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Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and contemporary periods, through exhibitions, education programs, research initiatives, and publications. The Guggenheim network that began in the 1970s when the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, was joined by the Peggy Guggenheim Collection, Venice, has since expanded to include the Guggenheim Museum Bilbao (opened 1997), and the Guggenheim Abu Dhabi (currently in development). Looking to the future, the Guggenheim Foundation continues to forge international collaborations that take contemporary art, architecture, and design beyond the walls of the museum. The Foundation is also committed to fostering research, exhibitions, and collections in the field of global art through such programs as the Asian Art Initiative (founded in 2006), the Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative (founded in 2013), and The Robert H. N. Ho Family Foundation Chinese Art Initiative (founded in 2013). More information about the Foundation can be found at guggenheim.org.

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Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation, New York, United States - Google Arts & Culture

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Founded in 1937, the Solomon R. Guggenheim Foundation is dedicated to promoting the understanding and appreciation of art, primarily of the modern and cont...

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Juliana Huxtable, Untitled in the Rage (Nibiru Cataclysm), 2015, Guggenheim Collection Online

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Untitled in the Rage (Nibiru Cataclysm) by Maria Jose Bonivento Cruz

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Josef Albers: Glass, Color, and Light / Septiembre 6, 2020

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Josef Albers: Glass, Color, and Light / Septiembre 6, 2020

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Llamó mucho mi atención la combinación de figuras geométricas y colores para dar vida a una obra de arte que representa esta dualidad y complicidad entre los elementos del arte. Lo que más llamó mi atención fue cómo este tipo de obras representan el cambio que se dió en el arte, y de cómo fueron surgiendo nuevos tipos de técnicas y movimientos diferentes a los tradicionales que hemos tenido la capacidad de analizar también.

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What Do We Want 1993 / Septiembre 6, 2020

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What Do We Want 1993 / Septiembre 6, 2020

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Esta obra llamó mucho mi atención. La manera en cómo el autor hace interactuar las técnicas de la pintura junto con la escultura y objetos exteriores me parece sumamente interesante. La pintura hace alusión a Jesus crucificado, pero con una connotación moderna en la que el Jesus "tradicional" no está presente. Esta ruptura de la tradición está muy presente en estas obras modernas y contemporáneas, y tiene gran importancia en este museo. Las cuerdas son un elemento protagonista en la obra, en donde se sitúan de tal forma que hacen énfasis en esta zona corporal que representa la sexualidad del ser humano. ¿Acaso está haciendo alguna crítica sobre esta "tradicionalidad" relacionada con la sexualidad?" ¿Una conminación entre lo tradicional y lo moderno? ¿Lo tradicionalmente considerado correcto?  El autor juega con el rompimiento de la tradición, connotaciones históricas,  pintura y  escultura para dar vida a esta obra de arte.

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Colección de esculturas / Septiembre 6, 2020

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Colección de esculturas / Septiembre 6, 2020

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Me llamó mucho la atención esta colección. En esta ocasión quise apreciar esta forma de arte, que es muy diferente a la que estamos acostumbrados a ver. Es muy interesante ver cómo diferentes objetos y materiales pueden relacionarse ente sí para dar vida a una obra de arte  que representa una realidad: ya sea una colectiva o la realidad del autor. Estas esculturas invitan a pensar en la posibilidad de hacer cosas utilizando el conocimiento y materiales para mirar más allá del "lenguaje formal de la abstracción"; mirar el mensaje en objetos que pueden ser cotidianos (como por ejemplo "Yes/No" en donde el autor usa ventiladores para mostrar  la confrontación continuamente polarizada de la sociedad).

