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La obra presentada por Monet, con inspiración de Manet.

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1.      Título: Femme à l’ombrelle (Mujer con sombrilla)
2. Autor: Claude Monet
3. Técnica: Óleo sobre lienzo
4. Ubicación: Actualmente, la obra se encuentra en la colección permanente del Museo de Orsay en París, Francia. Sin embargo, la obra fue pintada cuando Monet fue invitado por Ernest Hoschedé a su castillo de Rottembourg, en Montgeron, cerca de París.
5. Importancia: Esta pintura es una de las obras más emblemáticas del impresionismo y una de las más reconocibles de Claude Monet. Captura la luz y la atmósfera de manera magistral, típico del estilo impresionista. La figura de la mujer y su sombrilla se fusionan con el paisaje, creando una sensación de movimiento y efímera belleza.
6. Dato curioso: Claude Monet pintó varias versiones de esta escena, cada una en diferentes momentos del día y con variaciones en la luz. Esto refleja su obsesión por capturar la fugacidad de la luz y cómo esta afecta la percepción visual. Existe una obra musical con inspiración a esta pintura.
Introduciéndonos a la vida personal del artista, en 1912, Monet fue diagnosticado con cataratas en ambos ojos, condición que avanzó gradualmente al punto de no distinguir algunas tonalidades y perder la visión casi por completo. A los 83 años, en 1923, acepta someterse a una cirugía para no abandonar su trabajo artístico.

webgrafía: https://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_con_sombrilla

Seade, Lara

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Obra de arte: "El nacimiento de Venus" (La Nascita di Venere)

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Obra de arte: "El nacimiento de Venus" (La Nascita di Venere)

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Titulo

"El nacimiento de Venus"

Autor

Fue producida por el pintor renacentista Sandro Botticelli.

Técnica

Temple sobre lienzo.

Ubicación

Se conserva en la Galeria Uffizi, en Florencia.

Importancia

Este cuadro fue en su tiempo una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación del humanismo renacentista alejado del oscurantismo medieval.

Dato curioso

En esta obra encontramos representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua. El nacimiento de Venus retrata uno de los más pintorescos mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía.

La obra representaría el nacimiento del Amor y de la belleza espiritual como la fuerza motriz de la vida.

Webgrafía
https://es.m.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus_(Botticelli)

Yuliana Paez

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El Sueño

"El Sueño" es una famosa pintura realizada por Pablo Picasso en 1932.
Es conocido por su estilo surrealista y su uso audaz del color. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista.
Se encuentra en una colección privada, Las Vegas hoy en día en casa de su hijo Christian Villamil.
Representa a una mujer que yace dormida, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos y medio seno al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter.
Esta obra guarda la historia de amor entre la joven de 17 años y Picasso, que cuando la conoció tenía 46 años. Algunos relatos cuentan que Picasso conoció a la joven un día que salía de las galerías Lafayette en París; le llevó a una librería para mostrarle ejemplares de su obra y luego vivieron en el castillo de Boisgeloup, donde pasaban largas sesiones de trabajo. El pintor aún estaba casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova, madre de su hijo Paulo.

En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las Vegas, Steve Wynn. En el año 2013 "el sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares, y se convirtió así en el segundo cuadro más caro de la historia, según una nota publicada en The New York Post, y en el más cotizado de su obra pictórica.

Julieta Nahir Goytia Ayuch

Web usada: https://es.m.wikipedia.org/wiki/El_sue%C3%B1o_(Picasso)#

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Autor
Es el francés Georges Pierre Seurat (1859 - 1891)

Tecnica
Seurat utilizó la técnica puntillista

Localización
Musée d'Orsay (París, Francia )
Estilo Neoimpresionismo

Importancia
Este cuadro trata el tema del circo, frecuentado en esos mismos años 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec

Datos
Redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta
Dato 2
Está realizado en óleo sobre lienzo.
Dato 3
Mide 180 cm de alto y 148 cm de ancho
Dato 4
Fue pintado en 1891

