ai dû attendre plusieurs années avant d'être prête à écrire ce livre. J'ai mis presque trois ans à dessiner cette bande dessinée, en comptant les premiers mois de tâtonnement pendant lesquels je cherchais un style, une structure (et en comptant aussi les confinements pendant lesquels j'ai eu beaucoup plus de mal à avancer). Disons un peu plus de deux ans de travail concret.

Peux-tu nous expliquer le choix de ce titre, Shiki ?
J'avais déjà dessiné la moitié de ma bande dessinée et je n'avais toujours aucune idée de comment j'allais l'appeler. C'est Sonia qui m'a suggéré ce titre, Shiki (4 saisons), qui m'a semblé tout de suite être une évidence. Ma bande dessinée se présente sous la forme de quatre chapitres correspondant aux quatre saisons. C'est un titre tout simple, qui n'en dit ni trop ni pas assez, avec une chouette sonorité.

Tu as choisi d'intégrer à ta BD des fragments de la mythologie japonaise, quel lien fais-tu entre ce voyage et ces mythes ?
J'ai toujours aimé le folklore japonais. Je suis tombée dedans petite avec les films de Miyazaki, puis j'ai découvert les yokais (créatures surnaturelles, esprits) en lisant les manga de Mizuki notamment. Je ne savais rien par contre des mythes fondateurs. En m'y intéressant, j'ai été assez surprise de voir qu'il y avait quelques similarités avec les mythes occidentaux, tout en étant très différents. Niveau ambiance, rien à voir. On est loin de l'Immaculée Conception, au Japon tout se passe dans le sang, la morve et autres fluides... Plus ça colle et mieux c'est. Par contre, on peut facilement faire un parallèle entre Orphée et Izanagi par exemple, qui descendent tous les deux aux enfers à la recherche de leur compagne. Un autre point commun est... le sexisme. En écrivant les chapitres autobiographiques, je voyais ce fil conducteur en train de se dessiner. J'ai donc choisi d'illustrer des mythes qui avaient un lien à la fois avec les saisons (celui sur la princesse des fleurs de cerisiers se trouve après le chapitre printemps, celui sur Yotsuya Kaidan qui commence dans la neige se trouve après le chapitre hiver...), et qui reflétaient également un certain sexisme. Sur ce dernier point, j'avais un peu l'embarras du choix.

Peux-tu nous parler de tes sources d'inspiration ?
J'ai déjà cité Mizuki, qui est probablement dans le top 3 de mes mangakas préférés. J'adore son noir et blanc, ses ambiances, ses décors si minutieux et si beaux, ses personnages si drôles, ce contraste justement entre décors fouillés hyperréalistes et personnages un peu cartoons... J'aime aussi beaucoup Matsumoto Taiyo et Jillian Tamaki (Supermutant magic academy = meilleure bande dessinée !). Je pense que le côté contemplatif de ma bande dessinée est influencé par ce genre d'auteurices. Le fait de prendre son temps pour exprimer par l'image une ambiance, pour poser un décor. Je voulais que le Japon ait une présence aussi importante, sinon plus, que mon personnage. Je ressens ça chez ces deux auteurices qui, en plus de moult autres qualités, arrivent à créer une ambiance palpable dans chacun de leurs bouquins.

Ta BD parle aussi de désillusions et de confrontation entre des rêves et la réalité d'un pays, peux-tu nous parler de ton rapport au Japon aujourd'hui ?
Mon rapport au Japon aujourd'hui est peut-être un peu plus apaisé qu'à l'époque. Fin 2016, quand je suis rentrée en France après un an passé au Japon, j'étais encore dans l'excitation, dans l'enthousiasme de la nouveauté, dans le déni aussi des choses plus dures que j'avais vécues là-bas. En 2017 - 2020, j'étais dans une phase de colère par rapport à toutes ces choses, par rapport à ce sexisme insidieux. Je me suis vraiment sentie trahie par ce pays envers lequel j'avais tant d'attentes. Aujourd'hui, ces attentes, ces fantasmes, ce côté " terre promise " m'amusent un peu. Je n'idéalise plus le Japon comme avant, il y a des aspects de cette culture qui me désespèrent (comme en France, comme partout), et d'autres qui m'attirent toujours autant. Je sais que j'y retournerai si j'en ai la possibilité.

Peux-tu nous parler un peu plus de ton processus de création et de la technique que tu utilises ? As-tu d'abord écrit le scénario, puis dessiné ?
Je n'ai pas écrit de scénario ni réellement fait de storyboard. J'avais des grandes lignes à suivre et j'avançais au fur et à mesure. Je me faisais une liste de scènes que je storyboardais très grossièrement (format 2cm x 5cm, illisibles passées une semaine), je crayonnais cette scène, puis je passais à l'encrage, et je recommençais pour la scène suivante. Je pense que mon récit aurait gagné en rythme si j'avais storyboardé l'ensemble mais le bouquin fait plus de 300 pages, je crois que je serais morte d'ennui si j'avais procédé comme ça. En ce qui concerne la technique, tout est en tradi, les parties en noir et blanc ont été dessinées à la plume et à l'encre de chine, ou au stylo et au feutre, en fonction de ce qui me tombait sous la main (et de quel stylo avait encore de l'encre...). Pour la mythologie, j'ai encré à la plume, fait la couleur à la gouache sur une autre feuille, puis assemblé les deux sur Photoshop.

Shiki emprunte aux codes de l'autobiographie, comment te racontes-tu ? Est-ce c'est naturel pour toi ?
C'était assez naturel et familier, au sens où je lis beaucoup de récits à la première personne. J'aime beaucoup le genre autobiographique (du watakushi manga aux strips publiés sur Instagram). C'était aussi ce qui me semblait le plus simple. Parler de soi, parler de ce que l'on connaît. Avoir " seulement " à convoquer des souvenirs et à les mettre en scène me semblait plus facile que tout inventer. Ça a aussi ses limites, j'aurais aimé parfois pouvoir davantage sortir du cadre du vécu. Ce sera pour la prochaine !

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Rosalie Stroesser a grandi dans les Alpes. Après une formation initiale en design graphique, elle a étudié l'illustration et la bande dessinée à Paris. Son goût pour les mangas des années 1970 l'a conduite au Japon, où elle a vécu d'octobre 2015 à octobre 2016.

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Seuls en Exil - Roman graphique - Bande annonce

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L***'actualité Francophone de la semaine*** c'est donc le festival qui se tient tout le week-end au Liban, à l'initiative de l'Institut Français et de l' Ambassade de France. Et pour nous parler de cet évènement dans le monde du livre francophone nous recevons Sabine Sciortino directrice de l' Institut Français du Liban.

C'est à Beyrouth que le jury du Prix Goncourt a dévoilé les 4 finalistes du prix qui sera remis la semaine prochaine. Tahar Ben Jelloun, membre éminent de l' Académie Goncourt décryptera avec nous ces choix et nous parlerons de son nouveau livre, Au plus beau pays du monde aux éditions du Seuil, un recueil de nouvelles autour du Maroc.

Nous irons dans un café librairie, au centre de Beyrouth, avec Sabyl Ghoussoub qui publie " Beyrouth-sur-Seine " aux éditions Stock, un récit sur sa famille à travers les douleurs et les guerres au Liban qui ont laissé des stigmates chez tous les libanais.

Il y a 10 ans, nous étions avec le dessinateur et auteur Mazen Kerbaj qui a vécu et dessiné les bombardements en 2006 depuis son balcon à Beyrouth Est. Vous entendrez un extrait de cet entretien très fort et nous serons avec lui depuis le quartier Hamra à Beyrouth pour qu'il nous raconte sa situation actuelle.

Enfin nous irons au cœur de l'événement Beyrouth Livre avec le québécois innu Michel Jean, invité du festival, pour un entretien in situ dans l'ambiance de l'événement autour de son regard sur le Liban et de son livre Atuk paru aux éditions Dépaysage.

Le coups de gueule et coups de cœur des libraires :

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Un coup de gueule de Thomas Auxerre de la Librairie L'Amandier à Puteaux, en France, autour des commandes qui n'arrivent pas complètes en librairie.

Un coup de cœur de Deborah Danblon de la Librairie Le Public à Bruxelles, pour le livre de Cathy Assenheim, Ma tête a faim, paru aux éditions De Boeck supérieur.

Un coup de gueule de Josianne Létourneau de la Librairie Paulines à Montréal contre la couverture du livre de Jocelyne Cazin, " Pire que l'éternité " aux éditions Flammarion Québec, une des pires qu'elle ait vu dans sa carrière de libraire.

Et un coup de cœur d' Alexandre Dimitrijevic de la Librairie Delphica à Genève, en Suisse, pour Seuls en exil aux éditions HelvetiQ, ouvrage collectif écrit par Yrgane Ramon, JP Kalonji et Fabian Menor.

Le Programmation musicale :

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Emission spéciale pour le Festival Beyrouth livre 2022

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Aujourd'hui, émission spéciale réalisée en partie depuis le Liban à l'occasion du festival Beyrouth Livre avec l'écrivain Sabyl Ghoussoub, le dessinateur Mazen Kerbaj, l'auteur québécois Michel Jean, Sabine Sciortino de l'Institut Français du Liban et Tahar Ben Jelloun de l'Académie Goncourt.

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Émilie Gleason, co-autrice d'une BD qui vient de paraître sur le sujet, était notre invitée ce matin.

Pourquoi est-on irrésistiblement attirés par les aliments gras, salés, sucrés - alors que l'on sait pertinemment qu'ils ne sont pas recommandés pour la santé ?

Réponse : ces aliments transformés sont hautement addictifs. Mais dans quelle mesure ? Existe-t-il un dosage particulier qui permet de nous faire revenir irrémédiablement à ce paquet de chips ou à cette alléchante part de cheesecake ?

C'est ce que décrivent Émilie Gleason et Arthur Croque dans une BD sous forme de docu-fiction publiée aux éditions Casterman.

Pourquoi la "junk food" est-elle addictive ? Comment sort-on de l'addiction à la bouffe ?

Émilie Gleason était notre invitée ce matin dans Un Nova Jour Se Lève.

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Pourquoi sommes-nous si accros à la "junk food" ?

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Émilie Gleason, co-autrice d'une BD qui vient de paraître sur le sujet, était notre invitée ce matin.

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La bande dessinée “Junk food” dénonce les ressorts de l’addiction à la malbouffe | RCF

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“Junk food” parle de l’addiction à la bouffe - vous m’excuserez cette grossièreté mais là on n’est pas dans la gastronomie ! Cet album, j’ai hésité avant de l’ouvrir à cause des dessins. Mais vous savez quoi ? Au bout de quelques pages, je suis restée pour le récit d’Arthur Croque mais aussi beaucou…

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BD Hanbok de Sophie Darq éd L'Apocalypse coup de coeur de Julien fondateur de ADAK

Sophie Darcq est à la fois une inconnue, puisque Hanbok est son premier livre, et quelqu'un qu'on ne présente plus dans le milieu de l'édition alternative ou dans la petite communauté d'autrices et d'auteurs d'Angoulême, où son talent est reconnu depuis longtemps. Née Coréenne en 1976, française d'adoption, Sophie Darcq est diplômée de l'EESI et a été résidente à la Maison des Auteurs d'Angoulême, avant de décider de partir en Corée sur les traces de sa famille biologique, avec l'une de ses quatre sœurs. C'est cette histoire que raconte Hanbok, récit familial poignant, entre l'exorcisme et la nécessité de connaître ses racines. Commencé il y a une quinzaine d'années, Ce premier tome de Hanbok (sur deux prévus) se démarque du flux de bandes dessinées autobiographique actuel par le profond besoin de vérité qu'on y trouve et par le brio du dessin. Passant avec désinvolture d'un style réaliste époustouflant à une grammaire minimaliste, d'un registre épistolaire à une narration historique, Sophie Darcq maîtrise son sujet et le langage de la bande dessinée comme peu d'autrices publiant leur premier livre.

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BD Hanbok de Sophie Darq éd L'Apocalypse coup de coeur de Julien Misserey fondateur de ADAK - France Bleu

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BD Hanbok de Sophie Darq éd L'Apocalypse coup de coeur de Julien fondateur de ADAK

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Culture

"Hanbok" de Sophie Darcq, un roman graphique sorti le 21 janvier 2023. (Crédits : Gwenael Germain)

Depuis les années 1950, plus de 11 000 enfants nés en Corée du Sud ont été adoptés en France. Presque 200 000 à l'échelle du monde. Problèmes économiques, naissances hors mariage, enfants métis... Il existe autant d'histoires de vie que de personnes adoptées. Sophie Darcq est l'une d'entre elles. Arrivée en 1980 en France, elle est adoptée avec ses trois sœurs par une même famille. Benjamine de la fratrie, intégrée à son nouveau pays et sans réels souvenirs de la Corée, ses origines ne l'avaient pas interrogée jusqu'à ce que sa grande sœur Virginie ne parte en Corée du Sud et retrouve la trace de leur famille biologique en 2004. Depuis, Sophie Darcq est devenue autrice de bandes dessinées : il lui aura fallu près de vingt ans pour sauter le pas et livrer son histoire. Asialyst l'a rencontrée il y a quelques semaines pour la sortie de son roman graphique, Hanbok.

Les bonnes étoiles de Kore-eda Hirokazu, Retour à Séoul de Davy Chou, ou encore le récent livre de Soo-ja Pracca, Là-bas sous le ciel clair, nombreux sont les films et les livres qui, ces derniers temps, traitent de la question de l'adoption internationale des enfants sud-coréens. À chaque auteur sa sensibilité, à chaque œuvre son point de vue complémentaire. Le réalisateur japonais Kore-eda se concentre sur le trafic d'enfants qui a pu avoir lieu sous couvert d'humanitaire. Le Franco-Cambodgien Davy Chou se penche sur le cheminement intérieur et la perte de repères que ressentent de nombreux adoptés. Soo-ja Pracca, française adoptée dans les années 1970, interroge le rapport au pays d'origine et la transmission de cette histoire à ses propres enfants.

Hanbok apporte un autre point de vue. Pour Sophie Darcq, écrire sur son adoption revient avant tout à écrire sur les souvenirs, les siens, mais aussi ceux des autres, et sur la façon dont ces souvenirs nous construisent. Dans son dessin transparaît des images, parfois floues, de moments dont on ne discerne plus très bien la part de réel et celle de reconstruction a posteriori. Surtout, Hanbok s'interroge sur la manière de rendre ces souvenirs et prend la liberté de mêler différents styles de représentation, du portrait réaliste depuis des photos aux dessins minimalistes envoyés à une amie sous forme de cartes postales. Ainsi, bien que le récit se concentre sur une histoire personnelle, celle de son adoption et d'un voyage à la recherche de ses origines, Sophie Darcq nous livre une forme d'universel que nous connaissons toutes et tous lorsque nous nous penchons sur le passé qui nous a construits tels que nous sommes.

