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fine VII - VI secolo a.C.
figure maschili nude, con accenno di passo
figure femminili vestite, con braccio piegato per portare un'offerta
sorriso arcaico
tre scuole: dorico (Kleobi e Bitone), ionica, attica

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Periodo severo - VI secolo - prima metà V secolo 

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Periodo severo - VI secolo - prima metà V secolo 

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Termina il sorriso arcaico
figure ancora statiche
Frontone del Tempio di Atena Aphaia a Egina

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Discobolo

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attribuiti a Agelada e Alcamene, attivi ad Argo
Ritrovati nel 1972 al largo di Riace
guerrieri, forse parte di un monumento

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Canone che regola le proporzioni della scultura
Disposizione a chiasmo
Doriforo
Originali bronzei

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Policleto è uno degli artisti più importanti dell'Antica Grecia. Celebre per le sue statue in bronzo, è autore di un trattato sulle proporzioni del corpo umano, intitolato Canone. Policleto nasce ad Argo intorno al 480 a. C. Inizia la sua attività nel Peloponneso, contribuendo alla fioritura dell'arte classica. Già famoso, si trasferisce ad Atene, città che nel V secolo a.C. vive il suo periodo di massimo splendore. Le statue di Policleto sono andate perdute, ma ci sono note attraverso copie in marmo realizzate nell'antichità, e grazie a descrizioni letterarie. Le sue opere più celebri raffigurano giovani atleti. In età giovanile Policleto realizza il Discoforo che già rappresenta una grande novità nel modo di rappresentare il corpo umano. L'arte antica, infatti, raffigurava uomini e donne in posa rigida, con le gambe chiuse e le braccia stese lungo i fianchi. Policleto, invece, infonde nuova naturalezza alla posizione eretta. Il corpo poggia su una sola gamba mentre l'altra è flessa e leggermente spostata rispetto all'asse centrale. La posa delle braccia riprende quella delle gambe, secondo una precisa simmetria. Capolavoro di Policleto è considerato il Doriforo. La statua raffigura un giovane uomo che porta una lancia: potrebbe essere un atleta, oppure Achille, mitico eroe greco. Il Doriforo incarna l'ideale classico di bellezza ed è la perfetta applicazione pratica delle teorie di Policleto sulla rappresentazione del corpo umano.

Le proporzioni delle parti anatomiche sono studiate attentamente, in base a calcoli matematici. La misura della testa, ad esempio, è un ottavo di quella del corpo. La metà esatta della figura coincide con l'attacco delle gambe. La posa è basata su un perfetto gioco di equilibri. Il volto, privo di turbamenti, esprime calma, sicurezza e serenità, in armonia con gli ideali dell'età classica.
Grazie alle sue opere e alla diffusione del suo trattato, Policleto diventa uno degli artisti più importanti del suo tempo. Intorno al 430 a.C. vince un concorso per la realizzazione di un'Amazzone da collocare nel Tempio di Artemide ad Efeso. Con la sua amazzone dal braccio alzato e dalla posa delicatamente bilanciata, Policleto si impone sui più grandi scultori dell'età classica. L'artista realizza anche, per il Tempio di Era ad Argo, una grande scultura in oro e avorio, che ci è nota grazie a numerose riproduzioni su monete antiche. All'ultimo periodo della sua attività risale invece il Diadumeno, l'atleta che si cinge il capo con la benda in segno di vittoria. Non si hanno notizie sulla morte di Policleto, avvenuta probabilmente intorno al 420 a.C.; quello che è certo è che la sua opera avrà notevole influenza sui futuri sviluppi della scultura.

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Policleto è uno degli artisti più importanti dell'Antica Grecia. Celebre per le sue statue in bronzo, è autore di un trattato sulle proporzioni del corpo umano, intitolato Canone. Policleto nasce ad Argo intorno al 480 a. C. Inizia la sua attività nel Peloponneso, contribuendo alla fioritura dell'arte classica.

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Decorazione nel naos (Atena crisoelefantina); nelle metope; nel fregio ionico; nei timpani.
Panneggio bagnato; estrema variazione della disposizione delle figure; torsioni ed effetti prospettici nei timpani.
Fidia è il sovrintendente di tutta la costruzione e decorazione del Partenone

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British Museum

A building from Athens' golden age

The Parthenon on the Acropolis of Athens was built between 447 and 438 BC as a temple dedicated to the goddess Athena Parthenos. The word parthénos (παρθένος) meant 'maiden, girl' or 'virgin, unmarried woman'.