Fuente Wikipedia

Acosta Agustin

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TITULO: "Les Demoiselles d'Avignon" (Las señoritas de Avignon)
AUTOR: Es una pintura revolucionaria creada por Pablo Picasso en 1907
UBICACION: Está exhibida en Museo de Arte moderno de Nueva York.
TECNICA: La obra fue pintada al óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Muestra cinco figuras femeninas  abstractas  y geometricas con caras angulosas y cuerpos simplificados.Picasso utiliza elementos primitivos y africanos, y su composición es asimétrica y dinámica, con una sensación de tensión y confrontación rompiendo asi con las convenciones tradicionales de la representación artística.
IMPORTANCIA: Las señoritas de Avignon es una de las obras más influyentes del arte moderno, marcando  el comienzo de una nuevo movimiento artistico "cubismo"
DATOS CURIOSOS:
● El titulo original de la pintura era "LE BORDEL D'AVIGNON  (EL BURDEL DE AVIGNON)
● Las pinturas está representadas en diferentes estilos
● Picasso no la compartió con el público por años lo guardo en su estudio hasta 1916  que comenzó a compartila  con un grupo selectivo de personas y su círculo de amigos artistas más cercanos.
Webgrafía:
https://mymodernmet.com/es/senoritas-avignon-picasso/
https://historia-arte.com/obras/las-senoritas-de-avignon

Isabella Cisneros Cadro

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1. El título de la obra mundial seleccionada es "La creación de Adán".
2. El autor es Miguel Ángel (Michelangelo) Buonarroti.
3. La técnica de esta obra es en fresco (280cm x 570cm) y los materiales q se utilizaron fueron el yeso y pintura.
4. Ubicación: Esta obra se encuentra ubicada decorando la bóveda de la capilla sixtina.
5.La importancia de esta manifestación de arte es que representa al espíritu del renacimiento italiano debido al modo de representar la creación del hombre, además la obra está ilustra en uno de los nueve episodios del Génesis, en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre.

6. Dato curioso: la imágen principal nos presenta en un solo plano dos secciónes divididas por una diagonal imaginaria, el lado izquierdo representa la presencia de Adán desnudo quien espera a ser insuflado por el don de la vida, y en el extremo superior derecho, está dominada por un grupo de figuras que se encuentran suspendidas en el aire dando a entender su carácter sobrenatural,  encontrándose a todo el grupo envuelto en un manto rosa que falta en cielo como una nube, pareciendo un "portal" entre la tierra y el orden celestial.

Información extraída de:
https://enciclopediadehistoria.com/la-creacion-de-adan/

Alumna: Nadal Lara

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 La casa amarilla en donde Van Gogh perdió la "cordura".

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• Obra de Arte: “La Casa Amarilla” de Vicent Van Gogh.

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• Obra de Arte: “La Casa Amarilla” de Vicent Van Gogh.

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Título:  “La casa amarilla”. (Het gele huis). 1888.

Nombre: Vicent Van Gogh

Técnica: Óleo en lienzo
Género: Pintura del paisaje
Medidas: 72 cm x 92 cm
Estilo: Postimpresionismo

Ubicación: Se encuentra en el Museo Van Gogh, Ámsterdam,  Países Bajos

Importancia: Es difícil saber el valor económico de las obras de Vicent, pero sabemos que está en un mínimo de 500 y 1.000 millones de dólares cada una si el Museo de Arte Moderno decidiera venderlas. Sabiendo que cada uno de sus cuadros dependen de el tamaño, técnica, año de creación, estado y otros factores.

Dato curioso:
La Casa Amarilla es una obra emblemática de Vincent Van Gogh, pintada en 1888. Durante ese tiempo vivió en Arlés, una pequeña ciudad del sur de Francia. La pintura retrata su propia casa, ubicada en la Place Lamartine. Van Gogh eligió representarla en tonos amarillos brillantes, que simbolizan la calidez y la alegría que encontraba en su hogar. A través de pinceladas enérgicas y expresivas, crea una textura vibrante que resalta la arquitectura de la casa y los detalles de las ventanas y puertas. Esta obra refleja la obsesión de Van Gogh por capturar la luz y el color, así como su conexión emocional con los lugares que habitaba. Está pintura es un testimonio visual de la vida del artista y su búsqueda de belleza en lo cotidiano.

La estancia en esta casa acaba en todos sentidos con él, marcando la peor etapa para su salud mental. Todo empezó al ver que su sueño de crear un estudio o comunidad de artistas en donde convivieran todos juntos (casi fantaseando con una utopía), se ve completamente fallido. Recibiendo burlas, criticas y malos tratos de otros pintores, la realidad era que nadie quería vivir con él, en excepción de Paul Gaugin. Estos pintores tuvieron muchísimos conflictos mientras vivieron juntos en la casa amarilla. Su relación fue tensa y culminó en una pelea en la que Van Gogh se cortó la oreja.

