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Philippe Decouflé

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Solo

Philippe Decouflé danse ici à la première personne. Mais il ne chorégraphie pas son ego. Il donne des fragments d'existence et de sensations où chacun peut se bricoler un portrait. Son "Solo" est un "je" de bascule, entre lui et nous.

Sa vie, son œuvre ? On s'en fiche. Le "Solo" est très vaguement autobiographique. Mais il parle au cœur humain. Imaginez ainsi dix doigts filmés en gros plan sur une table, soit deux mains baladeuses qui virevoltent et donnent le tempo. Cela n'a l'air de rien, à l'écrit, mais la scène est tellement forte que plusieurs spectateurs se sont évanouis. Songez encore qu'un festival de caméras et d'écrans kaléidoscopent Decouflé jusqu'à l'infini. Le voici transformé en maître de ballet aquatique où il constitue, à lui seul, la médusante ribambelle de beautés en maillot de bain. Et ce n'est qu'un début, le spectacle continue... "Le doute m'habite", explique le chorégraphe en ouverture du Solo. Un spécialiste de la question et du sujet, René Descartes, l'avait dit avant lui : "Je ne suis pas cet assemblage de membres que l'on appelle le corps humain". Je danse donc je suis, c'est un apport incontestable de Decouflé à la philosophie.

Source : Programme de salle de la Maison de la Danse

Decouflé, Philippe

Danseur, chorégraphe. Né à Paris, le 22 octobre 1961.

Après s'être formé au cirque, au mime et à la danse contemporaine, Philippe Decouflé fonde en 1983 la compagnie DCA. Avec des influences aussi variées que le Ballet triadique, Tex Avery, Alwin Nikolaïs ou Groucho Marx, il trouve une signature hybride, entre mouvement, machinerie de théâtre et magie du cinéma. Il créé des spectacles comme "Codex", "Triton" ou "Shazam!" mais orchestre aussi des événements populaires comme les cérémonies des Jeux Olympiques d'Albertville (1992), du 50e Festival de Cannes (1997) ou La Mêlée des mondes pour la Coupe du monde de rugby (2007).

Source : Site de la Cie DCA

En savoir plus : cie-dca.com

Picq, Charles

Auteur, réalisateur et vidéaste, Charles Picq entre dans la vie professionnelle dans les années 70 par le théâtre et la photographie. Après une reprise d'études (Maîtrise de Linguistique - Lyon II, Maîtrise des Sciences et Techniques de la Communication - Grenoble III), il se consacre à la vidéo, d'abord dans le champ des arts plastiques à l'Espace Lyonnais d'Art Contemporain (ELAC) et avec le groupe "Frigo", puis dans celui de la danse.

Dès la création de la Maison de la Danse à Lyon en 1980, il est sollicité pour y entreprendre un travail de documentation vidéo qu'il poursuit toujours depuis. Durant les années 80, marquées en France par l'explosion de la danse contemporaine et le développement de l'image vidéo, il fait de nombreuses rencontres avec des artistes tels qu'Andy Degroat, Dominique Bagouet, Carolyn Carlson, Régine Chopinot, Susanne Linke, Joëlle Bouvier et Régis Obadia, Michel Kelemenis. Son activité se déploie dans le champ de la création avec des installations et des vidéos en scène, ainsi que dans celui de la télévision avec des spectacles filmés, des recréations et des documentaires. Avec Dominique Bagouet (80-90), la rencontre est particulière. Il documente sa création, l'assiste sur " Le Crawl de Lucien" et co-réalise avec lui les films "Tant Mieux, Tant Mieux" et "10 anges". Dans les années 90, il devient le directeur du développement vidéo de la Maison de la danse et oeuvre, avec le soutien de Guy Darmet et son équipe, pour une place grandissante de l'image vidéo au sein du théâtre à travers plusieurs initiatives:

* Il fonde une vidéothèque de films de danse, d'accès public et gratuit. C'est une première en France. Poursuivant la documentation vidéo des spectacles, il en organise la gestion et la conservation.
* Il impulse la création d'un vidéo-bar et d'une salle de projection vidéo dédiée à l'accueil scolaire.
* Il initie les "présentations de saisons" en image.
* Il conçoit l'édition du DVD "Le tour du monde en 80 danses", une vidéothèque de poche produite par la Maison de la Danse pour le secteur éducatif.

Plus récemment, il lance la collection " Scènes d'écran " pour la télévision et le web, il entreprend la conversion numérique de la vidéothèque et crée le site " numeridanse.tv ", vidéothèque internationale de danse en ligne.

Ses principaux documentaires sont : "Enchaînement", "Planète Bagouet", "Montpellier le Saut de l'Ange", "Carolyn Carlson, a woman of many faces", "Grand Ecart", "Mama Africa", "C'est pas facile", "Lyon, le pas de deux d'une ville", "Le Défilé", "Un Rêve de cirque".
Il a également réalisé des films de spectacle : "Song", "Vu d'Ici" (Carolyn Carlson),"Tant Mieux, Tant Mieux", "10 anges", "Necesito" et "So Schnell", (Dominique Bagouet), "Im bade wannen","Flut" et "Wandelung" ( Susanne Linke), "Le Cabaret Latin" (Karine Saporta), "La danse du temps"(Régine Chopinot), "Nuit Blanche"( Abou Lagraa), "Le Témoin" (Claude Brumachon), "Corps est Graphique" (Käfig), "Seule" et "WMD" (Françoise et Dominique Dupuy), " La Veillée des Abysses" (James Thiérrée), Agwa "(Mourad Merzouki), Fuenteovejuna (Antonio Gadès), Blue Lady revisted (Carolyn Carlson)...

Source : Maison de la Danse

Solo

Direction artistique / Conception : Philippe Decouflé

Interprétation : Philippe Decouflé

Musique originale : Joachim Latarjet

Conception vidéo : Olivier Simola

Lumières : Patrice Besombes

Costumes : Pierre-Jean Verbraeken (accessoires)

Direction technique : Lahlou Benamirouche

Autres collaborations : Laurent Radanovic (régie plateau et vidéo), Perrine Brudieu (coordination)

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Franck Piquard (direction de production) ; production Compagnie DCA - Philippe Decouflé ; coproduction Grand Théâtre de Luxembourg, Festival de danse de Cannes ; La Compagnie DCA est subventionnée par la DRAC Ile-de-France - Ministère de la Culture et de la Communication, le Conseil Général de la Seine-Saint-Denis et la Ville de Saint-Denis.

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : production DCA ; Maison de la Danse 2009, Charles Picq

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Philippe Decouflé danse ici à la première personne. Mais il ne chorégraphie pas son ego. Il donne des fragments d'existence et de sensations où chacun peut se bricoler un portrait. Son "Solo" est un "je" de bascule, entre lui et nous. Sa vie, son œuvre ? On s'en fiche.

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Alex Thomsen & Zac Rubenson The Morsel

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Iris van Herpen, known for her otherwordly three-dimensional garments and commitment to sustainability, has joined forces with Parley for the Oceans to create five dresses this Paris Couture Week. Arriving as part of the "Earthrise" collection, the range is entirely made out of Parley Ocean Plastic® from upcycled marine debris found on coastlines around the world.

The Blue Marble gown is created with hand-cut spheres in various shades of blue to create a gradient look. The garment is accompanied by a translucent nose piece designed by artist James Merry. Meanwhile, the beige Magnetosphere dress, made in partnership with Rogan Brown, is a sculptural piece assembled with hand- and laser-cut layers. The look is styled with extravagant glass-like nails by Eichi Matsunaga.

Peep the creations above and view the full "Earthrise" collection below.

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Iris van Herpen Designs Otherworldly Dresses With Parley for the Oceans

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Iris van Herpen, known for her otherwordly three-dimensional garments and commitment to sustainability, has joined forces with Parley for the Oceans to create five dresses this Paris Couture Week. Arriving as part of the "Earthrise" collection, the range is entirely made out of Parley Ocean Plastic® from upcycled marine debris found on coastlines around the world.

