# data[].attributes.body
Es evidente y con solo verla, las gran esculturas de color anaranjado de Negret.

# data[].attributes.body
Las obras de Luis Caballero me genera orgullo y a la vez tristeza. Orgullo porque se atrevió a mostrar la verdadera situación por la cual estaban siendo reprimidos las personas homosexuales por la ignorancia sobre enfermedades como VIH y SIDA. Tristeza porque fue una época en donde no podían ser libres, no tenían el derecho de amarse y ser felices. No obstante, la forma rebelde de cómo representa Caballero todo ese dolor es de admirar. Se atrevió a pintar hombres desnudos, el cual por medio de líneas orgánicas y una paleta de colores rojos y neutros mostraba un verdadero realismo.

# data[].attributes.body
Descripción Formal: Primero, en esta pintura es necesario resaltar el tenebrismo que viene de parte superior central y enfoca al hombre, simbolizando ese momento de la muerte. No obstante, fue una muerte al ver el color rojo en la pintura que simboliza la sangre la verdadera causa de la muerte de éstos. Las líneas utilizadas se caracterizan por ser orgánicas y van en sentido de la dirección de la luz y generan una perspectiva, donde el punto focal son las figuras masculinas. No existe un balance en la pintura, si dividimos la obra horizontalmente en dos partes existe un contraste entre la parte superior que tiene una paleta de colores blancos y la parte inferior se caracteriza por tener una paleta de colores oscuros. La escala está bien ya que las proporciones de las personas están acordes a la escala humana. Esta pintura me gustó mucho porque tiene múltiples maneras de interpretar, pero en todas tiene un mensaje profundo.

# data[].attributes.body
Al entrar a esta sala, lo primero que te encuentras es una pintura de Obregón de gran escala en donde muchos colores vivos resaltan. Otra cosa que me llamó la atención es que en esta sala hasta la parte de atrás de los marcos de las obras son mostradas, algo que muy poco pasa. También, me llamó la atención como la estructura del edificio a pesar de estar tapada por un cielo raso, su color gris del concreto juega bien con las obras. Me gustó mucho que a pesar de tener una vista increíble de Bogotá, decidieron taparla con persianas para darle protagonismo a las obras de arte. Además, creo que es necesario resaltar el curador que nos explicó de una manera muy divertida las obras e hizo interesante el recorrido.

# data[].attributes.body
Es un espacio de 1.400 metros cuadrados, que alberga una colección de 350 piezas de artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar, Ómar Rayo, Enrique Grau, Édgar Negret, Luis Caballero, Ignacio Gómez Jaramillo, Pedro Nel Gómez y Francisco Antonio Cano, entre otros maestros que se articulan a través de una innovadora puesta en escena que construye relaciones con el arte y la sociedad contemporáneas.

# data[].attributes.headline
Sala de Arte Bancolombia. Bogotá. - Mayo 5, 2023

# data[].attributes.subject
Sala de Arte Bancolombia. Bogotá. - Mayo 5, 2023

# data[].attributes.attachment_caption
Frida y la cesárea (inconcluso). Frida Kahlo. 1931.

# data[].attributes.body
Descripción formal: Esta pintura a pesar de no estar culminada, me parece interesante por tener los distintos escenarios por los que la mujer tiene que pasar a la hora del parto. No obstante, en el cuadrante central, trata de poner a la mujer como punto focal por medio de un trazo de color negro para contornearla y exaltarla. Usa una paleta de colores rojos y busca contrastarlos con un paleta de colores pálidos como el blanco y el piel. Además por medio de estas paleta de colores trata de hacer alusión a lo que contiene un parto sangre, sufrimiento e intimidad. No existe un balance en la pintura, solamente en el cuadrante central.

# data[].attributes.attachment_caption
Viva la Vida. Frida Kahlo. 1954. w720 x h520 mm

# data[].attributes.body
Al ir recorriendo virtualmente, me llamó la atención el color amarillo del piso y el verde de los marcos de los vanos, que a pesar de ser colores que resaltan a primera vista no opacan las obras sino que las enmarcan. Me parece interesante poder ver cómo vivían y como eran los ritos en el hogar de esta gran artista.

# data[].attributes.body
Este museo es el lugar cultural más representativo de la artista mexicana  Frida Kahlo, contiene un gran parte importante de su legado artístico. Es una casa museo ubicada en la Colonia Del Carmen de la Alcaldía Coyoacán, que corresponde a uno de los barrios más tradicionales de la Ciudad de México.