“Van Gogh, de regreso a casa, se había cortado inmediatamente una oreja. Debió de llevarle algún tiempo parar el flujo de la sangre, pues al día siguiente una cantidad de toallas mojadas se encontraban desparramadas en las baldosas de las dos habitaciones de la planta baja. La sangre había manchado las dos habitaciones y la pequeña escalera que conducía a nuestro dormitorio. Cuando estuvo en condiciones de salir, con la cabeza envuelta en una boina que se encasquetó lo más posible, fue directamente a cierta casa donde a falta de una camarada uno puede escoger una amistad. y entregó su oreja al encargado, cuidadosamente lavada y colocada en un sobre.” Paul Gauguin, Diario íntimo (Avant et après), 1903.

Este incidente marcó un momento difícil en la vida del artista y refleja su lucha con problemas de salud mental. A pesar de estos desafíos personales, Van Gogh logró crear obras de arte significativas durante su tiempo en la Casa Amarilla.

Chale, Uma.
4° 4°

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Obra de Arte "Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche" 

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Obra de Arte "Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche" 

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Autor: Es una obra que fue realizada  por Vicent Van Gogh en septiembre de 1888. Técnica: Fue pintada sobre un lienzo aplicando la técnica del óleo. Ubicación: Ahora forma parte de la colección del museo de Kröller-Müller.
La obra se pintó en referencia a un café de Arlés llamado "Café Terrace" y que más tarde se renombró como "Café Van Gogh".
Esta pintura representa la alegría de una noche de verano en la ciudad de Arlés Francia, en donde la gente sale a tomar algo en una café.
Importancia: Marcó un inicio en la carrera del artista al ser la primera vez que utilizó un fondo estrellado.
Dato Curioso: Van Gogh estaba feliz por el calor y ambiente del mediterráneo tan distinto al de París, por lo tanto el cuadro está lleno de colores alegres ya que para el artista lo más importante son las sensaciones, diciendo “No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza”.

Webgrafía:
https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://es.m.wikipedia.org/wiki/Terraza_de_caf%25C3%25A9_por_la_noche&ved=2ahUKEwjhi-XVmemBAxXvILkGHarAD0kQFnoECDwQAQ&usg=AOvVaw2uC61ovUMA91ZEJ6e3YzAb

https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://historia-arte.com/obras/terraza-de-cafe-por-la-noche&ved=2ahUKEwjhi-XVmemBAxXvILkGHarAD0kQFnoECDgQAQ&usg=AOvVaw2hO2_inKqfwwWT5oU9LRBA

https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://www.euston96.com/terraza-de-cafe-por-la-noche/&ved=2ahUKEwj78LzolumBAxUsqJUCHSz_B5QQFnoECBQQAQ&usg=AOvVaw0laA08KkYTYr7YvQpgKtOQ

https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://www.todocuadros.ar/pintores-famosos/van-gogh/&ved=2ahUKEwj78LzolumBAxUsqJUCHSz_B5QQFnoECCsQAQ&usg=AOvVaw3UKgXMFp2NRc4QV3E86_hv
Argañaras Giannoni, Guillermina

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TITULO: La noche estrellada

AUTOR: Vicent Van Gogh

TECNICA: Óleo (73,7 cm × 92,2 cm.)

UBICACION: MaMo

IMPORTANCIA: Gracias a La noche estrellada, Van Gogh se libera del impresionismo para convertir su mirada en un estilo simbólico.

DATO CURIOSO: Algunas teorías aseguran que La noche estrellada tiene cierta simbología relacionada con la muerte. De hecho, los árboles que aparecen en el cuadro son cipreses, asociados a los cementerios y a la muerte. Un comentario de Van Gogh sobre la pintura así lo confirma: Mirar a las estrellas siempre me pone a soñar.

WEBGRAFIA: https://www.google.com/search?client=ms-android-samsung-gj-rev1&sca_esv=571272750&sxsrf=AM9HkKkrSOa_PUaD84Dv_cGicBoXlaviuA:1696883518419&q=La+noche+estrellada&stick=H4sIAAAAAAAAAONgFuLQz9U3MI_PNVLiBLFMzC3jC7WUspOt9Msyi0sTc-ITi0qQmJnFJVbl-UXZxYtYhX0SFfLykzNSFVKLS4pSc3ISUxIBPNTjIlEAAAA&sa=X&ved=2ahUKEwj1sdza5- mBAxUQLLkGHQ7iBmoQtq8DegQIDRAD

FIORELLA DELLARINGA 4TO4TA

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Autor: Sandro Boticelli.

Técnica:Temple sobre lienzo.

Ubicación: Galería Uffizi, Firenze, Italia.