Entretien

Née en 1976 en Corée du Sud, puis adoptée en France à l'âge de quatre ans avec ses trois sœurs biologiques, Sophie Darcq grandit à Limoges avec bien peu de souvenirs de son pays natal. Benjamine de la fratrie, elle s'intéresse rapidement à la guitare dont elle suit les cours au conservatoire. Mais c'est finalement le neuvième art qu'elle décide d'étudier aux Beaux-arts d'Angoulême. Là-bas, carnet de croquis à la main, elle mène une vie d'étudiante où la fête remplace parfois les cours, ce qui lui permet rapidement de s'entourer d'une cohorte d'amis dessinateurs et de se faire un nom dans le petit milieu de la bande dessinée indépendante en participant à plusieurs collectifs d'auteurs. Son quotidien bascule en 2004, lorsque sa grande sœur Virginie retrouve la trace de leurs parents biologiques et l'emmène, pour la première fois, en Corée du Sud, sur la trace de leurs origines. Un voyage initiatique qui alimentera Hanbok, son premier roman graphique.

La dessinatrice Sophie Darcq dans son atelier. (Crédit : Gwenaël Germain)

Qu'est-ce qui vous a amené à la bande dessinée ?

C'est la section bande dessinée des Beaux-arts d'Angoulême. À l'époque, je dessinais déjà et des copains étaient allés là-bas, donc j'ai suivi le mouvement. J'avais fait un an aux Arts-Déco de Limoges et avant ça un bac A3 Arts plastiques. J'ai toujours dessiné. Tous les enfants dessinent mais lorsque je suis arrivée en France, j'avais quatre ans. Je ne parlais pas beaucoup le coréen et encore moins le français. Donc je pense que le dessin avait une place particulière pour moi. Mes sœurs dessinaient aussi, particulièrement Virginie.

Vous destiniez-vous à devenir autrice de BD ?

Je n'imaginais pas que je pourrais devenir autrice de bande dessinée et encore moins autobiographique. À l'origine, je voulais faire de l'illustration pour enfants, mais la BD est venue naturellement parce que j'en lisais. Des Mickey quand j'étais gamine, puis des Lucky Luke, des Astérix, des classiques... Des Reiser aussi. Mon père les gardait précieusement dans son placard, il avait peur qu'on lui abîme donc il fallait qu'on les sorte un par un, ça donnait un côté hyper sacré à la chose, et c'était pas mal parce qu'on savourait le moment, l'objet. Je suis un peu comme tous les auteurs-dessinateurs. Au début, tu copies, tu recopies ce que tu aimes, puis il y a un truc de groupe aussi, tu dessines avec tes copains...

En 2003, votre sœur retrouve la trace de vos parents biologiques et vous emmène les rencontrer en 2004. Aviez-vous déjà en tête de dessiner ce voyage avant de partir ?

Non, je voulais déjà faire de la BD, mais j'étais sur un autre projet qui n'était pas autobiographique. Il racontait déjà une histoire compliquée entre une mère et sa fille. Nous sommes partis en 2004 et j'ai commencé le projet en 2005... Pour le reprendre dix-huit ans plus tard. C'est assez fou mais finalement, je ne regrette pas du tout parce que je ne l'aurais pas fait comme ça à l'époque et je suis très contente du résultat actuel. Quand ma sœur a retrouvé les parents biologiques, ça m'est tombé dessus d'un coup. C'était tellement prenant, un tel truc de fou. Pour moi, c'était génial, je ne voyais que l'aspect positif. Comme je suis la petite dernière et que je n'ai pas de souvenirs de la Corée, je n'ai pas de souffrance par rapport à ça. Ce n'était pas un tabou. D'ailleurs, je ne m'y intéressais pas vraiment avant, pas autant que Virginie en tout cas. Je faisais ma vie qui était là et c'était bien comme ça. Donc j'étais super curieuse, et c'est ce que j'essaye de raconter. Quand ma sœur est revenue avec des photos de famille de Corée, je trouvais ça génial. Pour moi, les costumes traditionnels, ça faisait manga. Ça m'a ouvert une porte géniale sur une culture vraiment différente qui ne m'intéressait pas plus que ça avant.

Extrait de "Hanbok" de Sophie Darcq, p. 40. (Crédits : Sophie Darcq / L'Apocalypse)

Comment le projet a-t-il vu le jour ?

C'est ma sœur Virginie qui m'a payé le voyage. Nos autres sœurs n'étaient pas aussi disponibles, et puis elles n'étaient pas prêtes. Virginie a presque tout organisé et moi, je me suis laissé porter. Entre-temps, je m'étais renseignée sur la BD coréenne et j'avais rencontré des auteurs coréens au Festival d'Angoulême : l'équipe de Sai Comics qui était l'équivalent d'une association de roman graphique, et aussi " Tchouyonn " qui était une étudiante coréenne aux Beaux-arts de Poitiers et avec qui j'ai commencé une correspondance après le voyage. Très vite, on s'est dit qu'entre nos origines communes et notre intérêt pour la BD, on avait beaucoup de choses à se raconter et on l'a fait en dessin. On s'est envoyé des cartes postales, à l'ancienne malgré internet, parce que ça avait plus de charme. J'y écrivais mon quotidien, ma vie en France et puis ma famille, les souvenirs...

Bref, en 2004, je fais le voyage en Corée pour revoir ma famille et j'en profite pour aller voir les auteurs de Sai Comics avec qui j'avais sympathisé quelques mois auparavant. Pour moi, le dessin était complètement détaché de mes histoires de famille, mais il se trouve que par un concours de circonstances, Kim Dae-jung, l'éditeur de Saï Comics, rencontre la mère. Pour moi, c'était le passé, le présent et peut-être le futur qui se rencontraient. C'était vraiment bizarre. Alors au retour de voyage, j'ai demandé une résidence à Angoulême pour pouvoir travailler ce projet-là. Je voulais raconter le voyage et cette rencontre avec la famille biologique mais il fallait le contextualiser. Alors j'ai décidé d'intégrer les cartes postales au projet. En fin de compte, ce sont elles qui ont déterminé le format du livre, parce qu'en en accolant deux, on obtient du A5, comme le livre.

Vous publiez ensuite les trente premières pages, en coréen, chez Sai Comics...

Oui mais c'est longtemps après, en 2010. Depuis le départ, Kim Dae-jung voulait que je publie chez Sai Comics, en Corée. Mais je voulais d'abord que ça soit publié en France. Je lui avais donné les trente premières pages après une résidence de six mois en Corée. En France, j'étais en contact avec l'éditeur Ego comme X. L'éditeur était intéressé mais on n'avait rien signé parce qu'il voulait d'abord que je finisse entièrement le projet, et entre-temps, j'ai traîné. Je suis venue à Paris, ma vie a changé et je n'ai pas pu avancer. Mais je ne regrette pas. C'était nécessaire parce qu'il n'y a des choses que je n'aurais pas racontées de la même manière, comme les souvenirs d'enfance de mes sœurs. Elles m'en avaient déjà parlé mais je ne m'en souvenais pas. Alors ces derniers mois, en travaillant sur le livre, c'était comme si je redécouvrais un peu tout. C'était très dense mais vraiment très intéressant de travailler sur le souvenir des autres. Cela met aussi une grosse pression parce que je ne voulais pas trahir des souvenirs qui ne sont pas les miens, d'autant que les souvenirs de ma grande sœur Nathalie commencent à s'effacer. Il fallait ensuite mettre en scène ces souvenirs, les réinterpréter. Il y avait aussi la difficulté de reconstruire l'histoire de la mère et remettre les pièces du puzzle à la bonne époque.

Appelez-vous toujours votre mère biologique, " la mère " ?

Oui. Avec mes sœurs, si on dit maman, on parle de notre mère adoptive. Mais si on parle de la mère biologique, on dit toujours " la mère " ou " elle "... J'ai fait attention à le garder.

Il y a une forme de mise à distance...

Oui, parce qu'elle reste une étrangère. Ce n'est pas péjoratif, mais c'est important et puis comme on ne peut pas échanger avec elle de manière fluide, ça reste une relation qui est vraiment à part.

Extrait de "Hanbok" de Sophie Darcq, p. 84. (Crédits : Sophie Darcq / L'Apocalypse)

À quel moment avez-vous repris le livre ?

Il y a un an ,je crois, j'avais déjà 80, 90 pages, donc le plus gros morceau, mais j'avais eu peur. Je m'étais arrêtée juste avant la rencontre avec la mère. Alors quand j'ai repris le projet, quand on s'est mis d'accord avec mon éditeur, il a bien fallu que je me confronte à cette partie. J'avais très peur parce que, pour moi, il ne se passe pas grand-chose. Quand j'ai repris, je n'avais pas à l'esprit d'ajouter les souvenirs de mes soeurs, alors qu'ils sont hyper importants. Mais tout ça s'est fait quand j'ai eu une date butoir. J'ai dû me remettre au travail.

Le script était-il écrit avant de reprendre le dessin ?

Non, je n'ai pas de script. Le script, c'est le voyage lui-même, c'est ça qui m'a donné le rail. C'est le mois d'aout 2004 et ses quatre semaines qui découpent le récit. C'était un scénario déjà tout prêt parce que la mère est arrivée à la toute fin. Elle nous a fait attendre. Virginie l'avait déjà rencontrée, mais pas moi. J'avais rencontré tout le côté paternel, mais si je ne l'avais pas vu, ç'aurait été les boules.

Sur quoi vous êtes-vous appuyée pour reconstituer l'histoire ?

J'ai fait avec le matériau que j'avais. Des photos et des vidéos de mauvaise qualité du voyage. De vieilles photos de la famille biologique. Les vidéos étaient hyper importantes, particulièrement pour la mère parce que sur les photos conservées par la famille paternelle, il n'y avait qu'une seule photo où on voyait la mère. C'était elle qui était partie. Elle avait quitté le foyer donc c'était vraiment la... je ne sais pas... la sorcière. Ils ont dû la rayer de toutes les photos. Pour d'autres rencontres, comme celle avec la tante, le souvenir était encore frais lorsque j'ai fait les pages.

La BD décrit beaucoup ce qui se passe, mais elle met peu en avant vos sentiments...

Je crois que c'est le meilleur moyen de faire passer ce que j'ai ressenti vraiment. Je n'avais pas envie de violons, ce n'est pas intéressant. Cela ne nous a pas empêcher de pleurer quand on l'a quittée. D'ailleurs, je ne voulais pas pleurer, mais c'était plus fort que nous. C'est vrai que c'est mon histoire mais c'est aussi notre histoire. Moi, je ne me sens pas celle qui... Tout ça me traverse. Je ne suis pas insensible mais à l'époque, j'étais peut-être moins consciente de tout ça. Peut-être que maintenant, je serais peut-être plus bouleversée. D'ailleurs, quand je relis l'histoire, ça me fait des choses.

Il y a beaucoup de cases sur le regard, sur les yeux...

En fait, c'est par là où beaucoup de choses passent. Quand tu n'as pas le même langage, ça passe par là, c'est un truc qui est expressif. On ne peut pas se cacher : un regard ne ment pas en général. Et puis il y a beaucoup de photos et on ne s'y cache pas les yeux. On se regarde, on se scrute, on cherche les ressemblances.

Quel regard avez-vous aujourd'hui sur votre roman graphique ?

Je suis contente mais comme c'est le tome 1, j'ai envie de me pencher sur le tome 2. J'ai envie de raconter plein de choses parce que j'ai dû faire le tri dans le premier. Là, je suis encore en phase de sidération, je suis très contente que le livre existe enfin. Pour ma mère, mes soeurs, rien que pour ça je suis super contente qu'elles puissent le lire.

J'essaye de ne pas couper le fil. Il y a tellement de choses à faire, mais si je suis en phase d'écriture, je ne vais pas pouvoir rencontrer des gens, faire la promotion du livre. Pour le tome 2, je ne vais pas raconter la même période, mais me pencher sur ce qui s'est passé après et faire des allers-retours avec le passé et l'enfance. J'aimerais bien que le récit soit vivant, qu'il ne soit pas un truc figé. D'ailleurs, si des lecteurs veulent chercher, il y a deux références au cinéma de Bong Joon-ho dans les pages du premier tome...

Propos recueillis Gwenaël Germain

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A propos de l'auteur

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BD : "Hanbok" de Sophie Darcq ou la rencontre en Corée avec les parents biologiques

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À lire ! Le roman graphique "Hanbok" de Sophie Darcq. Depuis les années 1950, plus de 11 000 enfants nés en Corée du Sud ont été adoptés en France. Sophie Darcq est l'un d'entre eux. Arrivée en 1980 en France, elle est adoptée avec ses trois sœurs par une même famille.

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Kōhei Araki cherche un successeur. Cet homme voyant la retraite arriver n'a pas envie de laisser entre de mauvaises mains ce qui l'a animé toute sa vie : la création de dictionnaires. Par chance, il trouve la personne idéale dans un autre service de sa maison d'édition. Docteur en lettres méticuleux, exigeant, réfléchi, Mitsuya Majime a le profil idéal. Avec ses collègues, les voilà partis pour 13 années de travail au service de la langue.

Après une sortie passée quasiment inaperçue en France en 2019 aux éditions Actes Sud, le roman La Grande traversée de Shion Miura nous revient sous son adaptation en manga. Fort de son succès en critique et public au Japon, le titre décrochant notamment le prestigieux Grand Prix des libraires en 2012, celui-ci avait déjà été adapté en film dès 2013. Trois ans plus tard, on pouvait (re)découvrir l'histoire le temps d'une série d'animation de 11 épisodes de 22 minutes diffusés à la télévision. C'est justement à ce moment-là que débuta la prépublication de l'adaptation en manga par Haruko Kumota, mangaka qui avait déjà signé les illustrations accompagnant le roman original et qui venait de terminer la série qui la fit véritablement connaitre du grand public : Le Rakugo, à la vie, à la mort.

Même si le thème pourrait paraître particulièrement peu avenant, un livre comme La Grande traversée a bien des choses à nous raconter et bien des publics à séduire. Emplie de douceur, de bienveillance, d'amour des mots et de l'autre, cette histoire porte autant le regard sur les livres et les mots que sur les relations interindividuelles. Grâce à la traduction à la fois précise et délicate de Cyril Coppini ainsi qu'à l'adaptation minutieuse de Sébastien Raizer, on est à la fois plongé dans cette longue expérience professionnelle qu'est l'élaboration d'un dictionnaire de 230 000 entrées, toutes les tergiversations lexicographiques que cela entraîne, et aussi dans les échanges intimes qui naissent entre des personnages qui se découvrent. L'élégance du trait de Haruko Kumota adjoint plein de charme et de tact à cette tranche de vie qui s'écrit sur le long terme. Sa sobriété se marie parfaitement avec le ton posé et retenu de ce récit qui lie joliment le cœur et les mots.

© KUMOTA Haruko / Kôdansha - Traduction : Cyril Coppini

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Kōhei Araki cherche un successeur. Cet homme voyant la retraite arriver n'a pas envie de laisser entre de mauvaises mains ce qui l'a animé toute sa vie : la

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Ce récit singulier de la conception d'un dictionnaire, adapté par Haruko Kumota d'un roman japonais à succès, décrit la façon dont une passion peut hanter celles et ceux qu'elle habite.

