# data[].attributes.body
얘들아, 이 그림은 프랑스의 화가 클로드 모네가 그린 그림이야. 모네는 우리가 잘 아는 ‘인상주의’를 처음 만들어낸 화가로, ‘빛과 자연의 순간’을 그리는 걸 좋아했단다.

그림 속 여인은 누구냐면, 바로 모네의 아내 카미유야. 그리고 왼쪽 아래에 조그맣게 보이는 사람은 그들의 아들 장이지. 가족과 함께 봄바람 부는 들판을 산책하던 어느 날, 모네는 그 순간을 그림으로 남기고 싶었대.

이 그림은 멀리서 보면 카미유가 아주 뚜렷하게 보이지만, 가까이 보면 얼굴이나 옷이 거친 붓질로 표현되어 있어. 이게 바로 인상주의의 핵심이야. 뚜렷한 윤곽선보다 빛과 공기, 순간의 느낌을 살리는 거지.

사람들은 처음엔 '이건 미완성 작품이잖아!' 하며 비웃었지만, 지금은 ‘햇빛이 머물렀던 한 순간을 완벽하게 잡아낸 명작’이라고 인정받고 있어. 특히 바람에 살짝 흔들리는 파라솔과 옷자락, 풀잎들을 보면, 우리도 그 순간 그 자리에 있는 것 같지 않니?

# data[].attributes.headline
폴 고갱 <우리는 어디서 왔고, 우리는 무엇이며, 우리는 어디로 가는가>, 1897

# data[].attributes.subject
폴 고갱 <우리는 어디서 왔고, 우리는 무엇이며, 우리는 어디로 가는가>, 1897

# data[].attributes.body
고갱 아저씨는 원래 프랑스의 증권 중개인이었단다. 잘나가는 직업을 버리고, 늦은 나이에 화가가 되었지. 그리고는 도시를 떠나 남태평양 타히티 섬으로 가버렸어. 그곳에서 자연과 원주민의 삶에 감동해서 많은 그림을 그렸지.

이 작품은 고갱이 죽기 1년 전, 삶과 죽음에 대해 깊이 고민하며 그린 아주 중요한 그림이야. 그림의 왼쪽엔 태어난 아기, 가운데엔 사춘기 소녀와 어른, 오른쪽엔 죽음을 앞둔 노인이 있어.
제목처럼 이 그림은 우리에게 묻고 있어. “우리는 어디서 와서, 무엇이며, 어디로 가는 걸까?”

색채는 강렬하고, 사람들은 이상하게 생겼지? 이건 고갱이 유럽 미술의 틀을 벗어나 타히티의 신화와 문화를 표현하고 싶었기 때문이야.
당시 사람들은 이 그림을 이해하기 어려워했지만, 지금은 ‘고갱 예술의 절정’, ‘철학적 깊이가 담긴 상징의 걸작’이라 평가한단다.

# data[].attributes.body
마티스는 원래 법률 공부를 하던 사람이었는데, 병으로 누워 있던 어느 날 우연히 그림을 그리게 되었대. 그 후 그림의 세계에 푹 빠졌고, 나중엔 ‘색의 마법사’로 불릴 만큼 대단한 화가가 되었어.

이 그림은 마티스의 아내 아멜리를 모델로 한 초상화야. 그런데 얼굴에 초록색과 파란색, 보라색이 칠해져 있지? 이게 바로 ‘야수파(Fauvism)’의 특징이야. 현실의 색이 아니라, 감정과 느낌에 따라 색을 쓰는 거지.

사람들은 ‘얼굴이 왜 이래! 괴물 같다!’며 충격을 받았고, 실제로 “야수들이 그린 그림”이라고 욕도 먹었어. 하지만 이 새로운 시도는 현대미술의 길을 열었고, 지금은 색채로 감정을 표현한 혁신적인 작품으로 높이 평가받고 있어.

# data[].attributes.headline
피에트 몬드리안 <큰 붉은 면, 노랑, 검정, 회색, 파랑으로 구성된 구성>, 1921

# data[].attributes.subject
피에트 몬드리안 <큰 붉은 면, 노랑, 검정, 회색, 파랑으로 구성된 구성>, 1921

# data[].attributes.body
몬드리안은 처음에는 나무나 풍경을 사실적으로 그렸지만, 점점 세상을 단순하게 표현하고 싶어졌어. 그는 자연 속에서 ‘질서’를 발견하려고 했고, 결국 세로선, 가로선, 원색만 남겼지.

이 그림은 바로 그 철학이 담긴 대표작이야. 빨강, 파랑, 노랑은 기본 색, 선과 면은 조화와 균형을 보여줘. 그림 제목에 '구성'이 들어간 이유도 그 때문이야. 질서 있게 구성된 세상을 그리려 한 거지.

이런 방식은 신조형주의(De Stijl)라는 예술 운동으로 발전했고, 오늘날까지 건축, 디자인, 패션에 큰 영향을 줬단다. 그래서 이 그림은 ‘현대 시각 디자인의 시작’이라고도 불려.

