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작가: 레오나르도 다 빈치

제작 연도: 1503년

기법: 나무 패널에 유채 물감

크기: 77x53cm

소장처: 프랑스 파리, 루브르 미술관

작품 소개: 다빈치의 대표적인 작품으로 신비한 미소와 눈썹이 없는 것으로 유명하다.

감상: 모나리자가 살짝 웃고 있는 모습이 우아하고 편안해 보이면서도 색상이 어두워서 조금 우울한 분위기가 느껴지기도 한다. 자연스러운 표정과 자세를 잘 표현한 것 같고 배경의 자연 풍경도 이 주인공과 잘 어울리는 것 같은 느낌이다.

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레오나르도의 자화상 , 1510-1515, 붉은 분필, Turin, Biblioteca Reale, inv. 아니요. 15571.

레오나르도 다빈치는 누구였습니까?

레오나르도 디 세르 피에로 다빈치(Leonardo di ser Piero da Vinci , 1452년 4월 15일 ~ 1519년 5월 2일 사망)는 이탈리아 전성기 르네상스의 주목할만한 인물이었습니다. 그는 화가였을 뿐만 아니라 공학, 과학, 조각, 건축 등 다양한 분야에 종사하는 다재다능한 박식가였습니다. 처음에는 그의 예술적 기량으로 유명했지만 해부학, 천문학, 식물학, 지도 제작, 회화 및 고생물학과 같은 다양한 주제에 대한 그림과 메모가 포함된 공책 컬렉션도 그의 명성에 기여했습니다. 레오나르도는 르네상스 휴머니즘의 이상을 구현한 천재로 널리 알려져 있으며 그의 작품은 그의 동시대인 미켈란젤로 다음으로 여러 세대의 예술가들에게 계속 영감을 주고 있습니다.

부유한 공증인과 낮은 사회 계층의 여성에게서 태어난 Leonardo는 Vinci 또는 그 근처에서 자랐고 피렌체에서 유명한 이탈리아 화가이자 조각가인 Andrea del Verrocchio 밑에서 교육을 받았습니다. 그는 피렌체에서 경력을 시작했지만 나중에 밀라노에서 Ludovico Sforza를 섬기며 그곳에서 많은 시간을 보냈습니다. 그런 다음 그는 피렌체와 밀라노에서 다시 일하면서 잠시 로마를 방문하여 많은 모방가와 학생들을 끌어 들였습니다. 레오나르도는 말년에 프랑수아 1세의 초청으로 1519년 사망할 때까지 프랑스에 거주했습니다. 그를 문화 참고 자료에서 되풀이되는 주제로 만듭니다.

레오나르도는 미술사에서 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 널리 인정받고 있으며 종종 전성기 르네상스 운동의 창시자로 칭송받습니다. 그의 작품 중 많은 부분이 유실되었고 25개 미만의 주요 작품(미완성 작품 포함)이 그에게 귀속되었지만, 그는 서양 미술에서 가장 영향력 있는 그림 중 일부를 창작했습니다. 그의 걸작인 모나리자는 그의 가장 유명한 작품이며 종종 세계에서 가장 유명한 그림으로 간주됩니다. 종교화인 최후의 만찬은 그러한 종류의 그림 중 가장 많이 복제된 것으로 기록을 보유하고 있습니다. 또한 그의 비트루비안 맨 그림은 문화적 아이콘이 되었습니다. 2017년 레오나르도의 작품인 살바토르 문디(Salvator Mundi)는 공개 경매에서 기록적인 4억 5030만 달러에 팔려 지금까지 팔린 그림 중 가장 비싼 그림이 되었습니다.

예술 분야에서의 그의 업적 외에도 Leonardo는 그의 기술적 독창성으로 존경받습니다. 그는 비행 기계, 장갑차, 집중 태양광 발전, 가산기에 적용할 수 있는 비율 기계를 상상했습니다. 그러나 금속공학과 공학에 대한 과학적 이해가 르네상스 시대에 아직 초기 단계였기 때문에 그의 프로젝트 중 일부만이 그의 생애 동안 실현되거나 실현 가능했습니다. 자동화된 보빈 와인더 및 실 인장 강도 시험기와 같은 그의 작은 발명품 중 일부는 많은 인식 없이 제조에 사용되었습니다. Leonardo는 해부학, 토목 공학, 유체 역학, 지질학, 광학 및 마찰 공학을 포함한 다양한 분야에서 중요한 발견을 했습니다. 그러나 그는 자신의 연구 결과를 발표하지 않았으며 이후의 과학 발전에 미치는 직접적인 영향은 미미했습니다.

요약하면 레오나르도 다빈치는 예술적 재능, 과학적 연구 및 기술 혁신으로 유명한 전성기 르네상스의 다방면의 천재였습니다. 그의 지속적인 유산과 여러 분야에 걸친 영향력은 계속해서 전 세계에 영감을 주고 사람들을 사로잡고 있습니다.

레오나르도 다빈치, 성 세례 요한 , 1513-1516. 호두나무에 유채, 69cm × 57cm. 루브르 아부다비, 아부다비.

1500년대 회화

1505년 레오나르도는 피렌체의 베키오 궁전에 위치한 Salone dei Cinquecento(500인의 전당)에서 앙기아리 전투를 그려 달라는 의뢰를 받았습니다. 그 구성은 1440년의 앙기아리 전투를 묘사하는 사나운 군마를 탄 네 사람이 깃발을 놓고 전투를 벌이는 역동적인 장면을 묘사했습니다. 미켈란젤로는 반대쪽 벽에 카시나 전투를 그렸습니다. 불행히도 Leonardo의 그림은 빠르게 악화되어 현재는 Rubens가 만든 사본에서만 알려져 있습니다.

16세기 레오나르도의 주목할만한 작품 중 하나는 The Mona Lisa 또는 Laughing One으로도 알려진 Mona Lisa입니다. 그것은 틀림없이 오늘날 세계에서 가장 유명한 그림입니다. 이 그림의 명성은 주로 여성의 얼굴에 나타난 애매한 미소 때문인데, 미소의 정확한 성격을 판단하기 어렵게 만드는 그녀의 입과 눈의 미묘하게 그늘진 모서리에 기인하는 신비한 특성을 가지고 있습니다. "스푸마토" 또는 레오나르도의 연기로 알려진 이 어두운 특성은 그림의 유명한 매력을 더합니다. 현대미술사학자인 바사리(Vasari)는 그 미소를 "인간보다 더 신성하게 보일 정도로 기분이 좋고, 살아있는 원작의 미소처럼 생생한 것이 경이로운 일로 여겨졌다"고 묘사했다.

이 그림의 또 다른 특징으로는 피사체의 눈과 손이 흐트러짐 없이 부각되는 심플한 옷차림, 움직임과 변화가 느껴지는 드라마틱한 풍경 배경, 은은한 채색과 유난히 부드러운 붓놀림 등이 있다. Leonardo는 템페라와 유사한 방식으로 유성 페인트를 적용하여 개별 브러시 스트로크를 구별할 수 없는 혼합된 표면을 만들었습니다. Vasari는 그림의 품질이 가장 자신감있는 주인조차도 "절망하고 낙심"하게 만들 것이라고 말했습니다. 수선이나 재도색의 흔적이 전혀 없는 놀라운 보존 상태는 당대 판화로는 보기 드문 일이다.

그림 Madonna and Child with Saint Anne에서 Leonardo는 풍경 속 인물의 주제를 다시 탐구합니다. Wasserman이 "놀라울 정도로 아름답다"고 묘사한 이 구성은 비스듬한 각도로 배치된 두 인물을 특징으로 합니다. 마리아는 어머니인 성 안나의 무릎에 앉아 어린양과 함께 장난꾸러기 아기 예수를 부드럽게 안아 주기 위해 몸을 앞으로 숙여 미래의 희생을 상징합니다. 여러 번 복사된 이 그림은 미켈란젤로, 라파엘, 안드레아 델 사르토, 폰토르모, 코레지오와 같은 예술가들에게 상당한 영향을 미쳤습니다. 이 작품에서 볼 수 있는 구성 경향은 특히 Tintoretto와 Veronese와 같은 베네치아 화가들에 의해 채택되었습니다.

레오나르도 다빈치, 모나리자 , c. 1503-1506. 포플러 패널에 유채, 77cm × 53cm. 파리: 루브르 박물관.

모나리자

모나리자는 당시 여성성의 이상으로 여겨졌던 성모 마리아의 르네상스 표현과 매우 흡사합니다. 그림 속 여성은 "포제토" 안락의자에 똑바로 앉아 팔짱을 끼고 있어 절제된 자세를 나타냅니다. 그의 시선은 시청자에게 고정되어 있습니다. Leonardo는 sfumato로 알려진 눈에 보이는 윤곽선을 사용하지 않는 기술을 사용했습니다. 이 부드러운 색의 융합은 모호한 분위기를 자아내며 특히 입가와 눈가에서 두드러집니다.