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The FW18 UltraBOOST Parley running shoe is the latest addition to the Adidas x Parley collaboration that raises awareness for the threat of marine plastic pollution. To support the launch TBWA\NEBOKO partnered with Psyop and Golden Wolf to create an eye-catching animation. The stop-motion video spotlights the unique recycled plastic textile, or Parley Ocean Plastic™, using it as a canvas to tell its backstory with beautiful embroidery. The campaign is rolled out through adidas channels in cinemas, online video, social, in-store and print. In addition, we created a toolkit and suite of content with local running crews and influencers for Run for the Oceans - a global charity run during which Adidas pledged to match the first million kilometers run with $1 for the Parley Ocean Plastic Program.

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The FW18 UltraBOOST Parley running shoe is the latest addition to the Adidas x Parley collaboration that raises awareness for the threat of marine plastic pollution. To support the launch TBWA\NEBOKO partnered with Psyop and Golden Wolf to create an eye-catching animation.

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Overgrown Unique Crystal Chandelier by Mark

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Collectif Mmmm Arrêt de bus à Baltimore

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Quinny, a European longboard-stroller hybrid

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Quinny, a European longboard-stroller hybrid

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Pauline Hepner A fleur de peau HEAD Genève

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Pods Hariri &Hariri Architecture

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NOMADIC BOUTIQUES
© HEAD – Genève

Atelier dirigé par Leonid Slonimskiy (KOSMOS Architectes)

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Martin Roller

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There's a Swedish word, omtanke, that means 'caring' and 'consideration'.
That's what the Living Seawall is all about.

Volvo is commited to building a sustainable future with projects like the Living Seawall and beach clean-ups, but our sustainability programme doesn't end there.

By the end of 2019, Volvo Cars will remove single-use plastics from all its offices, canteens and events across the globe. This will replace over 20 million single-use plastics
with sustainable alternatives.

We've also commited to electrification, with a goal of putting 1 million electric cars on the road by 2025, and to fostering productive partnerships. Volvo Cars is an active supporter of the UN Environment's Clean Seas campaign and a founding member of the UN Global Compact.

This radical and divergent style of thinking isn't just what we do. It's part of who we are.

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Living Seawall | An Ocean Conservation Project | Volvo™ Car Australia

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There's a Swedish word, omtanke, that means 'caring' and 'consideration'. That's what the Living Seawall is all about. Volvo is commited to building a sustainable future with projects like the Living Seawall and beach clean-ups, but our sustainability programme doesn't end there.

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Jan Vormann

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Angel Boligán Corbo

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“Théorie du Temps”Daku  Inde.

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Tiffany Lamp Studio Job

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Gilbert Legrand

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Pharrell Williams-G-Star-Raw

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Adidas "The Paint Drop"

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Ilias Walchshofer

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The Aid Egle Ugintaite

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Le Dico desmétiers de demain - La machine à remonter le futur

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Le Dico des métiers de demain est un livre produit lors d’ateliers participatifs de design fiction et de prospective fiction avec Les Propulseurs

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Vélo Taxi Egg Tripup

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Nju Studio's Nifty "Collect, Stack, Set"

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Justine Jimenez-cueto

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Matali Crasset

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Avec " 90's TOYpography ", Noah Campo remonte le temps et conçoit une typographie avec les jouets emblématiques de l'époque. Ce retour dans les années 1990 est forcément pop, kitsch et de ce fait... plein de nostalgie. Un Monsieur Patate pour le " P ", un troll pour le " T " et un Furby pour le " F ", le typographe 3D Noah Campo nous obligerait presque à penser que " c'était mieux avant ".

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La typo hommage aux jouets des 90's - étapes:

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Avec " 90's TOYpography ", Noah Campo remonte le temps et conçoit une typographie avec les jouets emblématiques de l'époque. Ce retour dans les années 1990 est forcément pop, kitsch et de ce fait... plein de nostalgie. Un Monsieur Patate pour le " P ", un troll pour le " T " et un Furby pour le " F ", le typographe 3D...

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Stephen McMennamy

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Maison Fauchon Tal Spiegel

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During the 2018 NBA All-Star weekend, adidas held a two-day celebration of basketball culture at ROW DTLA in Los Angeles. The event, called 747 Warehouse St, brought together creators from the worlds of sports, music, fashion and design for exclusive product drops, customization, panel discussions, competitions and more. To represent the oceans and rally new champions for the cause, we created an adidas x Parley experience focused on the beauty and fragility of the oceans, and ways to take part in protecting what we all love.

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adidas x Parley at 747 Warehouse St - PARLEY

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During the 2018 NBA All-Star weekend, adidas held a two-day celebration of basketball culture at ROW DTLA in Los Angeles. The event, called 747 Warehouse St, brought together creators from the worlds of sports, music, fashion and design for exclusive product drops, customization, panel discussions, competitions and more.

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Dragonfly, Floor Lamp Sculpture, Vincent Darré and Ludovic Clément d’Armont

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Tête de Maure Sicile

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The Hanger Chair Philippe Malouin

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Le TYRSAMISU, Tyrsa

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Iris Van Herpen

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Stephane Bureau Cecile Cau

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Fraser Shiers

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De nos jours il est important de montrer que nous sommes constamment connectés. Un message véhiculé dans ce projet de l'agence Banjo pour l'entreprise AMP. Le directeur artistique Marque Kabbaz, et l'artiste 3D australien Fraser Shiers, ont donné à une série de mots fédérateurs un fort sens visuel. Chaque lettre est réalisée à partir de pièces de connectique. Le "t" est en fait un chargeur d'iPhone, le "o" une prise de 250 volt et le "a" un multiplicateur USB. Un projet intéressant qui explore l'impact que peut avoir la forme typographique pour appuyer le sens des mots courants.

http://bit.ly/152ocTf
http://bit.ly/15vJSJJ

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De nos jours il est important de montrer que nous sommes constamment connectés. Un message véhiculé dans ce projet de l'agence Banjo pour l'entreprise AMP. Le directeur artistique Marque Kabbaz, et l'artiste 3D australien Fraser Shiers, ont donné à une série de mots fédérateurs un fort sens visuel.

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Diana Scherer

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A gauche: Maisonette, Artnau / A droite: Table Synthesis par Studio Presek Design

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Marilyn Johana Vasconcelos Galerie des Glaces

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Le Kiosque des noctambules Jean Michel Othoniel

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Kiosque des noctambules Jean Michel Othoniel

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Murakami /Vuitton

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Pour le studio Ramon Carreté, le miroir a une force conceptuelle au-delà de l'objet même. Il combine perception et réalité à travers les images qu'il va refléter. Le studio de design Catalan a souhaité créer à partir de cette idée, une synergie entre monde réel et monde numérique. Pour ce faire, ils ont conçu des lettres de papiers, qu'ils ont ensuite collées sur un miroir et qui une fois photographiées, suggèrent une réalisation en 3D. Ce résultat est le fruit d'une réflexion sur la combinaison entre l'image et la typographie.

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Pour le studio Ramon Carreté, le miroir a une force conceptuelle au-delà de l'objet même. Il combine perception et réalité à travers les images qu'il va refléter. Le studio de design Catalan a souhaité créer à partir de cette idée, une synergie entre monde réel et monde numérique.

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Peter Defty

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Festival des Jardins de Chaumont sur Loire

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Alexis Tricoire Green Mobile

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Guillaumit et Thomas Bernard

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À l'occasion de Panoramika - une programmation artistique célébrant l'anniversaire du train de la Rhune -, les graphistes Guillaumit et Thomas Bernard ont imaginé la création d'un mini golf se pratiquant dans les lettres du mot " Panorama ", au sommet d'une montagne basque. Chaque signe illustre un univers, déterminant les obstacles qui le parcourent. Cette installation aux grands volumes colorés questionne l'impact de l'homme sur la nature, mêlant jeu et typographie.
http://bit.ly/VXxRfz

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Typographie au sommet d'une montagne - étapes:

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À l'occasion de Panoramika - une programmation artistique célébrant l'anniversaire du train de la Rhune -, les graphistes Guillaumit et Thomas Bernard ont imaginé la création d'un mini golf se pratiquant dans les lettres du mot " Panorama ", au sommet d'une montagne basque. Chaque signe illustre un univers, déterminant les obstacles qui le parcourent....

