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Happening no Brasil

O termo happening foi criado no fim dos anos 1950 pelo americano Allan Kaprow, para designar um recurso do artista, que combina artes visuais e um teatro sui generis, sem texto nem representação. No Brasil, Flávio de Carvalho é o pioneiro da performance – quando em meados dos anos 1950 saiu pela centro de São Paulo trajando saias – em nome de uma nova moda masculina. O Grupo Rex, criado em São Paulo por Wesley Duke Lee, Nelson Leirner, Carlos Fajardo, José Resende, Frederico Nasser, entre outros, também realizou uma série de happenings, como o concebido por Wesley Duke Lee, em 1963, no João Sebastião Bar. O “Grande Espetáculo das Artes”, como é chamado o evento, tem origem na irritação do artista por não conseguir expor a série “Ligas”, considerada excessivamente erótica. O happening tem como eixo uma atitude de rechaço à crítica e às galerias de arte.

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Grupo Rex

Apesar de sua breve existência (de junho de 1966 a maio de 1967), o Grupo Rex teve intensa atuação na cidade de São Paulo. Uma atuação marcada pela irreverência, pelo humor e pela crítica ao sistema de arte. Os mentores da cooperativa, Wesley Duke Lee (1931-2010), Geraldo de Barros (1923-1998) e Nelson Leirner (1932) projetaram um local de exposições, a Rex Gallery & Sons, além de um periódico, o Rex Time, que deveriam funcionar como espaços alternativos às galerias, museus e publicações existentes.

Exposições, palestras, happenings, projeções de filmes e edições de monografias são algumas das atividades do grupo, do qual participaram também José Resende (1945), Carlos Fajardo (1941) e Frederico Nasser (1945), alunos de Wesley. Instruir e divertir são os lemas do Grupo Rex e de seu jornal. A proposta era de interferir no debate artístico da época, em tom irônico e desabusado, por meio de atuações anticonvencionais. “AVISO: é a guerra”, anunciava o primeiro número do Jornal Rex. Guerra ao mercado de arte, à crítica dominante nos jornais, aos museus, às bienais e ao próprio objeto artístico, reduzido, segundo eles, à condição de mercadoria. Recuperar o espírito crítico e o caráter de intervenção da arte, pela superação dos gêneros tradicionais e pela íntima articulação entre arte e vida, eis os princípios centrais do grupo.

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A performance é uma modalidade artística híbrida, isto é, que pode mesclar diversas linguagens como teatro, música e artes visuais.

Está relacionada também ao happening e, muitas vezes, os termos são descritos como sendo a mesma coisa.

Alguns estudiosos dizem que há uma pequena diferença entre os dois tipos de manifestação artística.
A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente utiliza seu corpo como suporte enquanto os espectadores observam; já no happening o público costuma participar também da ação.

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No universo das artes, esse tipo de fazer artístico surge a partir da segunda metade do século XX, em decorrência de desdobramentos da pop art e da arte conceitual nos anos 60 e 70.

Isso porque a arte contemporânea desponta como uma nova maneira de produzir e apreciar a arte.

Contudo, pode-se dizer que a performance tem relações com movimentos modernistas mais antigos, como o dadaísmo e a Escola de Bauhaus.

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Grafite e pichação, apesar de parecerem a mesma coisa, são diferentes.

Na pichação são escritas frases ou somente palavras, por grupos que deixam a sua assinatura no local. É considerada um ato de vandalismo, pois na grande maioria das vezes é feita em áreas particulares, sem a permissão do proprietário. Geralmente as pichações possuem conotação política ou social.

No grafite a arte é representada por desenhos mais elaborados, que exigem uma técnica maior. Por conta da sua estética, são melhores vistos pela sociedade. Atualmente, o grafite é até considerado como um ramo das artes visuais. Ao contrário das pichações, os grafites são até encomendados pelos proprietários para compor os seus estabelecimentos.

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Linguagem híbrida: mistura elementos do teatro, artes visuais, instalação, música, entre outros;

Não tem lugar "apropriado" para acontecer: pode ocorrer tanto em museus, galerias e instituições, quanto em ambiente urbano e/ou público;

Registros da ação podem ocorrer por meio de fotografias e vídeos, mas o caráter da obra é efêmero, passageiro;

Corpo como instrumento de ação artística.