# data[].attributes.headline
Museo Frida Kahlo, Ciudad de México. - Mayo 2, 2023

# data[].attributes.subject
Museo Frida Kahlo, Ciudad de México. - Mayo 2, 2023

# data[].attributes.body
Esta pintura apenas la vi me generó miedo, pero a la vez impresión por ser tan detallada a hora de pintar el vestido.
Descripción formal: es una obra que tiene un fondo negro, en donde se busca por medio de unas líneas orgánicas de colores claros resaltar la forma de la figura, en este caso un niño. No obstante, la primera impresión que este da es que tiene una cabeza fuera de la escala de un niño sino de una persona adulta, por lo que genera una cierta distorsión a la hora de leer y entender la pintura. Esto nos lleva a cuestionarnos si fue intencional o no. Existe un balance en toda la obra, si la dividimos por la mitad verticalmente no hay una cierta distinción entre las partes. Es por esto que la figura se encuentra en el centro, el encuadre y el punto focal es esta.

# data[].attributes.attachment_caption
Paisaje con puente de Madera. Jean Baptiste-Louis Gres. 1800.

# data[].attributes.body
Esta pintura me recordó al Río Guatapurí de mi ciudad natal Valledupar, por sus grandes rocas y el gran paisaje ilustrado. También, me gusta el dinamismo que los autores generan en el agua, genera una atmosfera de paz y hasta produce esa sensación del ruido del agua cuando va fluyendo.

# data[].attributes.body
Es un museo construido por el arquitecto bogotano Enrique Triana en el año 2006. Se encuentran cinco curadurías independientes, algunas de las obras más representativas de la Colección. Se exhiben más de 800 piezas de 250 artistas diferentes, elaboradas entre el siglo XV y la primera década del siglo XXI.

# data[].attributes.attachment_caption
Ruptura y Continuidades. Beatriz González.

# data[].attributes.body
Este museo me parece que busca tener esa idiosincrasia colombiana, pero a la hora de ir a ver las colecciones de arte busca adentrarte en ellas y solo enfocarte en estas por medio de su diseño sencillo y ortogonal. Solo en los espacios exteriores te permite estar un poco más libre y desconectado de ese mundo de las artes. Es decir, la arquitectura busca llevar al visitante a dos extremos, al enfoque del arte y a la desconexión de este. Esto me llamó mucho la atención. Además, el uso de la pintura blanca en las paredes permite resaltar lo importante del museo, en este caso, las obras.

# data[].attributes.headline
 Museo de Arte Miguel Urrutia, Bogotá. - Abril 28, 2023

# data[].attributes.subject
 Museo de Arte Miguel Urrutia, Bogotá. - Abril 28, 2023

# data[].attributes.attachment_caption
Los cepilladores de piso. Gustave Caillebotte. 1875. 

# data[].attributes.body
Esta pintura me llamó la atención de cómo los trazados están muy bien detallados que generan una atmósfera que permite a la audiencia imaginar que está en ella. En mi opinión, está pintura al verla me lleva a un lugar en donde huele a aserrín, así como el aroma del taller de u carpintero. También, el manejo de la luz permite acercar a la realidad la pintura, por medio de contrastes que generan tridimensionalidad y un escenario muy cercano a la realidad.

# data[].attributes.attachment_caption
Habitación de Van Gogh en Arles. Vincent van Gogh. 1889. 

# data[].attributes.body
Descripción Formal: Para hablar de este cuadro es necesario recalcar que la intención de Van Gogh era mostrar una habitación tranquila. Es por esto que, los trazos son rectos y sencillos, pero que a la vez buscan dar forma y detalle a la figura. En el piso por medio combinación de líneas rectas de color marrón y beige, trata de simbolizar un piso desteñido. Por medio de colores pálidos como el azul cielo de las paredes y el color crema de las sábanas, quería mostrar esa paz y reposo que se encontraba en la habitación. El encuadre de la obra está a partir del centro hacía la parte superior de la pintura, que es evidente que el autor busca lograr una perspectiva, no obstante esto hace que la escala del dibujo se distorsione al comparar el tamaño de las sillas, como también da una impresión de que las sillas y los cuadros están sobre el aire a pesar de que este el piso y la pared presente.

