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"Avec cet autre..."

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Le Cirque Disparu

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Portfolio 15 pages : en cours.

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Portfolio 2 HEAR Strasbourg (A4 (paysage))

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L'Effraie (version topographique modifiée)

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Production N 16 La mémoire des matériaux pdf

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Sujet concours : La mémoire des matériaux

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Projet d'illustration pour Le Cri du Margouillat

MARRONIES

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Scriptor plantis, l'écriture des plantes.docx

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Note d'intention : Scriptor plantis, l'écriture des plantes

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Production N°14 - Scriptor plantis, l'écriture des plantes.docx

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Sujet concours : Les moyens du bord

"Scriptor plantis, l'écriture des plantes"

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Scriptor plantis, l'écriture des plantes

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Pablo Picasso, Untitled (photo: Gjon Mili, 1949)

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5XP10, Kid Kréol et Boogie, 2012-

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Bon travail dans l'ensemble. Bonne prestation orale et bonne analyse/ problématisation du sujet.

Faire le travail d'impression photos et réaliser concrètement le travail de présentation.

Lien pratique perso: mélange entre musique, texte et image. Processus à questionner.

A vidéoprojeter?

Attention à élargir le champ référentiel vers des oeuvres grand public et internationales et à ouvrir les sujets (du local vers le mondial).

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Sans titre - masques, série 1, Kid Kréol et Boggie, 2018

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Note d'intention : La complainte de Satan

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Murmure Perpétuel

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La Complainte de Satan

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Portfolio 5 pages : en cours.

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Les Révélations du Grand Océan, Carte, Jules Hermann.

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Note d'intention : Le Cirque Disparu

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Alicia Nauta & Joële Walinga - In The Same Breath (Gallery 44, Toronto) 13 octobre 2018

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Marcel Duchamp, Étant donnés: 1° la chute d’eau / 2° le gaz d’éclairage, 1946-1966.

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Note d'intention : Datum

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Production no.12 : Aquarelle sur format A3.

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Le Cirque Disparu

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Cells, Louise Bourgeois, entre 1989 et 2008.

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Note d'intention : Three dimensions of a secret

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Untitled, John Stezaker, 2011.

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Note d'intention : Murmure perpétuel

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Jacques Monory, Meurtre n°2, 1968.

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René Magritte, Golconde, 1953.

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Production no.11 : Dessin digital et montage.

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Datum (en cours)

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Note d'intention : The many colored beast

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Partie de Croquet, Pierre Bonnard, 1892.

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Production no.10 : Photomontage d'une installation avec laine.

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Three dimensions of a secret

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Production no.9 : Collage sur format A3.

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The many colored beast

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Nourrice assise, tenant son poupon, Georges Seurat, 1881-1882.

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Les Égarés

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Note d'intention : Les Égarés

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Production no.7 : Peinture à l'acrylique et dessin à la sanguine,  format raisin.

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L'après-midi d'une nymphe

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Production no.6 : Dessin au fusain sur papier grainé, format raisin. 

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Black Narcissus

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Note d'intention : L'après-midi d'une nymphe

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Production no.5 : Photographie du paysage à travers le motif de la fenêtre.

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Paysage avec figures absentes

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Sujet de l'épreuve de l'ESA le Port 2022 : Deuxième partie

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Sujet de l'épreuve de l'ESA le Port 2022 : Deuxième partie

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Tout d’abord, nous pouvons rappeler les mouvements picturaux des deux artistes. Joachim Patinir faisant partie du mouvement du Classicisme du 16e siècle et David Hockney au mouvement moderniste du 20e siècle. Un point paradoxal étant donné que ces mouvements s’opposent fondamentalement, l’art moderne étant né pour rejeter toutes règles et principes du classicisme.

Ainsi, la composition des couleurs et la technique utilisée pour réaliser les deux tableaux sont divergentes en tout point. Chez Patinir, les détails et le réalisme sont rois, rendant la recherche de mimesis évidente, cela étant renforcé par l’aspect lisse du tableau dans son absence de gestes, d'effets de reliefs. En revanche, chez Hockney, les couleurs vives, la simplification des formes et la perspective distordue soulignent l'écart avec le réel. Le peintre rejette toutes les règles appliquées par Patinir.