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Pode-se escutar diversas palavras diferentes no meio do grafite. A maioria delas é influenciada pela cultura norte-americana. Veja só:

- Tag: assinatura que o grafiteiro faz na obra;

- Toy: é um iniciante no grafite;

- Spot: local onde é feito o grafite;

- Bite: é quando um grafiteiro imita o estilo de outro;

- Crew: grupo de grafiteiros que pode fazer as suas obras tanto em conjunto como individualmente.

- Bomb: é o nome que eles dão ao grafite que é feito às pressas durante a noite, pois são proibidos.

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Gazing Ball- Arnau

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Escultura do Jeff Koons

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O que é a arte happening

O termo happening é criado no fim dos anos 1950 pelo americano Allan Kaprow (1927-2006) para designar uma forma de arte que combina artes visuais e um teatro sui generis, sem texto nem representação. ... Seu modelo primeiro são as rotinas e, com isso, ele borra deliberadamente as fronteiras entre arte e vida.

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Características happening

Happening (do inglês, acontecimento) é uma forma de expressão das artes visuais que, de certa maneira, apresenta características das artes cênicas. Neste tipo de obra, quase sempre planejada, incorpora-se algum elemento de espontaniedade ou improvisação, que nunca se repete da mesma maneira a cada nova apresentação.

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KUMAN- Eternity

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Qual a base do happening?

A base do happening é a ação, nunca passível de reprodução, o modelo é a rotina, temas do dia a dia, materiais de encenação, ações e associações de mensagens. Abrange diferentes modalidades artísticas como a pintura, a dança, o teatro e a música.

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Principais artistas

Allan Kaprow
Wolf Vostell
Carolee Schneemann
Lubo Kristek
Yeni and Nan

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A escultura contemporânea integra-se com o ambiente e com o público, adotando uma participação mais ativa. Os materiais, atualmente são infinitos em possibilidades, tornando essa linguagem um território de extensa experimentação e novidade.

A escultura contemporânea é um rico espaço para discussão e reflexões sobre a arte e os espaços em que ela se insere. Nesse contexto, artistas podem se valer dos mais diversos materiais e situações para a confecção de suas obras.

Jeff Koons (Pensilvânia, 1955) – o artista usa a estética do kitsch em suas obras, brincando com situações de escala e com questões de gosto. Jeff usa ícones pop da atualidade e elementos cotidianos para elaborar suas obras, em uma reconstrução da Pop Art atualizada para o cenário contemporâneo. Michael Jackson, personagens de HQs, Lady Gaga e a figura do próprio artista também já foram material de inspiração para suas obras.

Anish Kapoor (Bombaim, 1954) – o trabalho desse artista se concentra em explorar as possibilidades de desconstrução do espaço por meio de uma escultura ou instalação. Kapoor cria esculturas que alteram a realidade a sua volta: por meio de sua materialidade ou pela falsa impressão dela. Suas esculturas, em geral, são abstratas e usam muitos materiais reflexivos pensados para interagir com o mundo. As obras de Kapoor possuem simbologias carregadas de espiritualidade e da dualidade do físico e do metafísico.

Ai Weiwei (Pequim, 1954) – além de artista, Ai Weiwei é um forte ativista chinês. Suas obras discutem a contemporaneidade e se posicionam de maneira extremamente crítica aos padrões sociais e às regras normativas, especialmente as espalhadas pelo território restritivo da China. Suas obras discutem história e padrões sociais, como suas grandes instalações feitas de bicicletas ou suas inserções em objetos históricos chineses.

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Nos anos 60, frutificou entre os escultores uma tendência irônica derivada da arte Pop norte-americana, e outra que resgatava aspectos do expressionismo na dita Nova Figuração, refletindo o clima tenso criado pelo regime militar imposto em 1964. Entre estes anos e o início da década de 1980 o Brasil viu ainda aparecerem obras conceituais, minimalistas, poveras, land art, instalações, montagens, móbiles e obras que recuperavam elementos da arte popular. Tantas tendências operando num mesmo momento acabaram por se entrecruzar, formando uma variedade inextrincável de subtipos e gêneros mistos de arte que em maior ou menor grau fundiam, transformavam e aplicavam princípios, técnicas, materiais e recursos conceituais da escultura. Talvez os representantes mais notórios dessa fase híbrida, iconoclasta e sincrética, incorporando vários procedimentos e materiais, sejam Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape, cuja produção tridimensional transita entre o objeto, a escultura, a instalação, a construção, o penetrável, o manipulável e o vestível.

