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Descripción o breve reseña: “La insistencia en este mensaje incluso en los distintos soportes a mí me funciona casi como un mantra recordatorio de la violencia que vivimos para no normalizar, cada día recordar que vivimos en un régimen violento, que el estado si comete crímenes contra los ciudadanos que habitan este territorio y seamos conscientes que eso sucede podemos continuar con la lucha y no olvidar”, explica Camila Fuenzalida.

Enlace: https://www.instagram.com/pesimoservicio_/

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Técnica artística: texnicas mextas, entre ellas la xilografia y pintura en piso

Auutores: Danila Ilabaca (diseñadora y artista de collage), Rodolfo Muñoz (fotografo), Paula López-Droguett (fotografa), Gabriel Vilches (artista visual), Iñaki de Rementería (artista visual), Camila Fuenzalida (artista visual).

Formato y soporte: soportes varios, suelo, textiles variados y papeles como bolletos y afiches

Lugar donde se ubica o donde se desarrolló: Valparaiso

Año: 2018

Lugar de circulación: Aparte de los lugares publicos en donde circulan todas estas obras, existe también otro espacio por donde circulan las obras del colectivo, en una era donde todo ocurre por medio de las redes digitales, no abarcar el espacio virtual habría sido un problema para la difusión del mensaje. En un link, ubicado en la biografía de su página de Instagram, usted puede encontrar bajo el título “archivos públicos” de Google Drive, tres carpetas con matrices de serigrafía, folletos informativos, videos y GIF, muy fáciles de descargar. En este último podrá apreciar las distintas acciones que ha realizado el colectivo.

Relación con procesos educativos: A partir de la obra hablaremos sobre la economia de medios, sobre como funciona una obra o misma idea a través de diferentes medios o tecnicas y reflexionaremos si el mensaje sigue igual o se transforma. Asi mismo ahondaremos en otras obras del colectivo pesimo serivicio y conversaremos como sus obras han cambiado en cuanto tiempo de producción tienen. Además de conversar sobre como trabajan los colectivos en relación a como trabajan los artistas en solitario.

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Se entregan carteles blancos + la bandera y con un espacio que debe rellenar, es como volver al colegio, a las pruebas de lenguaje o inglés, debe completar las oraciones faltantes lo mejor que le parezca. Pero en este caso no hay error posible.

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Actividad in situ, usted pasa por el centro de Valparaíso y ve a un grupo de artistas con un carrito de serigrafía, estampaban la bandera de color negro sobre camisetas, bolsos, chaquetas, etc. La gente feliz muestra con gran orgullo aquel nuevo símbolo frente a la cámara.

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Este cuento lo dividiremos en dos o quizás tres, es un poco confuso lo importante son las acciones y el registro. Por un lado la bandera, su imagen, el “Chile Mata” en gran formato que se pasea por diversas zonas de Valparaíso. Por otro, la entrega de folletos y pancartas a las personas durante las movilizaciones. También se adicionan a las veredas y murallas, conviviendo con los grafitis y anuncios de la ciudad.

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En un primer acercamiento se nos revela una persona pintando con blanco una letra A sobre un terreno, aquella distancia de la acción me recuerda a las acciones de Lotty Rosenfeld, cuando marca las líneas blancas sobre la calle, la similitud del proceso es evidente en la utilización de un gesto breve, una grafía que abstrae y sintetiza el mensaje. La acción transcurre en una cancha y la letra corresponde a la palabra “Mata” inserta al interior de nuestra bandera.

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El colectivo Pésimo Servicio reúne a personas provenientes del diseño, la fotografía, el trabajo gráfico y las artes visuales que se han agrupado espontáneamente para reaccionar a las situaciones que se viven, ven y comunican en las calles de la ciudad de Valparaíso tras el estallido social de octubre. Concebido como una plataforma para la intervención visual en espacios públicos, su trabajo ha aparecido en formatos que abarcan desde las proyecciones en edificios hasta la producción editorial impresa de afiches.

