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Écriture personnelle à rendre

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Exemple de synthèse de documents rédigée

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Travail sur les nouvelles: répondre aux questions1. Quels sont les thèmes développés et évoqués dans les extraits?2. Comment se rattachent-ils au thème?

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Travail sur les nouvelles: répondre aux questions1. Quels sont les thèmes développés et évoqués dans les extraits?2. Comment se rattachent-ils au thème?

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CGE Travaille sur les nouvelles Evan Herbé

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Réponses aux questions 1 & 2.

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La modalisation : la relation entre l'auteur et son énoncé...

L'importance de la modalisation

On appelle jeu une activité sans suite, c'est-à-dire telle que la suite est séparée du commencement et suppose qu'on l'efface. Si des enfants construisent une maison de branches, la meublent, la réparent, ce n'est plus jeu. Si un enfant fait commerce tous les jours et amasse des sous, ce n'est plus jeu. Jouer à la maison ou à l'épicerie, c'est imiter une action, mais sans en conserver les effets. Ce qui se voit en clair dans les parties de barre ou de ballon, où il est convenu que la nouvelle partie ne dépend pas de la précédente. Et ce caractère est encore mieux marqué dans les jeux de combinaison (échecs, cartes) où l'on recommence à neuf.

Alain, "Définitions : le jeu" in Les Arts et les Dieux, 1958.

Comparons ces deux textes.

Le jeu est, sans nul doute , une activité sans suite, je veux dire que la suite est séparée du commencement, immédiatement gommé . Observez des enfants qui construisent une maison de branches... S'ils la meublent, la réparent, ce n'est plus jeu ! Un enfant joue à l'épicier... S'il fait commerce tous les jours et amasse des sous, assurément ce n'est plus jeu ! Jouer à la maison ou à l'épicerie, c'est, bien sûr , imiter une action. Mais il ne faut absolument pas en conserver les effets. Cela ne se voit-il pas en clair dans les parties de barre ou de ballon ?N'y est-il pas convenu que la nouvelle partie ne dépend pas de la précédente? Et ce caractère, le voilà encore mieux marqué dans les jeux de combinaison (échecs, cartes): nouvelle partie, enjeu nouveau, nouvelle chance de gagner, risque nouveau de perdre .

Le premier texte , même s'il n'est pas vraiment un article de dictionnaire, se présente comme une définition , introduite par le pronom indéfini : "On appelle jeu...". L'auteur l'explique ensuite, avec "c'est-à-dire", et la soutient par des exemples, d'abord deux négatifs, posés par hypothèses ("Si des enfants... Si un enfant..."), puis positifs, "les parties de barre et de ballon" et "les jeux de combinaison". La seule marque d'insistance dans ce passage est la répétition de "ce n'est plus jeu". L'ensemble de ce texte représente donc l'opinion d'Alain, mais l'auteur reste très neutre, se veut objectif : il ne s'implique pas directement dans son analyse, ne cherche pas à toucher son lecteur.
Le second texte , tout en reprenant la même définition, adopte un ton bien différent. Déjà, l'auteur s'implique davantage avec la formule "je veux dire" qui remplace le neutre "c'est-à-dire". Il fait appel directement au lecteur par l'impératif, "Observez", suivi de points de suspension qui suggèrent le temps de réflexion, mais aussi au moyen de deux questions rhétoriques : leur forme négative ("ne se voit-il pas... N'y est-il pas convenu...") est une façon d'obliger le lecteur à adhérer à la définition posée. Plusieurs choix lexicaux renforcent aussi les affirmations, tels "sans nul doute", "assurément", "bien sûr", et l'injonction "il ne faut absolument pas..." Remplacer "suppose qu'on l'efface" par "immédiatement gommé" forme une image qui concrétise l'idée qu'un véritable jeu est "une activité sans suite". Ce texte transformé joue également sur le rythme des phrases , avec des phrases plus brèves, et la répétition "ce n'est plus jeu" soulignée par les exclamations. De même le présentatif, "le voilà", attire l'attention sur le dernier exemple, lui-même amplifié par le double chiasme final : "nouvelle partie, enjeu nouveau, nouvelle chance de gagner, risque nouveau de perdre". En entrecroisant l'adjectif répété et les noms, il met en valeur l'idée de nouveauté. Tous ces procédés suppriment la neutralité, l'objectivité du texte originel d'Alain. L'auteur, à présent, exprime son avis nettement, le lecteur perçoit sa conviction , son désir de le persuader. Ce texte est modalisé .

J. J.-A. Lecomte du Nouÿ, Démosthène au bord de la mer s'exerçant à la parole, 1872.

Huile sur panneau, 47,5 x 38. Collection privée.

La modalisation

Modaliser un énoncé , oral ou écrit, exige la mise en oeuvre de procédés stylistiques qui permettent à l'auteur de manifester ses sentiments ou son jugement , auxquels s'ajoutent, pour l'orateur, le geste et l'intonation (cf. le pathos et l'éthos, selon Aristote). Etudier la modalisation d'un énoncé aide le lecteur à mieux percevoir l'attitude de l'auteur, ses rejets ou ses convictions, et à mieux distinguer la part de subjectivité qu'il introduit, la façon dont il cherche, par exemple, à l'entraîner dans son camp, à provoquer sa colère ou sa pitié, voire à se présenter comme une victime ou à se disculper d'une accusation.

- Quand il s'agit d' exprimer une plus ou moins grande certitude , un doute, une probabilité, de porter un jugement sur le bien/le mal, le juste/l'injuste, le beau/le laid, le vrai/le faux, on parle de modalisation évaluative .

- Quand il s'agit d' exprimer ses sentiments , le fait d'aimer/de détester par exemple, on parle de modalisation affective .

Pour renforcer la modalisation de son énoncé, l'émetteur dispose aussi des figures de style , qui vont lui permettre d'accentuer - ou, inversement d'atténuer - son implication, son jugement, de le rendre plus explicite en le concrétisant, de frapper l'imagination de son destinataire, d'attirer son attention sur un sentiment ou une opinion par une expression plus originale. On ne passera pas ici en revue toutes les figures de style, très nombreuses, mais celles qui sont les plus courantes et les plus pertinentes.

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La modalisation : la relation entre l'auteur et son énoncé... L'importance de la modalisation On appelle jeu une activité sans suite, c'est-à-dire telle que la suite est séparée du commencement et suppose qu'on l'efface. Si des enfants construisent une maison de branches, la meublent, la réparent, ce n'est plus jeu.