Importancia: Este cuadro fue en su tiempo una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación del nuevo humanismo renacentista.

De hecho, no era común ni siquiera en el arte grecorromano, donde era el hombre quien se representaba completamente desnudo y, en caso de que se tratase de una mujer, normalmente solo se descubría su torso.

El nacimiento de Venus es el primer ejemplo en Toscana de una pintura sobre lienzo.

Además, el uso especial del costoso polvo de alabastro, que hace que los colores sean aún más brillantes y atemporales, es otra característica que hace que este trabajo sea único.

Dato curioso: EL AMOR IMPOSIBLE DE BOTTICELLI: Simoneta Vespucci.
La mujer retratada se cree que es la considerada como la más bella del Renacimiento y el amor imposible de Botticelli: Simonetta Vespucci.

Esta pintura es una silenciosa declaración de amor a Simonetta, su musa y modelo, hija de un noble genovés, casada desde los 16 años con el florentino Marco Vespucci, vecino y amigo del pintor.

Simonetta murió en 1476. Casi nueve años después, Botticelli terminó su "Venus". Y en 1510, cuando falleció fue enterrado a los pies de la tumba de su amor imposible, como pidió en su último testamento.

Alumna: Abril Delfina Martínez.

Webgrafría:
https://es.m.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus_(Botticelli)#:~:text=El%20nacimiento%20de%20Venus%20(en,172%2C5%20cm%20de%20alto.

https://www.culturagenial.com/es/cuadro-el-nacimiento-de-venus/#:~:text=El%20cuadro%20El%20nacimiento%20de%20Venus%20fue%20famoso%20porque%2C%20desafiando,algunas%20piezas%20con%20fines%20moralizantes.

https://www.autopista.es/planeta2030/diez-curiosidades-sobre-nacimiento-venus-botticelli_241193_102.html

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1_ TÍTULO: Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte.

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1_ TÍTULO: Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte.

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2_ AUTOR: Georges Pierre Seurat.
3_ TÉCNICA: Puntillismo.
4_ UBICACIÓN: Instituto de Arte de Chicago.
5_ IMPORTANCIA:La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París, entre La Défense y el suburbio de Neuilly, dividida por el Pont-de-Levallois. Aunque por muchos años fue un sitio industrial, en los últimos años pasó a albergar jardines públicos y un conjunto residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.

Seurat pasó entre 2 a 3 años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehízo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.

Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera azul. De esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.

Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.
6_ DATO CURIOSO:En esta obra maestra de Seurat, el tema del trabajo es más una excusa para estudiar composición, luces y colores y para describir el París de la época. De hecho, el trabajo retrata a los parisinos de moda disfrutando del sol el domingo por la tarde en la orilla del Sena.

ALUMNO: Diaz Maximo 4'4'

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Pablo Picasso

Málaga, España 1881 - Mougins, Francia 1973
“Femme nue de dos” (mujer desnuda de espaldas), 1905
Acuarela sobre papel - 36,7 cm x 24,7 cm

Ubicación: actualmente se encuentra exhibida en la sala 33, primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes.
Importancia: tiene gran importancia ya que fue adquirida en 1971 y no tiene réplica alguna.
Dato curioso: la mujer representada en esta obra es su pareja, quién posaba para el artista, vestida o desnuda, e incluso pudo ser una de las modelos de la pintura que marcó el arte del siglo XX.

Webgrafía consultada https://bellasartes.gob.ar

Lucero Ragazzi.

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Título:La última cena
Autor:Leonardo Da Vinci
Tecnica: Temple y óleo sobre yeso
Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia
Importancia:
•Está obra cuesta 450 millones de dólares.
•Fue ejecutada entre 1945 y 1948.
•Su tamaño es de 880 × 460 cm.
•Es una de las obras más aclamada de todos los tiempos, icono del arte universal.
Datos curiosos:
*Da Vinci optó por ilustrar el momento en que Jesús le anuncia a sus seguidores que uno de ellos lo traicionará, poniendo gran parte del enfoque de la pintura en las reacciones de cada una de las figuras.
*En el contexto de la Segunda Guerra Mundial, los aliados bombardearon Milán y una bomba cayó directamente sobre Santa Maria delle Grazie. La iglesia quedó casi completamente destrozada. Cuando los trabajadores retiraron los escombros, para su sorpresa, La Última Cena estaba casi intacta. Esta suerte de milagro, fue posible debido a que, ante la inminencia del bombardeo, muchos se ocuparon de reforzar y proteger con andamios y bolsas de arena esta parte de la iglesia.Gracias a ellos podemos aún ser testigos de una de las obras de belleza atemporal con más aura mistérica y maestría de la historia del arte.

