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Aquí podrían incluir un hipervínculo al padlet 2 con grotesco

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EN TODO CASO "DEL REALISMO AL EXPRESIONISMO"

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El simbolismo anticipa la concepción surrealista del sueño como revelación de la realidad profunda del ser, de la existencia consciente

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Componía sus cuadros a la manera de poemas sinfónicos, recargando con significativos accesorios en los que recoge el eco de un tema principal, hasta que el tema destile la última gota de su savia.

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ARTISTICAS:  Botticelli fue especialmente admirado en Inglaterra, aunque muchos de los símbolos utilizados no eran comprendidos. Mantegna influencio artistas simbolistas franceses e ingleses por su tendencia a dar sentido al menor detalle
FILOSOFICAS:

-filosofía neoplatónica: Hegel y Schopenhauer

-muchos simbolistas cultivaron el ocultismo, el hermetismo, decadentismo.

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Gustave Moreau, Salomé dansant devant Hérode, 1876
Las mujeres en Gustave Moreau son seres atractivos y destructores, seres que no seria sensato ofender.
Como gran parte de su imaginería parecen participar de los grandes temores masculinos.

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Figura central del movimiento el poeta Stéphane Mallarmé.
Con sus procedimientos poéticos puso los cimientos de las actitudes modernas hacia las artes.
Ambigüedad deliberada, hermetismo, símbolo como catalizador., arte como medio, síntesis.

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Dante Rosetti, Bocaa Baciata, 1859
El artista comienza a trabajar en temas gemelos, sobre todo de mujeres y flores. Estas obras encierran una concepción de la mujer, que va ser muy familiar a los poetas y pintores simbolistas franceses en la siguiente década, la femme fatale.

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Bocca Baciata (1859) is a painting by Dante Gabriel Rossetti which represents a turning point in his career. It was the first of his pictures of single female figures, and established the style that was later to become a signature of his work. The model was Fanny Cornforth, the principal inspiration…

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Miembros destacados: John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt.
Influencia extranjera, nazarenos alemanes y William Blake
-Sus obras tienen carácter simbólico, cada obra intenta resumir un área de experiencia y de sentimiento de una forma característicamente comprimida y alusiva meticulosa técnica, economía en el uso de la imaginería.

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En el sentido histórico, podemos entender al simbolismo como parte de un todo de mayor alcance, el Movimiento Romántico. Cuanto más de cerca examinamos el arte romántico, mas importancia cobra el componente simbólico.

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Las imágenes de lo más profundo del ser humano no se encuentran con aquellas que proceden del exterior: la pintura como una pantalla diáfana a través de la que produce una misteriosa osmosis que establece la continuidad entre el mundo objetivo y el subjetivo.

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Influye en la pintura, arquitectura, en la decoración y en la moda. Porque cada cosa natural o artificial puede asumir para nosotros un significado simbólico, desaparecen los límites de la morfología y la simbología del arte.

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Se configura como una superación de la pura visualidad impresionista, pero en un sentido espiritualista.
El arte no representa sino que revela a través de signos una realidad que está más acá o más allá de la conciencia.

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El Art Nouveau se difunde por revistas de arte y de moda, y por el aparato publicitario comercial y del espectáculo.

El estilo, profundamente ornamental, consiste en la adición de elementos hedonísticos a objetos útiles. Tiende incluso a conformar el objeto como ornamento. La funcionalidad se identifica con la belleza.
Construye una imagen de mundo se omite la problemática social que conlleva el desarrollo industrial.
El Art Nouveau no se preocupará por revalorizar el trabajo de los obreros, sino que explotará el trabajo de los artistas en el marco de la economía capitalista. Se desarrolla como un arte de élite, casi cortesano.

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Las principales características del Art Nouveau son:
- Temática naturalista
- Motivos icónicos, estilísticos y tipológicos derivados del arte japonés.
- Morfología: arabescos lineales y cromáticos.
- Colores fríos, suaves y transaprentes.
- Rechazo a la proporción y el equilibrio simétrico, búsqueda de ritmos musicales.

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Es un estilo que se desarrolla en todos los países de Europa y América que han alcanzado cierto grado de desarrollo industrial. Establece un régimen cultural y de costumbres, prácticamente uniforme, moderno y cosmopolita. Es un fenómeno típicamente urbano, que afecta a todas las disciplinas de los usos y costumbres sociales.
Se difunde como una moda, que asume gran importancia en la sociedad industrial, incluso económicamente. Representa el gusto de la burguesía moderna.