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• Keith Haring (EUA)
Artista e ativista americano que nasceu em 1958 na Pensilvânia. Com extensa produção na década de 80, contribuiu muito para o movimento do grafite.

Declaradamente homossexual, Haring contrai AIDS e faleceu em 1990, com 31 anos.

• Banksy (Inglaterra)
Banksy é um artista de rua e ativista político que nasceu na Inglaterra em 1974.

Seus trabalhos são geralmente produzidos com a técnica do stencil (molde vazado) e encontrados na cidade de Bristol, Londres e em várias outras partes do mundo.

A identidade de Banksy é obscura, mas especula-se que seja o músico Robert Del Naja.

• Os Gêmeos (Brasil)
Os irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo são conhecidos como "Os Gêmeos". Nasceram em São Paulo no ano 1974 e começaram a pintar em 1987.

São muito reconhecidos no país e também internacionalmente, tendo trabalhos nos Estados Unidos, Inglaterra, Alemanha, Grécia, Cuba, entre outros lugares.

• Eduardo Kobra (Brasil)
Eduardo Kobra é um artista paulistano que nasceu em 1975. No começo da carreira foi pichador, depois grafiteiro e hoje considera-se pintor muralista. Desenvolve trabalhos de grandes dimensões.

Sua obra Povos Nativos dos 5 Continentes, no Rio de Janeiro foi eleita o maior grafite do mundo, com 15 metros de altura e 170 metros de largura.

• Negahamburguer (Brasil)
A paulistana Evelyn Queiróz denuncia as diversas opressões vividas pelas mulheres por meio do grafite e outros tipos de arte.

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Gabriel e Nicolas

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No Brasil, já na década de 50 a arte da performance dava sinais. Isso por conta de Flávio de Carvalho (1899-1973), precursor do movimento e integrante do modernismo brasileiro.

Mais tarde, com o Grupo Rex (1966-1967), os artistas Wesley Duke Lee (1931-2010), Geraldo de Barros (1923-1998) e Nelson Leirner (1932) realizam diversas ações artísticas, dentre elas, performances.

Há ainda outros nomes no Brasil, como Carlos Fajardo (1941), José Resende (1945), Frederico Nasser (1945), além de Hélio Oiticica (1937-1980).

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Grafite no Brasil

A história do grafite no Brasil surgiu na década de 70, precisamente na cidade de São Paulo. ELA NASCE numa época conturbada da história do Brasil, em que a população era silenciada pela censura com a ditadura militar no poder.

Paralelamente ao movimento que despontava em Nova Iorque, o grafite surge no cenário nacional como uma arte transgressora. A linguagem da rua não 🤬 licença e grita nas paredes da cidade os incômodos de uma geração.

A partir de então, a arte de grafitar se transforma em um importante veículo de comunicação urbana e colabora para a existência de outras vozes. Outros sujeitos históricos e ativos passam a ter a chance de participar artística e politicamente da cidade.

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São Paulo, 1986 - 1999

Em São Paulo o hip-hop surgiu em 1986, quando os jovens começaram a receber informações do movimento que estava acontecendo em Nova York. Nas ruas de São Paulo, grupos de periferia começaram a se reunir na Galeria 24 de Maio e na estação São Bento do metrô para escutar as música vindas do Bronxs, acompanhados de novos passos de dança. Os primeiros frequentadores do local foram os dançarinos de break, e um dos grandes precursores do estilo foi Nelson Gonçalves Campos Filho, o Nelson Triunfo, que ficou conhecido como um dos principais dançarinos do país. Outra grande grande influência para o desenvolvimento da cultura no Brasil foi a estreia do filme Beat Street .