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Alexis Tricoire A Rebrousse-Poil

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Compagnie "La Machine" Le Minotaure

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Viktor and Rolf Automne-Hiver 2008

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Louvre Lens

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Alexey Kondakov

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Christophe Labrooy

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JR Collage Porte de Brandebourg

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Alexandre Dubosc

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Stéphane Bureaux Cécile Cau

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Delphine Huguet

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Marc Brétillot

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Hybrid Architecture and Design

16 avril 2013 La Design Week de Milan qui s'est déroulée du 8 au 14 avril dernier, pendant le FuoriSalone 2013 a été marquée par l'exposition spectaculaire organisée par le magazine Interni à l'Università degli Studi di Milano. Architectes et designers de renom y interprètent le concept d'hybridation entre les différentes cultures et les nouvelles technologies.

Ici l'idée d'hybridation est interprétée comme une rencontre entre différentes cultures et des technologies capable de générér des solutions à des inconnues et à des problèmes du monde contemporain. Le sociologue français Michel Wieviorka observe que la rencontre de différentes cultures provoque un processus d'influence mutuelle et de changements qui créent des formes culturelles originales. Métissages et échanges culturels modifient la perspective de la rencontre et les relations entre les individus singuliers, qui vivent dans l'ambivalence de l'appartenance à des identités multiples . Ainsi, le métissage, décalé dans le domaine de l'architecture et du design, semble être une alternative crédible à la notion de Melting Pot (l'agrégation acritique des cultures et traditions) et à l'uniformité linguistique et culturelle produite par la mondialisation. Avec Hybrid architecture and design, Interni active un dialogue stimulant entre les designers et les entreprises, prenant la forme d'oeuvres spécifiques considérées comme de nouvelles formes de communication interculturelle, dans une perspective qui va au-delà de l'ethnocentrisme, tout en faisant ressortir les contributions et les expressions qui arrivent des cultures de différents pays.Des architectes de renommée internationale et des designers dont le travail se distingue par la recherche et l'innovation expriment leurs visions de façon spectaculaire à travers des pavillons de microarchitectures expérimentales ou des macro-objets. Ces réalisations ont été conduites en étroite collaboration avec des entreprises leaders dans le domaine des matériaux, de la technologie et de la durabilité environnementale. Morceaux choisis.
Pour plus d'informations :
Interni magazine
Università degli Studi di Milano

Beyond The Wall - Daniel Libeskind

Energetic Energies - Akisa Hirata avec Panasonic

Sguardi Indiscreti (8,25 x 3 x h. 4,25 m) - MICHELE DE LUCCHI avec SAFILO; lighting iGuzzini

Inversion - Steven Holl Architects avec PIMAR, nappe d'eau Teuco Guzzini; parfums Acqua Essenziale - Salvatore Ferragamo; lighting iGuzzini

The View - Luca Scacchetti avec Wolf Haus; lighting iGuzzini

Aria Pura - Mario Cucinella avec Hyun Seok Kim; Marazzi; lighting iGuzzini

Golden River Speech Tchoban & Kuznetsov et Marco Bravuraavec Arch Skin; lighting iGuzzini

House of Senses by Christophe Pillet video by Studio Azzurro with BE OPEN; lighting iGuzzini

Hooked Up - Dean Skira avec iGUZZINI

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Hybrid Architecture and Design | Office et culture

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16 avril 2013 La Design Week de Milan qui s'est déroulée du 8 au 14 avril dernier, pendant le FuoriSalone 2013 a été marquée par l'exposition spectaculaire organisée par le magazine Interni à l'Università degli Studi di Milano. Architectes et designers de renom y interprètent le concept d'hybridation entre les différentes cultures et les nouvelles technologies.

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Le Musée Juif de Berlin n'est pas un bâtiment destiné à simplement abriter des œuvres, il est une véritable sculpture pénétrable, une expérience sensible destinée à faire éprouver l'Histoire, celle du peuple juif. Que ce soit pour son esthétique ou son intérêt historique, le Jüdisches Museum est un musée incontournable à visiter, une référence dans le monde de l'architecture. C'est d'ailleurs un des principaux arguments qui a motivé mon séjour à Berlin.
La construction d'un nouveau Musée Juif à Berlin fut voté par le Sénat en 1988, 50 ans après sa fermeture par la Gestapo, dans le quartier de Kreuzberg. Parmi les nombreux et illustres candidats, c'est Daniel Libeskind, un jeune architecte alors inconnu, qui gagnera le concours. Se destinant originellement à une carrière de musicien, son projet architectural est influencé par deux œuvres : le livre Sens unique de Walter Benjamin et, surtout, l'opéra d'Arnold Schönberg, Moïse et Aaron, une pièce en 3 actes dont la musique se termine au bout du second. L'absence sera alors le corps de sa démarche esthétique. Pour appuyer la référence, il rédigera sa proposition architecturale, intitulée Between the lines ("Entre les lignes"), sur une feuille de partition musicale.

" L'histoire juive est un peu en-dessous du niveau du sol, elle n'est pas enterrée très profond mais certainement à quelques centimètres sous le sol sur lequel on marche. Donc je n'ai pas dû aller en bibliothèque pour étudier ce projet, prendre des photos pour trouver son orientation véritable. Parce qu'il est déjà orienté. Il est orienté dans le Monde, tout d'abord par la catastrophe de l'extermination des juifs européens, et ensuite par les traces laissées dans la ville par les noms et les adresses de tous ces gens qui ne sont pas seulement des numéros dans la liste des victimes mais qui, même absents, vivent toujours là et continuent à hanter ce lieu. " Daniel Libeskind

Rupture et intégration

Le projet de Libeskind sera construit de 1993 à 1998, à coté du Kollegienhaus, un bâtiment baroque du XVIII e siècle, autrefois Siège de la Cour Suprême du Royaume de Prusse. Le Musée Juif de Berlin se compose en fait de ces deux édifices, posés l'un à côté de l'autre et que, pourtant, rien ne semble relier. De plus, ils n'ont visuellement rien à voir : volume général et détails formels (fenêtres, toit..), matériaux, couleurs...

Alors que le monument allemand a fièrement pignon sur rue, la nouvelle construction se veut beaucoup plus discrète. Elle ne cherche pas à dominer son aïeule en dépassant sa hauteur (22,5 mètres pour l'ancien, 20,5 mètres pour le nouveau). Pudique, elle se cache même derrière des arbres (sauf là, sur la photo en-dessous, quand j'y suis allé au printemps), la rendant alors à peine visible depuis la rue. Du reste, l'édifice, pourtant monumental, ne se présente ici que par le plus petit côté, la tranche, le reste de la forme se développant derrière. Ainsi, le bâtiment de Libeskind évoque cette histoire juive qu'on a voulu cacher.

© www.libeskind.com

Cependant, l'édifice contemporain est résolument plus audacieux que ce qu'il laisserait penser de prime abord. Seule une vue aérienne permet d'en appréhender l' expressivité de la forme, un imposant zigzag se déployant sur environ 150 mètres, que les Berlinois ont alors surnommé le "blitz". Pour l'architecte déconstructiviste, cette longue ligne brisée, aux angles aigus et sommets pointus, figure l'Histoire des juifs en Allemagne, violente et dramatique... D'ailleurs, la forme apparait d'autant plus contrariée, tourmentée, lorsqu'elle arrive aux abords du bâtiment baroque. À l'extérieur, une grande tour en béton et un jardin de piliers inclinés (voir plus bas).

© Günther Schneider

Le bâtiment principal du nouveau Musée Juif de Berlin est entièrement recouvert de zinc monoxydé. Alors que l'on pourrait y voir une similitude avec le Musée Guggenheim Bilbao de Gehry, le projet ici est aux antipodes, loin du m'as-tu vu monumentaliste. En plus d'adoucir l'aspect agressif de la forme en absorbant la lumière, ce froid et doux métal gris-bleuté a la particularité de ternir au fil du temps, le rendant ainsi encore plus sobre.