On ne peut s'empêcher de penser, devant le titre de ce manga, à un autre grand livre utilisant le même terme : La Traversée des apparences de Virginia Woolf. On ne peut non plus prévenir le souvenir de la préface de l'anthologie des romans graphiques de Floc'h et François Rivière ( Une amitié singulière, Dargaud), qui se terminait par ces mêmes mots, écrits par un personnage à un autre, en guise d'oraison funèbre :

"Vous n'avez jamais failli à votre parole, à cet accord tacite qui régnait entre nous comme une promesse d'enfants, au cours de ce que les autres appellent la vie et dont je sais, plus qu'aucune autre, qu'il ne s'agit que de la traversée des apparences." Tout ici tend à cela : des promesses d'enfants et la dissection de la traversée des apparences.

À travers le récit de la fabrication d'un dictionnaire par une équipe de spécialistes, que rejoint un nouvel expert, La Grande Traversée est une plongée dans le sens que l'on attribue aux mots, et la façon dont leur multiplicité se déploie. La façon dont ils nous affectent aussi. Elle est, tout au long, une dissection du processus par lequel le travail se constitue autour d'un même projet, d'un même ouvrage - pour ne pas dire une même œuvre.

Lorsque tout sera terminé, ils auront traversé ensemble quelque chose qui les aura changés

Au-delà des anecdotes, se joue là la façon dont les choses sont construites, par des gens aux tempéraments différents et qui finissent par trouver, dans la fabrique même d'un artefact, un terrain commun, une sorte de territoire qu'ils et elles défrichent ensemble.

Seul le mélange compte

À force de faire ce geste, ils et elles finissent pas se connaître intimement les un·es les autres. Et ce alors même que rien ne s'y prête ou ne les y oblige : le contexte professionnel rend les rapports extrêmement cérémonieux et le travail lui-même, autour des mots, de leur définition, de la manière dont l'ensemble du dictionnaire prend forme, nécessite des personnalités concentrées, sérieuses, presque renfermées sur elles-mêmes.

La beauté du livre consiste en l'introduction, au fil du récit, de personnages venant chatouiller la mécanique, et d'événements signifiant que trop de sérieux, parfois, tue le sérieux. Et que seul le mélange, des gens, des genres, compte.

Au bout de la lecture, il s'est tout de même déroulé une traversée : celle de la vie de personnages entièrement bouleversés par ce qu'ils ont manufacturé, par les risques qu'ils ont pris pour y parvenir et la façon dont leur vie privée en a été affectée, renversée même. Lorsque tout sera terminé, ils auront traversé ensemble quelque chose qui les aura profondément et intimement changés. Jusqu'à la prochaine édition.

La Grande Traversée de Haruko Kumota, d'après le roman de Shion Miura ( Le Lézard Noir), traduit du japonais par Cyril Coppini, 320 p., 18 €.

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"La Grande Traversée", manga travaillé par une question obsédante : à quoi servent les mots ? | Les Inrocks

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Ce récit singulier de la conception d'un dictionnaire, adapté par Haruko Kumota d'un roman japonais à succès, décrit la façon dont une passion peut hanter celles et ceux qu'elle habite.

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RTS Culture on Instagram: "Garder les yeux ouverts et ne pas perdre le goût du jeu dans sa pratique du dessin.

Entrez dans la bulle de l’illustrateur et bédéiste Simon Beuret @the_oobserver qui nous accueille dans son atelier au terrain Gurzelen de la ville de Bienne.

Megalopole, carnet d’esquisse et filature, Simon Beuret nous présente sa première BD « Eye Contact » parue aux éditions Atrabile où se mélange fluidité de la ligne, bichromie en noir et bleu et narration haletante. Un premier roman graphique qui nous parle de rencontre et qui place le dessin au centre d’une aventure urbaine pleine de poésie.

🎥 ©️ RTS Culture | @societeecran | @patrice_rullier 

📍Ville de Bienne 

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326 likes, 27 comments - rtsculture on September 5, 2023: "Garder les yeux ouverts et ne pas perdre le goût du jeu dans sa pratique du dessin.

Entrez dans..." 

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Corps des Possibles - Sorbonne Université x Radio Nova

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Adlynn Fischer en interview pour planetebd com

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A mi-chemin entre la bande dessinée et l'infographie, le Suisse Martin Panchaud déroule dans "La couleur des choses" une aventure rocambolesque qui mélange comédie noire, thriller et récit initiatique sarcastique.

Simon a quatorze ans, il vit dans un quartier populaire de Londres. Il est plutôt grassouillet, aimé par sa maman, ignoré par son papa et persécuté par les jeunes de son âge.

Un jour, sur les conseils d'une voyante, il joue aux courses tout son argent (une livre et 99 pences) et les économies de son père (mille livres), subtilisées dans une cachette. Manque de bol, il trouve le quinté dans l'ordre et pourrait bien empocher la coquette somme de 16'253'456 livres et 50 pences.

Pourquoi est-ce une malchance? Car il est mineur. Il suffirait que sa mère lui signe son bordereau pour ramasser le jackpot, mais celle-ci est retrouvée dans le coma sur le sol de sa cuisine. Elle a visiblement été estourbie par son mari, furibard de la disparition de ses économies.

Un voyage anglais

Simon, aidé par un ami très proche (peut-être trop) de sa mère, va tenter de retrouver son père pour récupérer sa fortune maudite. Son chemin va l'emmener aux quatre coins de l'Angleterre. Il croisera des bikers agressifs, une baleine bleue explosive et même Darth Vader.

Cette aventure, durant laquelle tous les espoirs sont déçus et où l'enfant devient un homme en traversant l'adversité et les tripes d'un cétacé, est remplie d'humour.

Bande infographiée

Une planche de "La couleur des choses", de Martin Panchaud. [Editions ça et là] "La couleur des choses" est une bande dessinée réalisée entièrement en infographie. Martin Panchaud utilise une méthode déjà expérimentée pour son projet SWANH, dans lequel il résumait "La guerre des étoiles" sur 123 mètres de long.

Martin Panchaud a développé un style très personnel pour exprimer sa créativité. Les protagonistes sont vus d'en haut et représentés par des ronds de couleurs sur un plan. Un trait les relie aux dialogues. Parfois, des détails sont mis en avant par une illustration plus détaillée - le fonctionnement d'un pistolet électrique, la carte du flux migratoire des baleines -, mais pas de dessin à proprement parler.

S'imaginer des visages

Dans ce livre, Martin Panchaud fait travailler notre imagination. Il la nourrit, nous donne des décors, des dialogues, des détails et une histoire passionnante. Le visage des protagonistes est ainsi différent dans la tête de chaque lecteur. Les aventure de Simon sont palpitantes et on s'accommode vite de cette drôle de forme qui devient finalement naturelle.

La conception du livre a été est rocambolesque. Martin Panchaud est Genevois. Encouragé par le succès de son projet "Star Wars" et par l'enthousiasme de ses connaissances dans le milieu de la BD genevoise, il a écrit "La couleur des choses" en français. Hélas, son livre ne trouve pas grâce aux yeux des éditeurs romands. Trop bizarre, trop cher, trop compliqué, pas assez dans la ligne éditoriale.

Une première parution en allemand

La couverture de "Die Farbe der Dinge" de Martin Panchaud. [Prix suisse du livre jeunesse] Mais Martin Panchaud ne se décourage pas. Comme il habite Zurich, il se tourne vers la maison Edition Moderne. L'éditeur indépendant flaire le bon coup et publie en 2020 le livre en allemand.

C'est le succès! "Die Farbe der Dinge" rafle le prix Delémont'BD de la meilleure première oeuvre suisse de bande dessinée 2020 ainsi que le Prix suisse du livre jeunesse 2021. Il est nommé Bande dessinée de l'année par le quotidien berlinois Tagesspiegel et est nominé pour le prix Max et Moritz (la plus importante distinction de la bande dessinée en Allemagne).
>> A lire aussi: Martin Panchaud reçoit le Prix suisse du livre jeunesse
Ce succès germanophone attire l'attention des éditions françaises çà et là. Cette maison d'édition a pour vocation de n'éditer en français que des traductions de bandes dessinées. Serge Ewenczyk, son fondateur, déniche des perles du neuvième art au Brésil, en Autriche ou en Thaïlande. Avec "La couleur des choses", il édite pour la première fois, grâce au manque de vision des éditeurs francophones, un livre qui à l'origine est écrit en français. Une aventure farfelue, à la scène comme à la ville, mais avant tout un livre furieusement drôle. Vivement la suite!

Didier Charlet/mh
Martin Panchaud, "La couleur des choses", éditions ça et là.

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"La couleur des choses", le thriller infographique de Martin Panchaud

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A mi-chemin entre la bande dessinée et l'infographie, le Suisse Martin Panchaud déroule dans "La couleur des choses" une aventure rocambolesque qui mélange comédie noire, thriller et récit initiatique sarcastique.

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Julie Delporte affirme être " devenue " lesbienne à 35 ans, après des années à essayer d'aimer les hommes, à ne pas se sentir à sa place et à douter de son amour de la sexualité. Après une année de décroissance sexuelle, elle a non seulement découvert son amour des femmes, mais également délaissé le rôle qu'on leur impose en société. Un tabou à la fois, l'autrice et illustratrice raconte son histoire avec une sensibilité et une franchise désarmantes dans Corps vivante (Éditions Pow Pow).
Il y a énormément de vulnérabilité dans ce livre. Peut-on dire que le désir de faire œuvre utile a pris le dessus sur la peur de s'exposer ?
Julie Delporte : Avec ce livre-là, je pensais à un moi plus jeune ou à d'autres personnes dans le monde pour essayer de leur faire gagner du temps ou de leur faire comprendre des choses. C'est mon moteur. J'ai envie d'aider les gens à réfléchir sur ces questions-là. Toutefois, je ne me suis pas fait violence. Je n'ai pas trop peur de m'exposer.

Tu écris t'être épuisée à aimer les hommes. Peux-tu m'expliquer ce sentiment ?
Julie Delporte : Je n'aimais pas mon rôle de femme. J'étais en dispute avec moi-même et avec le monde. Je luttais tous les jours contre quelque chose que je ne voulais pas. Je ne m'identifiais pas non plus comme non-binaire. Peut-être que dans une autre vie, si j'avais grandi en me faisant expliquer ces questions, j'aurais pu m'identifier ainsi, mais ce n'est pas mon langage. Je n'ai pas envie de porter ça en société. En " devenant " lesbienne, je me suis libérée du rôle féminin dans un couple hétéro. Je n'étais pas à ma place. Oui, il y avait ma préférence sexuelle, mais ça allait bien au-delà de ça. Je parle aussi d'une identification à un rôle genré socialement.

Un jour, tu as décidé de vivre un an de décroissance sexuelle. En quoi cela consistait-il ?
Julie Delporte : J'ai arrêté de me forcer. J'avais l'impression qu'il fallait absolument aimer la sexualité. Depuis l'enfance et l'adolescence, il y avait cette idée que plus de sexualité et plus de libération, c'était mieux. Je sais qu'il y a plein de gens autour de moi qui ne vivent pas dans la performance sexuelle ou qui restent un ou deux ans sans activité sexuelle, ou en tout cas pas avec les autres... mais on en parle peu. Socialement, c'est plus valorisé d'aller vers le plus dans la sexualité. Dans mon cas, j'ai fait une pause. Ça s'est fait tout seul. Je n'étais plus capable. Encore aujourd'hui, ça se poursuit dans un certain sens. J'arrête de foncer et je réfléchis à si j'en ai envie, à ce qui se passe dans mon corps et à si je le fais parce que je suis censée le faire ou non.

Il y a une grande mécompréhension du désir féminin dans la société et ton entourage remettait souvent en question ton rapport à la sexualité en essayant de trouver ce qui clochait. Te sentais-tu incomprise de toutes parts ?
Julie Delporte : Je ne me comprenais pas moi-même. C'était comme un manque d'identification à un discours commun autour de la sexualité. Je faisais une forme de déni. J'ai été élevée avec les films, les romans et les émissions qui racontaient des histoires hétéronormées. Je n'avais que ça comme script. Je continuais ainsi en sachant que je n'aimais pas tant ça, la sexualité. Chaque fois, je tombais amoureuse avant de finir par me disputer à répétition. C'est difficile d'accepter ce genre de chose. Sur les questions LGBTQ+, on parle souvent de la honte. En toute transparence, je ne la ressens pas si fort. Je suis plutôt fière d'avoir une blonde. Par contre, la honte est forte en ce qui concerne ces questions de décroissance sexuelle. C'est un gros tabou.

À 35 ans, en t'identifiant lesbienne, tu affirmes t'être libérée des obligations de la féminité. Pourquoi est-ce le fait de te dire lesbienne qui t'a donné cette légitimité ?
Julie Delporte : Jusque-là, j'avais du mal à me sentir désirée par des hommes qui
m'auraient plu. Je ne me sentais pas belle ni attirante. Tout d'un coup, j'ai décidé de me mettre sur une application de rencontres pour rencontrer des femmes et je me suis sentie hot. Par exemple, j'ai constaté que si j'arrivais avec une veste en cuir toute croche, elles pouvaient m'aimer comme ça. Je découvrais que ça m'allait vraiment bien comme identité et que ça plaisait aux autres. Je n'avais plus envie de mettre de robes. Je ne comprenais pas pourquoi j'en mettais auparavant. Je me suis d'ailleurs souvenue que je détestais en porter quand j'étais petite. Peu à peu, je me suis reconnectée à mon enfance et à ce que j'aimais à l'époque.

Tu soulignes qu'à partir de là, le monde est devenu plus beau, mais que tu essayais quand même de gagner des dykes points. T'épuisais-tu encore à essayer de t'adapter aux autres ?
Julie Delporte : Ouais, vraiment. Ça doit être mon caractère. Il y avait un sentiment d'imposteur d'arriver sur le tard et une peur de ne pas être une vraie lesbienne. Heureusement, ça commence à aller mieux.
INFOS | CORPS VIVANTE, Julie Delporte, Éditions Pow Pow, 2022, 42 pages.

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Corps vivante : aimer les femmes un peu plus tard

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À Contrition Village sont réunis d'ex-pédocriminels à leur sortie de prison. Les Espagnols Carlos Portela et Keko signent un album en forme de polar, qui s'inspire d'une vraie localité aux États-Unis. Entretien croisé.

Dans ce coin de Floride, personne ne voudrait aller en vacances. À Contrition Village pullulent les délinquants sexuels qui ont purgé leur peine. Dans cet état, les ex-prisonniers n'ont pas le droit de vivre à moins de 300 mètres d'une école, crèche, parc ou cour de récréation. Alors ils se retrouvent dans cet endroit désolé - qui existe réellement sous le nom de Miracle Village, aux États-Unis. Quand un pédophile y est retrouvé brûlé, une journaliste décide d'enquêter. Petit à petit, elle découvre une réalité complexe, faite de masques et faux-semblants... Dans Contrition (éd. Denoël Graphic), le scénariste espagnol Carlos Portela cisèle un récit poisseux et intrigant, dont le cadre est aussi incroyable que fascinant. Il s'est allié au dessinateur Keko (Moi, assassin ou Moi, menteur, avec Antonio Altarriba), qui réussit à traduire dans un noir et blanc somptueux ce thriller ambitieux.