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De la musique avant toute chose? - Coggle Diagram

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De la musique avant toute chose? - Coggle Diagram: De la musique avant toute chose?

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8 - La Minute du Coach Grand Oral : savoir attirer l'attention

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Faire le calme en soi:Il s’agit d’un état particulier de la variabilité cardiaque (capacité qu’a le cœur à accélérer ou ralentir afin de s’adapter à son environnement) d’ une véritable technique physiologique de contrôle du stress. Elle peut-être obtenue de plusieurs façons mais la résonnance cardiaque (cohérence cardiaque obtenue par la respiration et la règle du 365) est la plus rapide et la plus simple : 3 fois par jour, 6 respirations par minute et pendant 5 minutes.

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Faire le calme en soi:Il s’agit d’un état particulier de la variabilité cardiaque (capacité qu’a le cœur à accélérer ou ralentir afin de s’adapter à son environnement) d’ une véritable technique physiologique de contrôle du stress. Elle peut-être obtenue de plusieurs façons mais la résonnance cardiaque (cohérence cardiaque obtenue par la respiration et la règle du 365) est la plus rapide et la plus simple : 3 fois par jour, 6 respirations par minute et pendant 5 minutes.

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13 - La Minute du Coach Grand Oral : faire le calme en soi

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7 - La Minute du Coach Grand Oral : Parler sans notes avec naturel

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3 - La Minute du Coach Grand Oral : Travailler sa posture et sa gestuelle

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12 - La Minute du Coach Grand Oral : se préparer par la respiration

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La prise de parole en public - partie 1 : posture, gestuelle, gestion de l'espace

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Il est normal d'avoir peur de parler en public

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Il est normal d'avoir peur de parler en public

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La parole est une direction, puis un chemin

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La parole est une direction, puis un chemin

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BTS Culture Générale et expression
Elise Roca

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Culture Générale et expression
BTS

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Problématique

La musique accompagne nos vies : dès le plus jeune âge, avant même la naissance semble-t-il, l'être humain est sensible au son, au rythme, à l'harmonie et au silence. La musique est source de plaisir, d'enthousiasme, de sensations fortes qui marquent notre mémoire. Très présente dans notre quotidien, elle est liée à la fête et à la danse, aux rites, mais aussi aux moments plus douloureux de l'existence. Elle peut offrir un refuge, voire nous isoler du monde. On l'écoute avec attention à l'occasion d'un concert, parfois elle passe plus inaperçue : musique d'ambiance entendue par hasard, presque par accident, émission de radio suivie distraitement. Il arrive aussi qu'elle agresse et provoque des réactions de rejet et d'exaspération.

La musique est un art exigeant, qui demande habileté technique et connaissances théoriques. Elle impose souvent une formation longue, difficile, parfois même éprouvante, puis un entraînement sans fin. Pour autant, les logiciels de création musicale la rendent aujourd'hui plus accessible. La musique requiert également l'investissement de ceux qui l'écoutent : temps, disponibilité, sensibilité, culture. Cependant, les critères d'appréciation sont multiples, à l'instar de la diversité des musiques.

Aujourd'hui, les outils numériques facilitent l'accès à des millions d'œuvres. Pourtant, que l'on soit en France ou n'importe où dans le monde, on a tendance à écouter les mêmes musiques, les mêmes chansons ; on vibre aux mêmes rythmes, on adule les mêmes stars. Magie de la communication moderne qui facilite la circulation des biens culturels et le partage, ou standardisation qui fait disparaître les singularités nationales et régionales, la richesse et la diversité ? Comment même créer sa " play list ", alors que les algorithmes sont capables d'anticiper nos choix ?

En tant qu'œuvres d'art, le morceau, la pièce ou la chanson peuvent aussi revêtir une dimension sociale ou politique. Hymnes nationaux, chants révolutionnaires, chansons engagées, morceaux emblématiques d'une génération, la musique prend différentes formes qui l'amènent à servir une cause. Elle devient dans ce cas la référence d'un groupe social, d'une époque, la clé d'un événement historique. Doit-on alors l'appréhender comme un art essentiellement fédérateur ? La mode, la pression du collectif et de la norme laissent-elles encore une place à la singularité des goûts musicaux ?

Mots-clés

Son, voix, instrument, silence, bruit, harmonie, dissonance, accord, note, chanson, morceau, composition, scie, danse, euphonie, cacophonie, polyphonie, contrepoint, tube, refrain, rengaine, leitmotiv, rythme, tempo, cadence, variations, mélodie.

Musique classique, musique électronique, symphonie, musique populaire, variétés, musique folklorique, musique funèbre, musique sacrée, musique religieuse, requiem, musique de chambre, chant, opéra, comédie-ballet, opérette, musique militaire, musique de film, bande originale, jingle, jazz, rock'n'roll, rap, slam, comédie musicale, reggae, musique zen, musique sérielle, dodécaphonisme, hymne, comptine, berceuse, musique d'ambiance, musique d'ascenseur, musique de supermarché, musique pour spots publicitaires, etc.

Musicien, compositeur, interprète, maître, chanteur, cantatrice, rock star, beat-box, groupe, mélomane, orchestre, fanfare, chorale, chœur, maîtrise, musique d'harmonie.

Concert, festival, récital, bal musette, rave party, karaoké, musicothérapie, musique de jeu vidéo, concours de chant, télé-crochet musical.

Conservatoire, académie, partition, solfège, gamme, improvisation, musique assistée par ordinateur.

Expressions

La musique adoucit les mœurs ; mettre un bémol ; ne tirez pas sur le pianiste ! ; travailler en musique ; réglé comme du papier à musique ; se mettre au diapason ; en avant la musique ! ; aller plus vite que la musique ; c'est toujours la même chanson ; on connaît la musique, etc. ; changer de refrain ; c'est du pipeau ! ; accordez vos violons ; emboucher la trompette de la Renommée ; sans tambour ni trompette ; un concert de louanges ; à cor et à cri ; aller crescendo ; faire crincrin ; pousser la chansonnette ; toucher la corde sensible ; avoir des trémolos dans la voix, etc.

Indications bibliographiques

Ces indications ne sont en aucun cas un programme de lectures. Elles constituent des pistes et des suggestions pour permettre à chaque enseignant de s'orienter dans la réflexion sur le thème et d'élaborer son projet pédagogique.