Cette enveloppe est marquée d'entailles qui semblent être autant d'impacts et de cicatrices sur la peau. Des stigmates qui seront de plus en plus marqués avec le vieillissement du métal. Ces coupures ne sont pas de simples fenêtres et traversent littéralement le corps du bâtiment. Néanmoins, alors qu'elles suggèrent une grande violence, les formes si particulières (il a fallu les faire construire par un fabricant de pare-brise !) sont en fait dues à un dessin qui n'a rien d'émotionnel. En effet, à l'instar de Sol Lewitt ou de François Morellet, Daniel Libeskind a tracé sur une carte de Berlin des lignes reliant les adresses (réelles ou imaginaires) des personnalités emblématiques du Judaïsme allemand. Il a ensuite projeté la figure aléatoire ainsi obtenue sur les façades du bâtiment.

© www.libeskind.com

Le Kollegienhaus, le Glashof et le parc

Alors que l'attention se focalise sur le bâtiment contemporain, l'entrée au Musée Juif de Berlin se situe en fait dans l'édifice ancien. Rien ne semble pourtant les associer, ni les relier... On se serait alors trompé ? Ou alors on nous aurait menti ? Le Kollegienhaus date de 1735 et abritait l'administration du Royaume de Prusse, puis l'ancien siège de la chambre suprême de Prusse jusqu'en 1913. Sérieusement endommagé au cours de la II née Guerre mondiale, il fut reconstruit en 1963 à partir des seuls murs restants et accueillît le musée de la ville de Berlin. Aujourd'hui, le bâtiment héberge la billetterie (à l'accueil aussi sympathique qu'un mur de béton Est-allemand...), les vestiaires, un café et un service de restauration qui revisite la cuisine juive à la sauce contemporaine.

En 2007, Libeskind revient au Musée Juif de Berlin pour réaliser le Glashof, une extension au Kollegienhaus. Cette grande verrière recouvre la cour intérieure du bâtiment en U, suspendue par quatre piliers en forme d'arbre et de branches. Cet espace s'inspire d'une soukka, cabane construite lors de la fête juive de Souccot. En accès libre et gratuit, il abrite la terrasse du café mais également des expositions, des concerts ainsi que la remise du Prix de la compréhension et de la tolérance décerné chaque année par le musée.

En sortant du Kollegienhaus, on peut se promener dans le petit parc du Musée Juif de Berlin, conçu par Hans Kollhoff et Arthur Ovaska. Certains se promènent au pied des arbres aux essences variées, d'autres s'assoient sur un banc ou une chaise longue... Sur le côté, derrière il y a un (horrible !) bâtiment expose la sublime et stupéfiante œuvre de James Turell, tandis que, au fond, une butte avec une fontaine, un terrain de pétanque, un four à pain... Que ce soit pour les berlinois ou les touristes après leur visite, il s'agit d'un lieu de vie tout à fait agréable.

L'accès au bâtiment de Libeskind se fait à l'intérieur du Kollegienhaus mais le lien entre les deux est enterré, invisible de l'extérieur. Un grand portail en béton brut donne sur des escaliers obscurs s'enfonçant au sous-sol, symbole d'une histoire cachée... À l'inverse, l'espace s'étire sur plusieurs mètres au-dessus des têtes. Il s'agit en fait d'une immense tour de béton aux angles aigus traversant de haut en bas l'édifice baroque. Le musée juif et le monument allemand sont imbriqués l'un dans l'autre, à l'instar de leur histoire respective. Cette colonne est ainsi le point d'ancrage du parcours muséal à venir.

On arrive alors au cœur du projet architectural du Musée Juif de Berlin. Alors que la forme du blitz est complexe, cet espace souterrain se compose plus simplement des trois lignes s'entrecoupant. Toutefois, leur disposition fait qu'on ne peut jamais en voir que deux à la fois. Daniel Libeskind les appelle des "axes", chacun d'eux incarnant les trois expériences du Judaïsme allemand dans une narration en trois actes : l'Exil, la Mort et la Continuité. Ces couloirs noir et blanc, affirmés par une violente strie de lumière au plafond, conduisent chacun à une expérience sensorielle différente, évoquant l'histoire du peuple juif.

" Ce ne sont pas des espaces libres, ils ont une très forte charge idéologique. Je fais partie de ceux qui pensent que l'espace doit faire éprouver quelque chose d'authentique. Sinon, on n'aurait pas besoin d'architecture, l'ingénierie suffirait. Donc, je me sers des moyens traditionnels de l'architecture (matériau, proportions, lumière...) pour créer un espace qui n'a jamais existé avant. Car il n'y a jamais eu un bâtiment dont l'entrée se cache dans un édifice baroque, où l'on doit ensuite descendre 12 mètres sous terre, et dont les escaliers et les principales circulations ne sont pas du tout dans l'ordre où on s'attend à les trouver. Pour moi, tout cela traduit l'expérience des juifs berlinois. Ce ne sont pas des effets de mise en scène, ou du cinéma, c'est réfléchi. Et pour le meilleur ou le pire, ça parle de l'expérience qui me semble importante de transmettre." Daniel Libeskind

Au départ de ce couloir, sur la droite, quelques salles appelées "Galerie Rafael Roth" offrent un espace de monstration des œuvres d'art (exposition res∙o∙nant en l'occurence lors de ma visite). Ensuite, des vitrines encastrées dans les murs de l'axe de l'Exil et celui de l'Holocauste présentent des objets ayant appartenu à des personnes juives. Si l'on ne peut couper au traditionnel chandelier à sept branches et à l'effroyable étoile jaune, les lettres, dessins d'enfants, photos de famille... sont autant de souvenirs concrets de petites histoires réelles de la grande Histoire. L'émotion prend alors au ventre et monte au cœur, qui se serre.

Au bout de cet axe, une porte ouvre sur l'extérieur. Il s'agit du " Jardin de l'Exil". Cette échappée au grand jour figure l'Exode, de l'Allemagne en particulier mais aussi plus généralement du peuple juif au cours de son histoire. L'espace est structuré de 49 piliers en béton ( 7, chiffre sacré, multiplié par lui-même, dans un carré, le seul espace parfaitement orthogonal du musée). Au sommet de ceux-là, poussent des arbustes (déracinés, hors-sol...) formant ainsi un jardin suspendu (en référence à celui de Babylone ?). Mais ici, la fuite, emplie d'espoirs, est une chimère. Alors qu'elle est au grand jour, elle est un autre enfermement, extra-situ. Le Jardin de l'Exil, entouré d'une douve, n'a aucune échappatoire. Dans cette impasse, le "Retour" est alors la seule issue... (ps : d'un point de vue beaucoup plus pratique, cela permet que les fraudeurs n'entrent pas gratuitement dans le musée en faisant le mur !).

Si, dans sa forme, il rappelle le Mémorial aux Juifs assassinés d'Europe, vers la Porte de Brandebourg, Libeskind va "plus loin". Le sol du jardin est incliné de 10° sur les deux axes du plan horizontal, créant ainsi une double pente : en marchant au milieu des piliers, on subit un déséquilibre avant/arrière et gauche/droite, rappelant l'expérience de la Matière de Temps de Richard Serra au Musée Guggenheim Bilbao. De plus, cette perte de repères, symbole de l'Exil, du déracinement, change à chaque virage de la déambulation. J'ai vu certains visiteurs devant s'arrêter et s'asseoir sur le bord tellement la sensation étant troublante et perturbante.

Comme l'axe de l'Exil qu'il croise, celui de l'Holocauste est un lieu d'exposition. Au bout de ce couloir de la mort, une porte noire, lourde. En l'ouvrant, un courant d'air froid effleure la peau. On pénètre dans la salle obscure. Puis les yeux commencent à s'habituer à la faveur d'une fente où rentre la lumière. On découvre les murs de béton brut de la " Tour de l'Holocauste " ainsi que son impressionnant volume. Située à l'extérieur de manière indépendante, elle n'est reliée au bâtiment que par cet axe souterrain. Si elle semble être une jumelle de la tour d'entrée, ici, l'expérience est toute autre : on est dans une chambre d'extermination. Cet espace vide manifeste l'absence. Seuls quelques bruits arrivant de la rue par la lucarne mais ceux-ci renforcent la sensation d'être coupé du monde. Puis, le froid et l'épouvante glacent le sang et l'esprit... La mort comme finalité, aucun espace ne poursuit. Nous, avons la liberté de faire demi-tour et sortir en vie...