De plus, Joachim Patinir a pour sujet premier la représentation religieuse. Bien qu’elle puisse n'être qu’un prétexte pour pouvoir peindre librement le paysage, il possède tout de même comme intention initiale celle de la narration de l'histoire de Saint-Jérôme. Il utilise donc le paysage et son symbolisme pour agrémenter le sujet religieux au cœur de son travail. Au contraire, David Hockney a pour intention en tant que peintre moderne de traduire par le geste, la couleur et la composition, l’émotion que transmet un paysage. En effet, les ressentis face a ces deux toiles diverges. Les vives couleurs utilisées par David Hockney offrent des fortes émotions au paysage, l'écart avec le réel renforçant le sentiment d'émerveillement face à celui-ci. À l'inverse, le paysage de Patinir s'aplatit dans son détail pour mettre en avant la scène religieuse et le symbolisme du tableau. De cette manière, le réalisme poussé du peintre classique donne à voir quelque chose de l'ordre d'une complexité qui nous submergerait presque.

Finalement, le sentiment essentiel et direct que nous ressentons d'un tableau à l'autre se conclut comme deux perceptions réciproquement discordantes.

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Review, Andreas Gursky, 2015.

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Production no.3 : Illustration à l'aquarelle et au style fin noir d'après le poème "L'Effraie" de Philippe Jaccottet (1925-2022).

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L'Effraie

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Sujet de l'épreuve de l'ESA du Port 2022 : Troisième partie

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Sujet de l'épreuve de l'ESA du Port 2022 : Troisième partie

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Nous pourrions croire que ces deux tableaux ne possèdent aucuns liens entre eux. Pour autant, il faut une nouvelle fois rappeler l'importance du tableau Paysage avec Saint-Jérôme de Joachim Patinir dans l’Histoire de l’Art et également celle du paysage. Effectivement, Joachim Patinir était l’un des pionniers du genre du paysage par sa préfiguration du sujet dans ses multiples représentations de Saint-Jérôme. De cette manière, David Hockney réaffirme dans Garrowby Hill la tradition picturale du paysage de Patinir, chez qui elle n'était encore que naissante. Le peintre moderne remodèle le tableau de Patinir, faisant disparaître le sujet religieux tout en reprenant le point de vu aérien et la composition, toute fois inversée, de Paysage avec Saint-Jérôme. Il révèle ici le paysage comme sujet principale de son tableau. Effectivement, les masses de collines des deux toiles sont renversées pour se faire face, de même pour les chemins visuels qui nous guident vers un paysage lointain qui s'efface peu a peu dans des tons de bleu. Observant les deux tableaux côte a côte, nous pouvons distinguer un effet de miroir voir même un dialogue entre eux. David Hockey semble bien faire une référence complète à Patinir, comme pour honorer son tableau et son importance dans la marche jusqu'au genre du paysage d'aujourd'hui.

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Hydrie attique à figures noires (H. 56,5 cm), env. 520 avant J.-C., Boston, Museum of Fine Arts

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Sujet de l'épreuve de l'ESA le Port 2022 : Première partie

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Sujet de l'épreuve de l'ESA le Port 2022 : Première partie

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Joachim Patinir, dans son tableau "Paysage avec Saint-Jérôme", a pour sujet principal la représentation d'une scène religieuse. Pour autant, le peintre montre une grande nouveauté dans son tableau en offrant au paysage un espace quasiment omniprésent. Par cette action, l'artiste sort de l'iconographie ou de l'icône religieuse et s'engage vers le genre du paysage. Joachim Patinir donne une grande importance aux détails de chaque éléments, révélant une certaine recherche de mimesis. Son travail devient ainsi une représentation idéalisée, décomposée car il sélectionne des éléments du paysage réel, d'après une étude de celui-ci, avant de les reconstruire et de les replacer à sa guise dans son tableau. Cette peinture à huile sur bois est composée de plusieurs plans, visibles grâce a l'utilisation du sfumato qui modèle de façon vaporeuse les objets et qui offre une impression de profondeur, et à la perspective atmosphérique créée par les nuances de "Bleu Patinir" s'ajoutant aux éléments les plus lointains. Le point de vue aérien ou encore en vol d'oiseau nous permet ainsi de nous perdre dans un paysage en profondeur.