Littérature

Metin Arditi, Prince d'orchestre
Honoré de Balzac, Gambara, Massimila Doni, Sarrasine
Alessandro Baricco, Novecento pianiste
Julian Barnes, Le Fracas du temps
Jérôme Bastianelli, La Vraie Vie de Vinteuil
Charles Baudelaire, Les Fleurs du Mal, " Harmonie du soir ", " La Musique ", " Correspondances "
Philippe Beaussant, Le Roi-Soleil se lève aussi; Stradella
NinaBerberova, L'Accompagnatrice
Hector Berlioz, Euphonia ou La ville musicale
Jaume Cabré, Confiteor
Virginie Despentes, Vernon Subutex
Jean Echenoz, Ravel
Louis-René des Forêts, La Chambre des enfants, " Les grands moments d'un chanteur "
Christian Gailly, Be-Bop; Un soir au club
Jacob et Wilhelm Grimm, Le Joueur de flûte de Hamelin
E. T. A. Hoffmann, Le Conseiller Krespel
Homère, Odyssée, XII, " Le Chant des sirènes "
Nick Hornby, Haute Fidélité
Célia Houdart, Gil
Nancy Huston, Les Variations Goldberg
Maylis de Kerangal, Dans les rapides
Andreï Makine, La Musique d'une vie
Guy de Maupassant, Contes et nouvelles, " Le Pain maudit "
Akira Mizubayashi, Âme brisée
Toni Morrison, Jazz
Gérard de Nerval, Odelettes, " Fantaisie "
Nicolaï Pouchkine, Mozart et Salieri
Serguei Prokofiev, Pierre et le loup
Marcel Proust, Un amour de Swann
Sylvain Prudhomme, Les Grands
Pascal Quignard, Le Salon du Wurtemberg; Tous les matins du monde
Arthur Rimbaud, Poésies, " À la musique "
Valérie Rouzeau, Vrouz
Lydie Salvayre, Hymne
Peter Shaffer, Amadeus
Stendhal, Rome, Naples et Florence; Vie de Rossini
Patrick Süskind, La Contrebasse
Paul Verlaine, Poèmes saturniens, " Sérénade " ; Jadis et naguère, " Art poétique "
Wladyslaw Szpilman, Le Pianiste

Essais

Dominique Ané, Ma vie en morceaux
Alain Bashung, De l'aube à l'aube
Charles Baudelaire, L'Art romantique, " Richard Wagner et Tannhäuser à Paris "
Emmanuel Bigand (dir.), Les Bienfaits de la musique sur le cerveau
Pierre Boulez, Jean-Pierre Changeux, Philippe Manoury, Les Neurones enchantés : le cerveau et la musique
David Byrne, Qu'est-ce que la musique ?
Agnès Gayraud, Dialectique de la pop
François Gorin, Sur le rock
E. T. A. Hoffmann, Kreisleriana
Vladimir Jankélévitch, La Musique et l'ineffable
Philippe Junod, La Musique vue par les peintres
Michel Leiris, Operratiques
Friedrich Nietzsche, La Naissance de la tragédie
Pascal Quignard, La Leçon de musique; La Haine de la musique
Jean-Jacques Rousseau, Dictionnaire de musique ; articles consacrés à la musique dans l' Encyclopédie
Éric-Emmanuel Schmitt, Ma vie avec Mozart
Joy Sorman, Du bruit
Jean Starobinski, Les Enchanteresses
Carl Wilson, Let's talk about love - Pourquoi les autres ont-ils si mauvais goût ?
Francis Wolff, Pourquoi la musique

En ligne

Cours du Collège de France : Philippe Manoury, " Musique, sons et signes "
Hervé Platel, " Comment la musique modifie notre cerveau ? "
Aline Moussard, Françoise Rochette et Emmanuel Bigand, " La musique comme outil de stimulation cognitive", L'Année psychologique 2012/3 (Vol. 112)
Michka Assayas, " Very Good Trip " (podcast)

Films

Woody Allen, Accords et désaccords
Jacques Audiard, De battre mon cœur s'est arrêté
Christophe Barratier, Les Choristes
Jane Campion, La Leçon de piano
John Cassavetes, Shadows
DamienChazelle, Whiplash
HenriColpi, Une aussi longue absence
Gérard Corbiau, Le Maître de musique; Farinelli
Alain Corneau, Tous les matins du monde
Richard Curtis, Good Morning England
Clint Eastwood, Bird
Stephen Frears, Florence Foster Jenkins
Xavier Giannoli, Marguerite
Milos Forman, Amadeus
Mark Herman, Les Virtuoses
Anthony Mann, Romance inachevée
Radu Mihaileanu, Le Concert
Alan Parker, The Wall; Les Commitments
Roman Polanski, Le Pianiste
Alain Resnais, On connaît la chanson
Ettore Scola, Le bal
Bryan Singer, Bohemian Rhapsody
Bertrand Tavernier, Autour de minuit
Danièle Thompson, Fauteuils d'orchestre
James Toback, Mélodie pour un tueur
Marco Villamizar et Éric Gutierez, Piccolo, Saxo et compagnie
Luchino Visconti, Mort à Venise; Ludwig
Andrzej Wajda, Le Chef d'orchestre
Robert Wise, West Side Story
Studios Disney, Fantasia(1940), Fantasia 2000(1999)

Arts plastiques

Georges Braque, Hommage à Bach
Paul Klee, Fugue en rouge
Franz Kupka, Les Touches de piano. Le Lac
Henri Matisse, La Tristesse du roi
Joan Miró, Intérieur hollandais
Mondrian, Broadway Boogie-Woogie
Luigi Russolo, La Musica
Nicolas de Staël, Le Concert
Norman McLaren,Dots; A Phantasy in Colors

Lorsque paraît Candideen 1759, on se bat partout : en Europe, en Amérique, en Inde. À l'inverse d'une guerrehéroïque portée par l'épopée, Voltaire met en scène une guerrecruelle, ennemie de la civilisation. ... Entre 1792 à 1802, la France révolutionnaire est en guerre avec les principales puissances de l'Europe.