3/4 프로필에 배치된 모나리자에서 시터가 묘사되는 방식은 Lorenzo di Credi 및 Agnolo di Domenico del Mazziere와 같은 예술가의 15세기 후반 작품과 유사점을 공유합니다. 미술사학자 Zöllner는 특히 플랑드르 초상화에서 볼 수 있는 특징인 패널 양쪽에 수직 기둥이 있다는 점에 주목하면서 시터의 일반적인 포즈가 플랑드르 모델로 거슬러 올라간다고 지적합니다. Woods-Marsden은 Hans Memling의 Benedetto Portinari 초상화(1487)와 Sebastiano Mainardi의 매달린 초상화와 같은 이탈리아 모조품을 로지아 사용의 예로 언급합니다. 이 건축적 요소는 Leonardo의 초기 Ginevra de' Benci 초상화에는 없는 특징인 멀리 떨어진 풍경과 시터를 연결하는 역할을 합니다.

모나리자는 가상의 풍경 앞에 피사체를 배치한 최초의 초상화 중 하나로 눈에 띄며 Leonardo는 공중 원근법을 사용한 선구적인 예술가 중 하나였습니다. 양쪽에 어두운 기둥이 특징인 열린 로지아처럼 보이는 곳에 앉아 있는 수수께끼 같은 여성이 보입니다. 그녀의 뒤로는 얼음산을 향해 펼쳐진 광활한 풍경이 펼쳐진다. 이 풍경에서 우리는 구불구불한 길과 멀리 있는 다리를 식별하여 인간의 존재를 미묘하게 암시합니다. Leonardo는 Ginevra de' Benci의 경우처럼 수평선을 모델의 목 높이가 아니라 그녀의 눈과 일치하도록 의도적으로 선택했습니다. 이 예술적 결정은 인물을 주변 풍경과 밀접하게 연결하고 그림의 신비한 분위기를 강화합니다. Silvano Vincenti는 배경에 있는 다리를 Arno 강을 가로지르는 Arezzo의 Laterina 근처에 있는 에트루리아-로마 시대의 고대 4개 아치 구조인 Romito 다리로 식별했습니다. 가능한 위치로 제안된 유사한 아치가 있는 다른 교량은 디자인에서 더 많은 아치를 특징으로 합니다.

Mona Lisa는 Vasari가 눈썹에 대한 자세한 설명을 제공하지만 명확하게 보이는 눈썹이나 속눈썹을 표시하지 않습니다. 2007년 프랑스 엔지니어인 Pascal Cotte는 그림의 초고해상도 스캔 결과를 공개했는데, 이는 원래 모나리자 묘사에 속눈썹과 눈썹이 포함되어 있음을 나타냅니다. 그러나 시간이 지남에 따라 이러한 특성은 과도한 청소로 인해 점차 사라졌습니다. Cotte의 스캔은 또한 그림이 모델의 얼굴 크기와 시선 방향의 변화를 포함하여 여러 가지 변화를 겪었다는 것을 보여주었습니다. 또한, 그는 페인트의 한 층이 수많은 머리핀과 구슬로 장식된 머리 장식을 착용한 대상을 묘사한 것을 발견했으며, 그런 다음 제거되고 후속 페인트 층으로 덮였습니다.

모나리자의 주제는 누구입니까?

전통에 따르면 모나리자는 일반적으로 "마돈나"의 작은 형태인 "모나" 리사라고 불리는 리사 게라르디니를 대표하는 것으로 여겨집니다. "Monna Lisa"라는 이름은 "나의 여인"으로 번역되는 라틴어 "Mea domina"에서 유래되었습니다. Lisa Gherardini는 Francesco del Giocondo의 아내였으며 따라서 회화와의 연관성이 있습니다. Leonardo가 피렌체에 세 번째로 머무는 동안 그는 Gherardini di Montagliari 가족의 지부에 속하는 집에서 살았는데, Via de' Gondi에 있는 현재 파괴된 건물의 Piazza della Signoria 근처에 있습니다.

리사 게라르디니를 모나리자의 모델로 식별한 것은 고대 자료, 특히 레오나르도의 제자이자 프랑스로 동행한 "살라이"로 알려진 잔 자코모 카프로티의 소유물에서 발견된 그림을 나열한 1525년 문서로 거슬러 올라갑니다. 그 안에서 그림은 처음에 "모나리자"라고 불립니다. 저명한 예술가이자 작가인 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)도 그의 글에서 이 초상화를 언급하면서 레오나르도가 프란체스코 델 지오콘도를 위해 초상화를 만들었다고 말하면서 레오나르도가 4년 동안 작업한 후에 미완성 상태로 두었다고 덧붙였습니다. Vasari는 그 그림이 Fontainebleau에서 프랑스의 Francis 왕이 소유하고 있었다고 말합니다. 그러나 아름답게 칠해진 눈썹과 뺨의 보조개와 같은 세부 사항을 언급하는 Vasari의 그림 설명은 모나리자가 이러한 특징을 가지고 있지 않기 때문에 약간의 의구심을 불러일으켰습니다. 이러한 불일치는 Leonardo 자신이 수년에 걸쳐 변경 및 복원을 거쳤기 때문에 그림의 복잡한 역사로 설명됩니다. 바사리는 레오나르도가 도시를 떠난 1508년까지 피렌체에서 본 그림의 버전을 바탕으로 설명했을 수 있습니다. X-레이 분석 결과 현재 모나리자 아래에 세 가지 숨겨진 버전의 모나리자가 존재하는 것으로 밝혀졌습니다.

바사리의 설명을 뒷받침하기 위해 2005년 독일 하이델베르크 도서관의 관장인 역사가 베이트 프롭스트는 1503년 피렌체 총리 아고스티노 베스푸치가 쓴 노트를 발표했습니다. 유명한 고대 그리스 화가 Apelles에게 레오나르도. 메모에는 Lisa del Giocondo와 Leonardo가 대표하는 성모 마리아의 어머니 Anna가 언급되어 있습니다. 메모는 또한 그가 최근에 Gonfalonier와 계약을 체결했기 때문에 Great Council Hall에 대한 Leonardo의 계획을 언급합니다. 1503년 10월에 작성된 메모입니다.

이사벨라 데스테 (레오나르도)의 초상, 1499-1500.

이사벨라 데스테

현재 Leonardo da Vinci(2018)의 전체 작품 목록에 따르면 Isabella d'Este는 모나리자의 정체성에 대해 문서화된 유일한 대안 후보입니다.

이사벨라 데스테(Isabella d'Este, 1474-1539)는 만토바의 후작부인이자 그녀 시대의 유명한 예술 후원자였습니다. Leonardo da Vinci는 Duchy of Milan에 있는 누이인 Beatrice d'Este의 궁정 화가였습니다. 1499년 스포르차 가문이 권력에서 축출된 후 레오나르도는 이사벨라 데스테 궁정으로 피신했습니다. 그곳에서 3개월간 머무는 동안 Leonardo는 여러 편지에서 언급한 것처럼 Isabelle의 여러 그림을 그렸습니다. 이 그림 중 하나인 프로필 초상화는 현재 루브르 박물관에 소장되어 있으며 모나리자와 시각적으로 유사합니다.

1501년에서 1506년 사이에 이사벨라가 직접 중개자를 통해 레오나르도에게 자신의 초상화를 유화로 그리겠다는 약속을 이행할 것을 요청한 것으로 알려진 편지가 있습니다. 이 편지의 시기는 모나리자가 만들어졌다고 믿어지는 시기와 일치합니다.

루브르 박물관이 표현한 의구심은 Isabelle d' Este의 초상화의 명백한 금발과 관련이 있습니다. 그러나 Ambras Miniature 및 Portrait of Isabella in Red와 같은 Isabella의 다른 초상화는 그녀를 갈색 머리로 묘사하고 그녀의 모습을 닮았습니다. 이에 대한 유일한 예외는 그녀가 금발로 묘사되는 검은 옷을 입은 Isabelle의 초상화입니다. 이러한 주장에도 불구하고 Isabella d'Este를 Mona Lisa의 수호자로 식별하는 것은 주로 그림의 머리가 이상적인 아름다움과 앞서 언급한 초상화와의 유사성이 부족하기 때문에 박물관 문서의 범위 밖에서 논란의 여지가 있습니다.

기타 신분증

Mona Lisa 정체성에 대한 추가 제안에는 역사적으로 가능한 후보로 제안된 Caterina Sforza와 Leonardo의 어머니인 Caterina Buti del Vacca가 포함됩니다. 1489년 밀라노 공작부인 아라곤의 이사벨라(Isabella of Aragon)도 레오나르도에게 그의 최후의 만찬 그림에 태양의 마방진 후광을 포함시키라고 충고하면서 잠재적인 주제로 간주되었습니다. 일부에서는 묘사된 귀족 여성이 황실의 일원일 수 있다고 추측했습니다. 다른 사람들은 그녀의 정체성을 Bobbio와 Voghera의 Lady라는 칭호를 가진 Ludovico il Moro의 합법적인 장녀인 Bianca Giovanna Sforza로 추적했습니다. 또는 그녀를 Giuliano de' Medici 공작의 여주인인 Pacifica Brandani와 연결시키는 제안이 있습니다.

Emilia-Romagna의 Trebbia 계곡에있는 Piacenza 지방의 이탈리아 코뮌 인 Bobbio.

모나리자 배경의 장소는?