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Los nabis retoman el sintetismo impresionista-simbolista de Gauguin, quien será su guía ideal junto a Toulouse-Lautrec. El grupo, conformado por Sérusier, Bonnard, Denis, Vuillard, Roussel, entre otros, se crea en 1888. Su programa es una síntesis entre la deformación objetiva impresionista y la deformación subjetiva simbolista.
El movimiento es heterogéneo y tiene un carácter intelectual-mundano, que no plantea vueltas al arcaísmo y sostiene una admiración por la civilización gráfica de Japón.

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Hacia fines del siglo XIX y principios del XX se desarrollan una serie de corrientes artísticas, denominadas genéricamente como modernismos. Su búsqueda será la interpretación y el acompañamiento del progresivo esfuerzo económico-tecnológico de la civilización industrial.
Se proponen hacer arte conforme al propio tiempo, renunciando a los modelos clásicos. Además, buscan reducir la distancia entre las artes mayores y aplicadas. Pretenden una funcionalidad decorativa, y alcanzar un estilo internacional y europeo.

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La situación de Austria se desarrolla dentro de la órbita cultural alemana, pero con un tiempo histórico más lento.
Aquí Egon Schiele desarrolla la melancolía de Klimt en un sentido expresionista, con desesperada violencia. Indaga en las profundidades de la pisquis, sobre la muerte, en la raíz del ser sexual.

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Se considera extraño y superior a la historia.
Excluye y asume una posición hermética y supedita la comunicación al conocimiento de un código (para unos poco).

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Busca incidir sobre la situación histórica. Plantea el problema de la relación concreta con la sociedad y el de la comunicación.

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Es una auténtica comunidad de artistas, con un programa escrito.
En este movimiento se mezclan reflejos del impresionismo francés, con el simbolismo y pre-expresionismo de la Secesión monegasca.
Considera al romanticismo como condición profunda existencial del ser humano. Nace en el marco de la teoría del arte elaborada por la cultura alemana durante el siglo XIX. El impresionismo cumple el rol de una investigación sobre el valor de la experiencia visual, como primer momento de la relación sujeto-objeto, y como fundamento fenoménico de la conciencia.
Sus representantes son Kirchner, Heckel, Nolde, Schimdt, Rottluff, Müller, Barlach.

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Este grupo no es homogéneo, ni tiene un programa definido, más que la oposición al decorativismo hedonista del Art Nouveau, y a la inconsistencia formal y evasión espiritualista del simbolismo.
Su principal búsqueda es la función plástico-constructiva del color como elemento estructural de la visión. Se preguntan por la estructura autónoma del cuadro, autosuficiente como realidad en sí misma. Apuntan a una continuidad entre lo interior y lo exterior: el impulso vital o la evolución creativa.
La corriente nace porque aparecen iniciativas nórdicas profundamente románticas en el contexto francés, caracterizado por un interés por la orientación clásica del impresionismo.
Sus representantes son Matisse, Marquet, Van Dongen, Dufy, Ferain, Friesz, Braque, Vlaminck.

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Ambos movimientos cuentan con la influencia de pensadores como Bergson y Nietzsche.
Bergson propone que la conciencia es la vida, una comunicación entre el objeto y el sujeto.
Para Nietzsche también la conciencia es la existencia, pero como voluntad de existir frente a la rigidez de los esquemas lógicos.

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El expresionismo busca pasar a un internacionalismo concreto, basado en la superación dialéctica de las contradicciones históricas. Se busca un arte históricamente europeo.

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Argan reconoce dos focos en Europa en el desarrollo del Expresionismo: el movimiento francés de los fauves y el alemán de Die Brücke. Estos grupos van a actualizar la dialéctica entre lo clásico y lo romántico.

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La expresión es concebida como un movimiento inverso a la impresión.
La impresión implica un movimiento del exterior al interior, en el que la realidad se imprime en la conciencia. Supone una actitud sensitiva en relación con la realidad
La expresión es un movimiento del interior al exterior, en el que el sujeto se imprime a sí mismo en el objeto. Implica una actitud volitiva.

El expresionismo, al igual que el impresionismo, será un movimiento realista que exige al artista un compromiso total con la realidad. Propone un arte comprometido, que incide profundamente sobre la situación histórica.

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Dentro del Impresionismo se generan tendencias anti-impresionistas, que toman conciencia y superan el carácter esencialmente sensorial.
Empiezan a aparecer indicios a finales del siglo XIX en Toulouse-Lautrec, Gauguin, Van Gogh, Munch y Ensor

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La semilla de Areoi, 1892, Paul Gauguin.