David Hockney, appartenant au mouvement du modernisme, offre un écart avec le réel dominant sur plusieurs points. En effet, bien que le sujet soit celui du paysage par une vue aérienne, ici la perspective est distordue, faussée et nous pouvons donc observer un mélange, ou plutôt une découpe peu nette entre les différents plans. De plus, nous pouvons reconnaître chez l'artiste une palette de couleurs rappelant celle des impressionnistes. Celles-ci sont vives et ainsi irréalistes, étant composées principalement de verts, de roses, de violets et de bleus. Nous pouvons également constater que la gestuelle de l'artiste est visible à l'inverse du tableau traditionnellement lisse de l'époque classique.

Malgré le fait que les formes restent figuratives et que l'on reconnaît les différents éléments du tableau, l'artiste, à travers son écart avec le réel et le mouvement artistique auquel il appartient, ne semble pas chercher qu'à représenter le paysage mais bien à retranscrire le sentiment que celui-ci a produit en lui. Précisément, nous pouvons ressentir face a se tableau une sentiment d'immensité non pas effrayante mais plutôt envoûtante et fascinante. Le paysage attire notre regard et les couleurs saisissent nos sentiments.

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Production No.2 : Vidéo sur l'abstraction des formes créées par des ombres projetées. 

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Oniromantic abstract

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Chiharu Shiota, The Wall Behind The Windows, 2023.

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Note d'intention : Black Narcissus

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Aude Franjou, The Heart of The Fig Tree, 2018.

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Production No.1 : Dessin à l'aquarelle et au crayons de couleur.

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Motifs aquarellés

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Man Ray, Le retour à la Raison, 1923.

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Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2008.

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Ossip Zadkine, Danseur, 1966.

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Production sur le thème "Île de mille parts" : "Paysage Marron" sur la métaphore d'une forêt marrone échappant les sabres des colons.

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Gérard Fromanger, Le Rouge, 1968.

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Mishka Henner, Feedlots, 2012-2013.

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Dessin avec une anatomie altérée (membres plus longs que la normale).

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Joan Fontcuberta, "L'Artiste et la photographie, Suite Portlligat", Narcesse sodomisé par une mâchoire repentante, 1959.

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La texture et les motifs incroyables de William Turner 

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Les hommes montagnes de KID KREOL & BOOGIE

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Production sur le thème de l'Immatérialité : "Clair de Lune", inspirée du morceau "Clair de Lune" de Claude Debussy.

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Culture artistique et détails sur les tableaux

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Matthew Olivier (@thefineartcollective) • Instagram photos and videos

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382K Followers, 674 Following, 115 Posts - See Instagram photos and videos from Matthew Olivier (@thefineartcollective)

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Note d'intention : Paysage avec figures absentes

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N°5 Paysage avec figures absentes  .docx

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Dessin de nu d'après "Le Discobole".

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Note d'intention : L'Effraie

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Gérard Richter : nuage + entre figuration et abstraction

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Gérard Richter : nuage + entre figuration et abstraction

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voir son oeuvre Gerhard Richter, Wolke / clouds

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Find out more about the life and career of Gerhard Richter, one of the most important artists of the 20th and 21st centuries.

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Le nuage:

L'artiste crée des nuages moelleux là où ils ne se seraient jamais formés de façon naturelle. Les sculptures de l'artiste néerlandais dure cinq, voire 10 secondes tout au plus, avant de s'évanouir.
À l'aide de vaporisateurs d'eau et de machines à fumée, Berndnaut Smilde crée des nuages qu'il photographie dans des lieux étranges, ici dans l'Himalayas Museum de Shanghai. Il retouche les clichés pour faire ensuite disparaître les outils utilisés.

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Quel rôle?

https://www.flipsnack.com/B8AB8CF6AED/la-fen-tre-dans-l-art/full-view.html

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Voici un article traitant de la fenêtre dans l'art. Il montre les différentes fonctions de la fenêtre dans la représentation, au niveau spatial et plastique.
Lien vers le fichier dynamique avec illustrations : https://www.flipsnack.com/B8AB8CF6AED/la-fen-tre-dans-l-art/full-view.html
Lien vers le PDF :

La fenêtre est un objet largement exploité par les peintres car elle permet de mettre en scènes deux espaces : l'intérieur et l'extérieur. Beaucoup d'artistes se sont penchés sur cette qualité absolue de la fenêtre : un démultiplicateur d'espaces. La fenêtre montre, sépare, relie, pointe, encadre, entoure, ouvre et divise, etc. Elle connaît plusieurs fonctions que les peintres ont largement soulignées tout au long de l'histoire de l'art.