매일 평균 30,000명의 방문객이 일반적으로 Mona Lisa 또는 La Gioconda로 알려진 Leonardo Da Vinci의 유명한 그림을 엿볼 수 있는 파리의 루브르 박물관에 입장합니다. 겸손한 크기에도 불구하고 모나리자는 항상 엄청난 관심을 끌었습니다. 시간이 지남에 따라 수많은 사람들이 다빈치가 묘사한 여성의 정체성, 그녀의 수수께끼 같은 표정의 의미, 그리고 그림에 묘사된 풍경에 대해 고민했습니다. 최근 과학적 연구에 따르면 모나리자의 배경에 그려진 마을은 보비오일 가능성이 높다. 2015년에 이 이론을 제안한 연구원 Carla Glori에 따르면, 후속 연구와 분석은 Leonardo da Vinci의 작품에서 Bobbio 배경에 대한 그녀의 주장을 강화했습니다.

이 가설의 확인은 유명한 그림이 만들어졌던 1500년대 초반에 Bobbio 근처의 Pierfrancesco di Gropparello 근처에서 Leonardo da Vinci의 존재에 대한 증거를 발견한 과학자 그룹의 발견을 통해 나타났습니다. 제노아 대학의 Andrea Baucon과 Piacenza 자연사 박물관의 Gerolamo Lo Russo가 이끄는 이 그룹은 과거 생명체의 발자국의 화석화된 흔적인 ichnofossils를 조사했습니다. 보비오 인근 지역은 이미 레오나르도 다빈치에게 지질학적 의미가 있는 것으로 인식되고 있었습니다. 이 최근 발견은 전문 지질학 저널인 Rips에 게재되었습니다.

Bobbio는 그 이름을 공유하는 강의 왼쪽 둑에 위치하고 있으며 Monte Penice 기슭의 전략적 위치로 유명합니다. Emilia-Romagna의 Val Trebbia에서 눈에 띄는 센터가되었습니다. 614년 아일랜드 수도사 산 콜롬바노(San Colombano)가 세운 고대 수도원이 있는 보비오는 고대부터 알려져 왔습니다. 중세 시대에 수도원이 번성하여 1014년에 도시의 지위를 획득했습니다. 현재 피아첸차 지방의 작은 마을은 좁은 거리, 매력적인 석조 주택, 장엄한 궁전이 있는 중세 구조를 유지하고 있습니다. 이탈리아에서 가장 아름다운 마을 중 하나로 인정받고 있습니다.

걸작의 역사

레오나르도 다빈치의 작품 중 모나리자는 진위 여부에 대해 중대한 의심을 한 적이 없는 유일한 초상화입니다. 사실 이 작품은 광야의 성 제롬, 동방박사의 경배, 최후의 만찬과 함께 귀속 논란이 없는 단 4편의 작품 중 하나이다. Leonardo는 1503년 10월경에 Mona Lisa의 모델인 Lisa del Giocondo의 초상화 작업을 시작했습니다. 일부 사람들은 이 그림이 Florence에서 1503년 또는 1504년에 시작되었다고 믿습니다. 루브르 박물관은 1503년에서 1506년 사이에 그렸을 가능성이 있다고 말하지만, 미술사학자 마틴 켐프는 확실하게 정확한 날짜를 설정하는 데 어려움이 있음을 인정합니다. Alessandro Vezzosi는 이 그림이 1513년 이후의 레오나르도 스타일의 특징을 보여준다고 제안합니다. 다른 학자들은 역사적 문서에 근거하여 레오나르도가 1513년 이후에 이 작품을 그렸을 것이라고 주장합니다. 바사리에 따르면 레오나르도는 4년 동안 이 그림을 작업한 후 미완성 상태로 두었습니다. 1516년 레오나르도는 프랑수아 1세의 초청을 받아 앙부아즈 성 근처의 클로 뤼세에서 일하게 되었고, 모나리자를 가져와 프랑스로 이주한 후에도 계속 작업했다고 합니다. 미술사학자 카르멘 C. 밤바흐는 레오나르도가 아마도 1516년 또는 1517년까지 그림을 개선했을 것이라고 결론지었습니다. 레오나르도는 1517년경에 오른손 마비를 경험했는데, 이것이 그가 모나리자를 불완전하게 남겨둔 이유를 설명할 수 있습니다.

1505년경에 Raphael은 펜과 잉크를 사용하여 주제 옆에 있는 기둥이 두드러지게 나타나는 스케치를 만들었습니다. 이 스케치는 레오나르도의 모나리자 초상화를 기반으로 한 것으로 널리 받아들여지고 있습니다. 또한 국립 예술, 건축 및 디자인 박물관, 월터스 미술관과 같은 기관에서 발견되는 다른 후기 모나리자 사본도 측면에 큰 기둥을 전시하고 있습니다. 이것은 모나리자 그림이 다듬어졌다는 믿음으로 이어졌습니다. 그러나 1993년 Frank Zöllner는 그림의 표면이 한 번도 다듬어지지 않은 것을 관찰했고, 이 관찰은 2004년에 수행된 테스트를 통해 확인되었습니다. 이를 바탕으로 루브르 박물관의 16세기 이탈리아 회화 큐레이터인 Vincent Delieuvin은 스케치와 다른 사본은 모나리자의 다른 버전에서 영감을 받았을 가능성이 있습니다. Zöllner는 스케치가 Leonardo가 동일한 주제의 다른 초상화를 기반으로 할 수 있다고 제안합니다.

1517년 10월의 기록에 따르면 모나리자는 1513년에서 1516년 사이에 빈의 벨베데레에서 레오나르도의 청지기로 일했던 고인이 된 줄리아노 데 메디치를 위해 만들었다고 합니다. 그러나 이는 오류일 가능성이 높습니다. 반면 바사리는 모델의 남편인 프란체스코 델 지오콘도가 그림을 의뢰했다고 주장한다. 일부 전문가들은 Leonardo가 실제로 두 가지 버전의 그림을 제작했다고 주장합니다. 이는 1519년 레오나르도가 사망한 후 날짜, 커미셔너, 운명을 둘러싼 불확실성과 라파엘로의 스케치에서 발견된 차이점 때문인데, 이는 그가 기억에서 스케치했을 가능성으로 설명될 수 있습니다. 눈에 띄는 기둥이 있는 첫 번째 가상의 초상화는 1503년경 조콘도에 의해 의뢰되었고 1524년 살라이가 사망할 때까지 레오나르도의 제자이자 조수인 살라이가 미완성 상태로 남아 있었습니다. 두 번째 버전은 1513년경 줄리아노 데 메디치가 의뢰한 것입니다. 1518년에 Salaì가 Francis I에게 매각했을 것이며 현재 루브르 박물관에 전시된 것입니다. 다른 사람들은 진짜 모나리자가 단 한 개뿐이라고 주장하지만 그 운명에 대해 앞서 언급한 두 가지 시나리오에 대해 의견이 분분합니다. 16세기 어느 시점에 그림에 니스를 칠했습니다. 루이 14세에 의해 베르사유 궁전으로 이전되기 전에 처음에는 퐁텐블로 궁전에 보관되었으며 프랑스 혁명 때까지 남아 있었습니다. 1797년 루브르 박물관에 전시된 영구적인 집을 찾았습니다.

1911년 강도 사건 이후 루브르 박물관 벽의 빈 공간.

비행

프랑스 혁명 이후 모나리자는 루브르 박물관으로 옮겨졌지만 그녀는 튈르리 궁전에 있는 나폴레옹의 침실에서 잠시 거주했습니다. 그 당시 그림은 미술계 밖에서는 널리 알려지지 않았습니다. 그러나 1860년대 프랑스 지식인들에게 르네상스 예술의 걸작으로 인정받기 시작했다. 프랑스-프로이센 전쟁 동안 그림은 보호를 위해 루브르 박물관에서 브레스트 무기고로 옮겨졌습니다.

1911년에 모나리자는 여전히 일반 대중에게 인기가 없었습니다. 그러나 1911년 8월 21일 루브르 박물관에서 그림이 도난당했습니다. 도난은 다음날 화가 Louis Béroud에 의해 발견되었습니다. 의심은 시인 Guillaume Apollinaire와 그의 친구 Pablo Picasso에게 떨어졌지만 나중에 어떤 연루도 없어졌습니다. 진짜 도둑은 Vincenzo Peruggia라는 루브르 박물관 직원이었는데, 그는 그림을 이탈리아로 돌려보내야 한다고 생각했습니다. Peruggia는 판매를 시도하기 전에 2년 동안 자신의 아파트에 Mona Lisa를 보관했습니다. 그는 피렌체의 우피치 미술관 관장에게 다가갔을 때 놀랐다. 이 그림은 1914년 루브르 박물관으로 반환되기 전에 우피치 미술관에 전시되었습니다. 페루자는 절도죄로 감옥에서 복역했습니다. 강도 이야기는 1932년 칼 데커(Karl Decker)라는 저널리스트가 에두아르도 데 발피에르노(Eduardo de Valfierno)라는 공범자로 추정되는 사람을 만났다고 주장하는 기사를 발표하면서 흥미를 끌었습니다.

제2차 세계대전 동안 이 그림은 보호를 위해 여러 번 옮겨졌습니다. 그것은 Amboise 성, Loc-Dieu 수도원, Chambord 성, 마지막으로 Montauban의 Ingres 박물관을 포함하여 다양한 장소로 운송되었습니다.