En La semilla de Areoi se evidencia su construcción de un sistema completo de significación. En él, el dibujo se limita a sugerir las dos dimensiones, y el color incide como la tercera dimensión. Añade forma y composición, relieve, distancias, y significación. Sumando al color un factor simbólico, Gauguin comienza a acercarse al simbolismo.

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Llama "sintetismo" a su propio estilo.
Explota las posibilidades simbólicas del color, a través de un uso puramente imaginativo y decorativo.
En 1891 Gauguin parte hacia Tahití, buscando lo primitivo, lo puro, y rechazando la prisión del progreso urbano moderno.

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Montaña de Sainte-Victoire vista desde Les Lauves, 1904-1906, Paul Cézanne.

En esta otra vista de la montaña de Sainte-Victoire, se hace claro el trabajo de Cézanne con el color. A través de las armonías de colores, construye el espacio pictórico. El color toma protagonismo y es el organizador que rige el resto del conjunto

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Busca traducir las sensaciones a estructuras arquitecturales de forma y color.
Su paleta es cromática, trabaja las luces y sombras a través de la modulación. Influido por los nuevos conocimientos sobre teoría del color, se preocupa por los complementarios, y los utiliza en términos de relaciones de color.

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Hacia 1780, estos artistas destruyeron definitivamente la posibilidad de una representación plástica del espacio conforme a la tradición.

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Cézanne trabaja con la sensación, hace referencia a una experiencia que involucra tanto la percepción como su efecto subjetivo. Implica una cara que mira al sujeto y una al objeto, indisolublemente.

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Montaña de Sainte-Victoire y chatetau noir, 1904-1906, Paul Cézanne.

Cézanne crea un espacio propio, en el que poder proyectar las ideas de una época signada por las revoluciones. Más que las distancias geométricas cambian las distancias psíquicas, se fija una nueva escala de relaciones entre las cosas y el espíritu.

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Francastel plantea que Cézanne, junto a Van Gogh y Gauguin, son los responsables de una superación del Impresionismo que finalmente significó la ruptura del espacio plástico tradicional.
Cézanne renuncia a llevar al cubo escenográfico el conjunto de sus composiciones. Transfiere la noción de la estructura plástica del ámbito del conjunto al del detalle.

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George Seurat ,El Sena y la Grande Jatte en primavera ,1888

Consiste en la división de tonos en sus distintos componentes, en muchas pequeñas manchas de colores puros combinados entre si para recomponer en el ojo del observador la unidad del tono

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La virgen, 1894-95:

El contenido de terror se cruza con actitudes polémicas. Esta Madonna rechaza la figura femenina de la iconografía católica. En su lugar, encontramos una “mujer perdida, de una belleza depravada por el exceso sexual, enmarcada por una decoración compuesta, no de flores, sino de espermatozoides serpenteantes” describe Mario de Micheli.

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El grito, 1893, Munch.

Mario de Micheli: “La deformación de la figura ha alcanzado un límite desconocido en aquella época. El hombre en primer plano, con la boca abierta en el grito y las manos en los oídos para no escuchar su propio alarido incontenible, que es también de la naturaleza, queda reducido a una mísera apariencia ondulante en un paisaje de delirio. Aquí también todo se apoya en la expresión: diseño, color, composición.”

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Toman las investigaciones de Chevrel, Rood, Sutton sobre las leyes ópticas de la visión y sobre los contrastes simultáneos.

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Llega a París desde Noruega en 1885. Formado en el realismo naturalista, sostiene una posición crítica, siguiendo a Ibsen.
Rechaza la moral convencional, los prejuicios burgueses y la sociedad en que se apoyan.
Busca arrancar los últimos jirones de las viejas banderas y revelar toda la verdad, así inspire horror y desorientación.

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“La razón es enemiga del arte. Los artistas dominados por ella pierden todo sentimiento, el instinto potente se debilita, la inspiración se vuelve pobre, el corazón carece de impulso. (...) He condenado los procedimientos áridos y repugnantes de los puntillistas, ya muertos para la luz y el arte. Ellos aplican fríamente y sin sentimiento sus punticos entre líneas frías y correctas, considerando solamente uno de los aspectos de la luz, su vibración, sin llegar a representar su forma"

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1. Que el análisis de la visión se lleve a cabo en el procedimiento técnico.
2. Que descomponiendo la sensación visual, se reconozca que no se trata de una simple impresión, sino que se trata de una estructura y que se desarrolla a partir de un proceso.
3. Que el cuadro sea construido con la materia color y que tenga un carácter funcional.
4. Que el cuadro sea considerado como un campo de fuerzas interactivas que construyen/conforman la imagen.