The temple's great size and lavish use of white marble was intended to show off the city's power and wealth at the height of its empire, under the statesman Pericles. It was the centrepiece of an ambitious building programme centred on the Acropolis.

The temple was richly decorated with sculptures, designed by the famous artist Pheidias, which took until 432 BC to complete. The pediments and metopes illustrate episodes from Greek myth, while the frieze represents the people of Athens in a religious procession. Inside the building stood a colossal image of Athena Parthenos, constructed of gold and ivory by Pheidias and probably dedicated in 438 BC.

You can find out a bit more about Greek architecture and what some of these terms mean in this blog post.

The sculptures in ancient times

Sculptures carved in the round filled the pediments (the triangular gables) at either end of the building.

The pediment sculptures and metopes illustrate episodes from Greek myth, and include the famous head of a horse of Selene (the moon goddess) and the river god Ilissos.

Metopes (rectangular slabs carved in high relief) were placed above the architrave (the lintel above the columns) on the outside of the temple.

The metopes illustrate episodes from Greek myth, including the battle of the Centaurs and Lapiths.

The frieze (carved in low relief) ran around all four sides of the building inside the colonnade.

While the pediment sculptures and metopes depicted scenes from Greek myth, as was usual for the sculpture on Greek temples, the frieze breaks with all tradition as it shows the people of Athens in a religious procession. The Athenians on the frieze are not really portraits of ordinary people though. Instead, they are shown as an ideal community. The Athenians of Pericles' time wanted to be remembered at their best by generations to come.

Pheidias was the most famous sculptor of all antiquity. He is best known as the artistic director of the Athenian building programme, including the Parthenon sculptures and the colossal gold and ivory statue of Athena Parthenos that stood inside the Parthenon.

We don't know much about his life. He trained in the workshop of Ageladas of Argos. He worked mostly in Athens but also transferred his workshop to Olympia, where he constructed in gold and ivory the colossal gold and ivory seated Zeus - one of the seven wonders of the ancient world.

A history of the building

The Parthenon has a long and complex history. The building was altered and the sculptures were damaged over the course of the centuries. It began nearly 2,500 years ago as a temple dedicated to Athena.

Around AD 500 it was converted into a Christian church (the church of the Virgin Mary of the Athenians) and remained so for a thousand years. At this time, the whole of the middle section of the east pediment was removed, destroying a dozen statues. Part of the east frieze was taken down, and almost all of the metopes on the east, north and west sides were deliberately defaced.

Mainland Greece was conquered by the Ottoman empire by 1460 and the building became a mosque in the early 1460s. When Athens was under siege by the Venetians in 1687, the Parthenon was used as a gunpowder store. A huge explosion blew the roof off and destroyed a large portion of the remaining sculptures. The building has been a ruin ever since.

The sculptures as museum objects

By 1800 only about half of the original sculptural decoration remained. From 1801, after obtaining permission from the Ottoman authorities, the British ambassador to the Ottoman empire Lord Elgin removed about half of the remaining sculptures from the fallen ruins and the building.

Elgin was passionate about ancient Greek art and transported the sculptures to Britain at his own expense. Their arrival in London made a profound impression upon European art and taste, at a time when the European Enlightenment was revising its idea of what art should be.

These sculptures were first seen from 1807 in Lord Elgin's temporary museum. However, Elgin had bankrupted himself transporting the sculptures to Britain. In 1816 Parliament decided to acquire the collection for the British Museum. Since 1817 the sculptures have always been on display to the public in the British Museum, free of charge.

The Parthenon sculptures in the British Museum are 247 feet (around 75 metres) of the original 524 feet (around 160 metres) of frieze, 15 of the 92 metopes, 17 figures from the two pediments, and various pieces of architecture from the building.

About half of the surviving sculptures remained in Athens, including extensive remains of the metopes (especially from the east, north and west of the building), the frieze (especially the north and west sides) and the pediments. In the 1970s the Greek government began a programme of restoration of the Acropolis monuments. As part of this work, all the architectural sculptures from the Parthenon have been removed to the Acropolis Museum, and all the Parthenon sculptures are now museum objects.