# data[].attributes.body
샤갈은 어릴 적 러시아의 작은 마을에서 태어났어. 그는 사랑, 꿈, 추억, 종교 같은 것들을 마치 동화처럼 그림으로 표현했지.

이 그림에 나오는 여자, 바로 샤갈의 아내 벨라란다. 샤갈은 벨라를 너무 사랑했어. 하지만 전쟁 중에 벨라가 갑자기 세상을 떠났고, 그 슬픔 속에서 이 그림을 그렸지.

하늘에 떠 있는 벨라, 그 아래에서 벨라를 바라보는 샤갈, 그리고 주위엔 사랑과 꿈의 상징들이 둥둥 떠 있어.
이건 현실의 풍경이 아니라, 마음 속 풍경이야. 그래서 사람들도 ‘샤갈의 그림은 눈으로 보는 게 아니라, 마음으로 느끼는 그림’이라고 말하지.

샤갈은 초현실주의, 표현주의, 그리고 자신만의 스타일을 섞어서 독특한 그림세계를 만들었고, 지금은 ‘사랑을 그린 화가’로 기억돼.

# data[].attributes.body
프리다 칼로는 멕시코의 강인한 여성 화가야. 어릴 때 소아마비를 앓았고, 나중에는 큰 교통사고를 당해서 평생 아픈 몸으로 살아야 했단다.

이 그림 속 사슴은 사실 프리다 자신이야. 사슴의 얼굴이 프리다이고, 몸엔 화살이 꽂혀 있어. 아픔과 슬픔이 그림에 그대로 드러나 있지.

프리다는 자신의 신체적 고통, 사랑의 상처, 여성으로서의 정체성을 그림으로 표현했어. 그래서 이 그림은 단순한 자화상이 아니라, 자신의 삶을 고백하는 그림이야.

사람들은 이 그림을 ‘고통을 있는 그대로 드러낸 용기의 상징’이라고 평가하고, 페미니즘 미술의 대표작으로도 여긴단다.

# data[].attributes.body
폴록 아저씨는 캔버스를 바닥에 깔고, 붓 대신 막대기와 통에 담긴 물감을 휘둘러서 그림을 그렸어. 이걸 ‘액션 페인팅’이라고 해.

이 그림은 정말 가을처럼 느껴지지? 나뭇잎이 휘날리고, 바람이 불고, 자유로운 리듬이 느껴져.
폴록은 '생각하고 계획하지 말고, 몸으로 느끼며 그려야 한다'고 믿었어. 그래서 이 그림은 그의 감정과 움직임이 그대로 담긴 거야.

당시에는 ‘이게 무슨 그림이냐’는 말도 많았지만, 지금은 ‘추상표현주의의 절정’, ‘미국 현대미술의 전환점’이라고 불릴 정도로 평가받고 있어.

# data[].attributes.body
이중섭 선생님은 한국 전쟁 때 가족과 헤어지고, 가난하게 살았지만 그림에 대한 열정을 놓지 않았어. 그는 소 그림으로 유명하지만, 이 그림은 아주 특별한 작품이야.

밤하늘에 떠 있는 달과, 그 주위를 도는 까마귀들—왠지 쓸쓸하지?
이 그림은 외로움과 그리움, 슬픔이 담긴 작품이야. 까마귀는 이중섭 자신, 달은 멀리 있는 가족일 수도 있겠지.

그림은 단순하지만, 선이 힘차고 마음을 울리는 무언가가 있어. 지금은 ‘한국 현대미술의 대표작’ 중 하나로 평가받고 있단다.

# data[].attributes.headline
로이 리히텐슈타인 <이것 좀 봐 미키>, 1961

# data[].attributes.subject
로이 리히텐슈타인 <이것 좀 봐 미키>, 1961

# data[].attributes.body
리히텐슈타인은 ‘만화도 예술이 될 수 있다!’고 생각한 사람이야. 그래서 진짜 만화처럼, 말풍선과 점묘(벤데이 도트) 기법을 써서 그림을 그렸지.

이 그림은 어떤 장면 같니? 두 남녀가 대화하고 있지. 사랑 이야기 같기도 하고, 오해가 생긴 장면 같기도 해.
이렇게 감정을 과장되게 표현한 건 팝아트(Pop Art)의 특징이야.

이 그림은 당시 대중문화의 상징이 되었고, ‘대중의 시선도 예술로 끌어올린 작품’으로 평가받고 있어.

# data[].attributes.body
워홀 아저씨는 슈퍼마켓에 있는 물건들—예를 들어 콜라, 수프 캔, 유명인 얼굴을 그림으로 그렸어. 그중에서도 가장 유명한 게 바로 이 캠벨 수프 그림이야.

이건 단순히 수프를 그린 게 아니야. 워홀은 ‘사람들이 매일 보는 평범한 것도 예술이 될 수 있어’라고 말하고 싶었던 거야.

또 이 그림은 여러 개를 똑같이 찍어냈어. 왜냐하면 그 시대는 공장에서 물건을 복제하던 ‘대량생산의 시대’였거든. 그래서 이 그림은 팝아트의 대표작이 되었고, 지금도 현대예술의 상징으로 여겨지고 있어.