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Descripción o breve reseña: Ésta es la obra más figurativa y tradicional de la colección GAM. Su temática y técnica es un fiel reflejo de los años 70. En ella se pueden apreciar la geografía del país, sus etnias y sus trabajadores. El tipo de representación devela la influencia del muralismo mexicano en la obra de Venturelli.

De los murales ubicados en el edificio original, éste es el único que no fue destruido después de septiembre de 1973 y ha permanecido en el mismo sitio desde su creación.

Enlace: http://joseventurelli.com/

https://gam.cl/somos/edificio/coleccion-de-arte/chile/

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Técnica artística: pintura

Autor: josé venturelli

Formato y soporte: Pintura acrílica

imensiones 2,24 m x 8,76 m

Lugar donde se ubica o donde se desarrollo: GAM, centro Gabriela Mistral

Año: 1972

Lugar de circulación: GAM, en un contexto institucional y cultural

Relación con procesos educativos: A los estudiantes se les enseñara el mural de Venturelli y se hablará sobre el tema y contexto de la obra, para comenzar a investigar las obras permanentes del GAM. Tendran que investigar sobre la historia de este, para luego elegir en grupos una obra en especifica y presentarla, para mencionar cosas como la tecnica, hablar sobre los artistas y comentar que paso con la obra luego del golpe de estado.

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José Venturelli comenzó su carrera junto a David Alfaro Siqueiros en un mural en Chile y, a pesar de haber contraído tuberculosis a los 17 años, se convirtió en un prolífico artista viajero. Durante los años cuarenta, realizó exposiciones en Brasil y aprendió de Cándido Portinari. También trabajó en Chile en dibujo, ilustración, grabado y escenografía.

Viajó por México, Europa, China y Cuba, donde desarrolló proyectos como un mural para el Ministerio de Industrias y creó talleres de gráfica experimental. Fue cercano a Ernesto Che Guevara. En 1974, se exilió en Suiza y, tras un breve retorno a Chile en 1986, falleció en China.

Venturelli fue grabador, pintor, ilustrador y muralista, enfocado en temas políticos y sociales. Sus obras, que representan figuras humanas de la clase trabajadora, campesina e indígena, muestran rasgos expresivos en paisajes con toques surrealistas.

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Relación con procesos educativos
Existe en el curriculum un apartado enfocado en el diseño urbano, arquitectura y muralismo, trabajar de alguna manera con esos temas es pensar con creatividad en las actividades y evaluaciones finales, creo que faltan innovaciones para aquellos apartados, una experimentación más amplia. Para ello. utilizaria la experimentación de Balbontin que usa el sonido y entorno en una salida pedagógica, en la que les invitaría a los estudiantes a grabar con sus celulares y fotografiar entornos cerrados y abiertos, con la intención de que puedan reconocer diferentes espacios, arquitecturas, sonidos que les permita reconocer su entorno a las afueras del colegio, siendo un tema de importancia pues reconocerían un contexto territorial, identificando planos, figuras, arquitecturas, cartografías, entre otros. Además se les pediría una serie de bosquejos que les permita estudiarlos y encontrar la singularidad del barrio en el que pasan cotidianamente. Finalmente, trabajan con todo lo recolectado para crear una pequeña maqueta en la que puedan vincular entorno y sonido desde la percepción del alumno.
Descripción o breve reseña
Espacios Resonantes #10: Inchindown traslada este tanque de petróleo de la Segunda Guerra Mundial a la sala 11 del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Una instalación audiovisual que replica el entorno acústico del espacio original del tanque por medio de algoritmos que miden las posiciones de los sonidos a través de acústica binaural espacializada. Viaje acústico que hace de este entorno virtual, un instrumento para modular las composiciones que surgen de la serie de sonidos generados in-situ: percusiones con objetos encontrados, voces y sonido ambiente.