Comment avez-vous entendu parler de Miracle Village en Floride, dont vous vous êtes inspirés ?
Carlos Portela, scénariste En farfouillant en ligne, je suis tombé par hasard sur un livre de photos consacré à cet endroit. J'ai été choqué quand j'ai compris de quoi il s'agissait : un village dont la plupart des habitants sont des criminels, c'est complètement fou ! Je n'avais jamais rien lu de tel en fiction. Miracle Village n'est pas très grand, et ceux qui y vivent ne peuvent aller nulle part. Je me suis demandé de quelle façon on y vit, comment on se sent quand, après une peine de prison, on se retrouve en liberté mais sans pouvoir mener une vie normale.

Vous y êtes-vous rendus, l'un et l'autre ?
C.P. Seulement par le biais d'Internet ! Nous avons chacun glané une grosse documentation en ligne. Nous savions que l'environnement de ce village c'est la pauvreté, la drogue, la délinquance. Les voisins ne se plaignent pas de vivre à côté de criminels parce qu'ils n'en ont pas les moyens.

Keko, dessinateur Clairement, ce lieu m'a attiré et donné envie de réaliser cet album avec Carlos. Dès qu'il m'en a parlé, j'ai su qu'une histoire dans ce village serait très forte. Le challenge a été de recréer ce lieu sans y avoir mis les pieds.

Pourquoi avoir adopté la forme d'un thriller ?
C.P. Ce genre permet de donner du rythme à l'histoire et évite qu'elle devienne trop psychologisante. J'ai choisi d'écrire un récit non linéaire, où le lecteur peut se sentir un peu perdu - je réponds à une question qu'il se pose, tout en en formulant deux nouvelles...

Pourquoi utiliser le personnage d'une journaliste, Marcia, comme fil rouge ?
C.P. Marcia, c'est moi. Elle me permet de poser des questions, d'aborder la thématique de la famille qui se délite [les choses vont mal entre Marcia et le père de son enfant, ndlr]. Et puis je ne souhaitais pas que Contrition ne soit qu'une histoire de vengeance, cela me paraissait trop facile. De même, je ne voulais pas que les caractères des protagonistes soient trop caricaturaux. Le criminel n'est pas un homme super intelligent, à la manière d'Hannibal Lecter : c'est un gars normal qu'on pourrait croiser au coin de la rue, et c'est ce qui le rend d'autant plus effrayant.

Comment avez-vous élaboré l'ambiance poisseuse de l'album ?
C.P. Je souhaitais créer une atmosphère oppressante, mouvante. J'ai été influencé par celles des films Zodiac de David Fincher, Memories of Murder de Bong Joon Ho, ou Prisoners de Denis Villeneuve.

K. De mon côté je me suis plongé dans les tableaux d'Edward Hopper, que je trouve très cinématographiques. Ils révèlent pour moi la solitude, la tristesse profonde de l'Amérique. Leur imaginaire m'évoque aussi le film Paris, Texas, de Wim Wenders. J'ai conscience que c'est une façon très européenne de voir les États-Unis, pays qui nous attire et nous effraie à la fois.

De quelle manière avez-vous travaillé ensemble ?
K. Oh, nous sommes juste deux copains qui racontent une histoire, alors il n'y a eu aucun problème... Notre fonctionnement a été très ouvert. Carlos ne ferme aucune porte, nous avons discuté de l'intrigue en permanence, en ajoutant de nouvelles idées.

C.P. Je lui ai proposé un synopsis complet d'une vingtaine de pages, puis j'ai écrit le scénario au fur et à mesure qu'il le dessinait - j'avais une dizaine de pages d'avance sur lui, pas plus. Cela permettait de progresser ensemble. J'ai pu ainsi ajouter de nouveaux éléments inspirés par la tonalité du trait.

K. Depuis dix ans je travaille avec du matériel digital. Cela me permet d'utiliser des photos pour les décors, de dessiner dessus avec des filtres. Cela fait surgir des textures et donne, selon moi, une certaine authenticité à l'histoire.

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BD : "Contrition", une plongée dans l'épaisse noirceur d'un ghetto pour délinquants sexuels

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À Contrition Village sont réunis d'ex-pédocriminels à leur sortie de prison. Les Espagnols Carlos Portela et Keko signent un album en forme de polar, qui s'inspire d'une vraie localité aux États-Unis. Entretien croisé.

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Rien à voir avec la BD noire Contrition de Carlos Portela et Keko

est un rebelle.
C'est pourquoi il a choisi de partir loin du monde, se foutre de la liberté en plein pif.
Malheureusement, le train qu'il a pris ne l'a mené qu'à Saint-Clair-du-Rhône. Tant pis pour l' Amérique dont il rêvait.
Il se tourne alors vers la BD Contrition, de Carlos Portela et Keko parue chez Denoël Graphic, qui se déroule bien, elle, outre-atlantique.
Manque de bol, ça va pas le faire non plus, puisque le voilà débarqué dans une BD ultra-noire au prises avec un ghetto pour prédateurs sexuels.

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Maxime Gueugneau a besoin de liberté, pour ça rien de mieux que l'Amérique - Radio Nova

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Rien à voir avec la BD noire Contrition de Carlos Portela et Keko

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Contrition - Keko & Portela

Il existe un village dans le Comté de Palm Beach en Floride appelé Contrition. On y fait pénitence de ses actes passés. A Contrition, il n'est pas rare de voir devant une maison, des panneaux comme celui-ci : "Christian Novak est un prédateur sexuel. Il a été condamné et vit ici." Contrition n'est pas une invention de Portela et Keko. Le village existe vraiment en Floride, sous le nom de Miracle. Il regroupe des délinquants sexuels condamnés. Ils sont loin de la civilisation, sous bracelet électronique. On ne peut en partir que quand la mise à l'épreuve est complètement achevée. Ici s'arrête le parallèle.

Là commence la fiction. Ce 27 mars 2008, dans la nuit noire de Contrition, une maison est en feu. Un homme est à l'intérieur. Pas un cri, rien. Acte de vengeance, suicide ou meurtre maquillé ? Le dessin noir et blanc est inquiétant. Les visages hésitent entre tristesse et résignation. Marcia est une journaliste d'un canard local. Elle est une des premières à se rendre sur place. Elle a été alerté par Joe, un policier qui crache les infos en fonction des billets qu'on lui donne : "Apparemment Novak a trop picolé. Il s'est endormi avec une cigarette allumée. Quel abruti !" L'enquête vue de la police, n'a pas à aller plus loin. Qui peut bien se soucier de la mort d'un délinquant sexuel ? Marcia elle, s'interroge quand on lui souffle que la scène ressemble un peu trop à un incendie parfait, jusqu'à ce que les doutes se confirment. L'homme dont on a retrouvé le cadavre dans la maison incendiée est mort il y a un mois.

Ici débute la nouvelle histoire. Pourquoi Novak qui habitait la maison, a disparu de Contrition. Qui est Darrel Tomasson... l'ami de Novak, qui a disparu lui aussi ? Et pourquoi on n'aperçoit jamais son visage dans les clichés qui sont pris du village, des réunions ? Marcia cherche, interroge, dérange. Résoudre cette énigme devient l'obsession jusqu'à perdre son job et le père de son fils qui préfère mettre les voiles. Façon séries, Portela vous invite à suivre le fil de son récit à tiroirs.
Parce qu'il n'y en a pas un, mais plusieurs. Parce qu'il n'y a pas un Darrel Tomasson, mais un certain Clay :"Clay Martins et mon fils s'appelait Josh." Parce qu'un thriller bien ficelé, ne laisse rien transparaître, jusqu'au bout.
"Contrition" chez Denoël Graphic
"Red Creek Shuffle" - Corbeyran, Pacheco & Saint-Blancat

Changement de décor. Côte ouest des Etats-Unis. Désert de l'Arizona. Vue aérienne. Un cadavre éventré. Pour le sheriff, c'est un jaguar. Un détective lui dit qu'il n'y en a pas dans le secteur. La réponse cingle : "Me cherche pas, Peccato. Un jaguar, une panthère, un ours, un animal sauvage, quoi !" Thompson n'aime pas quand un détective lui dicte son enquête. Un indien de la réserve éventré, c'est un de moins. Qu'est-ce qu'on en a à faire ? Corbeyran, Pacheco et Saint-Blancat déroulent façon film noir mâtiné d'Audiard. Dessin très comics des années 50, avec des profils anguleux et de belles dents blanches façon Roy Lichtenstein.

Mars 1959. Après le cadavre, les présentations. Milton livre des produits à la base militaire d'à côté. Il est pas bien méchant avec son regard de benêt. Kelly est la serveuse du "Lucy in the Sky". Elle aime bien Milton. Jane est journaliste, circule à moto. Elle enquête sur le mort mais pas que. Une casse-auto l'intéresse aussi. Elle est tenue par 4 frères. On dirait 'Ma et les Dalton. Ca tombe bien, ils ont la tête de l'emploi. Vous mélangez le tout et vous vous marrez.

Les morts, les Indiens qui veulent des explications, qui font des sit-in, des disparitions inquiétantes dont tout le monde se fout sauf Pecato le détective, des espions russes débiles (on est en pleine guerre froide), des Daltons pas plus fins et une soucoupe volante. l'affaire Roswell n'est pas loin. L'attelage est déjanté. Le polar tout aussi crétin que malin ! Mortel !
"Red Creek Shuffle" chez L'Aqueduc Bleu

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"Contrition" et "Red Creek Shuffle", deux versions du polar en BD

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Il y a le polar noir, effrayant, et il y a celui qui s'affranchit de tous les codes. "Contrition" et "Red Creek Shuffle" sont deux versions aux antipodes. Le premier est étouffant, le second est hilarant.

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Bonjour Planète Bizarre, signé Alexx Boniki paru aux Éditions Flblb (La déflagration des buissons de Julie Chapallaz, Néo Faust d'Osamu Tezuka...) nous raconte le quotidien embrumé de Syd et Tabata, deux meilleures amies préférant passer le plus " clair " de leur temps à fumer des pétards et à écouter de la musique d'outsiders plutôt qu'à préparer leur bac. Étrangement, une série d'incendies se déclare. À l'approche de l'été, chacune a des projets différents.

Évoluant dans l'univers voilé et hardi de la bande dessiné, membre actif du Collectif d'En Face (Rouen), Alexx nous a accordé une interview dans laquelle elle nous raconte sans demi-mesure le parcours ayant mené à la réalisation de cette bulle graphique de 184 pages, riche en humour noir et où règne la désinvolture.
Bonjour Alexx merci de nous accorder cet entretien. D'entrée de jeu Bonjour Planète Bizarre propose un univers, le ton est donné dès l'ouverture. Pour autant, on ne peut s'empêcher de penser à Ghost World pour son côté sarcastique / humoir noir. La référence est parfaitement assumée de ce que j'ai pu lire ici et là. D'autres œuvres t'ont-elles inspirées pour raconter cette histoire ?
Bah déjà, merci parce que j'aime bien répondre à des questions. Donner mon avis sur des trucs, c'est un de mes passe-temps favoris ! Ouais, j'adore Ghost World, de Daniel Clowes ! C'est une bédé que j'ai lue vers mon adolescence et ça a été une claque, tant au niveau du graphisme et du récit que dans la façon dont les personnages d'Enid et de Rebecca sont construits. On a l'impression d'être ces deux adolescentes au fil de la lecture, même si on est pas forcément deux filles adolescentes, et lorsqu'on referme le bouquin, on est triste de les quitter. Comme quoi, on peut être un vieux monsieur et parfaitement écrire des personnages de filles ados héhé. Je trouve que c'est important, ça, savoir bien écrire des personnages, et surtout, de les écrire honnêtement. Si les personnages ne sont pas bien écrit, pas bien construits, l'histoire perdra en force, même si on est un génie du dessin, car si le lecteur ne peut pas croire que les personnages existent, ça le sort du récit et c'est foutu.
J'ai pas mal regardé de films de Sidney Lumet aussi pendant la réalisation de ma bédé. Il est particulièrement doué dans l'écriture de ses personnages. J'aime aussi le fait qu'il réussisse, par un détail dans une scène, à ce qu'on comprenne un trait de caractère d'un personnage. Dans Serpico, par exemple, le flic joué par Al Pacino achète un chiot dans la rue, sans raison apparente. Tout au long du film, ce chien qui a grandi et qui est devenu un énorme clébard sympathique, traverse de temps en temps les scènes. On découvre plus tard, par d'autres plans dans le film, qu'Al Pacino a en fait une incroyable ménagerie chez lui, des souris qu'il trimballe dans ses poches de chemise, un perroquet, sans qu'on n'insiste dessus avec des dialogues. Et hop, on a un trait de caractère du personnage qui apparaît et qui nous le rend plus profond. C'est pareil pour le personnage de Sonny, dans Un après-midi de chien ...