1956년에 Ugo Ungaza Villegas라는 남자가 모나리자에 돌을 던져 경미한 손상을 입혔습니다. 1974년 도쿄 국립 박물관에 전시되었을 때 한 여성이 그림에 빨간색 페인트를 뿌렸습니다. 2009년 러시아 여성이 도자기 찻잔을 칠판에 던졌다. 다행히 두 경우 모두 그림이 손상되지 않았습니다. 추가 공격을 방지하기 위해 방탄 유리를 설치하여 작품을 보호했습니다.

최근 수십 년 동안 이 그림은 루브르 박물관의 개조 공사를 수용하기 위해 일시적으로 세 번 옮겨졌습니다. 1992-1995년, 2001-2005년 및 2019년에 복원 작업 중 안전을 보장하기 위해 그림을 옮겼습니다. 2019년에는 관람객이 그림을 보기 위한 대기 시간을 줄이기 위해 새로운 대기 시스템이 도입되었습니다. 이제 각 그룹은 약 30초의 제한된 시간 동안 작품을 감상할 수 있습니다.

2022년 5월 29일, 휠체어를 탄 여성으로 분장한 활동가가 그림을 덮고 있는 보호 유리에 케이크를 던졌습니다. 다행히도 페인트가 손상되지 않았습니다. 해당 개인은 체포되어 정신과 치료를 받았으며 루브르 박물관이 제기한 불만에 따라 조사가 시작되었습니다.

미술사의 모든 모나리자

일반적으로 Salaì의 것으로 간주되는 Mona Lisa 의 사본.

프라도 미술관 라 지오콘다.

프라도 미술관 모나리자

마드리드의 프라도 미술관에 소장된 "Mujer de mano de Leonardo Abince"(레오나르도 다빈치의 손에 의한 여인)로 알려진 모나리자의 버전은 처음에는 수세기 동안 레오나르도 자신의 작품으로 여겨졌습니다. 그러나 2012년 복원 작업을 거쳐 현재는 원본 모나리자가 그려졌을 때와 거의 같은 시기에 레오나르도의 스튜디오에서 그의 제자 중 한 명이 만든 것으로 여겨집니다. 이 그림이 아마도 살라이(1480-1524)나 멜지(1493-1572)의 작품일 것이라는 프라도 미술관의 결론은 다른 의견을 가진 다른 사람들에 의해 논쟁되었습니다.

복원된 그림은 원본 모나리자와 약간 다른 관점을 가지고 있어 세계 최초의 입체 쌍의 일부로 디자인되었을 수 있음을 시사합니다. 그러나 보다 최근의 보고서에 따르면 이러한 가정된 입체 효과가 신뢰할 수 있는 깊이 인식을 제공하지 못하는 것으로 나타났습니다.

Isleworth의 모나리자 .

Isleworth의 모나리자

아일워스 모나리자(Isleworth Mona Lisa)로 알려진 모나리자의 다른 버전은 1778년 영국 귀족에 의해 입수되었고 나중에 1913년 예술 애호가 휴 블레이커(Hugh Blaker)에 의해 재발견되었습니다. 모나리자 재단은 2012년 이 그림을 공개했다. 레오나르도 다빈치의 모나리자와 같은 주제를 그린 것이다. 그러나 그 속성에 대해 학자들 사이에 명확한 합의가 없습니다. Frank Zöllner, Martin Kemp 및 Luke Syson을 포함한 일부 전문가들은 Leonardo가 그렸다는 사실을 부인했습니다. 반면 Salvatore Lorusso, Andrea Natali, John F Asmus와 같은 교수들은 귀속을 지지했습니다. Alessandro Vezzosi 및 Carlo Pedretti와 같은 일부는 여전히 불확실합니다.

암자 모나리자.

암자 모나리자

Hermitage Museum에는 Hermitage Mona Lisa로 알려진 Mona Lisa 버전이 있습니다. 이 그림의 특별한 표현은 정체불명의 16세기 예술가에 의해 만들어졌습니다.

모나리자의 핵심 개념

이탈리아어로 Gioconda 또는 프랑스어로 Mona Lisa로도 알려진 Mona Lisa는 이탈리아 예술가 Leonardo da Vinci가 그린 유명한 흉상 초상화입니다.

이탈리아 르네상스의 전형적인 걸작으로 여겨지는 이 작품은 "세계에서 가장 유명하고, 가장 많이 방문되고, 가장 많이 쓰여지고, 가장 많이 노래되고, 가장 많이 패러디된 예술 작품"으로 널리 알려져 있습니다. 그림의 독창성은 주제의 수수께끼 같은 표현, 구성의 웅장함, 형태의 미묘한 표현, 그것이 만들어내는 환상적 분위기 등 여러 측면에 있습니다.

그림 속 인물의 정체는 이탈리아 귀족 여성 리사 델 지오콘도(Lisa del Giocondo)로 확정됐다. 흰색 Lombardy 포플러 패널에 유성 페인트로 실행되었습니다. Leonardo는 Giocondo 가족에게 이 그림을 선물한 적은 없지만 유언장에 이 그림을 언급하고 가장 좋아하는 견습생 Salaì를 위해 의도한 것으로 여겨집니다. 처음에는 1503년에서 1506년 사이에 그린 것으로 생각되었지만 최근 연구에 따르면 레오나르도는 1517년까지 계속 작업했을 수 있습니다. 이 그림은 결국 프랑스의 프란시스 1세에게 인수되었고 프랑스 공화국의 소유가 되었습니다. 부터. 1797년부터 파리 루브르 박물관에 영구 전시되고 있다.

모나리자의 세계적인 명성과 인기는 1911년 Vincenzo Peruggia가 그림이 이탈리아의 소유여야 한다고 믿고 자신의 행동을 이탈리아 애국심의 행위로 정당화한 절도 사건으로 거슬러 올라갑니다. 1914년 절도와 그에 따른 회수는 미술품 절도에 대한 전례 없는 관심과 홍보를 가져왔습니다. 1915년 오페라 모나리자, 모나리자 절도와 아르센 뤼팽이라는 제목의 1930년대 초반 두 편의 영화, 냇 킹 콜이 녹음한 상징적인 노래 "모나리자" 등 다양한 문화적 묘사에 영감을 주었습니다. 가장 성공적인 노래. 1950년대 노래.

가치 면에서 모나리자는 세계에서 가장 귀중한 그림 중 하나입니다. 1962년 1억 달러에서 2023년 10억 달러로 증가한 역사상 가장 높은 보험 평가액으로 기네스 세계 기록을 보유하고 있습니다.

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레오나르도 다빈치의 모나리자

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모나리자는 당시 여성성의 이상으로 여겨졌던 성모 마리아의 르네상스 표현과 매우 흡사합니다. 그림 속 여성은

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다빈치의 모나리자가 좀 더 환하고 밝은 옷을 입고 행복해 보였으면 좋겠다는 생각에서 화려한 모자와 옷을 입은 모나리자를 그려보았다.

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The Mona Lisa is wearing a pretty hat and a fancy dress

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고흐가 밤하늘을 표현한 방법이 재미있어 보여서 비슷하게 그려보았고 음침해 보이는 나무 대신 화사한 꽃 나무를 넣어 밝고 따뜻한 밤 풍경을 표현해 보았다.

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On Gogh's starry night, a pretty flower is blooming on a tree painted in the painting and an angel is flying in the night sky

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작가:빈센트 반 고흐

연도:1889년

매체:캔버스에 유채

사조후기:인상주의장르풍경화

크기:73.7 x 92.1 cm

위치:뉴욕 근대미술관

감상:별이 예쁘다

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백재 금동 대향로. 여현수

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백재 금동 대향로. 여현수

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이 향로는1400여 년전에있었고 높이는63.5cm입니다.재료는 금입니다.산과용이 살아있는 것같아요.

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블라블라: 백제금동대향로

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제목:황소

연도:1953

매체:종이에 유채

작품 설명:저 유명한 소 그림들이 나라의 품으로 들어왔다.붉은화면속에서 검은눈망울을 번득거린다.

감상:배경의 붉은색이 열정적인황소를 더 실감나게표현해 주는것 같았다.

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이중섭의'황소'처럼 황소를 느낌있게 표현해 보았다.-채서-

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황소가 화난모습을 그려줘

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작가빈센트 반 고흐

연도:1888년

매체:유화

크기:73 x 95 cm , 29 × 37 in

소장처:노이에 피나코테크

감상:해바라기가 예쁘고,생생하다

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아티스트:이중섭

기법:종이에,유채

길이:20.1 ×26.6cm

감상:이중섭이 아이들을 얼마나 보고싶었는지 알수있다.

왼쪽에 있는 아이는 나비를 보고 있고 오른쪽에 있는 아이는 자고있다.

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고흐의 해바라기위에 벌을그려 보았다

감상:해바라기위에있는벌이 귀엽다.