Así, esta simulación del espacio, al superponer el espacio original de Inchindown, con el espacio real de la Sala 11,  termina por generar un tercer espacio.

En caso de contar con un enlace, incluirlo
https://15.bienaldeartesmediales.cl/obras/10-inchindown/

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Técnica artística
Instalación audiovisual
Autores
EMARX (ingeniero acústico y máster en arte sonoro), Sofia Balbontín, Mathias klenner (arquitecto, máster en arte sonoro y estudiante del doctorado en bellas artes), Joan Lavandeira (Ingeniero, y artista medial)
Formato y soporte
Instalación audiovisual
Lugar donde se ubica o donde se desarrolló
Santiago
Año
2020-2021
Lugar de circulación
Espacios resonantes ha sido expuesto en la VII Bienal de Música de la Universidad de Yale, La Casa del Sonido de Radio Clásica RTVE, Hangar Barcelona, Festival Tsonami Valparaíso, IV Congreso Internacional de Ambiances 2020 y Congreso ADD + ART 2021.

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Sofia Balbotín nació en Santiago, 1985. Es arquitecta y artista sonora. Su trabajo se enfoca principalmente en la investigación de la interacción entre el espacio y el sonido, mediante propuestas experimentales en torno a la música, vídeo, la performance y la instalación.

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Relación con procesos educativos
Trabajar con temáticas medioambientales en los colegios es importante en la toma de conciencia sobre los problemas climáticos, de esta manera causa en los estudiantes una responsabilidad hacia el cuidado del planeta. Asimismo, en la asignatura de artes visuales, no sólo les ayudará a tener preocupación de producir un cambio, sino a experimentar con materialidades reutilizables para la creación de obras visuales, fomentando su imaginación y creatividad. Es por ello, que la actividad iría en aquella dirección, trabajar con cursos de básica, kinder, pre-kinder para una exposición acerca de investigaciones científicas y artísticas. Por ejemplo, en Artes Visuales, puedan reproducir una serie de grabados con objetos reutilizables, crear micrometrajes, noticieros, entre otros con la intención de que puedan investigar acerca de cómo el hombre ha producido cambios en la tierra. Trabajar con ciencias que les permita conocer más sobre este impacto, asimismo, en cómo el uso de la naturaleza puede ayudar a crear cianotipias con la luz solar. Aquí no solo se trabajaría la conciencia, sino que permitiría atribuir una segunda mirada a lo que tenemos frente a nosotros.
Descripción o breve reseña
Resistencia sigue una línea de trabajo en torno a desastres naturales que la artista ha investigado a nivel técnico, científico, social, material y visual. Esto ha dado origen a una serie de ejercicios de fuerza, estudios de movimiento y consideraciones en torno al vínculo entre desastre, tecnología y sujeto. Esta obra está formada por dos mitades de un mismo tronco que son forzados a encontrarse en un punto central, producto del avance de una de sus mitades, lo que genera un movimiento motorizado. Al llegar al centro, una mitad pone resistencia a la otra impidiendo la reunión de las partes.

Con esta pieza reflexiona sobre el ser humano en la era antropocentrista y sus impulsos por controlar el entorno natural con la ayuda del desarrollo tecnológico y a su vez, sobre cómo la naturaleza resiste la intervención, alterando ese desarrollo y generando de pequeños a grandes desajustes o descalces.

Enlace
https://www.cultura.gob.cl/coleccionarte/natacha-cabellos-ricart/

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Técnica artística
Autora
Natacha Cabellos
Formato y soporte
Engranajes, motor paso a paso, driver, arduino, cables, tronco partido por la mitad, imanes de diferentes polaridades, resorte, madera reciclada, base de fierro.
130x40x40 cm
Lugar donde se ubica o donde se desarrolló
Santiago
Año
2018
Lugar de circulación

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Descripción o breve reseña: En el "Museo a Cielo Abierto de Ramón Cordero", seis murales grandes, hechos por muralistas chilenos, cambiaron la imagen del barrio. El proyecto terminó con una actividad en la que vecinos y empleados de Entel plantaron árboles y mejoraron las plazas.