Figure du divin, elle laisse passer à travers ses carreaux de douces et métaphoriques lumières. C'est elle aussi qui crée un lien tout en séparant le dedans du dehors. De la Renaissance à l'art contemporain, elle enrichit l'espace qui devient multiple, hétérogène.

La fenêtre comme le miroir permet de fractionner l'espace représenté : tout comme lui, elle permet d'insérer un cadre dans le cadre. Cette mise en abyme incruste des vues dans des vues, enrichit l' Historia. Ces ouvertures engendrent des percées dans le visible : le regard est invité à l'errance, se promène dans l'espace tantôt du dedans, tantôt du dehors. Deux mondes cohabitent harmonieusement.

La fenêtre est aussi un objet de questionnement dans l'art contemporain : elle s'expose pour elle-même dans des installations. Les artistes nous font contempler ce qui jadis invitait à la contemplation. Il ne s'agit pas ici de faire l'inventaire d'un maximum de références sur la fenêtre mais de dégager quelles sont leur rôle dans l'œuvre produite par les artistes.

La veduta : Renaissance :

La fenêtre est un thème cher et nouveau à la Renaissance. Dans son De Pictura, en 1435, Alberti écrit " Je trace sur la surface à peindre un quadrilatère qui sera pour moi comme une fenêtre ouverte sur le monde. " Souvent les peintres représentent un intérieur avec une ouverture sur le dehors. Cette percée dans le mur est une " veduta " en italien qui veut dire vue. Hans Memling dans le- Retable de Martin Nieuwenhove 1487 - Musée Memling, Bruges " Vierge à l'Enfant ", panneau gauche du diptyque, représente un dedans et un dehors. Le regard n'est pas enfermé dans la pièce mais peut s'échapper à l'horizon. La couleur rouge est la dominante de l'intérieur tandis que le vert, la complémentaire, occupe l'espace extérieur. Le sacré et le profane cohabitent dans le diptyque ainsi que l'éternel figuré par la Vierge et l'enfant et le temporel avec la nature de l'extérieur.

Ghirlandaio dans Le vieillard et l'enfant de 1490 peint un contraste de temporalité inverse : le vieil homme et le jeune garçon montrent le côté temporel de l'existence tandis que le paysage lui, ne vieillissant pas incarne plutôt l'éternel.

La fenêtre métaphore du divin : Vermeer

La fenêtre laisse passer la lumière. On pourrait dire que c'est une métaphore du divin et de l'incarnation. Vermeer dans La Laitière du XVIIème siècle représente une jeune femme versant du lait dans une jatte. La lumière douce et tamisée baigne dans la pièce. C'est une lumière sacrée et la scène représentée nous explique de façon métaphorique la conception de Jésus.

La fenêtre comme dialectique de l'espace pictural : Matisse

La peinture célèbre de Matisse La desserte rouge montre une femme dans son intérieur. La nappe posée sur la table et la tapisserie sur le mur comportent les mêmes motifs. Cela donne une continuité spatiale et a pour conséquence d'aplatir l'espace. Les tons de rouge sont vifs. Une ouverture sur la gauche laisse entrevoir la nature extérieure dans toute sa splendeur. Les couleurs du jardin sont dans des nuances de vert qui contrastent avec le rouge de l'intérieur. Ce contraste de complémentaires est à son paroxysme.

La fenêtre comme division de l'espace : Agnès Fornell

L'image est constituée de six parties formant un tout. C'est bien là le pouvoir de la fenêtre de séparer et de relier.

La fenêtre comme illusion spatiale : Magritte

La peinture de Magritte représente une fenêtre donnant sur une vue d'un bâtiment. Les deux espaces intérieur et extérieur ne sont pas à la même échelle. La vue est surréaliste. Magritte bouscule les aspects illusionnistes de la peinture. La facture est précise et réaliste mais les échelles sont incompatibles ce qui donne un côté étonnant à la scène.

La fenêtre comme mise en abyme : Magritte

Dans cette autre peinture de Magritte on voit une toile d'un paysage placé devant une fenêtre. Cette toile représente le même paysage que celui extérieur. Ce paysage dans le paysage est une mise en abyme. Magritte montre les coulisses de la peinture réaliste et en trompe l'œil. Non seulement le tableau intérieur cache et révèle indissociablement le paysage qu'il donne à voir; non seulement le paysage donné à voir n'est pas un paysage réel; mais encore le tableau global dissimule sa nature de tableau au bénéfice de ce qu'il représente, tout en demeurant bel et bien réel, chose entre les choses. Nouvelle ambiguïté, même paradoxe!