À l'inverse des deux autres axes, celui de la continuité n'est qu'un lieu de passage et n'expose rien sinon sa propre architecture. Démarrant au pied de la tour d'entrée, il est le plus long des trois couloirs. L'axe de la Continuité est le seul à "emmener", symbolisant la poursuite de l'existence du peuple juif en Allemagne. Si, au départ, il a les mêmes dimensions que les autres, la perspective s'étend subitement au pied de l'escalier auquel il conduit. À la plus grande surprise du visiteur, l'espace trouve ici une nouvelle profondeur mais surtout une hauteur alors inattendue. Toutefois, le couloir garde sa largeur originelle dont les deux parois ne semblent maintenues qu'à la force des grandes (mais proportionnellement minuscules) poutres en béton qui traversent l'espace. Nous éprouvons ici une résistance architecturale précaire visant à assurer la continuité malgré la tension, aussi difficile soit-elle face aux pressions du Monde. Cette ascension se veut être comme une épreuve pour revenir au-dessus du niveau du sol. Lueur d'espoir et optimisme, cet écart s'agrandit de plus en plus sur la partie haute.

© www.libeskind.com

L'escalier de l'axe de la continuité dessert trois des quatre étages du Musée Juif de Berlin. Mais, lors de ma visite, seul le premier était accessible. Si, à l'intérieur on retrouve l'esthétique dessinée par Libeskind (angles pointus, envers des entailles, lignes obliques et étirées... à la manière expressionniste d'un film de Fritz Lang), il est toutefois légitime de penser que le projet architectural natif de l' architecte américain a été corrompu. Après moultes discussions, le musée a ouvert ses portes en 1999, avec rien de plus à exposer que sa propre architecture : une œuvre d'art à part entière, pénétrable, dont l'expérience esthétique et sensible se suffisait à elle-même. Mais, malgré la fréquentation (50.000 visiteurs en deux ans), les administrateurs berlinois (démagogiques et/ou ignorants de la chose artistique ?) ne se contentaient pas de ce vide pourtant hautement signifiant. Ainsi, comme l'architecture du Musée Juif de Berlin n'était pas propice à cela (l'intention n'avait jamais été celle-ci), des décorateurs d'intérieur munichois furent missionnés pour aménager les espaces d'accrochages : panneaux, modules, colonnes, vitrines, cimaises, éclairages, escaliers et mezzanines (parfois repeints avec des couleurs abjectes) sont alors venus altérer les formes et les volumes dans un but fonctionnel. (quelques exemples du carnage ici ou là).

Le musée inaugure en 2001 une riche collection de plus de 4000 objets retraçant 2000 ans de présence juive en Allemagne. Le muséographie développe notamment la thématique de l'écriture et de la lettre. Pour ma part, je suis venu découvrir le bâtiment et l'exposition permanente m'a assez peu intéressé. Je dois aussi dire que j'ai, par exemple, apprécié les œuvres vidéo d' Hadassa Goldvicht, Writing Lesson (2005), Taking it all back (2006) et Kiss (2012). Insolite, le distributeur kasher.

Autre signe fort de l'architecture du Musée Juif de Berlin, Daniel Libeskind a placé des tours de béton. Celles-ci jalonnent en pointillés le "blitz" à chaque croisement d'une ligne droite tracée arbitrairement. Chaque forme est différente. À l'intérieur de ces espaces, il n'y a rien. Ils incarnent la dernière figure du Judaïsme allemand, l'absence, et l'architecte les appelle "les vides". Ce volume en négatif symbolise tout ce qui a été anéanti au fil de l'histoire juive. Ces lieux fantômes sont inaccessibles (en fait, dans les salles de "Galerie Rafael Roth" on peut voir au-dessus de nous deux des six oculus). Celle-ci n'est réellement perceptible que depuis le ciel, par les verrières sommitales, ou à travers quelques meurtrières lors de la visite. Mais il n'y a y rien à voir, sinon le vide en lui-même, à ressentir.

" Vous imaginez que ce n'est pas un projet que je pouvais concevoir tranquillement chez moi, en montrant quelques jolis dessins. Chaque semaine, je devais rencontrer une cinquantaine de bureaucrates qui contestaient le moindre détail. Pourquoi devons-nous dépenser de l'argent pour construire un espace qui ne sert à rien ? Vous pouvez toujours l'appeler 'le vide', mais réduisez-le à des proportions économiquement viables. J'ai essayé de les convaincre qu'il fallait organiser ce musée selon des principes totalement autres, parce que c'est ce musée là qui est aujourd'hui nécessaire. Ce n'est pas une histoire qu'on peut ranger une fois pour toute et dire 'Voilà c'est fait' et on peut passer à autre chose. Il y aura toujours une tension entre la substance de cette histoire, ce qui peut être raconté et ce qui ne peut jamais l'être, dont on ne peut avoir que l'intuition et qui résistera toujours à toute tentative de contrôle, toute tentative d'en finir. C'était pour moi l'un des défis de la construction de ce bâtiment. " Daniel Libeskind

Néanmoins, un seul, le dernier et plus grand, appelé "le vide de la mémoire", est accessible aux visiteurs. Il est le seul lieu destiné, dès l'origine du projet, à accueillir ce qui était censé être l'unique œuvre du Musée Juif de Berlin. Cette installation de Menashe Kadischman s'intitule (1997-2001), "les feuilles mortes". Il s'agit de milliers de disques d'acier posés au sol. Sur ceux-ci, des trous figurent un visage humain à travers une représentation rudimentaire : deux yeux, un nez, une bouche. Un anonymat en même temps qu'un universalisme, même si chacun d'eux est unique (certains, plus petits, même des enfants...). Un mémorial en hommage aux victimes de la Shoah.

Mais là où l'œuvre prend toute son ampleur de ce lieu spécifique lorsque l'on marche dessus (oui, on a le droit !). Au départ, le pied est hésitant, coupable. Les disques métalliques s'entrechoquent sous nos pas et les visages crient dans un son strident dont l'écho, prisonnier dans cette tour, résonne épouvantablement. Tout notre être est alors saisi jusqu'au plus profond par une intense émotion, un malaise étourdissant. En traversant ce charnier, nous, vivants, marchons sur des âmes hantant et hurlant l'atrocité du génocide. Une double interprétation m'a alors semblé possible : s'agit-il d'un devoir de mémoire en réactivant le souvenir des victimes pour ne pas tomber dans l'oubli du drame ou bien une sensibilisation à "notre" inaction de l'époque, une complicité passive de l'extermination ?

On ressort ensuite par le même itinéraire qu'à l'aller. Pour tout amateur d'architecture, mais également toute personne qui vient à Berlin, visiter le Musée Juif est, à mon sens, incontournable. Humainement sensible au sujet traité mais sans être passionné non plus, j'ai été impressionné par le bâtiment de Daniel Libeskind. L'expérience qu'il donne à vivre est stupéfiante, par l'intention du projet comme par l'esthétique. Cela dit, il est victime de son succès et je vous conseille de ne pas venir à la première heure (comme je l'ai fait). La présence de groupes de touristes venant en masse dès l'ouverture remplit les espaces et vient véritablement parasiter l'expérience de l'absence, du silence, du vide...

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Le MUSÉE JUIF DE BERLIN, une architecture de l'Histoire Juive - Blog Voyage Trace Ta Route

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Visite et analyse de l'architecture du Musée Juif de Berlin de Daniel Libeskind : le "Biltz" et les 3 axes de l'Exil, de l'Holocauste et de la Continuité.

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Les mots-valises sont composés de la fusion de plusieurs mots (généralement deux) qui peuvent avoir en commun une syllabe. Ce sont des néologismes passés à la postérité pour certains d’entre eux et souvent utilisés dans le langage courant.