El mural " La infancia" busca mostrar la alegría de los niños con colores vivos e imágenes que fomenten la imaginación, el juego, y el contacto con la naturaleza. La idea es mejorar el barrio, crear un lugar de encuentro para personas de todas las edades, y celebrar Valparaíso con sus cerros, ascensores, casas y colores, para que todos disfruten y convivan en un espacio más alegre.

Enlace: http://www.payo.cl/

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Artista visual, nació en Santiago en el año 1988. Magíster en Artes Mediales por la Universidad de Chile y licenciada de Artes Visuales por la Universidad Diego Portales.

Su quehacer artístico reflexiona sobre los diálogos entre sujeto, artificio y naturaleza, en relación a las posibilidades de ficción y simulacro que nacen con la tecnología. Plantea un punto de vista antropocentrista ligado que pregunta cómo el ser humano se ha distanciado de la naturaleza producto del desarrollo tecnológico. A nivel material-visual, explora las posibilidades que ofrecen el dibujo, el video y el objeto como sistema de registro de la cotidianidad y la instalación como sistema de apropiación de los espacios, a través del uso de objetos encontrados, elementos de la naturaleza, tecnologías digitales y análogas.

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Relación con procesos educativos
La artista visual en su obra “the water resistance´s laboratory toboggans” une ciencia, tecnología, arte y ecología para comprender la importancia del agua como recurso vital. Asimismo, al tener una diversidad de interdisciplinaria, se trabajaría con profesores relacionados con la ciencia y tecnología, para crear un proyecto en conjunto, por ejemplo: uno de los temas que toca la artista es en cómo el ser humano destruye de forma directa recursos vitales para su vivencia en la tierra, tal vez una idea de clase en conjunto es en darle la tarea a los estudiantes de forma grupal que recolecten la basura que producen durante 2 semanas, además de una bitácora que pueda registrar sus pensamientos acerca del trabajo en cuestión, así fomentaría un pensamiento reflexivo y crítico acerca del tiempo que se les dió y pensarlo de forma global ¿Si en 2 semanas recolectaron tal cantidad, se imaginan al mundo entero?, ¿Qué harían con la basura recolectada? A base de estas preguntas en la asignatura de Artes Visuales se les permitirá crear todo lo que sus mentes pudieran pensar con todo lo recolectado, por ejemplo: máscaras, portavasos, estuches, etc
Descripción o breve reseña
El tema central de The water resistance’s laboratory toboggans es el agua como materia, energía y vida. El agua, a la sombra del desarrollo de la ciencia y la tecnología, es hoy un territorio en disputa, tanto su cuidado como su conservación son fundamentales en el equilibrio de la biodiversidad. En esta pieza, el agua modifica la sonoridad de la instalación, a partir de un ciclo programado de datos traducidos en flujos de agua, los que cambian las frecuencias sonoras de doce sintetizadores de audio, sensibles al contacto del cobre con el agua. Esto permite explorar la condición poética y material del agua como también sus propiedades electroquímicas.
Enlace
https://www.cultura.gob.cl/coleccionarte/claudia-gonzalez-godoy/

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Técnica artística
Instalación sonora
Autora o autores
Claudia González Godoy

Formato y soporte
Instalación
230x246x100 cm
Lugar donde se ubica o donde se desarrolló
Año
2016
Lugar de circulación

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The water resistance’s laboratory toboggans

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The water resistance’s laboratory toboggans

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Técnica artística: muralismo

Autor: Payo Söchting

Formato y soporte: muro, Intervención Mural: 349 m2

Lugar donde se ubica o donde se desarrolló: Mural Museo a Cielo Abierto Ramón Cordero. Playa Ancha, Valparaíso.