Realizado por: Nayla Nahir Ceres Mercado

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1. "Te libero de mí".

2. Mario Benedetti Farrugia, escritor uruguayo integrante de la generación del 45.

3. En el estilo de Benedetti se puede destacar la intención de usar un lenguaje coloquial para crear una cercanía natural con el lector, la mayoría de los poemas tienen algo que ver con situaciones que vivimos diariamente y con lo que podemos sentirnos fácilmente identificados.

4. El poema se encuentra en el libro "La vida ese paréntesis", el cual fué traducido a varios idiomas por lo tanto se encuentra al rededor del mundo.

5. La importancia de este poema es que su autor utiliza la poesía para expresar la liberación de una relación amorosa, el poema es una reflexión sobre la libertad y la liberación, y como pueden ser dolorosas pero necesarias para seguir adelante.

6. Un dato curioso de Mario Benedetti es que además de ser escritor, trabajó como periodista y traductor.

Santillán Valentina Selene 4to 4ta.

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Titulo: El hijo del hombre
Autor: Rene Magritte
Técnica: Pintura al oleo
Ubicación: Colección privada, en Belgica
Importancia: Son ingeniosas y provocativas
Dato curioso: eludir el pecado original, la tentación, la inmortalidad, Jesucristo, a un simbolo religioso que quizas enraiza con el titulo de la obra

El hijo del hombre, René Magritte, 1964

Una de las obras más famosas del pintor surrealista belga, por la cantidad de veces que ha sido interpretada, versionada y parodiada. Magritte lo pintó como un autorretrato, con su cara escondida tras una manzana verde. Un icono de los sesenta que también ha llegado vivo hasta nuestros días.

Mauro Fernández de león 4°4°

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Titulo: En su idioma natal (Francia) "L'ange déchu" y una traducción a nuestro idioma sería "El ángel caído".
Autor: Alexandre Cabanel
Tecnica: Óleo (120,5 X 196, 5 CM).
Ubicación: Su creación viene de el "Museo Fabre de Montpellier-Francia" pero fue exportada en un museo de Londres, embajador de Francia (Reino Unido).
Importancia:
*Cabanel lo pinto lleno de ira, derrotado, mientras se liberan los últimos golpes de la batalla en los cielos
*Lo interesante para un artista como Cabanel era mostrar lo belleza del ángel caído por medio de un minucioso estudio anatómico (músculos marcados).
*Se da a finales del siglo XVI en el bajo renacimiento.
*Los estilos que usa el artista son el romanticismo, religión y academicismo.
*Se sube en 1847 en Francia.
Datos curiosos:
*La especularidad del color, al modo manierito con esa luz difusa que impregna toda la obra.
*Un día tuvo la desastrosa idea de rebelarse contra su creador al creerse igual que él, y la cosa no acabó nada bien, estos sucesos se representan en dos citas bíblicas
[Isaias 14, 12-14]
"¡Cómo has caído de los cielos, lucero, hijo de la aurora!
¡Has sido abatido a la tierra dominador de naciones!
Tu que dijiste en tu corazón: Al cielo subiré, por encima de las estrellas de dios alzaré mí trono, y me sentaré en el monte de la reunión, y sere como el altísimo"
Y también en el libro de San Juan en apocalipsis (capitulo 12 (7-12)).
*También un gran detalle a resaltar es como en las puntas de las alas de lucifer se notan marcas negras, como pudriéndose antes de caer.
Fuente usada:"El ángel caido - Alexandre Cabanel - Historia Arte (HA!)" https://historia-arte.com/obras/el-angel-caido

Virginia Anabella, Orellana

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1. El título de la obra elegida es "El Grito". Ésta refleja la ansiedad y la angustia del ser humano, y ese era el mensaje que quiso transmitir su autor. Munch en su propio cuadro. Él mismo contó que el cuadro fue un reflejo de un paseo por su ciudad natal, Oslo.
2. Autor: Edvard Munch (12 de diciembre de 1863, Ådalsbruk, Noruega)
3. Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón (91 cm × 74 cm.).
4. Ubicación: La versión original y más famosa, terminada en 1893, se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, Noruega. Otras dos versiones se encuentran en el Museo Munch de la misma ciudad; y una cuarta, recientemente vendida en subasta a un precio récord, pertenece a una colección privada.
5. Importancia: Fue uno de los cuatro cuadros de Edvard. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.  En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial doce semanas más tarde. La única de las cuatro versiones de 'El grito' de Edvard Munch que quedaba en manos privadas se vendió hoy en Nueva York en 119,9 millones de dólares (91 millones de euros)
6. Dato curioso: Munch escribe en su diario hacia 1892:

Paseaba por un sendero con dos amigos; el sol se puso. De repente, el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio: sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad. Sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

Alumna:  Pezzini Yanina

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 La casa amarilla en donde Van Gogh perdió la "cordura".