# data[].attributes.attachment_caption
La Siesta (Después de Millet). Vincent Van Gogh. 1890.  w910 x h730 mm.

# data[].attributes.body
Me parece muy similar al museo Rijksmuseum el uso del color azul en las paredes para contrastar y resaltar las pinturas, como también la cubierta que permite la entrada de luz cenital en el recinto.

# data[].attributes.body
Este edificio llamó mi atención ya que es un claro ejemplo de que lo heterotópico en la arquitectura existe. Gracias a su planta libre permitió ser una estación de ferrocarriles hasta un museo de arte. No obstante, es también la arquitectura parte de la colección de obras del Neoclasicismo, Realismo e Impresionismo, ya que cuenta por si sola una historia y un pasado, por medio de los relojes y su fachada. Además, me pareció interesante como este museo a diferencia del de Ámsterdam las esculturas de mármol tienen más protagonismo.

# data[].attributes.body
Este museo se creó a finales entre el Siglo XIX y principios del XX principalmente para ser una estación de tren. No obstante, tras el crecimiento del tejido urbano de Paris, las rutas de la estación no fueron suficientes para abastecer el público y los recorridos por lo que quedo en desuso. Al pasar los años, la construcción amenazaba a la ruina por lo que en 1977 decidieron convertirlo en un museo.

# data[].attributes.attachment_caption
Autorretrato. Juan Cárdenas. 1971. 124 x 99 cm.

# data[].attributes.body
Descripción formal: Las líneas el lado izquierdo de la imagen son trazadas con más exactitud para mostrar un contorno. En cambio, en la parte central inferior los trazados hay más como una difuminación de los pincelazos que no permite detallar las manos o si tiene unos guantes. En esto también influye los colores que se maneja una paleta de colores tierra que contrastan con los rasgos negros del pelo, las gafas y los bigotes. No obstante, también contrasta la franja rectangular vertical por su color azul cielo, sin embargo, no le quita protagonismo a la figura. Es una pintura que está a escala con las proporciones que tiene la escala humana y la vestimenta de este. Además, es necesario resaltar algo que vi en la mayoría de pinturas de la sala y es el uso del claroscuro a la hora de pintar escalas humanas, con el fin de resaltar por medio de la sombra y la luz los rasgos de la cara como también generar tridimensionalidad en el cuerpo de este. También, es evidente el tenebrismo en el lado izquierdo de la pintura que se dirige hacia el centro en donde se resalta el rostro de este y logra que este sea el punto focal del encuadre de la pintura.

# data[].attributes.attachment_caption
Guerrero. Armando Villegas. S.F. 92 x 82 cm.

# data[].attributes.body
Al entrar a la sala te encuentras las pinturas colgadas en una pared blanca que contrasta con el color de las obras. La curaduría de esta exposición eran obras de la Escuela de Bellas Artes de los Andes de mediados del Siglo XX. La verdad al entrar me asombré, ya que solo tenía metido en la cabeza que en Colombia el único arte que existía era el de Fernando Botero. Al escuchar la explicación de la docente, aprendí de tantos artistas como Negret, Luis Caballero, Armando Villegas, entre otros, son también grandes artistas colombianos. Al entrar, es posible encontrar con autorretratos, pinturas abstractas, gestuales y experimentales. Por ejemplo, esta obra sin título de Augusto Rivera es un claro ejemplo de ser un artista experimental que buscó para la época de los 60 jugar con el transfer fotográfico. Esto demuestra como los artistas colombianos estaban dejando a un lado esa influencia europea y empieza a mirar otro arte norteamericano como el del artista Robert Rauschenberg, quien tuvo auge durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, movimientos que influenciaron a el artista colombiano Rivera. Entrar a esta sala fue conocer esa parte artística, de la cual era ignorante de su existencia, y me generó sorpresa al ver el talento colombiano.

# data[].attributes.body
En esta sección de la sala me llamó mucho la atención, ya que te dan la oportunidad de plasmar tu propio arte. También, hay fotografías que te contextualizan con esa época cuando existía La Escuela de Bellas Artes, donde se permite ver los pensamientos de la época, como la de que los hombres eran la figura protagonista. Lo único que me pareció un poco distractorio eran las ventanas superiores que mostraban el exterior y el paso de las personas, que generaban en pocas veces falta de atención. En mi opinión, creo que en las salas de exposiciones y museos, deberían buscar que la arquitectura solo enfoque el arte.