Most of the sculptures are roughly equally divided between Athens and London, but important pieces are also held by other major European museum including the Louvre and Vatican Museums.

Inspiration for artists

The Parthenon sculptures have inspired artists and writers for generations, from John Keats to Henry Moore. Perhaps the most influential of these was the French sculptor Auguste Rodin, who saw in Pheidias a kindred spirit and artistic mentor.

The Parthenon sculptures are iconic works of art. They play a central part in the story of art and will continue to inspire artists in the future.

Discover how Rodin was inspired by the Parthenon sculptures and see a selection of them on display in the exhibition Rodin and the art of ancient Greece (26 April - 29 July 2018).
Sponsored by Bank of America Merrill Lynch.

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An introduction to the Parthenon and its sculptures

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A building from Athens' golden age The Parthenon on the Acropolis of Athens was built between 447 and 438 BC as a temple dedicated to the goddess Athena Parthenos. The word parthénos (παρθένος) meant 'maiden, girl' or 'virgin, unmarried woman'. The temple's great size and lavish use of white marble was intended to show off the city's power [...]

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visione intima delle divinità, che non sono più protettori della polis
Hermes e Dioniso bambino
Afrodite Cnidia

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Prassitele, scultore greco, è uno degli artisti più importanti dell'antichità. Nasce ad Atene intorno al 400 a.C. Vive nel IV secolo a.C., periodo in cui entra in crisi la democrazia ateniese. È un'epoca di sconvolgimenti politici, animata però da un grande fermento culturale. Prassitele trascorre la sua vita ad Atene, ma lavora anche per altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Le sue sculture, realizzate soprattutto in marmo, esprimono grazia e delicatezza. I soggetti che predilige sono le figure di divinità, spesso in età giovanile, raffigurate nei loro aspetti più umani. Prassitele, infatti, abbandona i toni eroici e solenni della scultura classica, inaugurando un nuovo stile, più intimo e garbato, che sarà oggetto di numerose imitazioni.

Molte sue opere sono andate perdute, ma sono note attraverso le copie realizzate da artisti successivi. Le divinità di Prassitele sono raffigurate in pose e gesti quodiani, che li avvicinano ai comuni mortali. Due opere giovanili raffigurano un satiro che versa del vino e un altro satiro che riposa appoggiato al tronco di un albero. Nell'Artemide di Gabii, lo scultore rappresenta la dea Artemide nell'atto di allacciarsi la veste. Nell'Apollo Sauroctono il dio Apollo è ritratto in un momento di svago, mentre gioca con un rettile come un ragazzo qualunque. In Ermes con Dioniso, il dio Ermes tiene in braccio il fratellino Dioniso e gli rivolge uno sguardo affettuoso.

Caratteristica delle sculture di Prassitele è la postura bilanciata dei corpi, sempre raffigurati in pose flessuose ed armoniche. Spesso appoggiate a un sostegno, le sue figure assumono atteggiamenti rilassati, ed evocano un'impressione di naturalezza. L'opera più nota di Prassitele è l'Afrodite di Cnido, il primo nudo femminile nella scultura occidentale. La dea è raffigurata mentre si accinge a immergersi in acqua per il bagno rituale. Dopo essersi tolta la veste, la appoggia delicatamente sopra l'anfora che le sta accanto. L'Afrodite di Cnido è una delle opere più copiate e riprodotte dell'antichità. Prassitele muore ad Atene intorno al 330 a.C.. I figli ne proseguono l'attività, e il suo stile sarà un punto di riferimento importante per i futuri sviluppi della scultura.

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Prassitele, scultore greco, è uno degli artisti più importanti dell'antichità. Nasce ad Atene intorno al 400 a.C. Vive nel IV secolo a.C., periodo in cui entra in crisi la democrazia ateniese. È un'epoca di sconvolgimenti politici, animata però da un grande fermento culturale.

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Forte drammaticità; effetti di movimento, come nella Menade danzante

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Skopas è uno dei più celebri artisti della Grecia antica. Attivo nel IV secolo a.C., è noto per l'intensità espressiva delle sue opere.
Nasce intorno al 400 a. C. a Paros, isola delle Cicladi, Lavora in Grecia, ma soprattutto in Asia Minore.
Non è facile ricostruire la cronologia delle sue opere, realizzate prevalentemente in marmo. Molte sono andate perdute, ma sono note attraverso copie di età antica, che permettono di apprezzarne lo stile.
Skopas è definito dalle fonti letterarie maestro del pathos: è infatti tra i primi scultori antichi a esprimere le passioni e gli stati d'animo più intensi.
Molte delle sue figure hanno i tratti del volto duramente incisi, le occhiaie scavate e le labbra socchiuse.