Rien n'était si beau, si leste, si brillant, si bien ordonné que les deux armées. Les trompettes, les fifres, les hautbois, les tambours, les canons, formaient une harmonie telle qu'il n'y en eut jamais en enfer. Les canons renversèrent d'abord à peu près six mille hommes de chaque côté ; ensuite la mousqueterie ôta du meilleur des mondes environ neuf à dix mille coquins qui en infectaient la surface. La baïonnette fut aussi la raison suffisante de la mort de quelques milliers d'hommes. Le tout pouvait bien se monter à une trentaine de mille âmes. Candide, qui tremblait comme un philosophe, se cacha du mieux qu'il put pendant cette boucherie héroïque.
Enfin, tandis que les deux rois faisaient chanter des Te Deum chacun dans son camp, il prit le parti d'aller raisonner ailleurs des effets et des causes. Il passa par-dessus des tas de morts et de mourants, et gagna d'abord un village voisin ; il était en cendres : c'était un village abare que les Bulgares avaient brûlé, selon les lois du droit public. Ici des vieillards criblés de coups regardaient mourir leurs femmes égorgées, qui tenaient leurs enfants à leurs mamelles sanglantes ; là des filles éventrées après avoir assouvi les besoins naturels de quelques héros rendaient les derniers soupirs ; d'autres, à demi brûlées, criaient qu'on achevât de leur donner la mort. Des cervelles étaient répandues sur la terre à côté de bras et de jambes coupés.
Candide s'enfuit au plus vite dans un autre village : il appartenait à des Bulgares, et des héros abares l'avaient traité de même.

Voltaire, Candide , extrait du chapitre III, 1759

https://www.lefigaro.fr/langue-francaise/actu-des-mots/2018/07/14/37002-20180714ARTFIG00013-la-surprenante-histoire-de-la-marseillaise.php

La création de La Marseillaise

L'un des hymnes les plus intemporels de l'Histoire n'est pas né à Marseille. Contrairement à ce que l'on croit souvent, et encore moins en 1789. S'il est bien l'œuvre d'un Français (c'est déjà ça), c'est en Alsace qu'il prend naissance pendant la guerre contre l'Autriche. Alors que le roi voit le pouvoir lui échapper, Louis XVI espère qu'une défaite militaire française lui permettra de restaurer son autorité et il déclare la guerre au roi de Bohême et de Hongrie le 20 avril 1792. Il ne savait pas encore qu'elle lui serait fatale, ni qu'elle engendrerait le chant de ralliement des Français pour les générations à venir. Après deux mois de combats désorganisés, le Baron de Dietrich et maire de Strasbourg réalise que les troupes françaises manquent d'un chant fédérateur et se tourne vers son ami, l'officier Rouget de Lisle, musicien aux heures perdues. Ce dernier s'y attelle dans la nuit du 25 juin 1792, et le lendemain, "Le Chant de guerre pour l'armée du Rhin" voit le jour.
Un chant interdit par Napoléon sous l'Empire
À la fin du mois de juillet, les troupes sont forcées de reculer devant la Prusse, venue en aide à l'Autriche. Des volontaires français sont alors appelés de toute la France pour renforcer les rangs. En août, les fédérés de Marseille débarquent à Paris, emportant avec eux ce chant désormais révolutionnaire, rebaptisé quelque temps plus tard "La Marseillaise". Sa genèse correspond donc à celle - non moins importante - de la République, puisque le 10 août ceux-ci envahissent les Tuileries et font enfermer le roi et sa famille, ce qui met fin à presque un millénaire de monarchie absolue.

Le succès de La Marseillaise est tel qu'elle est reconnue le 14 juillet 1795 comme l'un des "airs et chants civiques qui ont contribué au succès de la Révolution", avant d'être interdite par Napoléon pendant près de trente ans! La deuxième révolution de 1830 la remet sur le devant de la scène, avant qu'elle ne soit décrétée hymne national sous la troisième République (1879). Son passage à la postérité était assuré. Et pourtant, il n'existait encore aucune version officielle de La Marseillaise, ce qui provoquait régulièrement de jolis désordres musicaux lors de son exécution.

● Une écriture à plusieurs mains

On ne sait pas exactement de qui (ou de quoi) Rouget de Lisle tira son inspiration. Certains s'accordent à dire que les premières paroles du chant ("Aux armes citoyens, Formez vos bataillons, Marchons!") évoquent le slogan d'une affiche publicitaire incitant à s'engager, que l'officier aurait croisé en quittant la maison du Baron de Dietrich. D'autres, qu'il se serait inspiré des écrits de Voltaire ou des vers de Boileau ("Et leurs corps pourris dans nos plaines / N'ont fait qu'engraisser nos sillons" peut-on lire dans une ode de 1656). Troisième hypothèse, défendue par l'écrivain suisse Claude Mossé: la musique serait issue du premier mouvement du concerto pour piano n°25 de Mozart, composé huit ans plus tôt, - ce qui, soit dit en passant, ferait de La Marseillaise un hymne autrichien. On vous met toutefois au défi de la reconnaître...

Le chant n'eut pas plus tôt fait le tour de France qu'il fut remanié, modifié, allongé d'un septième couplet (aujourd'hui connu comme "le couplet des enfants"), probablement coécrits par le dramaturge Marie-Joseph Chénier (le frère du célèbre poète) et du juriste Jean-Baptiste Dubois. Déjà, La Marseillaise ne cessait d'être reprise et réécrite, dans des buts aussi éclectiques que lutter contre le cléricalisme aux élections législatives de 1881 ("Aux urnes citoyens, Contre les cléricaux, Votons, votons, et que nos voix dispersent les corbeaux"), commémorer la victoire russe sur les troupes napoléoniennes en 1812 ("L'Ouverture solennelle" pour orchestre de Tchaïkovski, 1882), ou plus simplement lancer un single en devenir (le très fameux "All You Need Is Love" des Beatles).
● Un hymne national très controversé
Aujourd'hui, La Marseillaise n'en finit pas de déchaîner les passions les plus contradictoires. Entre ceux qui veulent imposer son apprentissage à tous, ceux qui la sifflent pour signifier leur aversion envers la France et ceux qui veulent la faire interdire, on ne sait plus quoi penser. Rendue obligatoire à l'école primaire par Charles de Gaulle, elle a été immunisée contre les sifflements en 2003, un délit passible de 6 mois d'emprisonnement et de 7500 euros d'amende. Les supporters n'ont qu'à bien se tenir.

Il est vrai que ses paroles sont quelque peu datées, qu'elles correspondent au temps où de féroces soldats venaient piller et tuer jusque dans nos campagnes. S'il n'en est plus rien, ce chant n'en reste pas moins un hymne à la liberté, une résistance à l'oppression et à l'esclavage , que l'on trouve encore malheureusement trop sous d'autres cieux que les nôtres.

Longtemps critiqué sans jamais être modifié, ce refrain patriotique est solidement ancré dans la culture et l'histoire françaises. On ne change pas un patrimoine en un claquement de doigts, même si bon nombre d'artistes ont essayé. De Serge Gainsbourg à Léo Ferré, en passant par George Brassens, chacun y est allé de son couplet. Et Pierre Desproges d'ajouter: "Si les ministères concernés m'avaient fait l'honneur de solliciter mon avis, quant aux paroles de la Marseillaise, j'eusse depuis longtemps déploré que les soldats y mugissent et préconisé vivement que les objecteurs y roucoulassent, que les bergères y fredonnassent et que les troubadours y complussent", s'amuse-t-il en 1986. Mais La Marseillaise tient bon, elle a traversé les âges, elle tiendra encore un temps. Au moins jusqu'à demain.