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작품명:밤에 카페테라스  

# data[].attributes.subject
작품명:밤에 카페테라스  

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작가빈센트 반 고흐

연도:1888

매체:캔버스에 유채

장르:찾기

크기:65 x 80 cm

위치:크뢸러 뮐러 미술관

감상: 별이반별이반딫별이반별이반딫불이같다

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제목:최후의 만찬

국가 이탈리아

1490년도

사조 르네상스

종류 벽화

크기 880cm~700cm

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화가:빈센트 반 고흐

국가:네덜란드

제작:1885년도

종류:유화

사조:후기인상주의

소장:네덜란드 반 고흐 미술관

기법:캔버스에 유채

크기:182cm×114cm

종류:유화

감상:감자먹는사람들이 슬퍼보였다 왜냐하면 사람들 옷 색이 칙칙하고 사람들 표정이 슬퍼보였다 또 감자가 상한것같다 왜냐하면 감자가 색이 이상해서 입니다

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빈센트 반 고흐는 생전에 총 2천여점을 작품(유화 850여점, 소묘 1100여점)을 남겼습니다.

그 중에 초기 대표작은 '감자 먹는 사람들'이고 후기 대표작은 '별이 빛나는 밤'입니다.

1885년 뉘넨에서 그린 '감자 먹는 사람들'은 습작이 아니라 완성작이라 여겼던 첫 작품이며 일생 동안 가장 사랑했던 작품 중 하나입니다(Erickson, p.158).

그는 이 작품에 대단히 만족하면서 동생 테오에게 보냈지만, 반응이 신통치 않았습니다(안재경, p.59).

이번엔 친구인 화가 반 라파르트(Van Rappart，1858-1892)에게 잔뜩 기대를 가지고 석판화 작품을 보냈는데 그에게 돌아온 것은 혹독한 비평이었습니다

라파르트의 편지는 이러합니다.

"그러한 작품에 진지한 의도가 없다는 나의 말에 동의할 것이네. 다행히도 자네는 그보다는 더 잘 할 수 있는데 왜 모든 것을 그처럼 피상적으로 바라보고 피상적으로 다루는가? 왜 움직임을 배우지 않는가? 사람들은 그저 포즈를 취하고 있을 뿐이고 배경에 있는 여인의 귀여운 작은 손은 사실감이 전혀 없다네. ...오른쪽의 남자는 어째서 무릎, 배, 폐가 없는 것처럼 보이는가? 그리고 그의 팔이 그렇게 짧은 것은 무엇 때문인가? 또 코가 반밖에 없이 지내야 하는 이유는 무엇인가? ... 그처럼 그리면서도 뻔뻔스럽게 밀레와 브르통의 이름을 들먹이다니. 제발! 예술이란 너무 숭고한 것이어서 그처럼 무심하게 다루어선 안된다고 나는 생각하네."(서성록, p.16)

빈센트 반 고흐는 충격을 받았습니다.

고흐가 대표작이라고 여겼던 작품의 의도를 제대로 알아보지 못하고, 모델의 포즈나 인체의 비율을 거론하면서 예술을 전혀 모른다고 혹평하였습니다.

빈센트 반 고흐는 자기 작품의 의도를 설명하는 편지를 써서 보냈지만, 라파르트의 반응은 달라지지 않았습니다.

사실 그 그림을 본 많은 화가들이나 미술사학자들이 혹평하는 것은 일반적입니다.

한국예술종합학교에서 미술사학을 가르치는 양정무 교수도 비슷한 반응을 보였습니다.

반 고흐의 '감자 먹는 사람들'은 무겁고 칙칙하다고 평가합니다.

감자 먹는 사람들의 화풍이 지속됐다면 과연 반 고흐가 후대에 유명해졌을까? 의문을 가집니다.

그런 그가 프랑스 파리에 가서 인상파의 영향을 받아 화려한 색을 쓰면서 위대한 작가가 되었다는 식으로 설명하였습니다.

일견 맞는 말이라고 할 수 있습니다.

사실 그는 사촌인 안톤 모베(Anton Mauve)에게서 색채사용과 모델관찰 등 그림의 기초를 배운 것 외에는 정규학습을 받지 않았습니다.(서성록, p.15)

그의 미술 훈련은 주로 밀레, 들라크루아, 렘브란트의 그림을 모사하면서 독학한 것이 전부입니다.

비록 정규 교육을 받진 못했지만, 그는 자기 나름의 생각을 그림에 담으려고 애를 썼습니다.

그는 그림을 그릴 때마다 그림에 대한 자기 생각을 테오에게 편지를 썼습니다.

고흐의 그림을 제대로 이해하려면, 그림만 보아서는 안되고, 그가 쓴 편지를 보아야 제대로 이해할 수 있습니다.

빈센트 반 고흐는 1885년 겨울에서 1886년 이른 봄까지 '농촌 회화'라는 분야를 연구했습니다.

그가 가난하고 힘없는 사람들을 위하여 복음 전도자가 되고 싶어 보리나주를 찾아 걸어갈 때 밭에서 일하는 농부들을 많이 만났습니다.

그들은 너무나 가난하여서 감자 몇 알로 끼니를 때웠습니다.

그는 뜨거운 태양 아래 검게 그을린 얼굴과 주름진 손과 굽은 허리를 보면서, 삶의 고단함만 본 것은 아닙니다.

그는 동생 테오에게 이렇게 편지합니다.

"나는 램프 불빛 아래에서 감자를 먹고 있는 사람들이 접시로 내밀고 있는 손, 자신을 닮은 바로 그 손으로 땅을 팠다는 점을 분명히 보여주려고 했다. 그 손은, 손으로 하는 노동과 정직하게 노력해서 얻은 식사를 암시한다." (신성림 옮김, p.120)

그는 손에 흙을 뭍히고 일하는 농부의 삶은 고결하다고 생각했습니다.

그동안 밀레나 이스라엘스가 농민들을 그렸습니다.

그러나 그들이 그린 농부의 삶은 실제적이지 않았습니다.

그들의 그림은 어딘지 모르게 향수가 뿌려져 있는 것 같습니다. (라영환, p.268)

밀레의 그림은 지나치게 경건성을 강조하였고, 이스라엘스의 그림은 우아하였습니다.

고흐는 이렇게 말합니다.

"농부의 삶을 담은 그림을 전통적인 방식으로 세련되게 그리는 것은 잘못이다. 농촌 그림이 베이컨, 연기, 찐 감자냄새를 풍긴다고 해서 비정상적인게 아니다. 마구간 그림이 거름 때문에 악취를 풍긴다면 훌륭하다고 해야겠지. 바로 그게 마구간이니까. 밭에서 잘 익은 옥수수나 감자냄새, 비료냄새, 거름냄새가 난다면 지극히 건강한 것이지. 특히 도시에 사는 사람들한테는 더욱 그렇다. 그런 그림이 그들에게 도움이 될지도 모른다. 그러나 어떤 일이 있어도 농촌생활을 다룬 그림에서 향수냄새가 나서는 안 된다."(신성림 옮김, p.122)

그는 하루 종일 들판을 헤매면서 농부들의 고단한 삶을 그리려고 애를 썼습니다.

어느 날 저녁 집으로 돌아오는 길에 어떤 농부의 수수한 회색 집을 지나쳤습니다.

열린 문으로 들어가자 가족이 식탁에 둘러앉아 감자를 먹는 장면을 보았습니다.

그는 즉시 '바로 이것'이라고 생각하였습니다(안재경, p.55).

그는 이 그림을 그리기 위하여 수개월에 걸쳐 이리 저리 연구해봅니다.

농부의 머리는 40번이나 반복적으로 그렸습니다(신성림 옮김, p.132).

그는 이 작품을 완성하기 위해 녹초가 될 때까지 작업했습니다.

얼핏 보면 '감자를 먹는 사람들'의 색채는 꽤 어두워보여 칙칙하게 느껴질 정도입니다.

빈센트는 감자 먹는 사람들이 땅에 밀착된 노동자들이라는 인상을 주기 위해 어둡고 단조로우며 탁하고 우중충한 색을 사용했습니다

이 색은 흙 묻은 감자와 비슷합니다.

당시 사람들이 이렇게 더러운 색을 보면 언짢아하며 고개를 가로저었습니다.(Nigg, p.90)

감자는 흙에 대한 빈센트의 사랑과 토양과의 교감을 상징합니다(Fell, p.100).

그는 기교보다는 표현의 힘을 추구했으며, 자신의 영혼을 작품에 불어넣으려고 했습니다(Nigg, p.74)

빈센트는 이렇게 말합니다.

"예술은 우리 자신의 기교나 지식이나 배움 보다 더 위대한, 더 높은 무엇이라는 적극적인 의식에 근거한다는 것일세. 예술은 인간의 손이 만들어내는 것이기는 하지만, 단지 손뿐만 아니라, 더 깊은 원천으로부터, 우리 영혼으로부터 용솟음치는 무엇이라네."(박홍규 옮김,p.308)

빈센트는 감자를 먹는 사람들에서 '빛의 효과'를 중요하게 생각했습니다.

벽에 반사된 불빛은 삶에 찌들리고 고달프게 살아가는 농부들을 따뜻하게 감싸줍니다.

그건 어둠 속의 빛이고, 슬픔 속의 희망입니다.

빈센트는 자신의 그림이 삶에 지친 사람들의 마음에 안식을 주기를 원했습니다(라영환, p.291).

그는 언젠가는 '감자 먹는 사람들'이 진정한 농촌 그림으로 평가받을 것으로 기대했습니다(신성림 옮김, p.121).