Nella prima fase della sua attività, Skopas lavora come scultore e architetto presso il Tempio di Atena Alea a Tegea, in Arcadia. I due frontoni del tempio sono decorati con temi mitologici. Di queste opere restano alcune teste di guerrieri e un torso, pochi frammenti originali che testimoniano lo stile carico di tensione tipico di questo scultore.
Già celebre intorno alla metà del IV secolo a.C., Skopas è chiamato a decorare il monumentale Mausoleo di Alicarnasso, considerato una delle sette meraviglie del mondo antico: qui lavorano gli artisti più importanti dell'epoca. Per il Mausoleo, Skopas realizza fregi con scene di combattimento tra Greci e Amazzoni, immagini che si distinguono per forza drammatica e concitazione.

Queste caratteristiche si ritrovano nella Menade danzante. La menade, seguace di Dioniso, dio dell'ebbrezza, è raffigurata durante una danza impetuosa. La torsione del corpo, le vesti scomposte e i capelli scompigliati comunicano un movimento tumultuoso. Il viso rivolto verso l'alto esprime l'estasi che la menade raggiunge durante il rito dionisiaco.
Per conferire ulteriore efficacia alle sue figure, Skopas non rifinisce il marmo. La superficie ruvida delle sue sculture crea effetti di luce e ombra che ne esaltano la carica espressiva.
Tra le opere realizzate da Skopas si ricordano infine tre statue collocate nel Tempio di Afrodite a Megara, tre figure che rappresentano tre diversi aspetti dell'amore. Di queste, resta una copia del Pothos, un giovane dalle forme delicate e sinuose.
Non si conoscono notizie certe sulla morte di Skopas, avvenuta probabilmente dopo il 330 a.C. Il suo stile espressivo, che non trova eguali tra i suoi contemporanei, apre la via ai futuri sviluppi dell'arte greca e romana.

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Skopas è uno dei più celebri artisti della Grecia antica. Attivo nel IV secolo a.C., è noto per l'intensità espressiva delle sue opere. Nasce intorno al 400 a. C. a Paros, isola delle Cicladi, Lavora in Grecia, ma soprattutto in Asia Minore. Non è facile ricostruire la cronologia delle sue opere, realizzate prevalentemente in marmo.

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artista di Alessandro Magno
imitare la natura, non un ideale
Apoxyomenos, atleta che si deterge
Posa in antitesi, abbandonato il chiasmo

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Ellenismo 323 (morte di Alessandro) - 31 a.C. (Roma conquista l'Egitto)

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Ellenismo 323 (morte di Alessandro) - 31 a.C. (Roma conquista l'Egitto)

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effetti di dinamismo ed espressività
rilievo monumentale
figure scomposte ed eccessive
i centri principali sono Pergamo e Rodi

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Altare a forma di U sull'acropoli della città del regno degli Attalidi.
Dedicato a Zeus salvatore
fregio esterno con Gigantomachia: rilievo monumentali (su vari piani) forte movimento e drammaticità

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L' Altare di Zeus a Pergamo è uno degli edifici più famosi e uno dei capolavori dell' arte ellenistica. Fu fatto edificare da Eumene II in onore di Zeus Sotér e Atena Nikephòros (Zeus salvatore e Atena portatrice di vittoria) per celebrare la vittoria sui Galati. Attualmente la parte anteriore dell'altare si trova conservata al Pergamonmuseum di Berlino.

La realizzazione dell'altare fu iniziata sotto il regno di re Eumene II ( 197- 159 a.C.) e, in seguito alla sua morte, continuata dal successore e fratello Attalo II. L'opera si poneva come conferma definitiva della vittoria di Pergamo sui rivali, i Galati, nel 166 a.C. sotto il regno appunto di Eumene II. Nel periodo compreso tra il 166 a.C. e il 156 a.C., l'altare fu quasi totalmente completato, nonostante il re Prusia II di Bitinia, intorno al 156 a.C., attaccasse la città.