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El edificio es una construcción representativa de la arquitectura del siglo XX. Es una estructura en forma cilíndrica, diseñado más angosto en sus niveles inferiores que superiores.  Fue concebido como un "templo del espíritu". La primera impresión que me causo el espacio museal fue que era un sitio sencillo y elegante. Sus tonos claros y neutros dan paso a que las obras resalten. Cuando me fui adentrando en el edificio, llego un punto donde hacía falta un poco de color en el edificio.  Sin embargo, las obras disminuían un poco esta falta de color. Me pareció un espacio museal diferente a otros museos; por lo que pude visitar, no existen salas si no que las obras están situadas alrededor de las paredes del edificio, las cuales uno puede visitar completamente por una rampa que une toda la estructura. Así mismo, es un museo que muestra obras con mensajes y significados modernos que se diferencian de todo lo que hemos visitado. Me pareció un diseño de edificio muy interesante e innovador.  Me gustó mucha la combinación que se da entre pinturas y esculturas de diferentes estilos a lo largo y ancho del museo.

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El museo es la sede permanente de una colección renombrada y en continua expansión de obras impresionistas y post impresionistas así como de arre moderno y contemporáneo.

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Frida y la cesárea (inconcluso) Frida Kahlo 1931 / Septiembre 1, 2020

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Frida y la cesárea (inconcluso) Frida Kahlo 1931 / Septiembre 1, 2020

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Esta obra de Kahlo también llamó mucho mi atención. El componente artístico y espiritual de esta obra está muy presente. Frida Kahlo sufrió un accidente de autobús, por lo cuál los médicos le dijeron que probablemente nunca podría tener hijos cuando tenía solo 19 años. Este tema acerca de la maternidad y el embarazo es un tema recurrente en las obras de Kahlo. "Frida y la cesárea" es una obra que usa muchos elementos simbólicos para transmitir un sentimiento y mensaje. La escena de la sala de cirugía demuestra este contexto o tal vez el anhelo de Kahlo de ser mamá. Me llama la atención el uso de colores (blanco y rojo) en la que, personalmente, me adentra en ese contexto de salud, cuerpo humano y hospital. Los símbolos y las diferentes formas de representarlos (algunos más difuminados que otros) crean una obra muy simbólica y representativa de los recuerdos y anhelos de la artista.

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Frida Kahlo, Autorretrato con traje de terciopelo, 1926, Museo Frida Kahlo, w125 x h170 mm

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Captura de pantalla 2020-09-01 a la(s) 1.35.41 p. m. by Maria Jose Bonivento Cruz

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Mi familia (inconcluso) Frida Kahlo 1949 - 1950 / Septiembre 1, 2020

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Mi familia (inconcluso) Frida Kahlo 1949 - 1950 / Septiembre 1, 2020

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Esta obra de Kahlo tiene una gran connotación emocional. En ella, Frida representa a su familia en forma de árbol analógico. Llamó mi atención ya que me parece muy interesante cómo el arte es una herramienta para expresarse y plasmar la identidad propia. En esta obra Frida representa su identidad y procedencia. La forma como están situadas las personas en la obra es totalmente planeado, en donde se ve que en la parte superior están los miembros familiares ya fallecidos (el fondo de nubes representa el "cielo") Esto me parece muy interesante puesto que muestra también la cultura y creencias de esta familia (podría ser católica y las creencias de la vida eterna). En la mitad podemos ver un feto, lo cual es un elemento muy recurrente en las obras de Kahlo. Las caras de las personas a la derecha están vacías. ¿Acaso Kahlo no termino la obra? ¿o quería representar alguna ausencia de estas personas? Sin embargo, por el titulo (inconcluso) se podría inferir que la obra no fue terminada.

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El museo Frida Kahlo me pareció absolutamente hermoso. El espacio museal, a pesar de ser muy diferente a los museos anteriormente visitados o a los "tradicionales", es absolutamente impactante. Me impactó el hecho de que las obras artísticas estén situadas en este lugar, el cual fue donde Frida nació y murió. "La Casa Azul" es este universo que da hogar a toda la historia de una vida absolutamente memorable: incluyendo sus obras y su historia. Me pareció la combinación perfecta ya que al estar en su propia casa, la experiencia que uno tiene al ver las obras es mucho más cercana, real y enriquecedora. Poder estar en el cuarto, la cocina, el estudio y hasta ver las prendas de vestir, hacen de esta experiencia artística una experiencia para recordar. Las salas donde encontramos las obras son sencillas. Esto hace que el observador sienta el contexto y la historia dentro de ellas. Me gustaría resaltar la frase en la Sala 1: "Pies para qué los quiero si tengo alas pa’ volar”

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También conocido como la "Casa Azul". El museo fue fundado en en 1958 y contiene obras de Frida Kahlo y del entorno que la rodeaba.