발터 니그는 '감자 먹는 사람들'의 초라한 식사에서 성만찬의 모습을 보았습니다(Nigg, p.131)

샤피로는 "식탁은 그들의 제단이요 빵은 그들이 농사지어 얻은 성례물"이라고 하였습니다(서성록,p.250 재인용)

반 고흐가 "음식과 종교를 결부시킨 데는 사람이 살아가면서 경험하는 가장 평범한 일 속에서 성스러움의 전통적인 소재인 십자가와 예배당보다 더욱 큰 감동으로 하나님의 존재를 전할 수 있기" 때문이라고 하였습니다 (Erickson, p.159).

빈센트는 신앙을 표현하기 위해 노골적으로 성화를 그리는 것을 좋아하지 않았습니다.

그는 "역사상의 겟세마네 동산을 직접 언급하지 않아도 고뇌의 인간을 표현할 수 있다는 것, 또 마음을 위로하고 따뜻하게 만드는 주제를 표현하기 위해 산상수훈의 인물을 그릴 필요가 없음"(박홍규 옮김, p.725)을 역설했습니다.

마틴 부버는 "유대 - 기독교 신앙은 이 비종교적인 속세에서 벗어나 하나님의 임재 속으로 피하는 법을 가르치는 것이 아니라，이미 이 세상 가운데 계시는 하나님을 발견하는 법，평범한 것을 취해서 그것이 하나님께 속한 것임을 인정함으로써 그것을 거룩하게 만드는 법을 가르쳐야 한다"고 하였습니다.(Frost, p.59)

빈센트 역시 비슷한 생각을 하였습니다.

"내게 있어서 하나님을 믿는 것은 하나님이 계시다는 것을 느끼는 것이다. 박제된 죽은 하나님이 아니라, 살아계시면서 우리에게 다시 사랑하라고 뿌리칠 수 없는 권유를 하는 하나님이 계시다. 이것이 내 생각이다."(Cliff, p.128 재인용)

To me, to believe in God is to feel that there is a God, not dead or stuffed but alive, urging us to love again with irresistible force -that is my opinion. (Letter 161)

빈센트는 일상 속에서 느낀 하나님과 사람을 그렸습니다.

이 사실을 알아차리지 못하면, 고흐는 그저 평범한, 아니 심하게 말하면 정신 이상 증세로 인물화나 풍경화를 그렸다고 오해하기 쉽습니다.

빈센트의 예술은 믿음 깊은 사실주의가 들어 있습니다(Nigg, p.88).

참고도서

라영환, 반 고흐, 꿈을 그리다, 피톤치드, 2020년

서성록, 반 고흐의 감자먹는 사람들 연구, 예술과 미디어 12권 3호, 2013, 7-30(24)

안재경, 고흐의 하나님, 홍성사, 2021년

Cliff Edwards, The Shoes of Van Gogh, A Crossroad Book, 2004.

Erickson Kathleen P. , At Eternity's Gate : The Spiritual Vision of Vincent Van Gogh(영혼의 순례자 반 고흐), 안진이 옮김, 청림출판, 2008

Fell Derek, Van Gogh's Women, His Love Affairs And Journey Into Madness(반고흐, 사랑과 광기의 나날), 최일성 옮김, 세미콜론, 2007.

Frost Michael, Eyes Wide Open Seeing God in the Ordinary(일상, 하나님의 신비), 홍병룡 옮김, IVP, 2002.

Nigg Walter, Vincent van Gogh Der Blick in die Sonne(빈센트 반 고흐, 태양을 보다), 윤선아 옮김, 분도출판사, 2011.

Vincent Van Gogh, 반 고흐, 영혼의 편지, 신성림 옮김, 위즈덤하우스, 2008.

Vincent van Gogh, Letters from Vincent van Gogh(세상에서 가장 아름다운 편지), 박홍규 옮김, 아트북스, 2009

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고흐의 '감자 먹는 사람들'

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빈센트 반 고흐는 생전에 총 2천여점을 작품(유화 850여점, 소묘 1100여점)을 남겼습니다. 그 중에 초기 대표작은 '감자 먹는 사람들'이고 후기 대표작은 '별이 빛나는 밤'입니다. 1885년 뉘넨에서 그린 '감자 먹는 사람들'은 습작이 아니라 완성작이라 여겼던 첫 작품이며 일생 동안 가장 사랑했던 작품 중 하나입니다(Erickson, p.158).

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연도: 1888년도

매체:물감

작품 설명: 고흐의 노란 집은 일층에는 고흐의 스튜디오 와 부엌이 있고, 이층에는 두 개의 방이 있다.

감상: 나도 노란 지의 살고 싶다 완전 부럽드........

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멋진 곳에서의 저녁 만찬 

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멋진 곳에서의 저녁 만찬 

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예수님이 멋진 풍경에서 마지막 식사를 하는 모습을 그려보았다.

-낙생이-

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Draw beautiful natural scenery in the background in Da Vinci's The Last Supper painting

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국적 이탈리아

종류 유화

사조 르네상스

연도 15세기경

제목 바위 산의 성모

감상. 뒤에 있는 바다에 가고싶다

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연도 1952년 작자 마티스 이것을 보면 마음이 편해지고 초록조각이 떠다니는게 예뻐요

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앙리 마티스 - 왕의슬픔 하이크리스탈 그림 액자(그림포함)

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그림이 멋지다 그리고 예쁘다

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Draw the sadness of a king. There's a real king

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고흐의 노란 집에 화재가 난 모습이에요.

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고흐의 노란 집에 화재가 난 모습이에요.

-휘서-

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Draw a picture of Gogh's yellow house on fire

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제목:자연의 도마뱀 조각성 

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제목:자연의 도마뱀 조각성 

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작가:가우디

감상:자연의도마뱀을 잘 표현한거 같다

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화가:빈센트 반 고흐

국가:네덜란드

제작:1888년

종류:유화

감상:해바라기가 노랑색이어서 예쁘다.

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작가:레오나르도 다빈치

연도:1503년

메체:가로 53cm, 세로 77cm짜리 유체

감상:모나리자의 미소는 슬픈 것 같기도 하고 웃는 것 같기도 한다.

이완

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모나리자(Mona Lisa)는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시되어 있다. "모나"(mona)는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고, "리자"(Lisa)는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 즉, 한국어로 하면 "리자 여사"라는 뜻이 된다. 이탈리아와 프랑스에서는 라 조콘다(La_Gioconda, La_Joconde)라 하는데 이는 "조콘도의 부인" 또는 "명랑한 여자", "웃고 있는 여자"라는 뜻이다.

이탈리아 르네상스의 전형적인 걸작으로 여겨지는 이 작품은 "전세계에 가장 널리 알려져 있고, 작품을 직접 보기위한 방문객이 가장 많으며, 가장 많이 언급되고, 가장 많이 노래되고, 가장 많이 패러디된 예술 작품"이다. 수수께끼 같은 표정 때문에 말도많고 끊임없이 다른 작가들에 의해 모방되고 상업적인 목적으로 이용되고 있다.

이와 같이 인류 역사상 가장 유명한 그림이며 세상에 가장 많이 그리고 널리 알려진 그림이라는 유명세를 지니고 있지만 정작 이 작품에 대해 정확히 알려진 것은 거의 없다. 알려진 몇몇가지 들은 대부분 후대 연구자들의 연구결과 일 뿐이다. 작업을 시작한 시기나 총 작업기간, 의뢰자나 모델의 정체등을 명확히 알 수 없는 이유는 이 작품을 그리고 있을 당시에 그 과정을 적어놓은 기록이 없기 때문이다. 따라서 전 세계의 많은 연구자들이 이 작품의 수수께끼를 푸는 일에 매달리기도 하였다.

레오나르도 다빈치가 작업을 처음 시작한것은 1503년경으로 추정되며 의뢰자에게 전달하지 못하게 되자 자신이 보관하며 틈틈이 작업하였던것으로 보여진다. 프랑수아 1세의 초청으로 프랑스로 이주한후에도 조금씩 작업을 하여 1517년경에 프랑스에서 완성하였다고 한다. 눈썹이 없는 것이 작품의 특징중 하나인데 이에 대한 해석은 분분하며 이로 인하여 미완성 작품이라는 해석도 있다.

이 작품은 프랑스 국왕 프랑수아 1세가 소장하고 있다가, 1797년부터 파리의 루브르 박물관에 상설 전시되어 있었다. 그러던중 1911년 8월, 루브르 미술관에서 일하던 이탈리아 출신 이민자 빈첸조 페루자가 훔쳐서 이탈리아로 반출하였다. 피렌체의 골동품상에게 넘기려고 하다가 현장에서 체포되며 발각되었고, 1914년 1월 프랑스에 반환되어 현재에는 루브르 박물관에 전시 되어있다.

이 그림은 여러 가지 면에서 선구적인 작품으로 당시로서는 새로운 방식인 유화기법을 사용했으며, 선을 부드럽게 하는 ' 스푸마토'(sfumato) 기법을 사용하여 엷은 안개가 덮인 듯한 효과를 주고 있다. 구도는 당시에 가장 기본적인 초상화 구도였던 피라미드의 형태를 띠고 있다. 또한 인물을 배경보다 높게 배치하는 방식은 오늘날 화가들이 흔히 사용하는 방법이지만 르네상스 시대에는 드문 방식을 사용하였다.