Ceci dit, tous les bouquins que j'ai lu (même les mauvais) ont dû m'inspirer pour Bonjour Planète Bizarre : on est la somme de tout ce qu'on a lu, vu et écouté, j'imagine...
Les séquences humoristiques jalonnent le récit tout du long, je pense notamment au concert que " donnent " les Suburb Suicide (je n'en dirais pas plus à ce sujet pour ne pas spoiler). Il y a comme une forme de glorification de la loose que l'on retrouve dans le cinéma indépendant américain. Entends-tu cette analyse ?
Oui, c'est possible. Le duo des Suburb Suicide sont construits comme des personnages plus caricaturaux que ceux de Syd et Tab. Ils sont là, presque comme des marionnettes grotesques, ce qui rythme le récit et le rend moins sombre, moins tragique, même si ce qui arrive aux Suburb Suicide est horrible aussi, au final. C'est la façon dont leurs déboires sont montrés qui rend le truc drôle. Quant à la " glorification de la loose ", ouais, c'est sûr que je trouve ça plus intéressant de montrer des personnages qui galèrent (et les Suburb Suicide galèrent aussi sûrement parce qu'ils sont pas très bons dans ce qu'ils font) que des persos qui réussissent tout sans trop de difficultés. Ça ne fait pas une très bonne histoire, je pense, et j'aurai envie de les gifler, ces héros-là, car je n'aurais aucune empathie pour eux.
Sans doute, que c'est ça aussi, ce qu'une certaine partie du cinéma indépendant veut montrer : le spectateur ne va pas s'identifier à un super-héros avec des pouvoirs et un slip, mais par contre, si on montre un type cinglé qui lance des malédictions en poussant un caddie, bah, moi je me sens plus proche du fou au caddie, donc j'ai envie de connaître son histoire...
En lisant ta bande dessinée, on ne peut s'empêcher de penser à la culture white trash autant pour sa drôlerie que son côté tragique dans sa manière de dépeindre ses sujets. Le cinéma de Todd Stephens ou encore celui de Kimberly Peirce me sont venu à l'esprit lorsque l'on comprend que Tabata n'est pas là ou nous étions censé la retrouver*. Quel est ton rapport à cette culture ?
Alors je ne connais pas du tout le cinéma de Stephens et de Peirce, j'irai voir de quoi il s'agit, parce que ce que j'ai vu des bandes-annonces me semble assez cool. La culture white trash, est-ce que c'est quelque chose qui aurait un équivalent en Europe ou en France ? De ce que j'en comprends, le white trash est un ouvrier blanc pauvre américain. En France, on parlerait peut-être plus de "cassos " ou de "bouseux " pour la campagne ? Je ne sais pas...
Je ne sais pas non plus si c'est tant un rapport de classe sociale que de géographie, même si les deux peuvent être liées. Syd et Tabata vivent dans une petite ville, c'est pas la banlieue d'une grosse ville, ni un village de campagne, on pourrait dire "petite ville de province "' même si je n'aime pas particulièrement ce terme. Et elles se font chier. C'est peut-être ça qui joue le plus. D'ailleurs, du côté de Tabata, la famille semble ne pas trop mal s'en sortir. Ils ont trois enfants, une maison, un jardin, c'est presque la famille nucléaire. Du côté de Syd, ça semble plus compliqué. Mais d'une manière générale, les adultes sont exclus du monde où les personnages principaux évoluent. On sait qu'ils sont là, qu'ils existent, mais qu'ils n'ont presque pas d'importance dans l'univers dans lequel les deux filles évoluent. J'aime bien cette idée, c'est un peu ce qu'on vit quand on est ado, on a l'impression que les adultes sont complètement étrangers à notre monde.
La bande son (Culture Club, The Cure, Chris Isaak...) occupe une place importante dans ton oeuvre, une playlist nous est même proposée en conclusion. Aurais-tu d'autres titres à nous recommander afin de nous plonger un peu plus dans ton esprit ?
Pour Bonjour Planète Bizarre, j'ai utilisé des chansons des années 80/90 principalement parce ce que le côté " kitsch " de certaines musiques fonctionnaient particulièrement bien avec l'état d'esprit du gars des Suburb Suicide, et que ça fonctionnait comme ressort comique. C'est des trucs qui sont comme un plaisir coupable et qu'on peut brailler de façon décomplexée en bagnole (en tout cas, c'est ce que moi je fais). J'ai pas trop d'autres titres qui soient en rapport avec la bédé à proposer : (
Peut-être " Nights in White Satin " de The Moody Blues ?
J'ai lu quelque part que Bonjour Planète Bizarre (le magazine dont il est fait référence) existait réellement mais qu'il n'avait encore jamais été édité faute de moyens. Est-ce qu'on peut espérer un jour le voir apparaître en rayons ? Pourrais-tu en dire plus à son sujet ?
Bonjour Planète Bizarr (sans " e " au bout, pas comme le titre de la bédé donc), est le magazine que lisent Syd et Tabata. C'est également un journal dans lequel des copains à moi et moi-même ont fait des trucs dont j'ai actuellement toutes les pages mais qui n'existe nulle part, à part dans mon InDesign, ahah ! Je galère à trouver un imprimeur qui me fasse du A2 recto-verso sans devoir vendre mes organes. Plus sérieusement, ça pourrait être chouette qu'il soit imprimé un jour, mais est-ce que la réalité ne serait pas décevante par rapport à ce qu'on peut imaginer qu'il contient, dans la bédé ? J'avais eu l'idée de la couv en prenant des acides alors bon...
Le journal ' Bonjour Planète Bizarr devait être un magazine terrifiant pour enfants. En gros, on y parle de disparitions inquiétantes d'enfants, des jeux, des strips, et plusieurs rubriques donnent des trucs et astuces pour se protéger des Monstrochiens. Les Monstrochiens sont des créatures horrifiantes qui peuvent prendre l'apparence de n'importe quoi ou de n'importe qui (votre fauteuil, votre teckel, vos parents). Les adultes semblent ne pas se rendre compte de l'existence des Monstrochiens. On ne peut les distinguer que par leurs regards menaçants et leurs rictus monstrueux. Dans le journal, il y avait tout un truc méta sur le fait que dans les strips, les Monstrochiens apparaissaient au fur et à mesure, comme s'ils contaminaient l'espace même de l'édition. À la fin, il y avait un courrier des lecteurs (tous des enfants) qui demandaient de l'aide au journal car ils avaient été, d'une manière ou d'une autre, en contact avec les Monstrochiens et qu'ils avaient peur. Et on se rendait alors compte que l'équipe de rédaction du journal étaient eux-même des Monstrochiens, comme une sorte de théorie du complot pour enfants. Je sais pas si je suis très claire...
Deux histoires nous sont contées sans qu'à aucun moment les personnages n'interagissent entre eux. D'où t'est venue cette idée ?
Heu...Je sais plus trop, les Suburb Suicide, en réalité, c'est mon perso (enfin, la chanteuse est dessinée de la façon dont moi je me dessine) et son acolyte, c'est un copain à moi. Ou plutôt, des caricatures de nous-mêmes. J'aime bien les récits où les points de vue des personnages se mélangent, comme dans le Roi des Mouches de Mezzo et Pirus, alors peut-être que ça vient de là ? Tout comme Syd et Tab, les Suburb Suicide veulent se barrer de la ville car leur concert à mal tourné. Néanmoins, on peut croire qu'ils sont " maudits " car il ne leur arrive que des merdes. À moins que ce ne soient eux qui amènent le chaos en ville ?
Comment la collaboration avec les édition Flbld s'est faite ?
Bah, en gros, j'ai envoyé un dossier présentant le projet de bédé à plusieurs maisons d'éditions indépendantes. Ce sont les éditions FLBLB qui se sont révélées être intéressées par ce projet. On a beaucoup retravaillé le story-board de la bédé ensemble pour en faire une longue histoire. A l'origine, elle se présentait plutôt sous la forme de strips de quatre cases. On a viré certains trucs, et en discutant, la trame s'est complexifiée pour devenir la bédé qu'on peut lire aujourd'hui. Le dessin, par contre, est à peu près resté le même que ce qu'il était dans la version antérieure.
Tu es membre du collectif d'en face (galerie basée à Rouen), pourrais-tu nous en dire un peu plus à son sujet et ton rôle au sein de ce collectif ?
Le Collectif d'En Face est à la fois un lieu d'exposition et un atelier pour ses membres. Il est situé à Rouen. C'est une asso dont je suis la trésorière. On a désormais un beau site sur le ouèbe qu'on peut cliquer ici : https://www.collectifdenface.com et où il est dit ceci : " Notre créativité est un véritable bijou, capable de vous ensorceler par de mystérieuses recettes plastiques qui raviront le plus bougon des enfants. Chacune de nos œuvres est un tour de force unique en son genre, implacable, subtil et adéquat. Alors fais comme des dizaines de personnes heureuses avant toi et viens vite découvrir les mille et une merveilles artistiques du Collectif d'en Face ! "
Alors franchement, si ça donne pas envie, on ne sait plus quoi y faire !
As-tu d'autres projets ?
Yes. Je bosse sur plusieurs trucs en ce moment. D'abord un projet d'album jeunesse avec un pote à moi qui doit faire le dessin et dont on bosse ensemble le scénario (Quentin Bé, si tu lis ceci, sors-toi les doigts) et dont les deux personnages principaux, Douze et Cinq, sont des sortes de détectives qui sont missionnés par l'association des parents d'élèves de Bourg-en-Brume pour enquêter sur des disparition d'enfants lors des fêtes de Mardi Gras. Ils vivent dans le grenier de chez Mamie. On aimerait bien éventuellement en faire une série, si ça intéresse des éditeurs, mais faut qu'on avance déjà sur le premier et qu'on réussisse à le vendre.
Sinon, j'aimerais faire une suite à Bonjour Planète Bizarre, si ça intéresse mon éditeur, qui serait comme un point final de ce qu'ils advient des personnages. J'ai à peu près une cinquantaine de pages de story-board pour le moment et il reste encore beaucoup de boulot. Je voudrais que l'ambiance soit encore plus sombre que le premier.
Je prépare aussi une expo autour de l'univers de la bédé au Collectif d'En Face pour septembre, et sinon, je suis invitée dans des festivals de bédé à Paris en fin d'année et à Angoulême en 2024. Yaura sûrement d'autres trucs entre-temps mais voilà, c'est à peu près ça.

Extraits de la bédé :

Références :

Serpico (photo), Todd Stephens (Gypsy83) : https://www.youtube.com/watch?v=-A_2oKpOdqk

Kimberly Peirce (Boys don't cry) : https://www.youtube.com/watch?v=4QVraC5tPB8

Nights in White Satin, The Moody Blues : https://www.youtube.com/watch?v=cs4RG9u8IVU

Le roi des mouches de Mezzo et Pirus :

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Dites bonjour à la planète bizarre d'Alexx Boniki - Friction Magazine

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Bonjour Planète Bizarre, signé Alexx Boniki paru aux Éditions Flblb (La déflagration des buissons de Julie Chapallaz, Néo Faust d'Osamu Tezuka...) nous raconte le quotidien embrumé de Syd et Tabata, deux meilleures amies préférant passer le plus " clair " de leur temps à fumer des pétards et à écouter de la musique d'outsiders plutôt qu'à préparer leur bac.

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"Seuls en exil": l'histoire de trois réfugiés mineurs non accompagnés

Jean-Philippe Kalonji est un peintre, illustrateur et auteur de bande dessinée né à Genève. Après avoir beaucoup voyagé et vécu notamment à New-York, Londres et Tokyo, c'est en Suisse à Carouge qu'il s'est installé avec sa compagne, leur fille, et leurs deux chats.

Kalonji est un artiste engagé qui au cours de sa carrière, a eu l'occasion de travailler en étroite collaboration avec des organisations telles que l'UNESCO, le Comité des Jeux Olympiques de Londres ou l'ONG ICAN, gagnante du prix Nobel de la paix en 2017. Il collabore activement avec Civitas Maxima, et vient d'illustrer le procès contre crimes de guerre au Libéria à la Cour d'appel de Paris. Il a également produit une collection de crayons en partenariat avec l'emblématique maison genevoise Caran d'Ache.

Récemment, Kalonji a rédigé et illustré une bande dessinée parlant d'un sujet qui nous tient à cœur, les réfugiés mineurs non-accompagnés. Créée en collaboration avec Fabian Menor et Yrgane Ramon "Seuls en exil" est une œuvre bouleversante qui relate et nous immerge dans la vie de trois réfugiés mineurs non-accompagnés, qui après avoir parcouru des milliers de kilomètres, essayent tant bien que mal de s'intégrer à Genève. A l'occasion de la sortie officielle du livre, le 13 octobre 2022, nous avons rencontré Kalonji afin d'en savoir davantage sur le processus de création et l'importance de traiter de cette thématique.

JP Kalonji, qui êtes-vous ?
Je suis un artiste peintre, auteur, illustrateur de bande dessinée depuis une trentaine d'années. Je vis à Carouge, à Genève et je travaille avec différentes institutions, notamment le musée d'art et d'histoire la ville de Genève, Civitas Maxima, dont je suis artiste consultant et l'ONG ICAN, qui s'occupe de la non-prolifération des armes nucléaires.

Vous êtes l'un des artistes derrière ''Seuls en exil'', de quoi parle cette bande dessinée ?
Le livre traite de trois jeunes mineurs non-accompagnés qui sont arrivés en 2015. A travers les pages, nous suivons entre autres leur parcours à Genève.
D'où vous est venue l'idée de traiter de ce sujet ?
L'idée de traiter de ce sujet ne vient pas de moi directement, elle vient de Christel Moretto qui travaille à FASe (Fondation genevoise pour l'animation socioculturelle) et qui m'a contactée pour me présenter un projet de bande dessinée. A partir de là j'ai décidé de ne pas raconter les histoires moi-même mais de les partager avec deux autres auteurs: Yrgane Ramon et Fabian Menor.
Comment avez-vous approché ce processus de rédaction conjoint avec les protagonistes du livre ?
Le processus n'a pas été facile car ce sont des histoires de vie où l'on peut se projeter, et c'est d'ailleurs l'idée du livre: de se mettre à la place de ces jeunes qui ont vécu certains parcours de vie et qui le vivent d'ailleurs encore en ce moment, même tous les jours sur la planète. C'est se dire: il se passe ceci, comment est-ce que je vais réussir à le mettre en images ? Le processus est long et difficile, mais pas impossible parce qu'en tant qu'auteur de BD je connais les outils, mais cela inclut des rencontres, des notes, beaucoup de croquis, des aller-retours et des interviews. C'est pour ça que j'aime beaucoup ce média, la bande dessinée, car j'apprends énormément. Non seulement sur la thématique, mais aussi sur mon métier, et c'est ce qui me fait grandir.

Les mineurs réfugiés non accompagnés, un sujet tabou dans la société Suisse ?
Je ne pense pas que ce soit un sujet tabou, par contre je crois que c'est un sujet qui peut être encore beaucoup plus débattu. On ne s'en rend pas compte, mais avec le nombre d'informations qu'il y a constamment, c'est assez difficile pour la population de comprendre la situation. Pour moi-même, cela a été un sujet dont je ne maîtrisais peut être pas forcément tous les codes. C'est justement le but du livre, d'ouvrir les débats. Il est important de pouvoir en parler et de considérer que ces jeunes qui traversent l'Europe et arrivent chez nous, sont avant tout des jeunes avant d'être seulement considérés comme des migrants ou des réfugiés. Le sujet est évidemment très vaste, mais pas tabou.
La BD, une manière de sensibiliser autrement ?
La bande dessinée c'est une manière de sensibiliser non seulement autrement, mais c'est un très bon pont pour pouvoir aborder cette thématique. Je trouve que le neuvième art (BD) en général, est un outil parfait pour aborder ces thématiques dont on ne parle pas assez.

Que peut faire la population Suisse pour aider les réfugiés, en particulier les jeunes ?
Je pense que ça passe avant tout par le fait de s'éduquer, de s'intéresser. Nous faisons tous partie de ce monde et nous en sommes tous citoyens. La Suisse et Genève a une grande notoriété en termes d'aide et de droits de l'homme. Nous avons toutes les grandes instances des nations qui sont à Genève, notamment les institutions, donc je pense que pour la population Genevoise ou Suisse, se renseigner est quelque chose qui est facilement faisable plutôt que de demeurer juste des acteurs passifs.
Avez-vous un mot pour la fin ?
Gardez de l'espoir dans tout ce que vous faites, croyez en vos rêves et à très bientôt j'espère.

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"Seuls en exil": l'histoire de trois réfugiés mineurs non accompagnés

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A l'occasion de la sortie officielle du livre, nous avons rencontré Kalonji afin d'en savoir davantage sur le processus de création et l'importance...

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“Junk Food” : une BD toute en gras et sucre

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Avec “Junk Food”, c’est une enquête sérieuse et fouillée sur l’addiction à la malbouffe, mise en scène de façon rigolote et dynamique, que nous proposent Emilie Gleason et Arthur Croque.

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Inspiré de témoignages recueillis en France et aux Etats-Unis, donne la parole aux personnes souffrant d'une addiction à la nourriture. Le livre lève le voile sur ces drogues du quotidien, ces aliments industriels surchargés en sucre et en gras, qui détruisent notre santé et, parfois, nos vies. Emilie Gleason, en signe les dessins, et Arthur croque le scénario.