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took her last breath. The building, which dates to 1904, was not a large-scale construction. Today it has an 800 m2 building surrounded by property measuring 1200 m2. Diego and Frida filled it with color, folk art, and pre-Hispanic pieces to show their admiration for the peoples and cultures of Mexico. The construction underwent two major modifications. When Russian revolutionary Leon Trotsky lived with Diego and Frida in 1937, the property today occupied by the garden was purchased. In 1946 Diego Rivera asked Juan O'Gorman to build Frida's studio. The interior of the house has been maintained virtually intact. This was respected by the poet and the couple's friend, Carlos Pellicer, who designed the museum display for the space after Frida's death. Therefore, the house and its contents preserve that intimate atmosphere.

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Museo Frida Kahlo, Mexico, Mexico - Google Arts & Culture

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La Casa Azul (The Blue House) was the place where Frida Kahlo, the most renowned Latin American artist in the world, came into this world, lived, and took ...

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Self-Portrait- Vincent van Gogh / Agosto 30, 2020 

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Self-Portrait- Vincent van Gogh / Agosto 30, 2020 

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¿Un autorretrato muestra cómo uno se siente con uno mismo? ¿Una crítica? Me parece muy interesante este autorretrato de Van Gogh. Demuestra cómo él se veía así mismo, que podría ser diferente a cómo lo veía la gente. El uso de elementos formales como las lineas y los colores, se relacionan entre si para crear una composición muy completa y artística. El fondo hecho por lineas orgánicas generan un efecto de movimiento que me genera la sensación de era lo que estaba pasando por su mente y alma. Un autorretrato, más allá de mostrar cómo uno mismo se ve en un espejo, representa como uno se siente con uno mismo y los sentimientos internos que uno pueda tener.

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Vincent Van Gogh, The Church in Auvers-sur-Oise, View from the Chevet, 1890, Oil on Canvas, w740 x h940 mm, Musée d'Orsay, París.

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The Church in Auvers-sur-Oise by Maria Jose Bonivento Cruz

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Noche estrellada sobre el Ródano / Agosto 30, 2020 

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Noche estrellada sobre el Ródano / Agosto 30, 2020 

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Esta obra de Vincent van Gogh llamó mucho mi atención ya que yo conocía su obra de "La noche estrellada". Sin embargo, el ver su parecido con esta obra, me llevó al entendimiento de que cada autor tiene un estilo e interes. Esta obra juega con la luz (el reflejo en el agua) y los colores para generar un efecto de noche que se ve muy realista. Con esto, me atrevería a decir que la obra demuestra el impresionismo al relacionar estos elementos anteriormente dichos, para abandonar las figuras planas e identificables y pintar la luz para capturar su presencia en una escena en específico.

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Me llamó mucho la atención visitar la colección de "Impresionismo". Personalmente, había escuchado hablar sobre esta técnica, pero nunca la había entendido en detalle. Después de investigar un poco, aprendí que el impresionismo es una corriente artística que surgió en el siglo XIX y se caracteriza por plasmar la realidad como es percibida visualmente, normalmente al estudiar la luz y la de percepción del color. Las obras en esta colección del Museo d'Orsay demuestran fielmente esta corriente. Los humanos y paisajes representados demuestran el uso de la luz y del color para ser mostrados tal como son percibidos en la realidad. Me parece muy interesante el uso de las sombras, ya que generan un efecto de realismo al  representar la visión de una escena desde un punto de vista específico (desde otro punto, no se verían las mismas sombras)

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La edificación del Museo de Orsay es una antigua estación de tren (Orsay). A penas entré, me pareció un espacio totalmente impactante y hermoso. El reloj en la parte superior demuestra la historia y el contexto del edificio. La decoración, junto con las esculturas, le dan al museo esa connotación artística, siendo el propio edificio una obra de arte. Las escaleras, las salas y todos los rincones que se pueden visitar (virtualmente) me parece que están perfectamente conectadas  y decorados (con sus colores neutros y azules)para mostrar la unidad y totalidad del museo. Me parece la combinación perfecta entre antigüedad y modernidad.