Varie iscrizioni ricordano la presenza nel cantiere di numerosi artisti, pergameni, ateniesi e forse rodiesi. Evidente è però che un unico maestro sovraintese all'opera, dando una visione unitaria a tutto il complesso decorativo. Su chi possa essere si possono solo fare ipotesi non riscontrabili da dati oggettivi. È stato fatto il nome di Firomaco, artista attico, che le fonti antiche ricordano come uno dei sette più grandi scultori greci. Questa ipotesi, secondo alcuni, troverebbe una conferma stilistica in alcune scene, dove l'impostazione di Zeus e Atena che combattono, ad esempio, ricorda quella di Atena e Poseidone nel frontone occidentale del Partenone di Fidia. Vi sono stati letti anche contorni politici, sociali e religiosi: l'accomunare infatti i pergameni agli ateniesi riaffermava l'appartenenza dei due popoli a un'unica stirpe, con gli stessi valori e la stessa cultura.

Il grandioso altare venne rinvenuto dall'ingegnere tedesco Carl Humann verso metà Ottocento, quando ricevette l'incarico della costruzione di alcune strade amministrate dall'impero ottomano; durante i lavori presso l'antico forte di epoca bizantina vide che vi erano inglobati bellissimi fregi scolpiti, visibilmente provenienti da un monumento diverso e più antico.

Gli scavi iniziarono nel 1878, portando al rinvenimento di vari resti archeologici e di imponenti lastre marmoree scolpite, l'opera era però mutila, poiché fu smembrata in Età bizantina. Nel 1886 il frontone occidentale dell'altare fu portato da Pergamo a Berlino, Germania, con il permesso del sultano Abdul Hamid II, al potere in quel tempo. La composizione dell'altare all`interno del museo fu affidata all`archeologo tedesco Otto Puchstein. A causa dell'intensificarsi degli attacchi aerei alleati dopo il 1944, l'opera fu nascosta nella torre Flak dello zoo di Berlino, sopravvivendo indenne ai bombardamenti. Nel 1948, il fregio dell'Altare di Zeus fu confiscato dall' Armata Rossa che lo portò a Leningrado. Solo dieci anni più tardi, il fregio ritornò nella Repubblica Democratica Tedesca, come regalo da parte dell'allora Unione Sovietica.

Sui terrazzamenti dell'acropoli di Pergamo, che dai suoi 330 metri d'altezza dominava la valle del Caicó, l'altare si levava scenografico e imponente, con una struttura molto originale di altezza di circa 25 metri. In pianta l'altare ha una forma quadrangolare, con la facciata, rivolta alla vallata, mossa da una scalinata centrale, larga quasi venti metri, e da due avancorpi, creanti una sorta di forma a "U".

In alzato la struttura era rialzata di cinque gradini, dopo i quali si alzava il basamento, alto circa 4 metri, lungo il quale si sviluppava il "grande fregio" continuo con la Gigantomachia. Si accedeva al livello superiore tramite la scalinata centrale, appunto, ed esso consisteva in un grande vano, alto circa sei metri, circondato da un colonnato ionico continuo, che proseguiva anche lungo gli avancorpi. All'interno del vano correva lungo tutte le pareti un secondo colonnato, fatto a coppie di colonne unite da un'anima muraria. L'altare vero e proprio si trovava al centro e su di esso si trovava il "piccolo fregio", con le Storie di Telefo, figlio di Eracle e mitico fondatore della città.

Il fregio, lungo ben 120 m e scolpito su pannelli alti 228 cm e larghi circa 70-100 cm ciascuno, rappresenta la mitica battaglia condotta dalle divinità dell'Olimpo contro i Giganti, esseri mostruosi figli del Cielo e della Terra che avevano osato sfidare la sovranità di Zeus dando l'assalto alla dimora divina. Nelle scene erano trasposti inoltre anche i recenti fatti della guerra appena vinta contro i barbari Galati. L'identificazione di questi ultimi non è casuale: fonti attestano infatti che per incutere timore ai nemici, i Galati usassero acconciarsi i capelli in piccole ciocche rigide, frizionandoli con un impasto di gesso, chiamato tìtanos, da cui l'ulteriore similitudine al termine Titànes, i Titani, simili ai giganti.