Numa era pré-internet onde as informações demoravam para chegar, o filme acabou sendo um divisor de águas. A partir dele, muitos jovens conheceram a cultura urbana e a febre do break cresceu em São Paulo. O rapper Rappin Hood, um dos curadores do Red Bull Music Pulso 2019, estava lá desde o início, vivendo todo esse momento de ascensão da cultura. Em 1984, o grupo norte-americano Public Enemy veio ao Brasil para fazer seu primeiro show em São Paulo.

Através dele, um grande número de pessoas foi impactado por aquela cultura recém chegada. « Sua militância foi uma afirmação muito grande na época. No Brasil, quem fez isso por mim foram os discos de Thaíde, DJ Hum e Racionais», conta Rappin Hood. No Brasil, o primeiro álbum exclusivo de rap foi a coletânea «Hip-Hop Cultura de Rua», lançada em 1988.

Formado por Mano Brown, Edi Rock, Ice Blue e KL Jay, o grupo apresentou um rap voltado para a desigualdade na periferia e as injustiças sociais. O hip-hop espalhou-se por todos os cantos da cidade, e diversos grupos de jovens começaram a se reunir de final de semana para escutar aquele som que tanto se identificavam, dando início aos bailes black, como o famoso Chic Show, que ditou inúmeras tendências musicais desde a sua criação. Natanael Valêncio foi o primeiro DJ a colocar no ar um programa 100% dedicado ao rap em São Paulo, o Movimento de Rua, na Rádio Imprensa. «O Natanael foi um grande mentor na minha vida. »

Artistas como Pavilhão 9, Detentos do Rap, Câmbio Negro, Xis & Dentinho e MV Bill começam a surgir na cena. Facção Central destaca-se como principal nome do gangsta rap brasileiro, lançando o clássico «Juventude de Atitude», em 1995, retratando a violência, crime, pobreza e repressão policial nas favelas de São Paulo. Em 1993 os Racionais MCs lançam seu primeiro álbum, «Raio X do Brasil». O sucesso foi tanto que o levou o grupo para abrir show do Public Enemy, em São Paulo.

De lá pra cá muita coisa mudou, mas nos dias de hoje o rap está incorporado no cenário musical brasileiro, venceu os preconceitos e saiu da periferia para ganhar o grande público. « Muitos se sacrificaram para que o rap pudesse ter esse respeito, para ser o que ele é hoje», completa Rappin Hood.

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O que é Hip Hop
Hip Hop é uma cultura popular que surgiu entre as comunidades afro-americanas do subúrbio de Nova York na década de 1970. A música é a principal manifestação artística do hip hop, que também tem na dança e no grafite forte representação.

Dos Estados Unidos, a cultura hip hop se espalhou pelo mundo. No Brasil, a cidade de São Paulo é aquela com maior número de adeptos e com uma relevante produção artística.

O que significa
Embora existam algumas traduções da expressão hip hop como balançar dos quadris, neste caso o vocábulo hip em inglês tem a conotação de "o que está na moda, acontecendo neste momento", e hop seria um movimento de dança.

Como surgiu
Com a sua origem nas periferias de Nova York, o hip hop americano acabou se tornando a expressão mais famosa em termos musicais.
O Hip Hop enquanto cultura urbana surgiu na periferia de Nova York, entre as comunidades caribenhas, afro-americanas e latino-americanas na década de 1970. O contexto social era de violência e criminalidade nesses bairros, e a única forma de lazer possível para os jovens era nas ruas. Eles encontraram na música, poesia, dança e na pintura uma forma de manifestação de sua realidade e contestação.
Um marco na história do hip hop é o dia 12 de novembro de 1973, dia da fundação da ONG Zulu Nation que promovia a cultura hip hop como forma de manter os jovens longe do crime e da violência.

Aos poucos a poesia na música, representada pelo rap, ganhou o espaço nas discotecas, que até então não cansavam de tocar os hits da era disco. As duplas de DJs e MCs ganhavam destaque e travavam competições entre si, as batalhas de rap, feitas só pela manifestação cultural e sem conotação de violência. O grafite nos muros era a expressão da pintura na cultura hip hop, e o break era a dança que saía das ruas para as festas em toda a cidade.