# data[].attributes.headline
Centro Cívico Universidad de los Andes. Arte para Bogotá. La Escuela de Bellas Artes de Los Andes, 1955-1974. Visita: Abril 21, 2023

# data[].attributes.subject
Centro Cívico Universidad de los Andes. Arte para Bogotá. La Escuela de Bellas Artes de Los Andes, 1955-1974. Visita: Abril 21, 2023

# data[].attributes.attachment_caption
Retrato de una niña vestida de azul. Johannes Cornelisz Verspronck. 1641. w665 x h820 mm.

# data[].attributes.body
Desde que empecé a apreciar el arte, me di cuenta que me llamaba mucha la atención los retratos. En la actualidad, el uso de la cámara ha reemplazado estas pinturas, no obstante, es interesante verte o ver a otros desde la percepción de otra persona (pintor/a).
Descripción formal: En este retrato, es evidente que la composición de la obra se ubica en el centro de la pintura. Por medio de la línea, se le da forma a la figura generando un contorno que permite poner a la niña en un primer plano y tener un fondo (segundo plano). Esto también se logra por medio del uso de colores cálidos como de una paleta de colores tierra que contrasta con el azul del vestido y el color blanco implícito en el contorno de la figura. Para generar más  realismo a la pintura, se trata de jugar con la luz por medio del claroscuro, que por medio de un contraste entre luz y sombras permite generar un relieve (en las manos y ojos). Además, por medio del tenebrismo, la luz que viene desde la parte izquierda dirigida hacía el centro, es decir hacía el rostro de la niña trata de exaltar con la luz las facciones de esta. Para terminar, lo que más me llamó la atención fue como el autor logró contrastar el pelo de la niña, con el fondo de la pintura, a pesar de ser de una pertenecer a una misma paleta de colores tierra.

# data[].attributes.body
Creador: Maestro de Alkmaar
Fecha de creación: 1504
Dimensiones físicas: panel

# data[].attributes.body
Woman Reading a Letter, c. 1663.

Oleo sobre lienzo

46x39 cms.

# data[].attributes.body
La ronda nocturna, 1642.

Óleo sobre lienzo, 363x437 cms.

# data[].attributes.attachment_caption
Sala de Expociciones Centro Cívico Universidad de los Andes

# data[].attributes.body
Esta sala de exposiciones se encuentra en piso sótano del Edificio Centro Cívico de la Universidad de los Andes, que busca que tantos los estudiantes uniandinos como de las otras universidades  en el centro tengan la oportunidad de tener en su sector un espacio para conocer y apreciar el arte e historia principalmente de Colombia. La Universidad tiene un gran reportorio de colecciones y esta exposición estuvo asociada con el Banco Colpatria.

# data[].attributes.body
Como estudiante de Arquitectura, esta fue la sala que más me impresionó por su galería central que a sus lados tienen unos nichos, que invitan a entrar y refugiarte para mostrar una gran colección de pinturas. Estas resaltan y contrastan por el color azul de las paredes y la luz cenital que viene de la cubierta. Me llama también la atención las pinturas (al parecer de pintores y artesanos) que se encuentran en la bóveda central del edificio. No obstante, es necesario resaltar como contrastan las escalas tanto de la arquitectura con la colección de arte, las cuales están organizadas acorde a las proporciones del ser humano. En caso de la arquitectura, para la época del Renacimiento, se volvió a mirar a la arquitectura de la polis Griega y Romana (que eran usados como templos) por lo cual resaltan por su grandeza y sus proporciones fuera de escala. En mi opinión, creo que lo hicieron con el objetivo también de contextualizar y aterrizar a los tiempos de la arquitectura y la de la colección de arte que ahí se encuentra.

# data[].attributes.body
Esta sección resalta por tener una similitud con una sala capitular, por lo que podemos deducir que es un arte un poco más relacionado con el cristianismo y la Edad Media. Además, las pinturas muestran situaciones de cómo un buen cristiano debe ayudar a las personas necesitadas. Un ejemplo es la obra "Las Siete Obras de Misericordia" de Maestro de Alkmaar 1504.

# data[].attributes.body
Este es un museo de arte e historia que recoge obras muy famosas como la colección de pinturas del Siglo de Oro holandés, como también una colección de arte del continente asiático (arte japonés). A lo largo de su historia, fue un museo que tuvo lugar en varios sitios de los Países Bajos. Por ejemplo, su primera sede fue  Palacio de Frederik Hendrik, entre otros. Como consecuencia de un largo recorrido el museo logró recopilar y poseer grandes colecciones de arte holándes.