Año: 2014

Lugar de circulación: espacio público

Relación con procesos educativos: Basandonos en una entrevista de Payo donde menciona que el arte urbano puede influir en la identidad de los barrios, elsentido de pertenencia y la mejora de los espacios públicos para las comunidades, es que se puede hacer un recorrido online o presencial a distintas calles o barrios de la ciudad para observar murales y arte urbano. De alli sacaran fotos y haran entrevistas a transeuntes y vecinos para ver si es que las palabras de Payo cobran sentido en la comunidad para esos murales. Luego, reflexionaremos sobre los mensajes que comunican los murales, si tienen relación con el lugar, cómo contributen al espacio público y a la vida de las personas.

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Claudia González, artista visual nacida en Santiago, 1983. En su producción de obra, Claudia González visibiliza los cruces entre arte, ciencia, tecnología y naturaleza mediante diferentes lenguajes, materialidades y procedimientos. Explora el comportamiento de los materiales en el tiempo y su manifestación en el sonido; elabora circuitos electrónicos manufacturados, textiles, bordados, dibujos y operaciones del grabado; también recolecta materiales, sedimentos, muestras de agua, minerales, vegetación, registros sonoros y audiovisuales de comunidades.

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Relación con procesos educativos
Una de las ideas que pueden servir como clase, es en la materia multimedial los alumnos puedan crear sus propios visuales, los que hará que experimenten con distintas herramientas digitales y a su vez aprender sobre programas que puedan aportar a su enseñanza. Es por ello, que se intentaría ocupar un tema apropiado como “problemas juveniles” del currículum y de aquí permitirle a los estudiantes que puedan crear a base del mapping sus emocionalidades  para así vincularlo con las formas, colores, luces, sombras, entre otros para finalmente proyectarlos en la sala de clases y crear un ambiente de solo la sensibilidad del estudiante.
Descripción o breve reseña
Distintas frases proyectadas desde el contexto social chileno, este manifiesto nace desde la emergencia de cuestionar y visibilizar un lado no violento ni panfletario, sino más bien en responder desde la luz un activismo de contención durante las siete noches de toque de queda en Santiago.
Enlace
https://www.delightlab.com  / ig: @delightlaboficial

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Técnica artística
Mapping de luz
Autores
Distintos artistas provenientes de Antofagasta, Santiago, Valdivia, Punta Arenas, entre otras ciudades.
Formato y soporte
Fotografía
Lugar donde se ubica o donde se desarrolló
Providencia, Santiago de Chile
Año
2019
Lugar de circulación
Torre Telefónica, Providencia, Santiago de Chile

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Delight Lab es un estudio de arte y diseño audiovisual que cuenta con una trayectoria de 10 años, en los que han realizado proyectos que van desde el vídeo mapping e instalaciones audiovisuales, asimismo, destaca la amplia experimentación con la luz, el vídeo, el espacio y el sonido.

Los intereses que surgen en estas proyecciones visuales van desde lo social y medioambiental. Sin embargo, su característica de manifestar estas problemáticas son por medio de la intervención lumínica proyectada en grandes edificios acompañado de mensajes reflexivos que demuestran una realidad del momento, señala Andrea Gana. “Sentimos que el arte es un arma y tiene un deber en sí de poder hacer posible problematizar y reflexionar sobre la contingencia política bajo una concepción estética. Nos interesa hacer entrega de un mensaje que llame a la reflexión, palabras con sentido y visibilizar problemas que nos parecen importantes para poder hacer un cambio»

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Relación con procesos educativos
Una de las posibilidades como actividad sugerida es la forma de incorporar el cine en la sala de clases, con la intención de que alumnos puedan ver en cómo distintos productores experimentan con la cámara de grabación, no solo habría una variedad de entendimientos sino que observarán la creatividad de otros para adueñarse y transformarlo. Un ejemplo sería, en cómo utilizarían su imaginación para crear un vídeo audiovisual que les permita tomar una de las ideas de algún productor y replicarlo, de esta manera el alumno aprendería la técnica y a su vez crearía una pieza con todo lo que va detrás de producir una película, serían por un día productores, camarógrafos, maquillistas, etc. en su propia producción. De esta manera, el crear, grabar, diseñar, ver y hablar de cine en la sala de clases no solo invita a crear un ambiente propicio y de conocimiento, sino que permite además al estudiante a encontrar una visión distinta sobre su saber, pues aprenderá nuevas formas artísticas que pueden ser parte de intereses futuros.