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(Ryan e Samily)
Conceito:
Grafite é um tipo de manifestação artística surgida em Nova York, nos Estados Unidos, na década de 1970. Consiste em um movimento organizado nas artes plásticas, em que o artista cria uma linguagem intencional para interferir na cidade, aproveitando os espaços públicos da mesma para a crítica social.

No Brasil, o grafite chegou ao final dos anos de 1970, em São Paulo. Hoje o estilo desenvolvido pelos brasileiros é reconhecido entre os melhores do mundo.

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O movimento apareceu quando um grupo de jovens começou a fazer desenhos nas paredes da cidade, ao invés de apenas escrever. É considerado por muitos como um ato de vandalismo, por sujar as paredes. Nesse caso são chamados de pichação, vistas apenas como diversão para provocar as pessoas.

As primeiras expressões apareceram nos muros de Paris em maio de 1968, com a revolução contracultural. O grafite está ligado a movimentos como o hip hop.

A tinta mais usada pelos grafiteiros é o spray em lata. O látex é aplicado sobre máscaras vazadas, para demarcar a região a ser pintada.

Os tipos de grafite

O grafite costuma ser dividido em dois grupos:

• spray art, promovida com o uso de spray, em geral de modo rápido, utilizando formas ou palavras simples e breves;

• stencil art, feita a partir de um cartão com formas recortadas que são colocadas no local desejado e recebem o spray de tinta. A tinta passa pelos orifícios do desenho, que é retirado posteriormente.

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Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela reprodução de temas relacionados ao consumo, publicidade e estilo de vida americano (american way of life).

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Aproximação da arte com a vida cotidiana;

Utilização de cores intensas e vibrantes;

Reproduções de peças publicitárias;

Inspiração na cultura de massa;

Uso da serigrafia;

Imitação da estética industrial;

Reproduções em série do mesmo tema;

Uso da imagem de celebridades;

Inspiração no universo das histórias em quadrinhos.

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Os artistas dessa corrente trabalhavam com cores vivas, inusitadas e massificadas pela publicidade. Eles elegiam as imagens pictóricas e os símbolos de natureza popular.

Esses símbolos eram ironizados de modo a constituir uma crítica subjetiva ao excesso de consumo da sociedade capitalista. Isso porque o capitalismo é incentivado de forma abundante pela dimensão publicitária, cinematográfica, etc.

Entretanto, de certa forma, a pop arte alimentava-se e confundia-se com essa indústria cultural.

Apesar de diferirem pelo mundo afora, os artistas, de modo geral, mantinham as mesmas temáticas, os desenhos simplificados e as cores saturadas.

A Pop Art buscava evidenciar a crise da arte do século XX por meio de um retorno à arte figurativa. Fazia um bom contraponto ao expressionismo abstrato  e ao hermetismo da arte moderna.

Ela recusa-se à separação entre arte e vida. Daí a arte pop ser capaz de se conectar ao seu público a partir de signos e símbolos extraídos do imaginário da cultura de massa e da vida cotidiana.

Este feito foi levado a cabo quando estes artistas utilizaram na arte a linguagem do design comercial. Com isso, diluíram as diferenças que separavam arte erudita da arte popular.

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Andy Warhol, 1928-1987, Pittsburgh (Estados Unidos)

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Andy Warhol, 1928-1987, Pittsburgh (Estados Unidos)

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Andrew Warhola, mais conhecido como Andy Warhol, foi um importante artista plástico e cineasta norte-americano. É um dos maiores representantes da pop art, além de pintor, ganhou grande destaque no cinema de vanguarda e na literatura.

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No Brasil, a Pop Art surgiu em outro contexto histórico. Aqui, estava em curso a ditadura militar e os artistas utilizaram a estética pop para se comunicar com as massas e, assim transmitir críticas ao sistema.

Os principais nomes da pop art brasileira são:

Antonio Dias (1944)

Rubens Gerchman (1942-2008)

Claudio Tozzi (1944)

O artista contemporâneo Romero Britto utiliza hoje em dia a estética da pop art para produzir suas obras. Entretanto, ele não possui caráter crítico.

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Hoje vocês farão uma pesquisa sobre arte contemporânea!!!
Façam a pesquisa em dupla e adicionem o resultado aqui.
Em cada ficha, haverá um tema, onde cada grupo vai pesquisar.
Bora lá???