모나리자는 최후의 만찬, 동방박사의 경배, 광야의 성 히에로니무스와 함께 그 제작자가 레오나르도 다 빈치임이 명백한 작품이다. 1503년 10월부터 리사 델 지오콘도의 초상화로 그려지기 시작했다는 것이 중론이며 1503년 또는 1504년에 피렌체에서 그려지기 시작했다는 이론도 있다. 루브르 박물관은 "의심할 것 없이 1503년에서 1506년 사이에 그려졌다"고 서술하지만 미술사학자 마틴 켐프는 확실히 날짜를 확인하는 데 어려움이 있다고 말한다. 알레산드로 베초시는 이 그림이 레오나르도 다 빈치의 생애 말기인 1513년 이후의 스타일로 그려졌다고 본다. 1513년부터 그림을 그리기 시작했다는 주장에도 문헌적 근거가 있는데, "4년 동안 그림을 붙잡고 있었지만, 끝내 완성하지 못한 채로 남겨두었다"는 바사리의 기록에 따른 것이다. 이러한 주장에 의하면 1516년 다빈치가 프랑수아 1세로부터 앙부아즈성 근처의 클로 루체(Clos Lucé)에서 일하도록 초청받았을 때 모나리자도 들고 가서 계속 작업했다고 본다. 미술사학자 카르멘 C. 밤바흐는 레오나르도가 1516년 또는 1517년까지 이 작품을 계속 다듬었을 것으로 본다. 이 때 1517년경 레오나르도의 오른손이 마비된 것이 모나리자가 완성되지 않은 까닭으로 본다.

1550년에 출간된 조르조 바사리 의 《미술가 열전》에 의하면, 이 그림은 1503년 여름 프란체스코 델 조콘도(Francesco del Giocondo)라는 상인이 새로 지은 자신의 집 거실에 걸어 두기 위해 자기 부인의 초상화를 의뢰했다고 한다. 그런데 이 작품은 의뢰자에게 전달되지 못했는데 이에 관해서도 여러 가지 설이 있다. 첫째는, 의뢰를 받은 몇 달 뒤에 베키오 궁을 장식할 작품 주문이 들어와서 이 그림은 주문자인 프란체스코 델 조콘도에게 전달될 일이 없어졌다고 한다. 두번째는, 그 당시 조콘도의 부인은 이미 아이 셋을 낳은 애 엄마였으나 조콘도가 원한 것은 23세로 아직 젊지만, 모성애 가득한 여인을 그려달라 하였다. 그러나 조콘도의 기대와 달리 왠지 무서운 배경속에 눈썹 없는 여인이 맘에 들지 않아 인수를 거절했다고 한다. 당시 눈썹이 없는 여인은 행실 나쁜 여인들을 가리키기도 했기 때문이다. 또 다른 설은 다빈치가 완벽주의자였기 때문에 완성도가 떨어지는 그림을 의뢰자에게 내 놓을 수 없었다는 것이다. 그래서 결국 다빈치가 평생 동안 자신이 갖고 있게 된 것이다.

많은 전문가들은 1519년 레오나르도의 죽음 이후 그 행적, 제작 동기와 시기에 대한 상반된 기록들, 라파엘로의 스케치의 세부 사항 차이 때문에 레오나르도가 두 장의 그림을 제작한 것으로 추정한다. 이 주장에 의하면 첫 번째 그림은 1503년 즈음에 지오콘도가 의뢰하여 레오나르도의 제자이자 조수인 살라치가 1524년 사망할 때까지 미완성 상태로 남겨져 있었다. 두 번째 그림은 현재 루브르 박물관에 소장중인 작품으로, 1513년 줄리아노 데 메디치 의 의뢰로 그려져 1518년 살라치가 프랑수아 1세에게 판매한 것으로 추정된다. 진정한 모나리자는 단 하나였다고 믿는 학자들도 있지만, 앞서 언급한 두 가지 운명에 대해서는 의견이 분분하다.

16세기 언젠가 그림에 니스가 발라졌다. 모나리자는 루이 14세가 베르사유궁으로 옮길 때까지 퐁텐블로궁에 보관되어 있었고, 프랑스 혁명 때까지 그곳에 있었다. 1797년부터 루브르 박물관에서 영구 전시되었다.

모델이 누군가에 대해서는 의견이 분분하다. 조르조 바사리에 의하면 그림의 모델은 1479년 피렌체에서 평민 가정에서 태어나 16세에 상인인 프란체스코 디 바르토로메오 델 조콘도(Francesco di Bartolomeo del GiocondO)와 결혼한 리사 마리아 게라르디니이며, 그녀의 자연스러운 미소를 얻기 위해 악사, 광대 등을 동원했다는 주장이 있다. 그러나 미국 뉴욕 소재 '스쿨 오브 비주얼 아트'의 릴리안 슈워츠 그래픽 컨설턴트는 모나리자의 그림이 다빈치 자신의 자화상을 여성화시켜 그린 것이라고 주장하여 모델이 누구인지에 대한 의견이 분분하다. 또 다른 이론인, 그림의 주제는 레오나르도의 어머니라는 것이다. 그리고 모나리자의 모델이 리자 델 조콘도(lisa del giocondo)라고 주장하는 사람도 있다.

모나리자의 아름다움과 매력, 그리고 후경의 풍경은 어떤 연관성이 있을까? 모나리자를 관찰해보면 구도를 가로로 평행하게 배치된 팔은 안락의자의 팔걸이에 얹혀 있고 바로 우리 눈앞에 있는 듯 가깝게 느껴지는 것은 팔이 너무 아래쪽에 배치되어서 그림과 관람자 사이에 거리감을 만들어내는 공간이 하단부에 별로 없기 때문이기도 하다. 당시에는 인물과 관람자 사이에 난간을 그려 넣어 그 둘 사이에 거리감을 조성하는 전통이 있었으나 모나리자는 난간 앞에 서있다. 인물이 눈에 훨씬 더 잘 들어는 플랑드리 초상화에서는 인물의 앞쪽 아랫부분에 작은 난간을 두어 인물이 그 난간 위에 손을 얹고 있도록 묘사하는 것이 가장 흔한 방식이었다. 하지만 레오나르도는 난간을 그녀의 앞이 아닌 뒤에 배치하고 그 대신 팔로 방어 자세를 취하게 함으로써 어떤 틈도 없다. 레오나르도는 모나리자를 관람자의 공간 속으로 끌어다 놓은 것이다.

다빈치는 자기 자신을 위해 이 초상화를 완성을 했고, 사람이 흔적이 보이지 않는 태곳적 풍경은 훨씬 뒤에 천천히 구상한 것이라는 설도 있다.

1911년 모나리자의 절도 사실을 처음으로 발견한 화가 루이 베루드가 그린 모나리자의 모작.

프랑스 혁명 이후 루브르 박물관으로 옮겨졌지만, 1821년에는 튀일리궁에 있는 나폴레옹의 침실로 잠시 옮겨지기도 하였다. 1860년대에는 프랑스 지식인들의 일부가 르네상스 회화의 걸작이라는 지위를 부여하기 시작했다. 프로이센-프랑스 전쟁(1870-1871) 동안에는 루브르 박물관에서 브레스트 해군기지로 옮겨졌다.

1911년 8월 21일에는 루브르 박물관에서 전시중이던 모나리자가 도난당하는 일이 발생한다. 1911년까지만 해도 이 그림은 일반 대중들 사이에서 잘 알려진 작품은 아니었다. 박물관측은 다음 날 화가 루이 베루드가 모작을 위해 방문한 후에야 도난 사건을 알았는데, 처음에는 사진촬영을 위해 어딘가로 옮겨진 줄 알았다가 나중에 도난 사실을 알게 되었다. 이후 루브르 박물관은 조사를 위해 일주일간 폐관했다. 미술관과 박물관에 대한 부정적 주장을 펼쳐온 프랑스의 모더니즘 시인 기욤 아폴리네르가 처음에 용의자로 지목되고 체포되어 투옥되었다. 아폴리네르의 친구인 파블로 피카소 역시 끌려와 조사를 받았다. 그러나 두 사람 모두 무죄가 확인되었다. 진범은 루브르 박물관의 직원으로 작품의 유리 케이스를 만드는 일을 하던 빈첸초 페루자였다. 그는 박물관이 문을 닫은 뒤 평소 시간에 건물 안으로 들어가 빗자루 옷장에 숨어 있다가 외투 밑에 그림을 숨겨놓고 걸어 나오는 방식으로 모나리자를 빼돌렸다.

페루자는 이탈리아인으로, 레오나르도의 그림이 이탈리아에 반환되었어야 한다고 생각해 이와 같은 범죄를 저질렀다고 진술하였으나, 그림이 도난당한 후 모나리자의 가치가 크게 상승할 것이라는 동료의 꼬드김에도 영향을 받았다. 페루자는 자기 집 난로 밑에 2년 동안 숨겨두었다가, 피렌체에 있는 우피치 미술관 의 관리인 조반니 포그에게 모나리자를 팔려고 시도하다가 붙잡혔다. 이 작품은 우피치 미술관에서 2주간 전시되었고 1914년 1월 4일 루브르 박물관에 반환되었다. 페루자는 이 범죄로 6개월 동안 감옥살이를 했지만, 이탈리아에서는 환영을 받았다. 도난 사건 1년 후, 이 절도를 계획하고 주도했다고 주장하는 에두아르도 드 발피에르노라는 인물도 나타났다. 이브 초드론이라는 인물이 모나리자 6장을 위조하여 미국에서 판매할 예정이었다고도 했다.