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Intemporel. Épuré. Chaleureux. Rustique. Les expressions de cette tendance de décoration d’intérieur sont nombreuses et elles sont toutes des pierres angulaires importantes pour celui ou celle qui choisit d’adopter une philosophie plus harmonieuse pour son intérieur. Japandi est une tendance hybride…

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C'est un mot qui signifie littéralement "jointure en or" en japonais. Le Kintsugi permet de restaurer des objets cassés, abîmés, non pas en dissimulant les fêlures, mais en les sublimant avec de l'or. Le Kintsugi est une ode à l'imperfection et à la fragilité. Il nous incite à prendre soin de nos objets du quotidien au lieu de les jeter quand ils ont subi l'épreuve du temps. Myriam Greff est une restauratrice d'art qui le pratique.

Myriam Greff, artiste : "On passe d'un objet qui est destiné à la poubelle à un objet qui non seulement devient une œuvre d'art et qui, en plus, peut être réutilisé dans son usage d'origine."

À l'origine, l'artiste installée à Meaux avait appris à réparer les objets dans une démarche "illusionniste", c'est-à-dire en donnant l'illusion que l'objet était neuf une fois réparé.

Myriam Greff : "On me demandait d'effacer les traces du temps et ça avait quelque chose à la fois de magique et de complètement faux. La céramique, c'est avant tout des objets utilitaires. Quand on fait de la restauration dite illusionniste, donc invisible, on ne peut pas se resservir des objets parce que les produits utilisés pour la restauration sont toxiques. Donc je rendais des pièces qui semblaient en parfait état et qui ne pouvaient plus servir."

C'est en arpentant les allées du musée Guimet que Myriam Greff découvre le Kinstugi, méthode de restauration née au Japon au XVe siècle pour satisfaire le caprice d'un shogun qui voulait faire réparer un bol cassé. Contrairement à d'autres méthodes, le Kintsugi permet de retrouver l'usage de l'objet à 100 %, tout en transformant complètement son esthétique.

Myriam Greff : " Sur ce vase, une fois cassé, il manquait un très grand tesson. Au lieu de faire un grand aplat doré, j'ai préféré le combler de laque noire qui est polie. J'ai profité de cette absence pour pouvoir faire un dessin. J'ai choisi un motif floral assez dynamique, inspiré de l'art nouveau qui rappelle un peu le tableau du Cri."

Des mois pour restaurer une pièce

Pour restaurer une pièce "façon Kintsugi", il faut deux ingrédients : de la sève d'un arbre qui pousse en Asie et de la poudre d'or. Cette méthode ne nécessite pas de cuisson au four, mais le séchage exige de la patience et une grande précision.

Myriam Greff : "Le séchage de la laque est très différent quand je travaille en hiver ou en été. Il faut être très à l'écoute de son environnement, il y a une odeur et un toucher. Il y a une manière dont la laque commence à briller, commence à se tendre."

Le Kintsugi redonne de l'importance au vécu de l'objet et aux accidents qu'il a subis.

Myriam Greff : "C'est beau de pouvoir montrer cette fragilité, parce qu'un objet, ou une personne, qui se montre fragile, elle peut obtenir du soutien. Par exemple, voici deux tasses que j'ai cassées et que j'ai mélangées pour que l'une complète l'autre, pour avoir une sorte de symbolique, une double symbolique de la résilience et du soutien qu'on peut apporter."

L'amour porté aux objets du quotidien

Le Kintsugi, c'est aussi une philosophie qui incite à accepter les objets avec leurs défauts et leurs aspérités.

Myriam Greff : "Il y a une recherche esthétique autour de l'imperfection et de l'asymétrie, avec en même temps une recherche très forte autour de la perfection. Je ne laisserais jamais une poussière dans ma laque, les lignes doivent être très belles. Souvent, on pense que je coule du métal dans les cassures et quand on me demande ça, je me dis que mon travail a été bien fait."

Mais tous les objets ne se cassent pas accidentellement. Parfois, certains clients demandent à l'artiste de casser les objets elle-même pour pouvoir transformer leur apparence.

Myriam Greff : "Les gens n'osent pas les casser eux-mêmes parce qu'ils ne connaissent pas bien la matière céramique et ils ont peur de me donner un sachet de poudre et de tessons. Ça peut paraître complètement aberrant et en même temps, quand on a compris le message qu'il y a autour de la résilience, de cette ode à la fragilité, on comprend mieux ces réactions de vouloir restaurer un objet alors qu'il est actuellement en parfait état."

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"Il n'y a pas de hasard dans la vie, il y a une telle ressemblance entre cette dentelle et ce squelette de corail, que je me suis dit : est-ce qu'on ne pourrait pas utiliser cette dentelle pour sauver les récifs ?" C'est cette réflexion de l'artiste Jérémy Gobé qui est à l'origine de son projet Corail Artefact, une initiative qui allie science, art, innovation, écologie, éducation et qui l'a même conduit à créer une nouvelle matière.

De la dentelle comme tuteur

Deux tiers des récifs coralliens sont menacés d'extinction : surpêche, tourisme de masse, réchauffement climatique, pollution... empêchent leur régénération.

Jérémy Gobé : "Les coraux pondent des larves et ces larves vont se refixer à nouveau sur le récif. Sauf que sur cent larves à peu près il y en a trente qui vont effectivement retomber sur le récif et régénérer le tissu vivant du corail. L'idée de la dentelle c'est de l'utiliser comme un tuteur, comme un substrat, un support qui va aider à capter plus de larves et donner un coup de pouce à la régénération naturelle des récifs."

En 2010, Jérémy Gobé trouve des squelettes de coraux à Emmaüs, il décide de les agrandir, de les développer pour en faire des oeuvres d'art. Avec la dentelle, il veut inventer un projet qui propose une action écologique.

Pour transformer ce tissu en tuteur deux grands défis se sont posés : le premier celui de la forme.

Jérémy Gobé : "J'aime bien m'inspirer des savoir-faire traditionnels, et j'ai découvert une dentelle qui s'appelle la dentelle au fuseau et cette dentelle traditionnelle - qui a plusieurs centaines d'années - a un motif qui s'appelle le point d'esprit. C'est vraiment le motif phare de cette technique. Ce motif ressemble comme deux gouttes d'eau a un squelette de corail que j'utilisais dans mes œuvres."

L'invention d'une matière

Après avoir retravaillé le motif et l'avoir miniaturisé, assez vite, s'est posée la question de la matière.

Jérémy Gobé : "Au départ j'ai testé la dentelle standard, la dentelle traditionnelle qui est en coton. Mais le coton n'est ni la matière la plus écologique parce qu'elle demande beaucoup d'eau pour être produite, ni la matière la plus intéressante pour le corail parce qu'elle se dégrade très vite dans l'eau. L'idée c'était vraiment de partir de cette dentelle traditionnelle mais de l'améliorer au niveau de la fibre. Depuis fin 2017, je teste de nouvelles fibres, jusqu'à aujourd'hui avec mes collaborateurs où on a créé une nouvelle matière."

Parti de matières naturelles comme le lin ou la soie, Jérémy Gobé a finalement privilégié une matière en biopolymère.

Ces nouveaux types de matériaux sont issus de ressources naturelles comme l'amidon et sont biodégradables. Mais ils peuvent avoir la solidité du plastique.

Jérémy Gobé : "Il y a tout un travail de transformation avec cette matière première, pour arriver à en faire du fil, et ensuite ce fil il faut arriver à le tisser pour en faire de la dentelle."

De l'idée à l'action

Les premiers essais faits avec le coton ont fonctionné, le corail s'est régénéré sur la dentelle.

Il faut maintenant essayer in situ la nouvelle matière, ce qui pourrait être possible en Guadeloupe fin 2022. Parce que pour Jérémy Gobé, l'important c'est d'agir.

Jérémy Gobé : "Les artistes nous sommes dans la vie, dans la société. Nous ne sommes pas des albatros à la Baudelaire complètement en dehors du monde, même si c'est bien, il en faut et je suis tout à fait client de l'art conceptuel, des œuvres qui prônent la beauté et qui sont déconnectées du contexte. Mais je pense qu'il faut équilibrer avec des artistes qui montrent que l'art n'est pas qu'une illustration, qu'une manière de dénoncer, mais qu'on est aussi des forces de propositions."