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• Obra de Arte: “La Casa Amarilla” de Vicent Van Gogh.

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• Obra de Arte: “La Casa Amarilla” de Vicent Van Gogh.

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Título:  “La casa amarilla”. (Het gele huis). 1888.

Nombre: Vicent Van Gogh

Técnica: Óleo en lienzo
Género: Pintura del paisaje
Medidas: 72 cm x 92 cm
Estilo: Postimpresionismo

Ubicación: Se encuentra en el Museo Van Gogh, Ámsterdam,  Países Bajos

Importancia: Es difícil saber el valor económico de las obras de Vicent, pero sabemos que está en un mínimo de 500 y 1.000 millones de dólares cada una si el Museo de Arte Moderno decidiera venderlas. Sabiendo que cada uno de sus cuadros dependen de el tamaño, técnica, año de creación, estado y otros factores.

Dato curioso:
La Casa Amarilla es una obra emblemática de Vincent Van Gogh, pintada en 1888. Durante ese tiempo vivió en Arlés, una pequeña ciudad del sur de Francia. La pintura retrata su propia casa, ubicada en la Place Lamartine. Van Gogh eligió representarla en tonos amarillos brillantes, que simbolizan la calidez y la alegría que encontraba en su hogar. A través de pinceladas enérgicas y expresivas, crea una textura vibrante que resalta la arquitectura de la casa y los detalles de las ventanas y puertas. Esta obra refleja la obsesión de Van Gogh por capturar la luz y el color, así como su conexión emocional con los lugares que habitaba. Está pintura es un testimonio visual de la vida del artista y su búsqueda de belleza en lo cotidiano.

La estancia en esta casa acaba en todos sentidos con él, marcando la peor etapa para su salud mental. Todo empezó al ver que su sueño de crear un estudio o comunidad de artistas en donde convivieran todos juntos (casi fantaseando con una utopía), se ve completamente fallido. Recibiendo burlas, criticas y malos tratos de otros pintores, la realidad era que nadie quería vivir con él, en excepción de Paul Gaugin. Estos pintores tuvieron muchísimos conflictos mientras vivieron juntos en la casa amarilla. Su relación fue tensa y culminó en una pelea en la que Van Gogh se cortó la oreja.

“Van Gogh, de regreso a casa, se había cortado inmediatamente una oreja. Debió de llevarle algún tiempo parar el flujo de la sangre, pues al día siguiente una cantidad de toallas mojadas se encontraban desparramadas en las baldosas de las dos habitaciones de la planta baja. La sangre había manchado las dos habitaciones y la pequeña escalera que conducía a nuestro dormitorio. Cuando estuvo en condiciones de salir, con la cabeza envuelta en una boina que se encasquetó lo más posible, fue directamente a cierta casa donde a falta de una camarada uno puede escoger una amistad. y entregó su oreja al encargado, cuidadosamente lavada y colocada en un sobre.” Paul Gauguin, Diario íntimo (Avant et après), 1903.

Este incidente marcó un momento difícil en la vida del artista y refleja su lucha con problemas de salud mental. A pesar de estos desafíos personales, Van Gogh logró crear obras de arte significativas durante su tiempo en la Casa Amarilla.

Chale, Uma.
4° 4°

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Título: La alegría de vivir («Le bonheur de vivre»)

Autor: Es una obra pintada por Henri Matisse en el año 1906.

Técnica: La técnica empleada es óleo sobre lienzo (176 x 240 cm.)

Ubicación: Se encuentra ubicada en la Fundación Barnes, Philadelphia (Estados Unidos)

Importancia: La obra que se presenta es un gran ejemplo de los principios del fauvismo y se ha tomado como un ícono de esta vanguardia. Esta pintura era la respuesta de Matisse a la hostilidad que se había reunido con su trabajo en el Salón de otoño de 1905, tras su primera exposición donde un crítico de arte los llamó fauves, es decir “salvajes” y desde entonces su movimiento se empezó a denominar fauvismo.
Además "La alegria de vivir" afianzó su arte aún más profundamente en los principios estéticos que habían gobernado sus cuadros fauvistas que causaron furor.