Le Chant des partisans , ou Chant de la libération, est l' hymne de la Résistance française durant l' occupation par l' Allemagne nazie , pendant la Seconde Guerre mondiale . La musique, initialement composée en 1941 sur un texte russe, est due à la Française Anna Marly , ancienne émigrée russe qui en 1940 avait quitté la France pour Londres .

Le , la mélodie, sifflée, devient l'indicatif d'une émission de la France libre diffusée par la BBC . Les paroles en français sont écrites le par Joseph Kessel , également d'origine russe a , et son neveu Maurice Druon qui venaient tous deux de rejoindre les Forces françaises libres . Germaine Sablon , alors compagne de Kessel, en sera la créatrice en l'interprétant dès le lendemain dans le film de propagande Three Songs about Resistance.

Ami, entends-tu les cris sourds du pays qu'on enchaîne
Ami, entends-tu le vol noir du corbeau sur la plaine

Karl Huysmans, A rebours
Il s'était donc résolument écarté de l'art musical, et, depuis des années que durait son abstention, il ne se rappelait avec plaisir que certaines séances de musique de chambre où il avait entendu du Beethoven et surtout du Schumann et du Schubert qui avaient trituré ses nerfs à la façon des plus intimes et des plus tourmentés poèmes d'Edgar Poe.

Certaines parties pour violoncelle de Schumann l'avaient positivement laissé haletant et étranglé par l'étouffante boule de l'hystérie ; mais c'étaient surtout des lieders [sic] de Schubert qui l'avaient soulevé, jeté hors de lui, puis prostré de même qu'après une déperdition de fluide nerveux, après une ribote mystique d'âme.

Cette musique lui entrait, en frissonnant, jusqu'aux os et refoulait un infini de souffrances oubliées, de vieux spleen, dans le cœur étonné de contenir tant de misères confuses et de douleurs vagues. Cette musique de désolation, criant du plus profond de l'être, le terrifiait en le charmant. Jamais, sans que de nerveuses larmes lui montassent aux yeux, il n'avait pu se répéter " les Plaintes de la jeune fille ", car il y avait dans ce lamento, quelque chose de plus que de navré, quelque chose d'arraché qui lui fouillait les entrailles, quelque chose comme une fin d'amour dans un paysage triste.

Et toujours lorsqu'elles lui revenaient aux lèvres, ces exquises et funèbres plaintes évoquaient pour lui un site de banlieue, un site avare, muet, où, sans bruit, au loin, des files de gens, harassés par la vie, se perdaient, courbés en deux, dans le crépuscule, alors qu'abreuvé d'amertumes, gorgé de dégoût, il se sentait, dans la nature éplorée, seul, tout seul, terrassé par une indicible mélancolie, par une opiniâtre détresse, dont la mystérieuse intensité excluait toute consolation, toute pitié, tout repos. Pareil à un glas de mort, ce chant désespéré le hantait, maintenant qu'il était couché, anéanti par la fièvre et agité par une anxiété d'autant plus inapaisable qu'il n'en discernait plus la cause. Il finissait par s'abandonner à la dérive, culbuté par le torrent d'angoisses que versait cette musique tout d'un coup endiguée, pour une minute, par le chant des psaumes qui s'élevait, sur un ton lent et bas, dans sa tête dont les tempes meurtries lui semblaient frappées par des battants de cloches.

, Marcel Proust Du côté de chez Swann Or, quelques minutes à peine après que le petit pianiste avait commencé de jouer chez Mme Verdurin, tout d'un coup après une note haute longuement tenue pendant deux mesures, il vit approcher, s'échappant de sous cette sonorité prolongée et tendue comme un rideau sonore pour cacher le mystère de son incubation, il reconnut, secrète, bruissante et divisée, la phrase aérienne et odorante qu'il aimait. Et elle était si particulière, elle avait un charme si individuel et qu'aucun autre n'aurait pu remplacer, que ce fut pour Swann comme s'il eût rencontré dans un salon ami une personne qu'il avait admirée dans la rue et désespérait de jamais retrouver. A la fin, elle s'éloigna, indicatrice, diligente, parmi les ramifications de son parfum, laissant sur le visage de Swann le reflet de son sourire. Mais maintenant il pouvait demander le nom de son inconnue (on lui dit que c'était l'andante de la sonate pour piano et violon de Vinteuil), il la tenait, il pourrait l'avoir chez lui aussi souvent qu'il voudrait, essayer d'apprendre son langage et son secret.
A son entrée, tandis que MmeVerdurin montrant des roses qu'il [ Swann] avait envoyées le matin lui disait : " Je vous gronde " et lui indiquait une place à côté d'Odette, le pianiste jouait pour eux deux, la petite phrase de Vinteuil qui était comme l'air national de leur amour. Il commençait par la tenue des trémolos de violon que pendant quelques mesures on entend seuls, occupant tout le premier plan, puis tout d'un coup ils semblaient s'écarter et comme dans ces tableaux de Pieter De Hooch, qu'approfondit le cadre étroit d'une porte entr'ouverte, tout au loin, d'une couleur autre, dans le velouté d'une lumière interposée, la petite phrase apparaissait, dansante, pastorale, intercalée, épisodique, appartenant à un autre monde. Elle passait à plis simples et immortels, distribuant çà et là les dons de sa grâce, avec le même ineffable sourire ; mais Swann y croyait distinguer maintenant du désenchantement. Elle semblait connaître la vanité de ce bonheur dont elle montrait la voie. Dans sa grâce légère, elle avait quelque chose d'accompli, comme le détachement qui succède au regret. Mais peu lui importait, il la considérait moins en elle-même,-en ce qu'elle pouvait exprimer pour un musicien qui ignorait l'existence et de lui et d'Odette quand il l'avait composée, et pour tous ceux qui l'entendraient dans des siècles-, que comme un gage, un souvenir de son amour qui, même pour les Verdurin que pour le petit pianiste, faisait penser à Odette en même temps qu'à lui, les unissait ; c'était au point que, comme Odette, par caprice, l'en avait prié, il avait renoncé à son projet de se faire jouer par un artiste la sonate entière, dont il continua à ne connaître que ce passage. " Qu'avez-vous besoin du reste ? lui avait-elle dit. C'est ça notre morceau. " Et même, souffrant de songer, au moment où elle passait si proche et pourtant à l'infini, que tandis qu'elle s'adressait à eux, elle ne les connaissait pas, il regrettait presque qu'elle eût une signification, une beauté intrinsèque et fixe, étrangère à eux, comme en des bijoux donnés, ou même en des lettres écrites par une femme aimé e, nous en voulons à l'eau de la gemme, et aux mots du langage, de ne pas être faits uniquement de l'essence d'une liaison passagère et d'un être particulier