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El Museo de Orsay está ubicado en París y se dedica a las artes plásticas del siglo XIX.

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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum was installed in the former Orsay railway station, built for the Universal Exhibition of 1900. So the building itself could be seen as the first "work of art" in the Musee d'Orsay, which displays collections of art from the period 1848 to 1914.

Open from 9.30am to 6pm daily, except Mondays
Late night on Thursdays until 9.45pm
Last tickets sold at 5pm (9pm Thursdays), museum cleared at 5.30pm (9.15pm Thursdays)
Closed on Mondays, on 1 January, 1 May and 25 December

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Musée d'Orsay, Paris, Paris, France - Google Arts & Culture

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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum w...

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Esta obra de Picasso llamó demasiado atención. La forma como Picasso enmarca un evento histórico en fusión con sentimientos causados a él y a toda la nación, hacen de esta obra un gran testimonio artístico e histórico. A pesar de ser una obra plana, la obra sugiere cierto grado de profunda y niveles de los elementos expuestos. La pintura es extremadamente grande, lo cual genera aún más impacto en el público y genera un sentimiento de conciencia acerca de la guerra que tanto afecta a todas las personas.

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G

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Juan Gris,  La guitare devant la mer, 1925, Painting, w650 x h540 mm, Museo Reina Sofía, Madrid.

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Guitar in front of the sea by Maria Jose Bonivento Cruz

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Otto Van Even, The Batavians Defeating the Romans on the Rhine, 1600/1613, h 38cm - w 52cm, Oil on panel, Rijksmuseum, Amsterdam

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The Batavians Defeating the Romans on the Rhine by Maria Jose Bonivento Cruz

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Portrait of Josette Gris / Agosto 25, 2020

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Portrait of Josette Gris / Agosto 25, 2020

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Este obra que retrata a Josette Gris, esposa de Juan gris y autor de la obra, llamó mi atención por la forma en como usa figuras y elementos para crear la imagen de una mujer. A pesar de usar elementos sumamente abstractos y geométricos, se crea la imagen de una mujer. Me parece interesante cómo uno, como espectador, quiere e intenta imaginar cómo se vería Josette en realidad. También llamo mi atención puesto que el cubismo es una escuela y teoría que me parece sumamente interesante y me llevo a investigar un poco más sobre esto. Me di cuenta que la obra muestra un cambio que se estaba produciendo en el cubismo, buscando romper un poco con la búsqueda de una tradición en la historia, en relación con los cambios durante la Gran Guerra en Francia (lo cual tenía una gran influencia en el cubismo).

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Esta obra fue hecha por Juan Gris, considerado uno de los maestros del cubismo, en 1926. Llamó mi atención puesto que es un tipo de "mosaico" en el que se hace uso de diferentes elementos de una manera que son organizados para tener una relación y armonía dentro de la obra. Es una obra que refleja el cubismo y la utilización de las formas geométricas. Es muy interesante ver cómo en la obra se incluyen elementos relacionados con la música y la escultura e interacciones entre sí.

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, recovering Pablo Picasso's Guernica as well as an outstanding representation of the international avant-gardes and neo-avant-gardes. In short, the founding of this museum means the recuperation of the experience of modernity previously missing from the Spanish context and the opportunity to try out new models of narration from a periphery that is neither lateral nor derivative, but is rather an entry way for new stories, historiographic models and artistic episodes that tip the balance of the orthodox canon of the main museums.

Therefore, the Museo Reina Sofía program is three-fold: on the one hand, rethinking the function of the museum today; on the other hand, analysing the mechanisms for mediation between the public and the institution; and finally, proposing new contexts and stories through the collection and exhibits that lead to a new notion of modernity.