La decorazione seguiva un programma erudito, elaborato probabilmente dai filologi della Biblioteca di Pergamo. Se nella parte orientale i Giganti lottano infatti con le tradizionali divinità olimpiche, nei restanti lati un folto gruppo di divinità minori affollava le scene: a nord gli dei della notte, a sud gli dei della luce, a ovest le divinità marine e Dioniso.

Da un punto di vista stilistico, il grande fregio riprende alcuni stilemi dei grandi maestri dei decenni precedenti, come la possanza dei nudi di Fidia, o la dinamicità delle figure di Skopas. In generale però il senso di movimento è portato alle estreme conseguenze, ricorrendo spesso a linee oblique e divergenti, che generano azioni convulse. Inoltre appare accentuato il patetismo delle figure, con un senso teatrale che accresce la partecipazione emotiva dello spettatore. Tali novità, nel complesso, sono state definite "barocche", anche grazie a un maggiore ricorso del trapano, che crea effetti di chiaroscuro più accentuati, e con l'alternarsi dell' altorilievo a parti lisce.

Il fregio di Telefo

L'esaltazione della dinastia degli Attalidi si ripropone nel fregio minore dove le avventure di Telefo stabiliscono la discendenza divina di Eumene II. La differenza stilistica rispetto al fregio esterno è profonda. Vi è nel fregio di Telefo una maggiore dipendenza da modelli pittorici piuttosto che scultorei, evidente nel rapporto tra figure e sfondo, le prime talvolta disposte su più piani, il secondo lasciato ampiamente libero ad accogliere elementi paesistici e architettonici. Le gesta di Telefo si susseguono in modo continuo, iniziando dalla parete nord e proseguendo da sinistra a destra, rompendo la tradizionale regola dell'unità di tempo e luogo. La differenza stilistica rispetto al fregio maggiore accompagna una differenza emotiva e di sentimento, che discende a livello di una epopea familiare e romanzesca.

Gisela M. A. Richter, L'arte greca, Torino, Einaudi, 1969.

Jean Charbonneaux, Roland Martin e François Villard, La Grecia ellenistica: 330-50 a.C., Milano, Rizzoli, 1985.

Ranuccio Bianchi Bandinelli, Enrico Paribeni, L'arte dell'antichità classica. Grecia, Torino, UTET Libreria, 1986, ISBN 88-7750-183-9.

Antonio Giuliano, Storia dell'arte greca, Roma, Carocci, 1998, ISBN 88-430-1096-4.

Pierluigi De Vecchi e Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, vol. 1, Milano, Bompiani, 1999, ISBN 88-451-7107-8.

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L' Altare di Zeus a Pergamo è uno degli edifici più famosi e uno dei capolavori dell' arte ellenistica. Fu fatto edificare da Eumene II in onore di Zeus Sotér e Atena Nikephòros (Zeus salvatore e Atena portatrice di vittoria) per celebrare la vittoria sui Galati.

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opera eseguita forse a Roma da artisti di ambito di Rodi, Agesandro, Atenodoro e Polidoro
scoperto nel 1506 a Roma, presso l'Esquilino

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Il gruppo statuario venne ritrovato nel 1506 a Roma sull'Esquilino e subito identificato con il Laocoonte descritto da Plinio come il capolavoro degli scultori di Rodi Agesandros, Athanodoros e Polydoros. Durante la guerra di Troia, Laocoonte, sacerdote troiano del dio Apollo, si era opposto all'ingresso del cavallo di legno entro le mura della città. Atena e Poseidone, favorevoli ai Greci, inviarono dal mare due mostruosi serpenti che avvolsero con le loro spire Laocoonte e i suoi due figli.
In una prospettiva romana della vicenda, la morte di questi innocenti è funzionale alla fuga di Enea e dunque alla fondazione di Roma. Una scultura di tale importanza non poteva sfuggire a Giulio II (1503-1513) che subito la acquistò per il Cortile delle Statue, facendone il fulcro ideologico del programma decorativo. Molto dibattuta è la cronologia del capolavoro marmoreo, per il quale sembra ora prevalere una datazione intorno al 40-30 a.C.

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Il gruppo statuario venne ritrovato nel 1506 a Roma sull'Esquilino e subito identificato con il Laocoonte descritto da Plinio come il capolavoro degli scultori di Rodi Agesandros, Athanodoros e Polydoros. Durante la guerra di Troia, Laocoonte, sacerdote troiano del dio Apollo, si era opposto all'ingresso del cavallo di legno entro le mura della città.