Boris Vian, L'écume des jours
" - Prendras-tu un apéritif ? demanda Colin. Mon pianocktail est achevé, tu pourrais l'essayer.
- Il marche ? demanda Chick.
- Parfaitement. J'ai eu du mal à le mettre au point, mais le résultat dépasse mes espérances. J'ai obtenu, à partir, de la Black and Tan Fantasy, un mélange vraiment ahurissant.
- Quel est ton principe ? demanda Chick.
- A chaque note, dit Colin, je fais correspondre un alcool, une liqueur ou un aromate. La pédale forte correspond à l'œuf battu et la pédale faible à la glace. Pour l'eau de Selbtz, il faut un trille dans le registre aigu. Les quantités sont en raison directe de la durée : à la quadruple croche équivaut le seizième d'unité, à la noire l'unité, à la ronde le quadruple unité. Lorsque l'on joue un air lent, un système de registre est mis en action, de façon que la dose ne soit pas augmentée - ce qui donnerait un cocktail trop abondant - mais la teneur en alcool. Et, suivant la durée de l'air, on peut, si l'on veut, faire varier la valeur de l'unité, la réduisant, par exemple au centième, pour pouvoir obtenir une boisson tenant compte de toutes les harmonies au moyen d'un réglage latéral.
- C'est compliqué, dit Chick.
- Le tout est commandé par des contacts électriques et des relais. Je ne te donne pas de détails, tu connais ça. Et d'ailleurs, en plus, le piano fonctionne réellement.
- C'est merveilleux ! dit Chick.
- Il n'y a qu'une chose gênante, dit Colin, c'est la pédale forte pour l'œuf battu. J'ai dû mettre un système d'enclenchement spécial, parce que lorsqu'on joue un morceau trop " hot ", il tombe des morceaux d'omelettes dans le cocktail, et c'est dur à avaler. Je modifierai ça. Actuellement, il suffit de faire attention. Pour la crème fraîche, c'est le sol grave.
- Je vais m'en faire un sur Loveless Love, dit Chick. Ça va être terrible.
-Il est encore dans le débarras dont je me suis fait un atelier, dit Colin, parce que les plaques de protection ne sont pas vissées. Viens, on va y aller. Je le règlerai pour deux cocktails de vingt centilitres environ, pour commencer.

https://www.latribune.fr/technos-medias/internet/20140930trib37f6eaacd/la-musique-un-revelateur-de-la-mondialisation.html

French Touch, house, minimale, dubstep, grunge... La database de Spotify permet d'analyser la diffusion dans le monde des genres musicaux, d'identifier les "métropoles d'influences". Les résultats des analyses effectuées placent la musique comme produit-témoin privilégié de la mondialisation. Explications.

La mondialisation - cela n'est pas un mystère - est une histoire de pouvoir, d'espace et de pôles. En tant que " produit marchand ", la musique n'y échappe pas. Mieux encore, elle est un témoin privilégié de la polarisation et de la diffusion d'influence dans certaines métropoles.

pour détailler les sphères d'influence des genres musicaux issus de Londres, Paris et Berlin.

Une diffusion numérique de la musique ...

Le numérique a permis la diffusion des nouveaux courants musicaux : " French Touch ", house, minimale, dubstep, grunge, etc. Tous ont bénéficié d'une diffusion d'un nouveau genre, permise par Internet.

Et le streaming musical tient un rôle majeur dans ce phénomène de " musique mondialisée ". La dématérialisation du support a engendré son essor fulgurant en même temps que la chute du CD . Spotify, dont les données ont permis d'établir ce panorama des métropoles d'influence des genres musicaux, en est le n°1 mondial. Cette activité, qui compte comme autres représentants de taille Soundcloud et Pandora et s'est considérablement développée ces dernières années, a le vent en poupe. Spotify s'est même offert le luxe de refuser une offre entre 4 et 5 milliards d'euros de la part de Google , fixant son prix au double.

... Qui observe les schémas typiques de la mondialisation de l'espace

Une musique "mondialisée" et non "mondiale"

Il n'est pas question pour les genres musicaux étudiés de parler de musique "mondiale" au sens qu'elle serait écoutée partout, qu'elle aurait une portée universelle. Cette étude tend justement à montrer que leur diffusion va observer une trajectoire différente en fonction de leur territoire d'origine. La musique est "mondialisée" par le numérique, car elle s'échange plus et plus rapidement. Mais ce partage n'est pas instantané, planétaire et uniformisé. Il observe des dynamiques typiques de la mondialisation, centres vers périphéries.

Des centres : les métropoles occidentales

Paris, Londres, Berlin n'ont pas été choisies au hasard par l'étude. Capitales européennes, elles forment des centres culturels majeurs qui étendent leur rayonnement dans leur environnement proche (région, pays entier) de prime abord. Grâce à cet ancrage "local" - à l'échelle de la mondialisation - ces métropoles ont pu développer leur influence à l'international, dans des territoires de prédilection.

Des périphéries : l'Asie, l'Eurasie, les zones du monde les moins "occidentales"

Ce n'est pas une surprise d'observer que le rayonnement de la musique issue de ces "capitales de l'Occident" reste très marginal en Asie ou encore en Russie. Ce que les résultats de l'étude de Spotify nous montrent, c'est qu'à partir du moment où l'on parle de "genre" musical, on parle également de "culture" : les langues, les modes de vie et la structure de la vie musicale dans les différentes zones du monde ont une incidence décisive, comme le montrait une étude de Richard Letts du Conseil de la Musique de l'Australie , en 2003 déjà.

Les voix s'élèvent pourtant depuis plusieurs années pour dénoncer l'uniformisation à outrance de la musique et de l'écoute musicale. L'ethnomusicologue français Jean During explique, dans son étude de 2007 L'oreille musicale et la voix de l'Orient , que les " formes musicales " ont, de tout temps, " rayonné depuis leur foyer initial pour se fondre dans d'autres formes, constituant de grands espaces musicaux relativement homogènes ". A ses yeux, l'industrialisation de la musique a néanmoins changé la donne. La musique s'est simplifiée. Sous cette forme sans nuance, sans intervalles, elle menace d'un "effacement des singularités" et d'un "aplatissement des cultures". L'étude d'Eliot Van Buskirk pour le Spotify Insight Data Blog tend, au contraire, à approuver la tendance de l'histoire longue décrite dans un premier temps par Jean During, celle de la formation de grands espaces aux genres musicaux similaires.