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Entrada de Cristo en Bruselas, 1888, Ensor.

Se destacan sus aguafuertes, caracterizados por un sarcasmo moralista.

En esta pintura se evidencia su búsqueda, sometida al impulso creador. Ensor necesita trasladar rápidamente sobre la tela sus humores interiores, y a esta urgencia responde la composición. La expresión determina la forma y el color.

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De origen belga, procedente de la misma experiencia realista que Van Gogh, reconoce fácilmente los fenómenos del cuerpo social. Así advierte la crisis en la unidad espiritual de fines del siglo XIX.

Partiendo del socialismo utópico o humanitario, será de los primeros artistas en alcanzar las posiciones de la anarquía intelectual.

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Terraza de café por la noche, 1888, Van Gogh.

Explota el conocimiento sobre los colores complementarios, para alcanzar un contraste absolutamente expresivo.

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Comedores de papas, 1885, Van Gogh.

"He querido dar concienzudamente la idea de esta gente que, bajo la lámpara, come sus papas con las mismas manos con que ha trabajado la tierra. Mi cuadro exalta el trabajo manual y los alimentos que ellos, por sí mismos, se han ganado honradamente"

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Con la llegada de Van Gogh a París en 1886, se quiebra la unidad de los impresionistas.

Los artistas ya no están insertos en la sociedad. Son opuestos y rechazados por ella.

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Idea de instituir una ciencia de la pintura, la pintura como una ciencia en si misma. Por su carácter técnico científico, intenta rescatar a la pintura de la condición de inferioridad y de inactualidad a la que la relegaba el desarrollo contemporáneo de las tecnologías científicas de la industria y en espacial de la fotografía.

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"El color expresa algo por sí mismo".
Construye una teoría absolutamente personal y subjetiva del color. El color tiene el valor de una metáfora violenta.
El uso psicológico del color será una de las claves del subjetivismo moderno.

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El arte es el hombre agregado a la naturaleza.
Reduce la distancia entre hombre y naturaleza, da al arte un carácter existencial.
Su interés nace en el mundo de los obreros, del trabajo.
Admira de Millet su capacidad de recargar la expresión, y de Courbet su trabajo con el color.
Se preocupa por extraer la verdad de la naturaleza y darle expresión: encontrar su significado más verdadero.

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Extienden la pincelada impresionista recortada a planos de color plenos.
Conciben un espacio sentimental.
Comienzan a utilizar el color para dar cuenta de una emoción sentida frente al mundo.
El fin del siglo XIX se caracteriza por una profunda crisis en la unidad espiritual.

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Lydia tejiendo en el jardín, 1880, Mary Cassatt.

Mary Cassatt también es objeto del análisis de Pollock. En este óleo el espacio exterior parece colapsar hacia el plan del cuadro, creando la misma sensación de compresión.
Además, la representación del jardín aparece como un espacio interior e íntimo, de reclusión y encierro, bien diferente de los jardines de otros impresionistas.

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En la terraza, 1874, Berthe Morisot.

En un mismo lienzo superpone dos sistemas espaciales, sobre la terraza y el paisaje del fondo.
Griselda Pollock propone una analogía entre la compresión de los planos y el confinamiento al que son sometidas las artistas mujeres impresionistas. En esta obra se evidencia en la figura principal, comprimida, presionada hacia un lado. Los primeros planos dan una sensación de inmediatez, de cercanía con el espectador.

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El baile en el Moulin de la Galette, 1876, Auguste Renoir.

En Renoir se observa la triangulación espacial, con una construcción de planos sobre las diagonales del lienzo. Además de la pincelada recortada, yuxtapuesta, que construye textura visual en los elementos.

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Piensa al observador, como alguien que ve dentro de un conjunto de posibilidades, dentro de un sistema de convenciones y limitaciones.
A partir de las innovaciones técnicas, se conforma un nuevo observador, caracterizado por la paulatina movilización y variabilidad de la mirada.

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Abre el camino a la investigación artística moderno.
Se formo en Paris entre 1860 y 1870, su primera exposición fue en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar, se presentaban como artistas independientes.

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Se constituyen nuevos modos de ver: conlleva una reflexión en torno a la vista como instrumento de conocimiento.

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Profunda influencia sobre la orientación de la pintura y sobre la evolución de las tendencias artísticas relacionadas con el Impresionismo.