Dato curioso: Este cuadro representa el mito de Arcadia, un país imaginario donde reina la felicidad. Como podemos ver en el lienzo, este ambiente idílico está habitado por pastores que se dedican exclusivamente a hablar, bailar, tocar instrumentos y enamorarse mientras viven en comunión con la naturaleza.
Otro dato curioso es que el fondo central de dicha pieza es un grupo de figuras similar al grupo representado en su pintura "La danza" (segunda versión).

Webgrafía consultada
https://es.m.wikipedia.org/wiki/La_alegr%C3%ADa_de_vivir_(Matisse)
https://historia-arte.com/obras/la-alegria-de-vivir
https://educacion.ufm.edu/henri-matisse-la-alegria-vivir-oleo-tela-1906/

-Cazzulo Evelyn

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Obra de Arte: "Mujer con vestido de baile" de Berthe Morisot.

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Obra de Arte: "Mujer con vestido de baile" de Berthe Morisot.

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Título: Mujer joven con vestido de baile, en el original Jeune femme en toilette de bal.

Autor: Berthe Morisot (1841-1895).

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Ubicación: Conservada en el Museo de Orsay de París.

Importancia: Esta obra de arte es importante porque representa la contribución significativa de Morisot al movimiento impresionista y su enfoque en retratar la vida cotidiana de las mujeres en la sociedad del siglo XIX. También desafió las convenciones de género al retratar a mujeres como sujetos principales en sus pinturas.

Datos curiosos: En esta obra, Morisot se aleja de los cánones del retrato oficial para buscar soluciones nuevas y diferentes, más cercanas a la sensibilidad que se instauraba en aquellos años. La obra, de hecho, retrata a una joven y atractiva dama ataviada con un elegante vestido de baile de textura sedosa. Mientras que los retratos académicos exaltaban o realzaban el estatus social del retratado, Morisot prefiere captar la mirada atenta y curiosa de la debutante, vuelta hacia algo que transcurre más allá del encuadre pictórico, a su derecha. De este modo, la obra se distingue por su vivacidad y su fluida libertad, y la impresión resultante es la de una gran inmediatez, casi como una instantánea fotográfica.

-Kiara Camila Gerez-

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Título: La joven de la perla
Autor: Johannes Vermeer
Técnica: utilizada: óleo sobre tela
Ubicación: Museo "Mauritshuis" de La Haya
La Joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667. Cómo su nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. Su importancia es única, ya que, para nuestra era histórica, la joven de este lienzo representa un ideal de belleza femenina en la flor de la vida (importancia)
Importancia: Esta pintura no posee precio, ya que tras la muerte del coleccionista que la poseia, la obra fue donada al museo donde ha estado colgada desde entonces
Dato Curioso: La joven de la perla no es un retrato, es un tronie, es decir, es un género de pintura propio del barroco flamenco holandés. Se trata de retratos, normalmente de pequeño tamaño y de rasgos más o menos personales, en los que la figura resulta llamativa por una expresión facial exagerada y/o por sus bellas facciones, sombrero, etc.

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Eugène Delacroix, “La Libertad guiando al pueblo”, 1830 (Foto: Wikimedia Commons)

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LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO DE EUGÈNE DELACROIX

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LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO DE EUGÈNE DELACROIX

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Autor: Eugène Delacroix

Tecnica: Óleo

Esta obra relata lo ocurrido en la Revolucion de Julio entre los dias 27 y 29 del año 1830. El cuadro representa a una mujer que conduce a los heroes revolucionarios hacia la victoria portando la bandera tricolor que luego seria la bandera francesa. Puede interpretarse como una defensa de la libertad como principio indivisible de la República y como una glorificación del Pueblo, protagonista de ese cambio histórico.

Ubicacion: se ubica actualmente en el museo de Louvre

Importancia: esta obra esta exhibida en el museo antes mencionado desde el año 1874 por lo cual no posee un calor como tal ya que fue entregada luego del fallecimiento de su creador durante la guerra por la revolucion.

Dato curioso: el cuadro mide 2,6 m x 3,25 m y fue conservado en perfecto estado desde el año 1830

Alumno: Ruiz Torres Facundo

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Título: "La Persistencia de la Memoria"
Autor: Salvador Dalí
Técnica: óleo sobre lienzo
Ubicación: Museo de Arte Moderno de Nueva York
Importancia: Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se halla comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando"
También dijo: "Desde ellos soy aquel que históricamente a sabido resolver la ecuación espacio tiempo, pero todo mi arte traduce la calidad de la angustia más moderna, en cuanto expresión de un delirio que rebasa todos los dinamismos de lo real. El tiempo no se puede concebir sino el espacio".
Dato Curioso: se lo conoce también como "Los relojes blandos" o "Los relojes derretidos".