La fenêtre comme cadrage : Hopper 1957 Western Motel

Le bâtiment découpe la scène en deux espaces : celui du bâtiment intérieur et celui du paysage. La fenêtre forme une sorte de cadre décalé plaqué sur le dehors. La perspective avec ses obliques encadre l'extérieur. C'est une sorte de mise en abyme avec deux vues qui s'incrustent l'une dans l'autre comme c'est le cas dans la peinture de Magritte. (Une vue dans une vue). La jeune femme est seule dans sa chambre d'hôtel et elle n'a que le paysage pour se distraire. C'est une peinture montrant un confinement.

La fenêtre comme objet : Duchamp

Marcel Duchamp connaît bien l'histoire de la fenêtre dans l'art ouvrant sur l'extérieur. Il choisit de montrer cette fois-ci une vraie fenêtre mais avec des vitres occultées n'ouvrant sur rien. L'objet n'est plus cette ouverture sur le monde et ne renvoie qu'à lui-même.

La fenêtre comme matériau : Shiota

A Room of Memory [21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Chiharu Shiota, 2009.

La fenêtre est devenue un matériau pour cette installation. Elles forment un volume dans lequel est disposée une chaise. Ce sont les " murs " de l'installation. Dans la normalité, les fenêtres sont une percée dans le mur alors que dans l'œuvre de Shiota, elles deviennent parois, murs.

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Voici un article traitant de la fenêtre dans l'art. Il montre les différentes fonctions de la fenêtre dans la représentation, au niveau spatial et plastique. Lien vers le fichier dynamique avec illustrations : https://www.flipsnack.com/B8AB8CF6AED/la-fen-tre-dans-l-art/full-view.html Lien vers le PDF : La fenêtre est un objet largement exploité par les peintres car elle permet de mettre en...

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Cyanotype et aquarelle sur une matrice de dessins et d'un négatif

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Manque production 4,6,7,8 et notes d’intention 2, 4, 6, 7, 8.

Porte folio non à jour.

Les notes d'intentions doivent être rédigées sur un doc google drive pour pouvoir être corrigées par les enseignants.

Manque les dessins anatomiques avec écart.

Manque les dessins des workshops de Prime.

BD non encrée

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Pas plus de résultats avec Kid Kreol & Boogie. Autre essai avec le style de William Turner et de Van Gogh (choisi comme deuxième option car ses gestes sont visibles dans son style ainsi que des traits successifs).

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Écrire avec l'art contemporain : "How does art improve life."

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Écrire avec l'art contemporain : "How does art improve life."

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À mettre au propre, après tes corrections : fais un tirage papier, que tu me montreras, pour travailler la mise en page (police sans serif)

"The provocateur of the chemical processes is located outside of the world." (langue étrangère en italique)

Joseph Beuys, 1969.

Traduction :

"Le provocateur des processus chimiques se situe hors du monde."

Analyse :

"Les processus chimiques" : ce qui constitue/fait l'humain par la Science. Question métaphysique car qui est ce provocateur de processus chimiques ? Dieu ? L'Art ?

Ce qui ferait notre humanité (est hors du monde) se trouve dans la sphère idéale : l'imagination, les rêves, les sentiments, la conscience.

Hypothèse intéressante, à étayer et à rédiger davantage : après tout, l'artiste est aussi un créateur, et se situe en dehors de son tableau, constitué de pigments et de processus chimiques, mais-pas-que... puisqu'ils dépendent d'une intention de l'artiste, ce que tu développes plus loin.

L'artiste se sert de la prison de la matière. Il en recueille les briques pour les sublimer, les transformer en une création qui réconcilie le sensible et l'idéal.

L'Art permettrait ainsi de lier cette relation du corps sensible et de l'esprit idéal trop souvent séparés, que ce soit chez les philosophes ou dans la vie quotidienne. Il ne resteraient entre eux qu'une évanescence naissante, le flou d'une abstraction mystique insaisissable. Belle formule finale

Tu peux contextualiser davantage la citation en utilisant d'autres parties de l'interview : Beuys s'y oppose à l'explication matérialiste ("les processus chimiques" : hypothèse réductionniste, par exemple de l'amour), et suggère une transcendance, une cause première qui explique le réel sans en faire partie, comme dans l'idéalisme socratique.