The institution no longer considers its task to be simply the transmission of culture. Instead, it works with other agents and institutions, creating networks and alliances that strengthen the public sphere and position Museo Reina Sofía as a reference of prime importance in the geopolitical South. Similarly, the public is no longer conceived of as a homogenous and uniform multitude, but rather as a collective, multiple agent that questions, rejects and forms opinions, that builds, so to speak, its relationship with the Museum through the singularity of the artistic experience.

The building that houses Museo Reina Sofía is comprised of two parts: the museum's new wing, inaugurated in 2005 and built under the direction of the French architect Jean Nouvel, and the part that was originally built as the General Hospital, promoted by Philip II of Spain in the 16th century and later by Charles III of Spain. The original plans were drawn up by the engineer and architect Jose Agustín de Hermosilla in 1756 and continued by the Italian architect Francesco Sabatini during the second half of the 18th century. Today its appearance is far from the initial conception, due to the multiple modifications it has undergone despite the fact that it continued to be used as a hospital until 1968. It was then abandoned, leading to its deterioration during the subsequent years, until it was acquired by the Ministry of Education, in 1976, to be renovated and transformed into a cultural centre. In 1986, as a culmination of Spain's transition to democracy, the Reina Sofia Art Centre (Centro de Arte Reina Sofía) was created. Four years later it would become a National Museum (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), with the founding of the current museum.

The Museum's continual development in terms of its collections and activities led to the decision to study the possibility of increasing its floor area. The studies performed ended in 1999 and, following an international call for bids, the architect Jean Nouvel was chosen to direct the construction of the new building. His plans, in addition to meeting the needs expressed by the Museum, called for playing an active role in the neighbourhood, intervening and transforming the urban surroundings, while generating new services and a public square. The creation of the latter, made possible by the arrangement of new buildings and the southwest façade of the current Museum, gave a new space to the city.

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Museo Reina Sofia, Madrid, Spain - Google Arts & Culture

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, ...

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Periodismo fotográfico "Photojournalism" / Agosto 25, 2020

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Periodismo fotográfico "Photojournalism" / Agosto 25, 2020

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A pesar de no ser obras pintadas, estas secciones de fotografía me parecen muy interesantes puesto que capturan momentos que traducen el contexto español (en su mayoría durante la Guerra civil). El contraste de géneros, el rol de la mujer, y la "cotidianidad" hechas en estos momentos de guerra llaman mi atención.

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El edificio que abarca el museo Reina Sofía tiene como nombre el edificio "Sabatini", y era el antiguo Hospital general de Madrid. Sin embargo, fue restaurado y cuenta con una parte de una construcción más reciente inaugurada en el 2005. Al entrar al museo, percibo que tiene una decoración sencilla, la cual se refleja en sus interiores lisos y blancos. A pesar de que este concepto no es muy de mi gusto (no me siento tan atraída visualmente), el contraste que se forma con las obras (especialmente las que tienen color) hace que estas resalten y sean los puntos de interés en el museo. Personalmente, encuentro fascinante el Palacio de cristal y es lo que más me llama la atención del espacio museal. Tuve el privilegio de conocerlo presencialmente y me pareció una edificación que llama la atención por su singularidad y presencia majestuosa en un parque totalmente hermoso (Parque del Retiro). Fue planeado originalmente como un invernadero para albergar plantas tropicales con motivo de la Exposición de Flora de las Islas Filipinas en 1887. Actualmente acoge varias exposiciones temporales y es una sede del museo.

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El museo se encuentra en Madrid, España. Fue fundado en 1900 y está dedicado al arte del siglo XX y contemporáneo.