Descripción o breve reseña
Cien niños esperando un tren es un documental chileno de 1988, del cual intenta describir un taller de cine realizado por la profesora Alicia Vega en la población obrera Lo Hermida de Santiago. Asimismo, continuando con las temáticas del artista  este archivo se convierte en una denuncia del estado policial en Chile durante la dictadura de Pinochet.

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Técnica artística
Audiovisual.
Autora
Alicia Vega.
Formato y soporte
Documental.
Lugar donde se ubica o donde se desarrolló
Santiago de Chile.
Año
1988.
Lugar de circulación
En 30 años se realizaron 35 talleres en sectores urbanos marginales de la Región Metropolitana.

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Nacida en 1931 en Santiago, Alicia ha sido una de las protagonistas más destacables dentro del cine chileno. Durante toda su vida ha estado investigando y enseñando sobre la importancia del cine a niños de escasos recursos convirtiendo esta realidad como medio de transformación social.

Aquel momento sería clave para tener el interés de crear el taller de cine para niños, donde comenzó a impartir conocimientos de cine y su lenguaje a niños en situación de pobreza, esto haría en Alicia convertirse como la gran académica y difusora de la cultura como es hoy.

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Payo Söchting es ilustrador, muralista y diseñador gráfico. Socio fundador de Bla!, estudio creativo con más de 15 años de experiencia en proyectos relacionados con la intervención urbana, la comunicación, la gráfica, el dibujo y el buen humor. Co-creador y director artístico del festival de arte urbano Hecho En Casa Entel desde 2021 hasta la fecha. Su obra, se expresa en trazos simples y directos, que mezclan diferentes escenas, personajes o paisajes que son desplegados por el imaginario colectivo, la musicalidad de la imagen y el rescate de la identidad nacional y la cultura social. Su obra se nutren de diferentes escenas, personajes y paisajes influenciados por la gráfica chilena de los 70s. A lo largo de su carrera ha ilustrado numerosos mapas turísticos de los lugares de Chile con mayor fama mundial —de Isla de Pascua a Valparaíso— y de los principales barrios patrimoniales de todo Santiago.

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Descripción o breve reseña: Isabel González, una de las integrantes del colectivo, explica: “Estos trabajos son instalados en la calle, son de ahí y asumimos los riesgos”. Ella menciona que los murales en espacios públicos pueden ser rayados, borrados o destruidos, porque es lo que pasa en las calles. Sin embargo, el caso del mural de Pedro Lemebel es diferente. Para Isabel, “hay un gesto bastante siniestro ... que le quiten los ojos a Lemebel es una referencia muy clara”. Según ella, esta acción parece tener una intención ideológica y podría considerarse un acto homofóbico, ya que Lemebel es un símbolo para la comunidad LGTBI. Además, ocurre en el contexto del 18 de octubre del 2019, cuando muchas personas sufrieron lesiones oculares por la represión en Chile.

Con esto, se muestra cómo el arte callejero no solo es frágil porque está en la calle, sino que también puede convertirse en un lugar de confrontación de ideales, de política y de valores.