Une BD entre sociologie et fiction
"Je voulais attaquer la racine du problème qui est l'expansion de l'utilisation de sucre dans 85% des produits qui se trouvent dans nos supermarchés. La BD m'est venue naturellement parce qu'il n'y a que comme ça que je sais à peu près bien m'exprimer. J'aime mêler sociologie et fiction, et parler de sujets graves, parce qu'ils sont assez faciles à narrer. J'avais envie de parler d'addictions, de toxicologie, de ce que le sucre faisait à notre métabolisme, et bien sûr des lobbies."
Comment représenter des ressentis ?
"On a reçu beaucoup de témoignages, et ce sont des mots sur des ressentis que l'on ne connait pas forcément. Il fallait, en dessins et avec des couleurs, représenter ces ressentis. Par exemple, pour représenter la boulimie, on a créé La boulimia, une sorte de métaphore visuelle sous forme de chien en crème glacée et au mauvais caractère, qu'il fallait sortir matin, midi et soir. En fait, une des parties les plus plaisantes de la bande dessinée, c'est de se poser et de trouver une manière percutante de représenter les choses de façon compréhensible."
Un dessin qui exacerbe les émotions
"En dessin, j'ai pris la voie de ne pas représenter le réel, parce que le réel, on l'a déjà autour de nous, et ça ne m'intéresse pas. Si j'aime dessiner, c'est pour pouvoir démembrer mes personnages et en faire ce que je veux. Dans mon dessin, il y a une gestuelle très forte, et comme dans cet album on parle d'émotions, j'ai trouvé ce moyen pour les exacerber et vraiment rentrer dedans."
Archives

Bernard Pellegrin, émission La méthode scientifique, Nicolas Martin, France Culture, 02/10/2017

Emmanuel Guibert, émission Affaires culturelles, Arnaud Laporte, 27/11/2020

Alejandro Jodorowsky, émission Le bon plaisir, Thierry Pons, France Culture, 30/12/1989

Références musicales

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Emilie Gleason : "Si j'aime dessiner, c'est pour démembrer mes personnages"

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Nous recevons l'autrice-illustratrice Emilie Gleason pour la parution de sa bande dessinée "Junk food" aux éditions Casterman.

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Le coup de crayon nerveux d'Aniss El Hamouri donne vie à Comme un frisson, un album âpre et moderne qui a enthousiasmé les membres du jury de la Révélations ADAGP/Quai des Bulles. L'héroïne affronte des événements " où le rapport à la violence est traité avec intelligence et énergie.

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Dans un portrait plus symbolique que véridique, le dessinateur allemand Max Baitinger met splendidement en images les poèmes de l'autrice tombée dans l'oubli.

Pour aller plus loin :

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Dans un portrait plus symbolique que véridique, le dessinateur allemand Max Baitinger met splendidement en images les poèmes de l'autrice tombée dans l'oubli.

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En lisant 𝘏𝘺𝘱𝘦𝘳 𝘓𝘰𝘵𝘰 𝘌𝘴𝘱𝘢𝘤𝘦 d'Arnaud Rouesnel et Matis Bonvoisin.

Maxime est bien content de son week-end car il a eu la confirmation qu'il était devenu immortel.
Bien pratique pour lui qui a passé quelques jours en Charente dans le terriblement dangereux Festival d'Angoulême.
Une aventure qui lui rappelle celle du héros ultra-chanceux de la bande dessinée d'Arnaud Rouesnel et Matis Monvoisin, Hyper Loto Espac e, parue chez.

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Maxime Gueugneau est highlander, enfin immortel. - Radio Nova

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En lisant 𝘏𝘺𝘱𝘦𝘳 𝘓𝘰𝘵𝘰 𝘌𝘴𝘱𝘢𝘤𝘦 d'Arnaud Rouesnel et Matis Bonvoisin.

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Sophie Darcq est née en 1976 en Corée du Sud. Arrivée en France à l'âge de quatre ans avec ses trois sœurs, elles seront adoptées. En 2004, après une résidence à la Maison des auteurs d'Angoulême, elle décide de partir en Corée sur les traces de sa famille biologique. Dans Hanbok, l'autrice raconte cette expérience marquante en utilisant différents styles, du registre épistolaire à la narration historique.

Recomposer un récit
"Cette histoire, je voulais la raconter en premier lieu pour ma famille, parce qu'il y avait beaucoup d'attente; mais pour moi également parce que j'ai découvert mon histoire et les souvenirs de mes sœurs. Le fait de recomposer tout ça dans un récit, m'a vraiment fait réaliser certaines choses. C'était comme une enquête à partir des éléments que j'avais, à savoir les souvenirs, les photos et les récits qu'on m'a fait".
La liberté du dessin
"Je pense que le dessin nous offre une grande liberté, et dans cet album, je n'ai pas dessiné les visages de la même façon. Par exemple, pour mon père, j'ai fait un dessin proche de la photographie, et au final, cela dit plus de choses que ce que je voulais dire au départ."
Les possibilités infinies de la plume
"La plume est un outil que j'affectionne beaucoup parce qu'il permet des différences d'épaisseur, et cela offre des possibilités infinies, de même que de dessiner en noir et blanc. Cet outil se suffit à lui-même. D'ailleurs j'écris et de dessine avec. En fait, le dessin à la plume, comme avec tous les instruments sensibles, est très physique, et je pense que les dessinateurs qui utilisent ces outils éprouvent du plaisir. Pour moi, le dessin c'est du plaisir, mais aussi de la souffrance, une souffrance due au temps qu'il m'a fallu pour réaliser le défi d'aller au bout de cette histoire."
Archives

Aharon Appelfeld, émission Hors champs, Laure Adler, France Culture, 27/01/2010

Jean-Christophe Menu, émission Surpris par la nuit, Christian Rosset, France Culture, 04/10/2005

Jeanne Labrune, émission Les mardis du cinéma, Florence Marguier, France Culture, 21/11/1995

Jean-Jacques Courtine, émission Les chemins de la connaissance, Gérard Gromer, France Culture, 05/12/1988

Références musicales

Chet Doxas, All the roads

Bogdan Raczynski, T hinking of you, thinking of me

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Sophie Darcq :"Dans cette BD, le défi était de retrouver ma mère biologique à chaque fois que je la dessinais"

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Nous recevons l'autrice de BD Sophie Darcq pour la parution de son album "Hanbok" aux éditions L'Apocalypse.

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MANGA // La Grande Traversée

Ce manga, adaptation magistrale du roman éponyme sorti en 2011 de l'essayiste et écrivaine japonaise MIURA Shion, nous plonge dans l'univers de l'édition, dans un réalisme poignant, non dépourvu toutefois d'une certaine poésie. Laissez vous donc séduire par ce monde de lettres et de mots, qui se mêlent, s'emmêlent et se démêlent...

Vous vous demandez quel est le fil conducteur de cet ouvrage ? Sans aucun doute, l'amour des dictionnaires. Voyez-vous, chaque mot a une intention, une sensibilité qui lui est propre. Pourtant, un mot apparait dans nombre d'expressions, et possède moults significations, ce qui lui donne à chaque fois une définition à part bien singulière.

Créer un dictionnaire, c'est créer un sens commun, un savoir concis et objectif. C'est normer un langage partagé de tous. C'est actualiser les mots désuets qui ont acquis un nouveau sens avec le temps, ou bien au contraire supprimer les mots qui sont définitivement tombés dans l'oubli. Ce travail, fait de manière collégiale, vient pourtant buter contre l'expérience même des mots, qui se vivent individuellement, et différemment d'individu en individu. La subtilité du langage est en effet une affaire toute personnelle, qui s'expérimente de façon naturelle, intuitive, ou par association d'idées, afin d'exprimer au plus juste nos émotions. Des synonymes n'auront par exemple jamais tout à fait la même nuance, d'où l'importance de choisir son mot avec précision. Voire précaution.

Dans cette œuvre, nous entrons ainsi dans un univers éditorial où s'enchainent les publications de dictionnaires. Nous faisons tout de suite la connaissance de plusieurs personnages, dont ARAKI Kōhei, amoureux des dictionnaires, qui souhaite mener à bien le projet de toute une vie, celui d'éditer un nouveau dictionnaire, qu'il veut appeler Daitokai, traduit dans le manga par " La Grande Traversée ". Cependant, pour des raisons personnelles, ARAKI doit trouver un remplaçant. C'est alors que sa route va le mener à un employé de la section commerciale : MAJIME Matsuya.

L'individu est toutefois fort peu avenant : " cheveux en bataille, vêtements froissés " et visage endormi, ce nouvel élément n'aspire tout d'abord aucun dynamisme. Pourtant, dès qu'ARAKI lui propose de rejoindre leur projet, la passion pour les mots du jeune homme transparait. Véritable amoureux des lettres, il se délecte des mots, s'amusant de leurs définitions. Mais parviendra-t-il à réaliser ce grand projet ? A découvrir dans ce tome one shot !

Nos coups de cœur : L'immersion est progressive mais prenante. Nous nous sommes faits happés par cette histoire qui se base sur la quintessence même de notre langue. Nous avons aimé également les nombreuses métaphores qui tourne autour des mots et de leur impact. Une lettre d'amour, une note à la fin d'un livre... Tous ces mots ont un pouvoir, nous transmettant des émotions d'un simple coup de crayon.

Enfin, nous avons pu voir qu'au fil du récit, les personnages en contact avec Matsuya et La Grande Traversée évoluent, prenant inéluctablement confiance en eux. Comme si les mots avaient une influence sur leur perception du monde et d'eux-mêmes. Le collègue de Matsuya, Nishioka, n'était-il pas jaloux, vaniteux et paresseux avant de devenir fortement impliqué dans le projet ? Une métamorphose similaire se produira chez Midori, qui prendra au fur et à mesure confiance en elle, après s'être laissée séduire par ce monde d'encre et de papier...

Informations :

Auteurs : KUMOTA Haruko & MIURA Shion

Editeur VF : Le Lézard Noir

Parution : 25 août 2022

Prix : 18 €

Par Léa van Cuyck

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MANGA // La Grande Traversée - Japan Magazine

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MANGA // La Grande Traversée Ce manga, adaptation magistrale du roman éponyme sorti en 2011 de l'essayiste et écrivaine japonaise MIURA Shion, nous plonge dans l'univers de l'édition, dans un réalisme poignant, non dépourvu toutefois d'une certaine poésie. Laissez vous donc séduire par ce monde de lettres et de mots, qui se mêlent, s'emmêlent et se démêlent...

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C'est une drôle d'expérience conceptuelle que nous propose Simon Beuret avec son : vivre la vie d'un obsédé du dessin et de la filature, jusqu'au moment où quelque chose bascule. Car, derrière son aspect de faux polar sentimental, Eye Contact célèbre le travail du dessinateur.

Simon Beuret est un voyeur. Il nourrit son obsession du dessin par une autre obsession, observer sans être vu les gens qu'il croise dans la rue. Il les suit, les espionne, en évitant à tout prix le contact visuel, cet " eye contact " qui risque de le révéler à sa... proie. On peut penser à Mark Lewis, le cinéaste du Voyeur de Michael Powell, qui a besoin insatiable de cadrer les jeunes femmes qu'il rencontre dans le viseur de sa caméra. Heureusement, Simon, à la différence de Mark, ne tue pas ses " victimes ". Au contraire, il les abandonne une fois qu'il leur a volé ce qu'il cherchait, ce qu'il voulait retranscrire dans son dessin : leur singularité, leur âme en quelque sorte.

Eye Contact est un drôle de bouquin, et une drôle d'histoire : elle commence par une longue - trop longue sans doute - description des techniques de détective privé en filature qu'il utilise pour suivre ces inconnus et inconnues qui captent son attention, qui lui semblent dignes de son intérêt. Et puis un jour, quelque chose advient, la rencontre " de trop ", qui va faire basculer le dessinateur dans un monde différent, mais tout aussi fantasmatique. Une jeune femme dont il n'a pas réussi à représenter correctement les yeux, le repère. Et se met à jouer avec lui, comme une chatte joue avec un petit rat. Est-ce le début de quelque chose de nouveau pour notre étrange obsédé ?

Eye Contact a quelque chose du polar fantastique, navigant dans les eaux troubles d'une semi-réalité quotidienne contaminée par des être fantastiques, dont on ne sait pas s'ils sont issus de l'imagination des protagonistes ou sont simplement des gens " ordinaires " surpris dans des situations extraordinaires. Eye Contact reprend aussi les codes classiques de la comédie hollywoodienne format " boy meets girl ", avec ce fameux long chemin " bressonien " qu'il faut parcourir pour arriver jusqu'à l'autre.

Eye Contact est surtout, on le réalise assez vite, une célébration - pas toujours extatique, au contraire même - du travail du dessinateur qui doit donc regarder, observer ses semblables, avant de pouvoir réaliser ce dessin qui exprimera et transcendera en même temps leur réalité. En tant que telle, Eye Contact a aussi le charme d'un " work in progress ", pas tout-à-fait parfait, pas tout-à-fait finalisé, avec, inévitablement, cette fin ouverte à tous les possibles, à toutes les nouvelles aventures, qui s'impose pour ne pas clore un tel récit.

Le dessin de Simon Beuret est à l'unisson de son sujet, à la fois suffisamment précis pour assurer une parfaite lisibilité et assez imparfait pour que l'esquisse demeure, pour que le fait qu'il ait été, quelque part, volé à une réalité observée subrepticement, corresponde au sujet de Eye Contact. Le bleu qu'a choisi Simon Beuret pour colorer uniformément son livre à la fois quelque chose de nocturnal, et donc inquiétant, mais aussi de paradoxalement agréable, douillet presque.

On le voit, Eye Contact est un concept tout autant qu'une BD. Son imperfection même - le lecteur trouvera certainement des choses à lui reprocher - fait partie de ce projet original, et passionnant.

Eric Debarnot

Eye Contact
Scénariste et dessinateur : Simon Beuret
Editeur : Atrabile
168 pages - 22 €
Date de publication : 3 mars 2023

Eye Contact - extrait :

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"Eye Contact" de Simon Beuret : le voyeur, en bleu - Benzine Magazine

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C'est une drôle d'expérience conceptuelle que nous propose Simon Beuret avec son Eye Contact : vivre la vie d'un obsédé du dessin et de la filature, jusqu'au moment où quelque chose bascule. Car, derrière son aspect de faux polar sentimental, Eye Contact célèbre le travail du dessinateur.

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Newsletter la ville brûle - janvier 2023

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L'été du vertige. Le temps d'une fête sans adultes et sous le regard de sa petite sœur un peu perdue, le personnage principal va détruire brique par brique l'édifice tremblant de son éducation.

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BD: "Une Enfance de paille", un univers graphique de taille

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Chaque samedi, L'Echo vous propose de découvrir la BD indépendante à travers une œuvre qui sort des sentiers battus. Aujourd'hui, "Une Enfance de paille", de Lika Nüssli, chez Atrabile.

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L'INTERVIEW BD - Lauréat du Grand Prix de la critique de l'ACBD, le dessinateur suisse raconte les coulisses de son premier roman (info)graphique dont l'audace formelle ne nuit jamais à l'intensité tragicomique.

Simon, un adolescent anglais de 14 ans, subit les moqueries des jeunes de son quartier du fait de son surpoids. Après qu'une voyante lui a prédit le résultat d'une course hippique, il empoche la somme rondelette de 16 millions de livres sterling... Enfin presque car, en tant que mineur, il a besoin de l'assistance d'un adulte pour encaisser le chèque. De retour à la maison, Simon découvre sa mère dans le coma et son père, lui, a disparu. Pas le choix, il doit le retrouver!