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El Rijksmuseum se encuentra en un edificio construido por el arquitecto holandés Pierre Cuypers. Para la construcción se combinaron elementos góticos y renacentistas y se decoró con referencias a la historia del arte Holandés. En el interior, nos encontramos con un espacio que es absolutamente artístico. El mismo interior tiene acabados y detalles artísticos que lo convierten en una obra artística.  La entrada o el "Hall" principal me parece absolutamente bello. El techo, decorado con unas láminas que tienen bombillos, le dan un cierto aspecto moderno que hace contraste con con el resto del edificio. Aquí encuentro esculturas, la cuales hacen que el público se interese por el arte y la historia que está a punto de conocer. Los salones (de historia y de arte) tienen en su mayoría unas paredes azul claro que, a pesar de ser una decoración para estos, en mi parecer hacen que pierda un poco la elegancia. Sin embargo, el contraste que se genera con las zonas más claras y "rosadas" (por ejemplo las escaleras), le dan al museo un equilibrio entre dos colores que se funden para generar un ambiente artístico y sagrado.

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El museo se encuentra ubicado en Amsterdam. Fue inaugurado en 1800 y tiene aproximadamente  1 millón de obras de todos los siglos.. Está dedicado al arte y la artesanía siendo un viaje a través de la historia.

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Night Watch. The Rijksmuseum itself is also a masterpiece. The collection is presented in a stunning building with amazing interior design. In 80 galleries 8,000 objects tell the story of 800 years of Dutch art and history, from the Middle Ages to Mondrian. Every year, over 2.5 million visitors travel through the ages and experience a feeling of beauty and sense of time.

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Rijksmuseum, Amsterdam, Netherlands - Google Arts & Culture

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Ni...

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Esta obra del también pintor Johannes Vermeer, llamó mi atención debido a al contexto que muestra y la temática que toca: el amor y romance. En la obra se ve cómo una criada le entrega a una mujer elegantemente vestida una carta, la cual es recibida con una cierta confusión y asombro. Esto es lo que precisamente me fascina de esta obra: hace sentir al espectador una curiosidad y misterio de querer indagar más. Esta escena transcurre dentro de un retrato natural dentro de la obra (compuesto por la puerta de un cuarto o sala) y el cual está más iluminada que el resto de la obra (siendo un punto focal).. Esta obra también muestra la diferencia de clases que habían en esta época (1668) y la podemos evidenciar a través de la vestimenta y posición de cada una de las mujeres.

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Esta obra de Johannes Vermeer llamó inmediatamente mi intención ya que es una obra que a pesar de mostrar una cotidianidad, hace que el espectador le de importancia y sentido a este acto. El acto de cocinar y el trabajo de una criada, puede ser algo cotidiano y que en la época que fue creada la obra (Entre 1657–1658) este trabajo fuera visto como la obligación de las mujeres. Me parece sumamente interesante cómo una obra puede mostrar el contexto en la que fue pintada y darnos conocimiento de este. Es así como la obra muestra un contexto (Holanda XVII) en el cual la mujer era la encargada del hogar y de servir al marido. Así mismo, la obra genera un sentimiento de compasión con la mujer, puesto que su mirada baja nos lleva a analizar sus pensamientos y sentimientos acerca de la labor que está haciendo.  Así mismo, me llama la intención el dinamismo en la obra, puesto que se está mostrando una escena en movimiento. Aspectos como la leche cayendo en la vasija, la calefacción y la luz que llega por la ventana nos adentran en la obra y nos ayudan a percibir de una manera muy clara el ambiente de esta.

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Visité la colección de de lápiz. ¿Por qué? El lápiz es una herramienta usada comúnmente como borrador para algo. Sin embargo, me pareció interesante cómo el lápiz también puede ser la fuente principal de obras magníficas. Hay unas obras más "oscuras" que otra las cuales demuestran un uso mas exhaustivo del lápiz, mientras que otras son mas claras y tenues. Llamó mucho mi atención una obra titulada " Het korporaalschap van kapitein Frans Banninck Cocq en luitenant Willem van Ruytenburch, bekend als de 'Nachtwacht'" de Johann Wilhelm Kaiser. Esta es un dibujo en lápiz de la obra "La Ronda de Noche" de Rembrandt. Me pareció especular cómo esta obra puede ser representada en lápiz y tener las mismas características de la original. A pesar de que el color no está presente, se puede percibir el ambiente y los detalles de la obra de Rembrandt.