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Ir más allá del Impresionismo, darle un fundamento científico al proceso visual y operativo de la pintura.

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El estudio de la postimagen se basa en dos nociones:
- La percepción no es instantánea
- Existe una disyunción entre ojo y objeto

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El descubrimiento de la postimagen introduce la noción del tiempo de la imagen, que es el tiempo que esta perdura en el observador luego de que se retire el referente. Da centralidad al ojo, a la capacidad fisiológica, y se desarrolla una ciencia de la visión.

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Goethe descubre que en el ojo persisten durante cierto tiempo las imágenes que se observan.

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Vista de Le Gras, 1822, Joseph-Nicéphore Niépce (primera fotografía permanente)

La fotografía irrumpe como un primer síntoma de la crisis que va a acaecer a fines del siglo XIX, que tendrá como consecuencia la instauración de un régimen escópico.

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Boulevard Montmartre, 1897, Camille Pissarro.

Pissarro es otro impresionista que explora la triangulación del espacio. Se destacan sus paisajes urbanos, desde puntos de vista muy elevados, aéreos. Compone los espacios citadinos apoyándose en las diagonales del espacio plástico.

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La Estrella, 1878, Edgar Degas.

Los inéditos nuevos puntos de vista permiten pensar espacios oblicuos, determinados por diagonales. La triangulación del espacio permite a Degas aprovechar las diagonales en la composición, para construir el espacio.

Con una pincelada iridiscente genera movimiento, y explora las texturas de la materia.

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Cantante con el guante, 1878, Edgar Degas.

Degas desarrolla los primeros planos, propone una visión fragmentaria y cercana del mundo. Es un importante aporte para el abandono del punto de vista tradicional.

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El espacio plástico supone un sistema elaborado, construcción intelectual y social de un grupo determinado, em determinada época.  Su renovación es necesaria por la transformación del lugar que ocupa el hombre sobre la tierra.

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El pífano, 1866, Edouard Manet.

En este cuadro Manet suprime el fondo, niega el espacio en que se encuentra el Pífano. Sus pies se apoyan sobre una sombra, y sobre el vacío. Manet niega la sistematización de la luz: la iluminación proviene de enfrente, no proyecta sombras sobre el personaje más que bajo sus pies.

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Los Impresionistas reciben influencias de diferentes Teorías del color, en escritos de Johann Wolfgang von Goethe o Michel Eugène Chevreul.

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1) La relación entre la forma y la luz. La representación coloreada del universo se aplica sobre la red lineal clásica. No concuerdan la representación lineal y colorista. Agotamiento del claroscuro, que salvaba este problema (la línea pierde nitidez, la forma mantiene la importancia)

2) La triangulación del espacio. Los espacios se hacen oblicuos, aparecen puntos de vista inéditos. El ojo se entiende como proyector. Aquí hay una relación con el encuadre fotográfico. Se lleva a la utilización de fragmentos de espacios diferenciados y primeros planos. Se destaca el detalle.

3) Los valores táctiles o la representación polisensorial del espacio. La pintura concibe analíticamente a la naturaleza: penetra en la materia. Va de lo particular al todo, se acepta la falta de nitidez y los fondos pueden resultar indiferentes.

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En las pinturas del Realismo, así como de la Escuela de Barbizon, se destaca una paleta claroscurista, en la que los colores son modelados con blanco y negro para construir luces y sombras.

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El espacio plástico realista es escenográfico. Los realistas introducen novedades temáticas, no tanto técnicas, salvo en luz y modelado.

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Padlet sobre Realismo acá

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Con el Impresionismo aparece una ruptura en la representación del espacio. Francastel propone pensar las especulaciones modernas sobre el espacio en torno a 3 categorías:

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Los impresionistas proponen una paleta cromática, que prescinde del blanco y el negro. Modulan el color para construir luces y sombras.
Las estructuras de contraste en las paletas cromáticas pueden ser de temperatura, tono, saturación o matiz.

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Impresión, sol naciente (1872). Claude Monet.

Esta obra da nombre al Movimiento Impresionista, caracterizado por una búsqueda por reproducir las impresiones luminosas lo más inmediatamente posible, de forma rápida y sin retoques.
Trabaja con una paleta cromática, de contraste por temperatura, con la que busca explotar las posibilidades expresivas del color.

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El programa impresionista consistió en:
- Ser pictóricos y no lineales
- Usar una pincelada rápida, entrecortada.
- Trabajar la luz y la sombra de manera cromática, con colores complementarios.

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Del impresionismo al expresionismo