Œuvre ambitieuse à la croisée de la bande dessinée et de l'infographie (vue plongeante sans perspective, personnages représentés par des ronds de couleur...), La Couleur des choses a été sélectionnée en compétition officielle du festival d'Angoulême avant de rafler le Grand Prix de la critique de l'ACBD. Une consécration pour ce thriller tragicomique au parcours particulièrement chaotique.

À lire aussi Les Pizzlys, Hoka Hey!, Corto Maltese... Les bandes dessinées à offrir pour Noël

Son auteur, le Suisse Martin Panchaud, a accepté de revenir en détail sur la genèse de ce premier roman graphique commencé il y a une dizaine d'années, publié en allemand en 2020 par Edition Moderne puis en français le 9 septembre dernier aux Éditions çà et là. Le dessinateur de 40 ans raconte au Figaro son envie d'expérimenter de nouvelles formes de narration, sans renier les mécaniques propres à la bande dessinée.
LE FIGARO. - La publication de votre livre a été un parcours du combattant.
Martin PANCHAUD. - La genèse remonte à dix ans. Après avoir écrit et dessiné les 50 premières pages, j'ai reçu un prix de soutien à Genève en 2012*, où je vivais. À partir de là, je suis allé voir les différents éditeurs, des plus naturels en Suisse aux plus exotiques en France. On me disait que le trait manquait d'humanité, que c'était trop expérimental, trop indé... On m'a conseillé d'aller voir Edition Moderne à Zurich. Comme ma future épouse est zurichoise, j'ai profité d'un séjour sur place pour rencontrer l'éditeur David Basler, qui a tout de suite flashé sur ma BD: "Je n'ai jamais vu ça en quarante ans de carrière!" Je me suis installé à Zurich et j'ai trouvé une place à l'Atelier Strapazin, où il y a également les locaux du magazine du même nom et mon éditeur. J'ai énormément appris, levé des fonds et, en février 2019, j'ai fini la BD. Le temps de signer les contrats, de traduire le livre en allemand, de faire les corrections, il a été programmé pour le 12 mars 2020, date clé dans l'histoire de notre humanité! (rires)
C'est ainsi que votre première bande dessinée a été publiée en allemand (Der Farbe die Dinge Comment est née l'édition française de La Couleur de choses La BD s'est-elle bien vendue en France? ? Le graphisme de La Couleur des choses est d'une grande simplicité. Pourquoi cette envie de minimalisme? Représenter les personnages par des ronds de couleur est un choix assez radical. Vu la teneur de l'intrigue, n'aviez-vous pas peur de brider l'empathie du lecteur, d'étouffer l'émotion? ). Tous les ronds sont d'ailleurs de la même taille, ce qui fait que le lecteur n'a pas d'a priori physique sur les personnages qui sont caractérisés avant tout par leurs actions...
C'est l'histoire de ma vie! Il faut savoir que je suis un grand dyslexique: le texte est très complexe pour moi, je fais plein de fautes d'orthographe... et quand enfin je publie un livre, c'est en allemand. J'ai un petit diable sur l'épaule qui me joue des tours... Toujours est-il que le livre a eu un beau succès en Allemagne, un pays beaucoup moins éduqué à la bande dessinée que la France. Environ 5000 exemplaires ont été vendus.
Les dialogues sont placés en dehors des cases et reliés aux personnages par des traits qui parfois se croisent. Cela demande une gymnastique qui peut dérouter. Comment avez-vous travaillé pour embarquer le lecteur et le stimuler sans le décourager?
J'étais à Paris pour une résidence artistique, envoyé par le canton de Zurich. Mais ma mission secrète était de trouver un éditeur francophone. Avec mon livre en allemand, je me suis rendu au Centre Pompidou et j'ai posé la question au libraire, qui m'a montré Soleil mécanique des Éditions çà et là. Je ne connaissais pas du tout. Je suis tombé sur une interview de l'éditeur Serge Ewenczyk et j'étais en adéquation complète avec tout ce qu'il faisait. J'ai pris contact et il avait l'air très intéressé, jusqu'au moment où il m'a dit qu'il ne publiait que des auteurs non francophones. J'aurais dû prendre l'accent suisse allemand! Finalement, mon album matchait tellement avec son catalogue qu'il a cédé, quelques temps plus tard: "Allez, on va le faire, tu seras le premier francophone du catalogue et, vu que tu es suisse, ça restera un livre étranger!"

On en est à la troisième réimpression. Aux dernières nouvelles, 12.000 livres ont été placés sur un tirage de 20.000. Les représentants l'ont bien vendu aux libraires, qui l'ont beaucoup aimé et le soutiennent très fort. Sur les salons, je me rends compte qu'il y a une petite barrière à l'entrée: les gens ouvrent la BD et se disent "ouh là là, j'ai pas envie de me taper ce plan de montage de meubles" mais à la cinquième page, c'est bon, ils plongent dans l'histoire.
Pour certaines planches, vous vous transformez en infographiste en maniant cartes, légendes, symboles... Est-ce une démarche purement ludique ou une manière de transmettre des informations de manière compacte?
Mon parcours c'est: études obligatoires catastrophiques, études artistiques et bande dessinée, puis recherche d'un métier qui puisse remplir mon frigo. J'ai donc étudié le graphisme. Mais comme c'était la crise, je me suis retrouvé chez moi sans trop de perspectives professionnelles. J'avais beaucoup de temps libre. Avec un ami, l'auteur et cinéaste Michaël Terraz, on avait envie de réinventer la bande dessinée, alors on a invité des plasticiens, des photographes, pour voir ce que ça pourrait donner... Ces travaux ont été réunis dans un livre, Jardin, dans le cadre de notre association L'Octopode.
Votre BD évoque les jeux vidéo en vue aérienne. Pourquoi aimez-vous particulièrement cet angle de caméra?
Pour mon travail personnel, je me suis demandé ce que ça ferait si j'utilisais la rigueur et le minimalisme du graphisme, qui enlève le maximum pour garder l'essentiel, avec l'esprit de la narration et les codes de la bande dessinée. Très vite, j'ai trouvé que ce système de ronds de couleur assez simple avait du potentiel. C'est devenu mon jouet. En montrant le résultat à d'autres lecteurs, j'ai été rassuré: tout le monde pouvait le lire, que ce soit ma mère ou ma voisine.
Comment avez-vous imaginé cette histoire de tickets de loterie impossible à encaisser?
Non. Je crois même que c'est un peu le contraire. Ce qu'utilisent les films et la littérature, c'est ce pouvoir de projection. Dans Les Dents de la mer, le requin fait peur parce qu'on ne le voit pas. Dans ma BD, en cachant les visages et les corps, je laisse le lecteur remplir tous ces vides et j'aime à croire que cela crée des histoires plus intimes. Il peut mettre de lui-même, ses envies, ses peurs... dans les personnages et la narration.
Pourquoi cette figure du père absent ?
Tout à fait. À un moment donné, je devais montrer des gestes et je me suis dit "tiens, je vais utiliser une silhouette et travailler avec ça". Mais je n'avais pas envie de représenter un corps. La taille, les proportions racontent déjà quelque chose. J'ai donc enlevé ce corps et j'ai cherché d'autres solutions pour exprimer un mouvement. J'utilise des choses médicales comme une cage thoracique par exemple. Il s'agissait d'être juste, compréhensible, précis, mais sans montrer.

Il faut rentrer dans le cheminement du lecteur et enlever tous les petits cailloux. Ce qui amène parfois à refaire le placement des personnages, à réimaginer la scène, pour que justement les traits ne se croisent pas trop ou qu'un point de jonction ne mette pas un doute. Ce travail de relecture, de déplacement des cases et des textes, demande beaucoup d'allers-retours. Mais vu que je suis en numérique, je peux retravailler à l'infini, jusqu'à la dernière seconde.

Il m'est arrivé de céder à l'esthétisme, c'est-à-dire de faire des trucs impressionnants, des figures complexes un peu "wahou", mais je retournais toujours au minimal, à l'essentiel, parce que ça perturbait la lecture et que ça n'apportait rien. Il faut que le voyage du lecteur soit prioritaire.
Quel sera le concept de votre prochaine BD?
Alors oui, il y a ces pages où je quitte mes ronds et mes carrés pour aller sur autre chose... Jouer avec cette capacité de l'humain de se projeter dans des cartes et des pictogrammes, c'est finalement charger en émotion une forme, qui prend un sens nouveau. Là encore, c'est une sorte de revanche sur ma dyslexie, sur la peine que j'ai eue à apprendre à lire, à écrire, ce combat avec ces symboles que je ne maîtrisais pas (je ne suis toujours pas sûr de les maîtriser aujourd'hui!), et me les réapproprier. Les images, je sais les lire, je sais reconnaître la carte de la France ou de la Suisse. Ce nouveau territoire me convient bien, j'ai envie de l'explorer car il y a encore beaucoup à faire en termes de lecture d'images.
Ces expériences rappellent le travail sur la langue et les symboles dans le roman La Horde du contrevent * Prix de la jeune bande dessinée de la République et canton de Genève, dans le cadre des Prix Rodolphe-Töpffer. d'Alain Damasio. L'avez-vous lu? La Couleur des choses, de Martin Panchaud, Éditions çà et là, 236 pages, 24 euros.
En ce moment même, je travaille avec un studio pour écrire un jeu vidéo avec ce langage. La vue aérienne est un bon moyen de représenter l'espace. Par exemple, quand je construis une maison, j'ajoute des tas d'objets et je me demande comment faire une cafetière vue du haut... Il n'y a rien de plus abstrait! J'aime bien montrer une image abstraite et faire décoder ses éléments, afin que les gens puissent reconnaître une cuisine. Je compte beaucoup sur l'expérience du lecteur. Les films anglo-saxons, la photographie, l'art en général nous abreuvent d'images que je réexploite... Dans Alien de James Cameron, par exemple, il y a ce radar qui montre un point, et ce point c'est un alien. C'est ce que je cherche: que l'on comprenne avec seulement un point tout l'enjeu qu'il y a derrière.

Pour une autre histoire, je cherchais quelle était la plus grosse somme d'argent que l'on puisse avoir au porteur. Il y a les bons au porteur, les diamants... mais j'ai découvert que, théoriquement, un ticket gagnant de loterie est "au porteur". Je trouvais assez drôle de le mettre dans la main de quelqu'un qui avait besoin d'une signature pour toucher l'argent (le héros Simon est mineur, NDLR). On s'imagine souvent que l'argent va nous sauver. "Si j'étais riche, je n'aurais plus de problème." J'ai aussi vu des connaissances jouer à la loterie toutes les semaines et je savais très bien que ça ne réglerait pas leurs problèmes.

Je fais partie d'une génération, ou peut-être d'une classe sociale, où tous mes amis ont eu un père absent. Ma famille était très heureuse mais la famille nucléaire idéale, soudée, je ne la connais pas. Un aller-retour s'est produit: certains pères absents aimeraient récupérer la chose, redevenir copain avec leur fils, et d'autres étaient présents mais veulent désormais se barrer, aller voir de l'autre côté de la montagne. Je trouvais intéressant de mettre en scène ce chassé-croisé, ces deux types de pères foireux qui n'avaient pas le mode d'emploi. J'ai écrit cette histoire alors que je n'étais pas encore parent mais, maintenant j'ai deux enfants, je ne sais pas si j'écrirais la même chose...

Êtes-vous sensible aux auteurs qui, comme vous, aiment repousser les limites de la bande dessinée, à l'instar de Chris Ware , Marc-Antoine Mathieu , Shintaro Kago ?

Tout ce qui repense l'acte de lecture, y compris hors du livre - par exemple Building Stories de Chris Ware -, j'adore! Cela nous force à aborder les histoires d'une autre manière... Marc-Antoine Mathieu parvient très bien à jouer avec le quatrième mur en le perçant pour interpeller le lecteur. C'est aussi ce que je fais en m'adressant au lecteur avec la baleine: "Je suis au courant que tu es en train de lire mon histoire". L'idée de la surprise me plaît beaucoup. Aller au-delà de ce qu'attend le lecteur, le faire rire alors qu'il s'attend à quelque chose de sérieux...

Ce sera toujours avec des dialogues et des visuels abstraits qui poussent le lecteur à se projeter dans l'histoire. Je n'en ai pas fini avec ce langage. Aujourd'hui, je travaille particulièrement le rapport au son; je me sens comme dans un laboratoire avec tubes à essais. Mon idée est de pouvoir travailler sur l'expression sonore d'une image, de représenter des sons par des formes. Une fois que le lecteur a appris un vocabulaire sonore, on peut lui montrer une image abstraite associée et c'est à lui de reconstituer ce son. Je ne sais pas encore si cela va marcher...

Pas encore mais il est sur ma pile. Quand j'écoute Alain Damasio en conférence ou que je regarde sa manière de fonctionner, je me reconnais assez dans sa démarche. Et aussi dans le fait qu'il n'ait pas publié une masse de bouquins, qu'il travaille à quelque chose de durable. Cette idée de faire trois ou quatre livres dans ma carrière me convient bien.

La couverture de La Couleur des choses. Éditions çà et là

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Martin Panchaud: "La Couleur des choses est une revanche sur ma dyslexie"

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L'INTERVIEW BD - Lauréat du Grand Prix de la critique de l'ACBD, le dessinateur suisse raconte les coulisses de son premier roman (info)graphique dont l'audace formelle ne nuit jamais à l'intensité tragicomique.

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Julie Delporte publie Corps vivante, une nouvelle BD intimiste qui fait suite à son essai autobiographique Moi aussi je voulais l'emporter, publié en 2017. La bédéiste et artiste multidisciplinaire poursuit ses réflexions sur son rapport à la sexualité et aux traumatismes qui l'habitent tout en critiquant la culture de la performance dans une société façonnée par l'hétéronormativité.

" Ce récit, je l'ai adressé à un moi plus jeune, le moi de la vingtaine qui aurait pu se gagner quelques années. [...] Mon but est de l'offrir aux lecteurs et lectrices, pour qu'ils et elles puissent alimenter leur réflexion, puissent se poser des questions, cheminer aussi sur leur propre expérience humaine. "

- Julie Delporte

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Corps vivante, de Julie Delporte : se révéler enfin à soi-même

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Il restera toujours la culture | Julie Delporte publie Corps vivante, une nouvelle BD intimiste qui fait suite à son essai autobiographique Moi aussi je voulais l'emporter, publié en 2017. La bédéiste et artiste multidisciplinaire poursuit ses réflexions sur son rapport à la sexualité et aux traumatismes qui l'habitent tout en critiquant la culture de la performance dans une société façonnée par l'hétéronormativité.

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Lisa Blumen - l'atelier A - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Lisa Blumen est la Révélation BD 2022 de l'ADAGP avec Quai des Bulles pour " Avant l'oubli " (ed. L'employé du moi).

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Prête à embarquer pour une mission scientifique spatiale sans retour, Nova, jeune astronaute qui a toujours privilégié une vie recluse, doit assister à la fête d'adieu organisée en son honneur dans une somptueuse villa, où elle doit affronter ses trois seules amies, qu'elle n'a pas revues depuis bien longtemps.

Lisa Blumen signe ici un nouvel album, deux ans après Avant l'oubli, ainsi que des livres dédiés à la jeunesse.