Le clivage Orient/Occident se trouve ainsi ressuscité par cette étude de données à échantillon considérable ... pour ce qui est de la musique, en tout cas.

Des "prés carrés" bien identifiés et différenciés

Cette étude géographique ne démontre pas seulement la diffusion accrue des genres musicaux des trois capitales européennes dans le monde entier. Elle illustre un phénomène de " sphères " d'influence bien différenciées entre elles, qui n'est pas sans rappeler certaines polarisations historiques.

Berlin, au plus près de ses murs (influence 28 métropoles)

"Plus précisément, la musique de Berlin a tendance à rester près de chez elle" explique Ajay Kalia, responsable des Taste Profiles à Spotify. Par exemple, la " techno minimale ", dont Berlin est le centre névralgique, se diffuse principalement en Europe où elle fait fureur. Mais ce genre qui est parvenu à se construire une identité propre très " hype " et qui mobilise de nombreux adeptes, semble moins accessible. C'est sans doute pourquoi il reste majoritairement cantonné aux frontières européennes.

Londres et la persistance du Commonwealth (influence 46 métropoles)

Londres est la championne toutes catégories des métropoles de la mondialisation musicale. La bass music, le british indie rock, le pub rock ou encore le UK Garage (cités par l'étude) sont les genres les plus mondialement connus et diffusés. Mais l'étude de Spotify exhibe une caractéristique non forcément anticipée. Les principales métropoles influencées sont anglophones, et d'anciennes possessions britanniques : Etats-Unis, Australie et Nouvelle-Zélande.

Paris, la mondialiste (influence 35 métropoles)

Si les genres musicaux londoniens se sont diffusés dans le plus grand nombre de métropoles, ce sont les genres parisiens qui se sont dispersés de la manière la plus variée géographiquement. Daft Punk, Phoenix, Air d'un côté, Justice, Kavinsky de l'autre, ont dépassé les frontières européennes, et touché l'Amérique Nord et du Sud (où le yéyé a connu une exposition extraordinaire malgré la langue), l'Australie et l'Asie du Sud-Est. Finalement, les genres musicaux de Paris seraient les plus " exotiques ". C'est Spotify qui le dit.

Étude originelle :"How Music Migrated from Berlin, London and Paris" by Eliot Van Buekirk - Spotify Insight Data Blog

Trois en particulier ont été étudiées par Eliot Van Buskirk. Cet ancien du magazine Wired s'est servi de Spotify Insight Data Blog, la nouvelle plateforme de Spotify - le service de streaming musical gratuit - et de sa filiale The Echo Nest, dédiée aux recherches et analyses dans le domaine musical,

https://www.lemonde.fr/blog/binaire/2018/06/21/en-avant-la-musique-numerique/

https://bbf.enssib.fr/consulter/bbf-2014-02-0014-002

La musique accompagne nos vies, de la naissance à nos dernières heures et en scande les étapes les plus fondamentales. Bien avant de naître, le bébé mémorise les œuvres musicales et peut ensuite les reconnaître un an après sa naissance, même lorsqu'elles n'ont jamais été rejouées. Le petit d'homme préfère entendre la voix de sa maman chantée que parlée. Le bébé est également capable d'analyser des organisations musicales surprenantes, inexplicables par les seuls apprentissages précoces. À l'autre extrémité de la vie, la musique demeure une activité accessible dans les phases avancées des maladies neurodégénératives, alors que les autres activités, linguistiques notamment, disparaissent. Même aux stades ultimes de la maladie d'Alzheimer, la musique parvient encore à réveiller la mémoire et les émotions liées aux événements associés. Des patients atteints de cette maladie, âgés de 99 ans peuvent encore chanter avec une vitalité de jeunes gens les airs de ou .

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La musique accompagne nos vies : dès le plus jeune âge, avant même la naissance semble-t-il, l'être humain est sensible au son, au rythme, à l'harmonie et au silence. La musique est source de plaisir, d'enthousiasme, de sensations fortes qui marquent notre mémoire.

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BTS examen de Thème de CGE : De la musique avant toute chose ?

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Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima

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Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima

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Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima , composée en 1959 par le polonais Krzysztof Penderecki, - Bing video

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Penderecki : Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima

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Entretien avec Claire Oppert dans « 28 minutes », Arte, 16/12/2020)

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Entretien avec Claire Oppert dans « 28 minutes », Arte, 16/12/2020)

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Cours de musique au collège | monsieurmusic

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Comment la musique peut-elle être le reflet d'un engagement ?

Projet musical : ''Bella Ciao'' https://www.youtube.com/watch?v=F8qSrQF1iyc ou

''Diego'' de Michel Berger https://youtu.be/fnANMI-7HKk interprétée par France Gall en 1981 ou

'' Imagine '' (version pentatonix) https://www.youtube.com/watch?v=NLiWFUDJ95I ou

''Un jour au mauvais endroit'' de Calogéro https://www.youtube.com/watch?v=W0xjW-e4KEg

Remarque : Cette séquence se déroulera en " classe inversée " : chaque élève doit prendre connaissance d'un certain nombre de documents avant d'arriver en cours et au fur et à mesure du déroulement de la séquence, afin de préparer la réflexion commune.

Création : Est-ce qu'il y a des choses dans la vie qui te semble injuste ?

Montrez votre engagement dans la cause de votre choix qui vous semble importante.

Utilisez votre texte, les phrases que vous avez écrites. Pour vous aider à écrire et à choisir un thème posez-vous la question :

qu'est-ce que je veux aborder dans ma création ? Je veux dénoncer ? Je veux rendre hommage ? Je veux faire réagir mon auditeur ?

intégrez-les sur des boucles instrumentales .