On peut aussi être sensible au style de Beuys, et à ses figures : personnification, périphrase dévalorisante...

On peut enfin se référer à l'œuvre de Beuys pour illustrer sa pensée ! L'artiste est certes un philosophe empirique, mais il est d'abord un créateur, capable de donner grâce à un amas de graisse...

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"The provocateur of the chemical processes is located outside of the world." Joseph Beuys, 1969.

Traduction :

"Le provocateur des processus chimiques se situe hors du monde."

Analyse :

"Les processus chimiques" : Ce qui constitue/fait l'humain par la Science. Question métaphysique car qui est ce provocateur de processus chimiques ?

Dieu ? L'Art ?

Ce qui ferait notre humanité (est hors du monde) se trouve dans la sphère idéale.

-> L'imagination, les rêves, les sentiments } La Conscience.

L'artiste se sert de la prison de la matière. Il en recueille les briques pour les sublimer, les transformer en quelque chose qui réconcilie le sensible et l'idéal.

L'Art permettrait de lier cette relation du corps sensible et de l'esprit idéal trop souvent séparés, que ce soit chez les philosophes ou dans la vie quotidienne. Il ne resteraient entre eux qu'une évanescence naissante, le flou d'une abstraction mystique insaisissable.

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Nuage et perspective > jeter un oeil au livre de Hubert Damisch, Théorie du nuage, pour une histoire de la peinture, publié en 1972, qui soulève la question symbolique du nuage dans la peinture et son organisation spatiale sur la toile.

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Travail davantage régulier et de qualité. Des propositions variées. C'est bien.

Prendre conscience du processus de création qui entremêle la musique au texte et à l'image.

Portfolio: mettre toutes les productions. Nous ferons le tris avant les concours.

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Plaidoyer en faveur de l'aspect artistique d'une œuvre : Rothko. (Madame Guillaume)

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Plaidoyer en faveur de l'aspect artistique d'une œuvre : Rothko. (Madame Guillaume)

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Mesdames et Messieurs,

Je vous propose aujourd'hui d'explorer la notion d'œuvre d'art en reposant votre regard sur un peintre qui semblerait faire l'unanimité en tant que "vrai artiste", si je puis dire, et qui pourtant a reçu et reçoit encore à ce jour des critiques telles que : "Rothko n'est pas un artiste. Ce n'est qu'un explorateur de la couleur, prétentieux en plus de cela" ou encore "Je vu le travail de Rothko et il n'a rien de sublime ou de spécial. Les gens se persuadent que c'est de l'art car c'est ce qu'on leur a dit."

D'une certaine manière, l'argument de ce public se résume en cette formule bien connue : "Mon enfant de quatre en pourrait faire pareil".

Ainsi, l'impressionnisme abstrait de Rothko serait quelque chose de l'ordre d'un dessin d'enfant, sans valeur ou signification particulière ? Je me demande alors : Mais ces personnes ont-elles comprises l'intention de l'artiste ?

Tout d'abord, bien que l'œuvre de Rothko autour de ses Color Fields répétitifs puissent paraître étrange voir même insignifiante pour certains, son exploration de la couleur, comme l'eu si bien dit l'un des avis négatifs plus haut, offre un caractère visuel à son œuvre mais également un espace sémantique dans l'interprétation de celle-ci. En effet, Rothko ajoute à la notion d'abstraction déjà révolutionnaire un renouveau, l'artiste n'ayant de tout son vivant jamais révélé une interprétation quelconque à ses œuvres, son intention étant de laisser le spectateur s'approprier son art par le regard. Ses Color Fields, engloutissant le regardeur par la simplicité de leurs formes qui renferment pour autant des sentiments complexes et profonds, servent de miroir à nos âmes.

Ainsi, ce public critique n'aurait-il pas seulement un apriori face à l'art abstrait, ou alors ressentirait-il simplement du dédain face à la façade "simpliste" des œuvres de Rothko ?

Nous possédons tous une sensibilité plus au moins développée qui nous permet d'avoir accès à plus que la simple contemplation d'une œuvre d'art, reste-t-il d'essayer de comprendre celle-ci.

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Raymond Pettibon, Untitled (A Sea of Grinding Tectonic Plates).

Rapport avec N°7 et N°1.