제2차 세계 대전 기간에는 루브르 박물관에서 앙부아즈성으로, 그 다음에는 로크디외 수도원에서 샹보르성으로, 그리고 마지막에는 몽토방 의 잉그레스 박물관으로 옮겨졌다.

1956년 12월 30일에는 우고 웅가자 빌레가스라는 한 볼리비아인이 돌을 던져 모나리자 왼쪽 팔꿈치의 염료가 일부 떨어져나가는 일도 발생했다. 이미 이로부터 몇 년전 한 남성이 면도칼로 그림을 베어 훔쳐가려고 시도한 일이 있던 터라 유리창으로 보호를 받고 있었던 덕분에 더 이상 훼손되는 일은 없었다. 이후로는 방탄유리로 그림을 감싸두었지만, 1974년 4월 21일에는 도쿄 국립박물관 에서 전시중에 한 여인이 박물관이 장애인들을 충분히 배려하지 않는다며 빨간 스프레이를 뿌리는 방식으로 항의한 적도 있었다. 1976년에는 한 아시인이 총을 밀반입하여 유리창을 쏘았지만, 총알은 창을 뚫지 못하고 유리창에 박혔다. 2009년 8월 2일에는 프랑스 시민권을 거부당한 러시아 여인이 루브르 박물관의 기념품숍에서 판매하는 머그컵을 던지는 일도 있었다. 후자의 경우 컵 파편이 유리 케이스 내부로 들어가긴 했으나 둘 모두 그림이 훼손되지는 않았다.

모나리자 그림에는 눈썹이 그려져 있지 않다. 이것에 대해서는 눈썹을 뽑는 것이 당시 미의 기준이었기 때문에 모나리자의 모델도 눈썹이 없는 상태였다는 주장과, 모나리자 작품이 눈썹을 그리지 않은 미완성작이라는 설이 있다. 모나리자를 연구한 엔지니어 파스칼 코트는 "모나리자 눈썹이 청소 중에 지워졌다"며 "모나리자의 눈 주위를 자세히 살피면 미세한 금들을 볼 수 있는데, 이는 큐레이터나 그림 복원가가 눈 부위를 부주의하게 닦았다는 증거로 볼 수 있다"고 주장했다. 또한 라파일이 다빈치가 모나리자를 그리는 모습을 그린 그림에는 기둥이 있었지만 다빈치의 그림에는 기둥이 없는 이유에 대해 '액자 제작자가 그림을 액자의 크기에 맞추기 위해 기둥 부분을 잘라내버렸다'는 주장도 제기된다.

긴 생머리를 늘어뜨린 현재 그림과는 달리, 처음에는 머리를 묶은 모습을 그렸던 것으로 드러나기도 하였다. 또한 그가 그린 그림에는 붓 자국을 찾을 수 없다고 한다.

1919년에는 마르셀 뒤샹이 모나리자의 얼굴에 수염만 붙인 L.H.O.O.Q 라는 작품을 그려서 논란이 되기도 했다.

2007년 8월에는 다빈치가 그린 모나리자 초안이 공개돼 화제가 되기도 하였다. 이 초안의 밑그림에는 원래 손이 포개지지 않은 상태였던 것으로 드러났다.

모나리자의 상반신 또한 4분의 3각도를 취하고 다 관람자를 향해 약간 목을 돌린 모습이다. 두 눈은 우리를 똑바로 내려다보듯이 쳐다보고 있는데, 그녀의 눈에 우리가 다 보이는 것 같은 느낌을 준다 다시 말해 그림 하단부를 막고 있는 팔부터 눈에 이르기까지 모나리자가 관람자를 똑바로 응시하고 있는 듯한 느낌을 준다. 또한 관람자는 그녀의 시선 아래에 있는 것처럼 느낀다. 서양화 최초의 누드화라고 알려진 티치아노의 <우르비노의 베누스>에서도 느낄 수 있는 인물의 시선 아래 있는 것만 같은 느낌과 같이 <모나리자>에서 인물의 시선 아래에 있는 듯한 느낌을 받는다.

후경을 잘 관찰해보면 비논리적인 점이 보인다. 관람자의 시점에서 볼 때 오른쪽에는 높은 산과 거울처럼 평평한 수평선이 왼쪽에 비해 다소 올라와있는 호수가 보인다. 반면에 왼쪽 풍경은 오른쪽보다 낮다 다시 말해 두 부분이 하나로 이어진 것이라고 볼 수 없다. 사실상 거기에 인물 자체와 모나리자의 미소에 의해 감춰지고 변형된 간격인 단절이 있다. 모나리자의 입술은 오른쪽으로 약간 올라가 있다. (좀 더 높게 그려진 오른쪽 풍경 쪽으로) 양쪽 두 풍경 사이의 불가능한 이행이 인물 속에서 바로 인물의 미소를 통해 실현되었다. 레오나르도는 오비디우스 예찬론자로 <변신 이야기>를 열심히 읽었다. 레오나르도는 오비디우스와 마찬가지로 최고의 미란 바로 덧없음, 즉 시간의 무상함이라고 생각했다. <변신 이야기>에 나오는 헬레나는 '제 모습이 오늘은 아름답지만 시간이 흐르면 과연 어떻게 변할까요?'라는 말을 한다 이는 시간의 무상함을 보여준다. 레오나르도는 <모나리자>에 바로 이런 우주적 사색과 통찰을 투영한 것이다. 바로 미소의 덕이기 때문이다. 미소란 덧없는 것으로 짧게 스치는 작은 웃음으로 얼굴에 잠시 머물 뿐이다. 또한 페드레티에 따르면 풍경에서의 다리는 시간의 흐름을 상징한다 다리가 있다는 것은 강물이 있다는 것인데 강물은 덧없이 흐르는 시간의 상징이다. 이에 모나리자의 핵심 주제는 시간이라고 볼 수 있다.

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모나리자 - 위키백과, 우리 모두의 백과사전

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모나리자(Mona Lisa)는 16세기 르네상스 시대에 레오나르도 다 빈치가 그린 초상화로, 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 전시되어 있다. "모나"(mona)는 유부녀 이름 앞에 붙이는 이탈리아어 경칭이고, "리자"(Lisa)는 초상화의 모델이 된 여인의 이름이다. 즉, 한국어로 하면 "리자 여사"라는 뜻이 된다. 이탈리아와 프랑스에서는 라 조콘다(La_Gioconda, La_Joconde)라 하는데 이는 "조콘도의 부인" 또는 "명랑한 여자", "웃고 있는 여자"라는 뜻이다.

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칠반이와 모나리자가 앉아 있다.

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비엘을 연주하는 녹색  옷의 천사 

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비엘을 연주하는 녹색  옷의 천사 

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제목 비엘을 연주하는 녹색 옷의 천사

연도 1506년경

종류 유화

감상. 비엘을 연주하고 싶다

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자연의도마뱀이 뛰는 것을 표현했다

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자연의도마뱀이 뛰는 것을 표현했다

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Draw it like a statue of a natural lizard running

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작가:빈센트 반 고흐

연도:1889

매체:캔버스에 유채

감상:방이 독특하게 생겼고,입체를 잘 그린 것 같아 실감난다.

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드래곤이있어서 용기있고당당하게보인다

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Draw a dragon on the yellow house of Gogh

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작가:가우디

연도:1904~1906년

설명:가우디는 나무,하늘,식물 등 자연물에서 탐색했던 선과 형태를 응용해 건축물을 만들었어요.

감상:집이 알록달록하고 모양이 독특해서 인상깊었습니다.그리고 지붕모양이 용의비늘 같아서 신기하다.

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작가:빈센트 반 고흐

연도:1888년

매체:캔버스에 유채

장르:도시 , 풍경화

크기:91 x 72 cm

위치:반 고흐 미술관

감상:밤인것같은데노란색집덕분에 밝아보인다

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연도:1984년

작품설명:안토니 가우디의 경제적 후원자였던 구엘 백작이 평소 동견하던 영국의 전원 도시를 모델로 했다.

감상:아름다운 성이 모여있는 나라 같다.

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뛰어다니고 있는 코끼리와 사자

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뛰어다니고 있는 코끼리와 사자

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구엘공원에서 코끼리와 사자가 신나게 뛰어놀고 있는 모습을 그려 보았다.

루아

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Let's say there are elephants and lions running around really excitedly in Guell Park.

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이중섭의 두개의 복숭아를 현실적으로 그렸다.

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Draw the background of the ballpark on two peaches

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Change the scenery of Gogh's room into a plateau

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가우디의 건축물로 별명이 채석장이다 민준

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아몬드가 피는 꽃나무다

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연도 1954년

감상 벚꽃 위에 새가

진짜 같다.

또 혹이난것 같다

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[이중섭, 백년의 신화]1위는 '황소' 아닌 '벚꽃 위의 새'

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이중섭, 백년의 신화1위는 황소 아닌 벚꽃 위의 새 격동의 시대 한가운데서 마음 한편에 평화가 가득했던 순간을 표현한 듯해서 마음이 짠하네요.천은영·42 이중섭 작품 중에 이렇게 서정적이고 평온한 색감의 작품이 있다는 건 몰랐어요.최지민·17 황소도...