Anónimo. "La Persistencia de la Memoria". Wikipedia. Recuperado de https://www.google.com/url?sa=t&source=web&rct=j&opi=89978449&url=https://es.m.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria&ved=2ahUKEwj6oon1gOqBAxWAGbkGHWf0AL4QmhN6BAgMEAI&usg=AOvVaw2CxBi6Zh9R-_zu-fdoFWSv
Manuel Gustin

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Título: Los Lirios (Les ires)
Autor: Vincent van Gogh.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Ubicación: J. Paul Getty Museum, Los Ángeles, California, Bandera de Estados Unidos Estados Unidos.
Importancia: Los lirios es un cuadro al óleo sobre lienzo (71 x 93 cm) realizado en mayo de 1889 por Vincent Van Gogh. Es una de las muchas pinturas y grabados de lirios creadas a lo largo de su vida. En 1987 fue vendido por 53.900.000 dólares.
Dato: Estilo Postimpresionismo
Mema, Maximo

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(L'ultima cena)

titulo: La última cena

autor:  Leonardo da Vinci

técnica: Temple y óleo sobre yeso

ubicación: Santa Maria Delle Grazie, Milan, Italia

importancia: declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980. La pintura fue elaborada para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Muchos expertos e historiadores del arte consideran La última cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.

Dato curioso: Hay dos copias originales
Como era habitual en la época, los artistas solían hacer varias copias de sus obras. En el caso de La Última Cena, no es la excepción.
Se sabe de la existencia de dos copias exactas de esta obra, no solo en composición, sino también en tamaño. Una se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres y la otra en la Iglesia de San Ambrosio en la zona de Ponte Capriasca, Suiza.

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Titulo: La Gioconda - "La Mona Lisa"

Autor: Leonardo Da Vinci

Técnica: Pintura al Oleo

Ubicación: Museo del Louvre (desde 1797)

Importancia: La Gioconda ha sido considerada como el cuadro más famoso del mundo. Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista y al espectacular robo del que fue objeto el 21 de agosto de 1911.

Es además la última gran obra de Da Vinci. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento en su residencia del castillo de Clos-Lucé. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado por un importe de 12 000 francos (4000 escudos de oro), aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519.

Tras la muerte del rey la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al palacio de Versalles. Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, lugar donde se trasladó en 1797. En 1800, el entonces primer cónsul Napoleón Bonaparte, ordenó sacar el cuadro del museo y colocarlo en su dormitorio del palacio de las Tullerías hasta que lo devolvió al museo en 1804. Allí se alojó definitivamente, salvo un breve paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el cuadro fue custodiado en el castillo de Amboise y posteriormente en la abadía de Loc-Dieu

Hasta 2005 se ubicó en la Sala Rosa del Louvre, y desde entonces se encuentra en el Salón de los Estados.​ Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del cuadro se conocen gracias al trabajo biográfico del pintor Giorgio Vasari, contemporáneo de Leonardo.

Datos Curiosos:

La pintura fue encargada por un próspero mercader florentino Francesco del Giocondo que quería un retrato de su esposa llamada Lisa Gerhardini.

El retrato está pintado sobre una fina plancha de roble, una clase de madera muy popular entre los pintores de la época en Italia y que Leonardo utilizó en varias ocasiones.

Los reyes franceses Luis XII y Francisco I se convirtieron en fervientes admiradores y generosos mecenas de Leonardo, hasta el punto de que acogieron bajo su protección al artista en la corte gala hasta su muerte, en 1519.

Durante la Revolución Francesa, la obra fue trasladada del palacio de Versalles al Louvre y en 1800, el entonces primer cónsul, Napoleón Bonaparte, mandó descolgarla del museo para llevarla a sus habitaciones privadas.

En Agosto de 1911 la Mona Lisa fue la protagonista del robo mas famoso de la historia del arte, la policía francesa investigo sobre el robo y finalmente el ladrón resultó ser un pobre desgraciado sin glamour, Pablo Picasso. Pero el robo convirtió a la Gioconda en un icono popular. La gente hacía cola para ver el vacío que había dejado en la pared y la pintura se reprodujo de forma masiva en la prensa y postales, convirtiéndose desde entonces en un auténtico icono popular.

Alumno: Garcia Escobar Marcos

Curso: 4to 4ta