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Jérémy Gobé, l'artiste qui veut sauver les coraux grâce à la dentelle

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C'est l'idée un peu folle mais séduisante à laquelle on a envie de s'accrocher : et si l'art nous sauvait ? Il pourrait déjà aider à préserver les coraux, véritables poumons de nos océans ; c'est l'idée de Jérémy Gobé qui utilise des œuvres en dentelle pour favoriser leur reproduction.

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En Italie, le studio R3direct s'est associé à l'architecte Giulia Del Grande pour créer un revêtement en 3D destiné aux mobiliers urbains alliant à la fois confort et créativité.

Les imposantes barrières Jersey sont présentes dans toutes les villes et sont généralement utilisées pour séparer des voies de circulation ou couper les routes en cas de besoin. Afin de les rendre plus fonctionnelles et moins moroses, le studio a conçu en 3D un revêtement baptisé U.S.E. (Urban Safety Everyday) à partir de plastique recyclé, faisant également office de bancs.

Le recyclage et le traitement du plastique avaient été préalablement réalisés par l'entreprise Lucart, spécialisée dans la transformation d'emballage plastique en emballage fait de matériau renouvelable et biodégradable. C'est ainsi l'équivalent de 3300 cartons alimentaires Tetra Pak qui a été incorporé dans le mobilier par le studio avant son impression. Plusieurs artisans locaux ont également participé en façonnant chaque partie du revêtement pour lui donner un aspect plus contemporain et convivial ainsi qu'une touche florale.

Le premier prototype a été installé ce mois-ci dans la ville de Lucca, sur lequel a été apposé un QR code permettant de découvrir le processus de fabrication du concept. Cette construction insolite permet de s'incruster parfaitement dans le paysage urbain tout en éveillant les consciences en faveur de l'écologie. Pour en savoir plus sur le projet, vous pouvez vous rendre sur le site (en italien) de R3direct.

Et dans un contexte très similaire, nous vous proposons de (re)découvrir la création du studio de design Teratoma Productions qui a imaginé des fournitures pour transformer les poteaux en sièges.

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Un revêtement design qui transforme les barrières en béton en sièges

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En Italie, le studio R3direct s'est associé à l'architecte Giulia Del Grande pour créer un revêtement en 3D destiné aux mobiliers urbains alliant à la fois confort et créativité. Les imposantes barrières Jersey sont présentes dans toutes les villes et sont généralement utilisées pour séparer des voies de circulation ou couper les routes en cas de besoin.

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Même si le contexte actuel ne prête pas à sourire, le 1 er avril reste l'occasion pour qui le souhaite de préparer ses meilleures blagues. Un exercice créatif qui nous intéresse beaucoup chez Creapills et, comme nous aimons le marketing, nous vous avons préparé une compilation des meilleures prises de parole des marques à cette occasion.

Avec l'omniprésence des réseaux sociaux, le 1 er avril est devenu un rendez-vous à ne pas manquer pour les entreprises qui souhaitent profiter d'un peu de viralité, l'occasion de dévoiler ses idées les plus absurdes pour créer des émotions, générer des conversations et des relais médias.

Et parmi ces idées absurdes, on notera la sortie du tout premier véhicule de Lidl (attention les yeux), le canapé de MADE.com qui grandit quand on l'arrose ou encore Honda qui veut faire de votre chien votre copilote. Bref, c'est du grand n'importe quoi mais c'est plutôt amusant et inspirant pour les amateurs de marketing !

Deezer

La célèbre application de streaming musical Deezer change de nom ! L'annonce a été faite ce matin sur la page Facebook du service qui sera désormais baptisé Onzer. On a changé d'heure y'a pas si longtemps et ça recommence. 😉

Logo original de Deezer

Nouveau logo de Deezer

Danette

Danette a écouté ses clients ! Pour le 1er avril, le dessert chocolaté lance une version Toast avec un réservoir contenant des tranches de pain à tremper. 😋

Gendarmerie des Alpes de Haute Provence

Ce n'est pas une marque mais la prise de parole nous a fait sourire. Sur sa page Facebook, la gendarmerie des Alpes de Haute Provence présente sa nouvelle brigade... féline. Un coup dur pour les chiens puisque les chats prennent la relève pour faire ronronner respecter la loi.

Lidl France

Dans ce qui semble être un partenariat avec le site Auto Moto, le distributeur Lidl France a dévoilé son nouveau produit. Oubliez les robots de cuisine et faites place à un SUV aux couleurs de la marque. Bon, les goûts et les couleurs...

Lidl Royaume-Uni

Alors qu'en France Lidl joue avec l'automobile, au Royaume-Uni le distributeur s'imagine parfumeur. L'occasion de dévoiler sa dernière création avec cette "Eau de Dough" (comprenez "Eau de pâtisserie") avec un hommage parfumé au croissant. 🥐

Breizh Cola

Avis à nos amis bretons ! La célèbre marque de soda Breizh Cola vient de tomber sur une étrange vache qui semble avoir bu quelques gouttes du cola breton. Aux premières nouvelles, sa robe s'est recouverte d'une hermine. Affaire à suivre...

Duolingo

Duolingo est dans le pétrin ! Un avocat américain vient de publier une annonce pour rassembler des témoignages afin de faire arrêter la mascotte de la marque. Cette dernière a été filmée en train de kidnapper des utilisateurs de l'application qui ont arrêté leur cours de langue en ligne. Une action collective qui pourrait coûter quelques 2,7 millions de dollars à l'entreprise (bon évidemment tout ça n'est qu'une blague).

Made.com

Pour le site de meubles Made.com, rien n'est impossible. La société anglaise prétend avoir inventé le premier canapé qui grandit quand on l'arrose. Bon, on repassera sur la crédibilité de l'idée mais le concept est sympa.

Burger King

Burger King semble vouloir mettre tout le monde d'accord entre les pro-viandes et les végétariens (ou presque). La chaîne a lancé le premier burger végétarien pas végétarien. Le FlexiWhopper contient en effet un steak végétal sur un steak de bœuf. Bon appétit ! 🍔

Honda

Honda veut faire de votre chien votre co-pilote ! Pour offrir toujours plus de place aux animaux de compagnie, le constructeur japonais a imaginé un dispositif spécial avec harnais de sécurité, distributeur de croquettes et bol d'eau intégrés au siège. Et pour les griffes on fait quoi ?

Subway

Subway a visiblement confiance en l'odeur de sa nourriture. La chaîne de sandwiches a lancé un diffuseur capable de libérer une douce odeur de pain grillé. On notera qu'il porte le même nom que le parfum de Lidl mentionné plus de haut dans l'article.

Razer

Connu pour ses accessoires informatiques lumineux et colorés très prisés des games, Razer innove en ce 1 er avril avec un produit pour le moins complet. Oubliez les souris, la marque a développé une combinaison futuriste et design pour ressentir tous les effets des jeux vidéos. Il faut bien ça pour jouer dans le métavers !

LEGO

Le géant danois présente son nouveau produit avec une maxifigurine : un personnage LEGO géant qui fait la taille d'un être humain et que vous pouvez trimballer partout, pendant vos vacances, vos visioconférences et bien plus. L'idée est amusante mais la qualité du film laisse perplexe.

Walkers (chips)

Si les chips sont très souvent associées aux pique-niques, la marque Walkers veut encore aller plus loin pour être utilisée jusque dans les sandwiches. Pour cela, elle présente son nouveau produit avec des chips géantes et plates qui se glissent entre les tranches de pains pour apporter saveur et croustillant.

Swapfiets

Le service de location de vélos basé à Paris Swapfiets joue sur le premier avril en pensant à la météo. La société présente ainsi un étrange vélo équipé d'une pelle pour déneiger les routes, de quoi être utile aux parisiens puisqu'il neige sur la capitale en ce jour.

Netflix France

Netflix France a détourné ses séries dans un tout autre registre. 6 affiches ont été réalisées pour parodier Emily in Paris dans un style dramatique ou encore Squid Game façon comédie burlesque. Il faut connaître les shows pour comprendre mais la réalisation est vraiment top.

Kotex

La marque Kotex vient de lancer les premières serviettes au chocolat. Une volonté pour la marque de "déstigmatiser" les menstruations, durant lesquelles "les femmes seraient émotives et folles de chocolat".