À chaque bande dessinée, son langage

"Chaque histoire nécessite un dessin différent. J'avais vraiment envie de faire cette histoire-là en couleurs, contrairement à mon précédent, Avant L'oubli, qui est en couleur numérique, alors que celle-ci est faite aux feutres. Je ne passe jamais trop longtemps à trouver les personnages, le dessin. Ils viennent assez naturellement. Le personnage de Nova dans ma bande dessinée est très mince, très anguleux, ce qui correspond un peu à sa personnalité. C'est le contraire du personnage d'Yseult qui, elle, est plus ronde et possède un physique plus chaleureux. Pour moi, ce qui est plus dur à dessiner, c'est le cadrage et savoir à quel moment zoomer, dézoomer, se poser la question de ce qu'on représente. Un des grands challenges était aussi de ne pas faire que des têtes qui parlent, puisqu'il y a énormément de dialogues."

Les gris qui lient le dessin

"Pour moi, le gris apporte une subtilité. Les gris colorés font vibrer toutes les autres couleurs. Certains d'entre eux tendent vers le rose, le mauve ou le bleu. Et si en plus, à côté, on met un rose pétant ou un bleu très profond, cela lie toutes les couleurs. C'est indispensable. Sur mon bureau, j'ai des pots de feutres, et les gris prennent au moins quatre pots. Je rajoute parfois sur ces gris un beige très clair ou un vert kaki clair aussi. Dans Astra Nova, j' ai utilisé beaucoup de gris, mais aussi beaucoup de beiges. Ces couleurs me parlaient bien. Dans mes premières années d'études, je n'avais envie que d'utiliser des couleurs fortes, mais ce ne sont pas elles qui sont importantes. Ce sont toutes celles qu'on oublie ou qu'on n'a pas envie de mettre."

Ressentir le personnage pour "faire vrai"

"Quand je dessine, je mime les personnages. C'est amusant, car je n'ai pas vraiment besoin d'avoir un miroir pour sentir quelle tête je fais. Je passe par mon corps. Quand c'est trop compliqué, je prends des photos. Et je me retrouve avec des milliards de photos très bizarres de moi sur mon ordinateur. Mais parfois, je ressens mieux dans la façon dont mes muscles bougent que quand je demande à quelqu'un de prendre la pose. Souvent aussi, je lis à haute voix les dialogues. Cela a été la partie la plus complexe de l'écriture pour Astra Nova. Je voulais que les dialogues sonnent juste. Et pour ça, je mettais l'intonation à l'oral. L'important en bande dessinée, c'est de ressentir le personnage pour qu'il fasse vrai. Donc on passe par des mimes ou on embauche des acteurs. Il y a plein de manières d'arriver à faire vrai. Ce qui est essentiel dans mon approche de la bande dessinée, c'est de créer des personnages convaincants."

Archives

Cyril Pedrosa, émission Par les temps qui courent, France Culture, 25/09/2018

Paul Delvaux, émission L'invité du lundi, France Culture, 26/06/1998

Emile Bravo, émission Eclectik, France Culture, 21/12/2018

Références musicales

Tara King Th & Dominique Paturel, Fantaisies stellaires

Jonathan Fitoussi, Euclidean space

Firmine Richard, Pour ne pas vivre seule

Bonnie Banane, Quelle osmose

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Lisa Blumen : "En bande dessinée, les couleurs les plus importantes sont celles qu'on n'a pas envie de mettre"

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Nous recevons l'autrice de BD Lisa Blumen à l'occasion de la parution de son nouvel album "Astra Nova" aux éditions l'Employé du moi.

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Bande dessinéeL'angoisse de l'astronaute avant de partir vers l'infini

Lisa Blumen a concocté l'histoire épatante d'une jeune femme obligée de faire une fête d'adieu avant de quitter définitivement la Terre. Et ça la traumatise.

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L'idée est excellente: Nova est une jeune femme qui a tout donné pour devenir astronaute. Gagné, c'est elle qui est choisie pour être envoyée seule vers une planète située à 2,5 millions d'années-lumière. Un voyage sans retour, évidemment. Sauf que le contrat stipule qu'elle doit organiser une fête d'adieu avec ses proches, mais Astra n'en a pas. Car elle a la plus grande des qualités pour ce job: aimer la solitude.

Mais le règlement c'est le règlement, alors elle donne le nom de trois amis de collège qu'elle n'a pas revus depuis très longtemps. D'abord réticents, les trois acceptent car cela se déroule dans une villa de luxe... et c'est payé. L'historien, la drag-queen et la mère de famille vont donc passer la dernière nuit sur Terre de l'astronaute avec elle. La soirée semble mal partie, mais...

Comme la solitude de la dessinatrice

Le récit est extrêmement subtil, les protagonistes ont une vraie personnalité et la légèreté du dessin alliée aux couleurs fait d'Astra Nova un album très poétique. "J'en ai eu l'idée en travaillant sur ma précédente et première BD, "Avant l'oubli", nous explique Lisa Blumen En réalisant un album, on entre dans un tunnel et quand on en sort, on se rend compte que pendant ce temps, des amis se sont mariés, sont partis... Du coup, cela m'a fait réfléchir aux objectifs que l'on se fixe, au sens de ce que l'on fait".

Il lui fallait donc un personnage encore plus solitaire que la dessinatrice devant sa planche pour raconter ce sentiment et quoi de plus solitaire qu'un astronaute en mission solo. Curieusement, même si le thème et le titre de la BD font penser au film "Ad Astra" avec Brad Pitt seul dans l'espace, c'est un hasard: "Je ne l'ai pas vu, mais il faudra que je le fasse vu que tout le monde fait le parallèle".

Nova a arrêté sa vie, sociale du moins, quand elle s'est plongée corps et âme dans ses études. Est-ce que cela en valait la peine, a-t-elle manqué à ses amis, lui ont-ils manqué? "Quand je revois des amis que je n'avais pas vus depuis longtemps, je trouve qu'il y a toujours des choses qui restent, qui ne peuvent pas disparaître. L'amitié, ce n'est pas anodin".

Une villa modélisée dans les Sims

Pour ce huis clos, Lisa a choisi une villa moderne: "Il s'agit surtout de dialogues, donc il me fallait au moins la possibilité de varier les décors. J'ai modélisé une villa imaginaire dans le jeu "Les Sims". Et pour mieux cerner le caractère des personnages, je leur ai donné à chacun des signes astrologiques, même si je n'en parle pas dans le livre. Vous savez, du genre, tel signe est lumineux".

Une image subliminale revient sans cesse dans la tête de Nova: celle du radeau, comme les Vikings qui y posaient leurs défunts puis faisaient flamber le tout au large: "Cela faisait longtemps que j'avais cette image en tête, c'est une belle métaphore visuelle sur le rapport au deuil. Et puis, il faut avouer que c'est une manière fulgurante de partir, cela a de la gueule!"

L'album, sorti en mars, a été très bien accueilli par la presse et le public. "Qui est surtout féminin, je le vois en dédicaces. Tant mieux, ce n'est pas un public facile à toucher en BD. La rencontre avec les lecteurs et lectrices, ce n'est pas évident pour moi: passer de mois de silence à ma table à devoir parler avec une quarantaine de gens dans la journée, c'est difficile. Mais un monsieur est venu vers moi et m'a dit qu'après avoir lu ma BD, il a eu envie de voir des amis d'il y a longtemps, et que maintenant, ils se voient régulièrement. Cela m'a extrêmement touchée".

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Bande dessinée: l'angoisse de l'astronaute avant de partir vers l'infini

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Lisa Blumen a concocté l'histoire épatante d'une jeune femme obligée de faire une fête d'adieu avant de quitter définitivement la Terre. Et ça la traumatise.

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La meilleure BD suisse «Une enfance de paille» de Lika Nüssli désormais disponible en français

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C’est un livre en langue allemande pas comme les autres qui a remporté le Prix de la meilleure bande dessinée suisse au festival de Delémont’BD en 2022. Starkes Ding de l’illustratrice saint-galloise Lika Nüssli a fait également partie des sept œuvres sélectionnées pour le Prix suisse de littérature…

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CRITIQUE - Jim Bishop et Aniss El Hamouri confirment leur talent avec deux œuvres très intenses qui s'approprient la figure de la sorcière.

Depuis le succès des films du Seigneur des anneaux, d' Harry Potter et de Game of Thrones, la fantasy est partout. Avec leurs budgets astronomiques, le cinéma et la télévision jouent désormais la carte de la sécurité avec moult préquels, suites et adaptations. Ce n'est pas le cas de la bande dessinée, qui a toujours proposé de formidables créations originales pour le genre. Deux nouvelles œuvres viennent aujourd'hui apporter leur pierre à l'édifice: Mon ami Pierrot de Jim Bishop (Glénat) et Ils brûlent d'Aniss El Hamouri (6 pieds sous terre).

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Le Français Jim Bishop n'est pas un inconnu. Lettres perdues, récit mélancolique peuplé de poissons humanoïdes, nous avait déjà conquis et raflé plusieurs prix. Avec Mon ami Pierrot, l'auteur raconte la quête d'émancipation de Cléa, une jeune femme qui fuit son mariage arrangé après être tombée sous le charme d'un magicien saltimbanque. Au cœur de la forêt, l'idylle sera de courte durée...

De son côté, le Belgo-Marocain Aniss El Hamouri fut révélé par le bluffant Comme un frisson (Vide Cocagne, 2017), primé au festival Quai des bulles. Débuté en fanzine, Ils brûlent sera finalement publié en trilogie chez 6 pieds sous terre. Dans le premier tome, deux jeunes filles dotées de dangereux pouvoirs, Ongle et Pluie, sont poursuivies par un grand inquisiteur. Un garçon nommé Georg les accompagne et tente de les aider à guérir de leurs traumatismes.

Alors, pourquoi Mon ami Pierrot et Ils brûlent sont-elles deux BD immanquables pour tout amateur de fantasy? Réponse en trois points.

Deux visions d'un genre très codifié

La superbe couverture de Mon ami Pierrot ne ment pas: cette bande dessinée a des allures de feu d'artifice! Costumes bigarrés, décors envoûtants, personnages sculptés par la lumière... Rarement un dessinateur aura été aussi généreux avec sa palette de couleurs. Impossible de ne pas partager l'enthousiasme de Cléa, séduite par le fougueux Pierrot, de ne pas s'extasier devant les sortilèges de ce dernier ou les étranges créatures de la forêt que l'on croirait échappées d'un dessin animé japonais. De quoi assurer une immersion totale dans ce conte pas si féerique que cela, car le rêve tournera progressivement au cauchemar.

Visuellement, Ils brûlent est plus rugueux, avec un noir et blanc rehaussé de touches de peinture marron. Que ce soit pour équilibrer une planche, renforcer une action ou représenter les ombres, cette unique teinte apporte un beau cachet au graphisme. Les cases sont ici tracées à main levée, tremblantes, quand elles ne disparaissent pas purement et simplement. Un découpage nerveux en parfait accord avec la tension du récit et la fragilité psychologique du trio de personnages. On nage en pleine "dark fantasy" option "chasse aux sorcières", dans un univers médiéval cru et violent.

Des sorcières singulières

Autrefois cantonnée à l'archétype de la pauvre femme injustement envoyée au bûcher ou à celui de la vieille dame maléfique qui concocte des potions empoisonnées, la sorcière prend aujourd'hui de nouvelles formes, tantôt sympathique et positive, tantôt fière et indépendante, voire symbole de la lutte contre le patriarcat.

Ils brûlent fait le choix de revenir à la sorcière "historique", augmentée de réels pouvoirs magiques. Ainsi, Pluie peut générer une chaleur intense (de quoi se sécher en un clin d'œil après un bain ou brûler impitoyablement son adversaire) tandis qu'Ongle peut faire vieillir instantanément les êtres vivants, provoquant leur mort prématurée. Des êtres surpuissants, donc? Pas vraiment, car leurs corps portent les terribles stigmates de leur séjour en prison où des fragments de leurs âmes brisées croupissent toujours. Blessées mais dangereuses, pourchassées sans relâche mais capables de riposter avec fureur, les deux adolescentes imaginées par Aniss El Hamouri s'avèrent unies comme des sœurs tout en acceptant la compagnie d'un garçon au cœur trop gros.

Plusieurs personnages de Mon ami Pierrot évoquent à la fois la sorcière des contes de fées, la version romantique du XIXe siècle à la Jules Michelet et ses avatars plus récents. Grand séducteur sans attaches, Pierrot vit seul dans la forêt, possède un chat (en réalité un chat-hibou mort-vivant nommé Schrödinger, une idée assez géniale) et cache un indicible secret. Cléa, de son côté, apprend à lancer des sorts et à se déplacer dans les airs sur un balai. Le vieux Roger, lui, habite une petite maison isolée entourée d'ossements, joue avec les mots, cuisine de drôles de choses dans sa marmite et fait preuve d'une étonnante cruauté... Yaga, enfin, s'inspire du folklore russe mais endosse le rôle de la voyante-cartomancienne. Chez Jim Bishop, la sorcière prend donc de multiples formes, masculines ou féminines, bonnes ou mauvaises, mais c'est surtout quelqu'un d'imprévisible qui joue un rôle clé dans l'avancée de l'intrigue.

La valse des sentiments

Bien souvent, les œuvres de fantasy narrent l'accomplissement d'une grande quête épique ou un affrontement à grande échelle entre les forces du Bien et du Mal. Mon ami Pierrot et Ils brûlent, au contraire, centrent leur histoire sur les aspirations concrètes de leurs protagonistes: goûter à la liberté et réaliser ses propres expériences pour Cléa; survivre et lutter contre ses pulsions destructrices pour Ongle et Pluie; aider ses amies et donner un sens à sa vie pour Georg. Comment ne pas éprouver de l'empathie pour ces jeunes gens qui se démènent, tombent, se relèvent, hurlent, pleurent, pardonnent, grandissent?

Mon ami Pierrot célèbre la beauté de la fête, de la musique, de la danse, de l'amour... mais glisse ensuite vers les thématiques du doute, de l'aveuglement, de la manipulation. Une œuvre de fantasy qui parle de couple et de relation toxique? Il suffisait d'y penser! Et c'est superbe. Dans un registre plus sombre, Ils brûlent raconte les conséquences de la torture: des souvenirs effroyables qui viennent hanter le présent, la pénible acceptation de son corps martyrisé, la difficulté à refaire confiance, le danger de basculer dans la haine et le repli sur soi. Une richesse psychologique qui n'empêche pas ce premier tome de se terminer sur un cliffhanger, rappelant que l'aventure d' Ils brûlent n'est pas qu'intérieure. Magistral.
Mon ami Pierrot Ils brûlent - Cendre et Rivière (tome 1/3), d''Aniss El Hamouri, 6 pieds sous terre, 208 pages, 20 euros. de Jim Bishop, Glénat, 264 pages, 25 euros.

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Mon ami Pierrot et Ils brûlent: deux BD qui brillent comme des joyaux dans le monde de la fantasy

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CRITIQUE - Jim Bishop et Aniss El Hamouri confirment leur talent avec deux œuvres très intenses qui s'approprient la figure de la sorcière.

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Une approche graphique différenciée et sensible pour une histoire de famille où il s’agit d’affronter un passé douloureux.