Entrevista extraida de: https://palabrapublica.uchile.cl/arte-publico-agredido-censura-o-ley-de-la-calle/

Enlace: https://www.instagram.com/colectivo_musa/?hl=es

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Su obra artística abarca desde la gráfica hasta la escultura, apuntando a cuestiones relacionadas con la condición humana, explorando sus diferentes aspectos, incluyendo las relaciones de poder, los conflictos sociales e históricos, profundizando en una revisión profunda de los mismos. Estos temas e imaginarios se presentan en dioramas faux-naif creados a partir de materiales reciclados, enfatizando la expresión de la figura humana, además de presentar elementos infantiles y paródicos en un contexto de tragedia y conflicto.

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Descripción o breve reseña: “Memoria fabricada” es una muestra de Fernanda Núñez que, mediante dioramas, aborda distintas escenas que reconstruyen microhistorias y acontecimientos noticiosos. Diferentes personajes y situaciones, a través de un imaginario cotidiano y cercano, hablan de historias silenciadas y olvidadas cuyo eje central es la violencia que contienen.

Alrededor de 200 piezas dan forma a la exposición, cada una de ella recrea una escena a partir de hechos que la artista va recopilando y traduciendo a una estética particular, con una factura que podría asimilarse a la de un niño y que se vale de materiales reciclados. Lo numeroso de las maquetas nos permiten movernos por escenarios dispares, que transitan entre lo público y lo privado, entre escenas de la historia del país y de la historia personal. Un debate presidencial, un hogar de menores, un zoológico, una sala de clases o un matadero son algunas de las situaciones y lugares que Fernanda Núñez escoge para “Memoria fabricada”, dando cuenta de las pequeñas narrativas que han quedado históricamente relegadas.

Enlace: https://isabelcroxattogaleria.com/es/artists/112-fernanda-nunez/works/

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titulo de obra

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Técnica artística: Diorama

Autora: Fernanda Núñez

Formato y soporte: Diorama tridimensional, con soporte de MDF, materiales: plastilina, témpera, cartón y objetos reciclados sobre MDF, medidas: 25x25x25cmLugar donde se ubica o donde se desarrolló: Santiago de Chile

Año: 2019

Lugar de circulación: Galería Bech, Santiago. Galeria Isabel Croxatto, Santiago y Casa del Arte Diego Rivera, Puerto montt. Lo que quiere decir que se circula por centros de exposiciones.

Relación con procesos educativos: Inspirado en esta obra haria que cada estudiante cree un diorama, para eso antes tendria conversación sobre imaginarios cotidianos que tengan, que sean signifiactivos y que puedan verse hasta como cotidianos. Habria una revisión de ideas, para luego hacer un bosquejo de lo que sera su diorama. Luego con materiales reciclados y materiales que ocupa la artista, deben crear su propio diorama sobre una base de carton o MDF. Cuando todos hayan entregado sus dioramas deben encontrar la forma de unirlos entre si inspirandose en la forma en que la artista lo instala, la idea es que los dioramas se unan y tomen decisiones en cuanto a composición.

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Técnica artística: mosaico

Autores: Isabel Gonzales (@issg_art) y Gonzalo San Martin (@cantaelcaos)

Formato y soporte: mosaico en pared

Lugar donde se ubica o donde se desarrolló: Nataniel Cox esquina Tarapacá, Santiago

Año: 2017-2018

Lugar de circulación: espacio público, lo que generar gran visibilidad y accesibilidad

Relación con procesos educativos: Partiria enseñando ejemplos de arte callejo y como se han ido transformando en el tiempo, para terminar con el ejemplo del mosaico de Pedro Lemebel, explicando quien es y reflexionando en conjunto sobre la temporalidad del arte en la calle, su fragilidad y como es que genera respuestas y emociones a las personas como a comunidades. Luego de esta conversación haria que creen en grupos obras que tengan que ser instaladas en su colegio/liceo y ver, registrar y conversar posteriormente como es que la comunidad educativa reacciono ante la obra. La idea también es ver cuanto dura en su lugar y como afecto el paso del tiempo.

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Como mencionan en su instagram el Colectivo Musa crea retratos en mosaico de personajes relevantes de la memoria popular, cultural y política chilena instalados en la calle desde el 2017.