Hellmann's

Si vous pensiez ne pouvoir être dégouté de rien, attendez que l'on vous parle de cette mayonnaise Hellmann's délicieusement mixée avec du beurre de cacahuète. C'est du lourd... niveau calories.

Campo Viejo

Plutôt blanc ou rouge ? Si vous ne savez jamais départager vos envies entre les deux vins, partez donc sur ce Campo Viejo Rioja y Juntos. Une délicieuse bouteille qui contient à la fois du blanc et du rouge pour satisfaire toutes vos envies. Comme dit le dicton : "Blanc sur rouge, rien ne bouge".

Domino's

Vous passez vos journées entières derrière votre ordinateur et n'avez même pas le temps de vous faire à manger. Pas d'inquiétude, Domino's a pensé à tout avec ce clavier qui contient une touche spéciale. Appuyez dessus et une pizza vous sera livrée au plus vite.

Arcwave

La marque Arcwave dévoile son tout nouveau concept avec ce petit aspirateur surpuissant qui utilise la technologie de ses produits. Ah oui, on a oublié de préciser qu'Arcwave développe... des sextoys masculins.

Vite ma dose

Le désormais célèbre site Vite ma dose lance une application de rencontre. Avec Vitemoncrush.fr rencontrez les personnes vaccinées près de chez vous. Il faut bien rire un peu !

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Les 20 meilleures réactions de marques à l'occasion du 1er avril 2022

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Un Court-métrage de Chloé Alliez, Violette Delvoye

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Cornivor' / Romain Desglands & Adrian Blanc

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Collectif AEquo  pour la Cité des électriciens Bruay

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Refuge Wear - Habitent

Aborder le vêtement pour Lucy Orta, c'est parler de cet indice d'une conscience de la nudité, d'une conscience de soi. Les vêtements ne sont pas des attributs extérieurs, étrangers à la nature de l'être qui en porte ils en expriment au contraire la réalitéé essentielle et fondamentale. Refuge Wear manifeste ouvertement le mode de production d'espace de l'homme, comment il produit sa condition d'espace. Comme le souligne Daniel Sibony "Habiter un espace c'est le prendre pour corps". L'édifice est un corps, au même titre qu'il existe une morphologie spatiale de la société. Refuge Wear - Habitent comme nécessité d'un espace minimum vital individuel, permettant de s'isoler du monde et créant un lieu de réflexion et de méditation. Un univers clos à quatre dimensions. Un vêtement dont les matériaux permettent de se protéger contre le froid, contre le chaud. Un refuge dans le sens de celui de la montagne, c'est à dire un abri temporaire au confort sommaire qui permet de faire une étape avant de repartir. Refuge Wear peut aider à se restructurer et qui, comme toute maison, permet de poser un axis Mundi. Mis au point avec certains sans abris que l'artiste a suivi sur plusieurs années ces Refuge Wear se veulent des objets de réflexion d'autant que certains d'entre eux ont réussi à se réinsérer dans la société.
Loin d'un art politique engagé issu des années 60, Lucy Orta ne pratique pas une ultime dénonciation des systèmes de sociétés "déficitaires" en restant confiné dans le monde de l'art. L'artiste se confronte directement à la réalité, aux réalités qu'elle convoque en agissant sur le terrain même de ces actions.
Jerome Sans, Refuge Wear, éditions Jean Michel Place, Paris 1996

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Aborder le vêtement pour Lucy Orta, c'est parler de cet indice d'une conscience de la nudité, d'une conscience de soi. Les vêtements ne sont pas des attributs extérieurs, étrangers à la nature de l'être qui en porte ils en expriment au contraire la réalitéé essentielle et fondamentale.

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Comme un véritable studio de mode, Paris Fashion Chantier voit le jour dans un atelier de création avec ses couturiers, ses mannequins et le styliste Olivier Mulin, sous l'œil de la photographe Coco Amardeil.

Toutes les tenues et tous les accessoires sont réalisés à partir des matières brutes et des outils utilisés sur les chantiers : bâches, mètres, grillages de délimitation, panneaux de signalisation, gilets de sécurité, etc.

Fini les tristes palissades de chantier ! Place à la mode parisienne, à la couleur et aux écrans digitaux.

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Comme un véritable studio de mode, Paris Fashion Chantier voit le jour dans un atelier de création avec ses couturiers, ses mannequins et le styliste Olivier Mulin, sous l'œil de la photographe Coco Amardeil.

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Unbreakable | Venise

Dans l'exposition Unbreakable: Women in Glass, Lucy Orta donne vie aux dessins de masques commencés en réponse au confinement dû au COVID-19.

Le dessin était un antidote, un moyen de surmonter l'angoisse suscitée par la pandémie. Pendant de nombreuses années, Lucy a archivé des images de masques provenant d'un large éventail de cultures et de rituels. Profitant de cette intense période de questionnement et observant de plus près les caractéristiques, elle a commencé par en extraire les traits marquants pour recomposer des dessins de nouveaux masques aux variations infinies. Ces objets hybrides nous relient à travers les continents et cultures, enracinés dans d'anciens rituels et des systèmes de croyance.

Grâce à l'invitation du Studio Berengo, Lucy a pu donner forme à ses dessins dans les fours à verre de Murano. Utiliser le medium du verre pour exprimer la dualité de la transparence et de l'opacité, deux densités qui soulignent le concept de masquage. Dissimuler et révéler à la fois, exprimer une identité intérieure, un masque comme métaphore de la transformation de la réalité matérielle en essence spirituelle.
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Dans l'exposition Unbreakable: Women in Glass , Lucy Orta donne vie aux dessins de masques commencés en réponse au confinement dû au COVID-19. Le dessin était un antidote, un moyen de surmonter l'angoisse suscitée par la pandémie. Pendant de nombreuses années, Lucy a archivé des images de masques provenant d'un large éventail de cultures et de rituels.

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Koenigsegg dévoile un moteur électrique haute performance et ultra-léger

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Koenigsegg présente un nouveau moteur électrique très léger et puissant qui fera des merveilles dans les voitures électriques... mais pas seulement.

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Marina Tuirina

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Marine Hunot et Zoë Flambard imaginent EPI, un jardin vertical en jeu de construction.

" C'est un lieu de rêve et de création, parce qu'il se construit à plusieurs. S'y mélangent un assemblage ludique d'objets qui rassemblent des jeunes pousses de plantes et d'hommes. Il s'agit d'un jeu de composition, de comprendre sa capacité à construire et à transformer l'espace, les plantes, les usages. C'est un château de pots, entre ciel et terre. Des fenêtres y laissent passer les nombreux habitants que l'on y a logé au printemps. On peut les regarder grandir, s'y développer, et les récolter à hauteur de main, comme on cueille les fruits de l'arbre. "

Installé sur un piètement de bois, les pots céramiques viennent s'imbriquer tels des habitations partagées à la verticale. Un jeu de construction où vous pourrez concevoir l'agencement naturel parfait pour vos plantations.

" Par le mélange du design et de l'architecture, nous avons voulu créer une approche, une expérience. L'objet vient du design, son usage est celui d'architectes. Il crée un milieu de vie à faire fleurir, où l'objet est hôte de la vie. Par sa simplicité, Epi s'adapte aux petits espaces de terrasse, de balcon ainsi qu'au jardin. Par association il vient délimiter des espaces, créer un coin à l'abri des regards. "

Epi, projet développé avec les céramistes prototypistes Catherine Carrot et Pierre-François Gallot-Lavallée est à ce jour à la recherche d'édition.

Plus d'informations sur les designers : Marine Hunot (consulter son portfolio) et Zoë Flambard

Retrouvez notre sélection de projets NATURE

By Blog Esprit Design

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EPI Jeu et Jardin par Marine Hunot et Zoë Flambard - Blog Esprit Design

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Marine Hunot et Zoë Flambard imaginent EPI, un jardin vertical en jeu de construction. " C'est un lieu de rêve et de création, parce qu'il se construit à plusieurs. S'y mélangent un assemblage ludique d'objets qui rassemblent des jeunes pousses de plantes et d'hommes. Il s'agit d'un jeu de composition, de [...]