Œuvre de référence : On the Transmigration of Souls https://youtu.be/1jCdOjOaJsU de John Adams,

C'est quoi les attentats : https://youtu.be/3REx88pSWxI

Œuvres complémentaires : Autre version pour le projet musical ''diego'' tout à fait intéressante qui possède une autre force par son interprète de Johnny Halliday https://youtu.be/ZtlWIuLkPjw

Écoute comparative: ''Le déserteur'' de Boris Vian https://youtu.be/N5_vcVq_vSE

''Le déserteur'' version de Renaud https://www.youtube.com/watch?v=vvolGwaMOUs

A la fin de cette séquence, vous aurez développé les compétences suivantes

Vocabulaire de référence : homorythmie

Enregistrement: Support clé USB / tablette OU envoi par mail avec WeTransfer à l'adresse ton professeur

​

Bella ciao est une chanson italienne composée en 1919.
D'origine traditionnelle et populaire, elle connut une multitude de versions à travers les époques,
souvent de ton protestataire.
Elle fut chantée par les mondines, les saisonnières émondeuses et repiqueuses de riz travaillant
dans les rizières de la plaine du Pô, puis devint le chant des partisans italiens.

Œuvre de référence : the On Transmigration of Souls

C'est une œuvre musicale de John Adams composée au début de l'année 2002 pour orchestre, chœurs, chœurs d'enfants et sons fixés. Cette œuvre est une commande faite au compositeur par différentes institutions publiques et privées de la ville de New York afin de rendre immédiatement hommage aux victimes des attentats du 11 septembre 2001 D'une durée de 25 mm, pour orchestre, chœur, chœur d'enfants et sons pré-enregistrés, une arche " musicale " qui s'achève sur les bruits de la ville et une évocation des noms des victimes ainsi que leurs messages.

John Adams, compositeur déjà très sollicité, accepte d'entreprendre cette nouvelle composition sans hésitation: " Bien que je n'aie eu absolument aucune intention d'écrire un tel morceau, affirme John Adams, le jour où la demande m'est parvenue, j'ai su immédiatement que non seulement je voulais le faire mais que je devais le faire. "

Le compositeur américain a utilisé les messages simples et sincères trouvés sur les affiches qui ont couvert les rues de Manhattan dans les semaines suivant les attaques, des expressions intimes de la perte et de la peine de leur entourage.

Les textes énoncent dans une sorte de litanie

· des noms de victimes

· des citations,

· des commentaires des familles ou des personnes disparues,

Mais aussi un procédé d'écriture particulier

· Une bande magnétique préenregistrée mixe les bruits quotidiens de la ville

· Un grand orchestre

· Un choeur d'adultes et un choeur d'enfants

· Ainsi qu'une série de 50 minuscules haut-parleurs placés derrière le public, et qui plongent l'assistance dans un paysage urbanisé étourdissant, mixé avec les textes

De ce paysage sonore émergent les premières notes de musique, le calme des tenues infinies des cordes à l'orchestre et le premier mot distinct " missing " (disparu), également répété de nombreuses fois.

​

"Le Déserteur " de Boris Vian (1920-1959) "Le Déserteur" de Renaud

L'œuvre originale de Boris Vian

​

Analyse des paroles :

> Le texte écrit par Boris Vian n'est pas autobiographique car il n'a jamais pu faire la guerre en raison de son état de santé (cœur fragile). Il écrit ces paroles en se mettant à la place de tous ces hommes appelés à la guerre.

> Il s'agit d'un texte strophique comportant 12 quatrains en rimes embrassées (ABBA) et épistolaire (rédigé sous forme de lettre)..

> C'est une lettre argumentative dans laquelle on retrouve tous les procédés pour convaincre : des répétitions (anaphores), des phrases injonctives et une stratégie argumentative.

> Analyse musicale :

> Formation vocale : Une voix masculine soliste.

> Formation instrumentale: Un Jazz Band (petit orchestre de Jazz : piano, contrebasse, batterie (jeu avec les balais), guitare acoustique, hautbois, clarinette). Le choix d'un accompagnement instrumental très léger (peu d'instruments et dans une nuance piano/mezzo-forte) permet de rendre audible le texte qui porte un message important, lequel doit être entendu et compris par tous.

> Tonalité : Do Majeur. Le choix d'une tonalité neutre permet de porter une mélodie facile à retenir, et avec simplicité, un message difficile à entendre et à faire accepter : "Je m'en vais déserter".

> Structure(Forme strophique) : Introduction / Strophe 1 / Transition / S2 / Transition / S3 / Coda

> Introduction et Coda: Mélodie jouée au hautbois. Le tempo lent et le caractère grave,solennel pourraient évoquer des funérailles militaires.

> Strophe 2 : L'accompagnement instrumental change pour illustrer musicalement les paroles (on parle alors de figuralisme) : "Quand j'étais prisonnier, on m'a volé ma femme, on m'a volé mon âme et tout mon cher passé", L'accompagnement n'est plus mélodique mais au contraire très rythmique. En effet, les instruments jouent tous en homorythmie (=même rythme) et le batteur n'utilise plus les balais mais les baguettes pour marquer le rythme et accentuer la nuance forte. Cet accompagnement renforce le texte qui évoque la détention, la souffrance physique, affective et morale de cet homme qui a souffert des précédentes guerres et qui ne veut plus revivre ces moments-là.

​

R eprise de RENAUD: (titre et paroles) est fortement inspirée de la chanson de Vian mais la mélodie est entièrement différente. Les paroles sont beaucoup plus familières mais la contestation et le message du non-violence sont conservés. Le texte est un appel à la paix et à l'amour. (J n'suis qu'un militant du parti des oiseaux, des baleines, des enfants, de la terre et de l'eau

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Musique et chanson engagé | Cours de musique au collège | monsieurmusic

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Comment la musique peut-elle être le reflet d'un engagement ? Projet musical : ''Bella Ciao'' https://www.youtube.com/watch?v=F8qSrQF1iyc ou ''Diego'' de Michel Berger https://youtu.be/fnANMI-7HKk interprétée par France Gall en 1981 ou '' Imagine '' (version pentatonix) https://www.youtube.com/watch?v=NLiWFUDJ95I ou ''Un jour au mauvais endroit'' de Calogéro https://www.youtube.com/watch?v=W0xjW-e4KEg Remarque : Cette séquence se déroulera en " classe inversée " : chaque élève doit prendre connaissance d'un certain nombre de documents avant d'arriver en cours et au fur et à mesure du déroulement de la séquence, afin de préparer la réflexion commune.

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L'engagement des artistes est la défense d'une idée, d'une opinion à travers leur art. Il n'est pas propre au XXe siècle, mais se retrouve dès le Moyen-Age.
Les événements historiques du siècle dernier n'ont pas laissé indifférents les auteurs, compositeurs et interprètes. En quoi la musique populaire peut-elle être vecteur d'engagement ?
Bien souvent, on retrouve dans la musique qui souhaite faire passer un message des codes musicaux similaires à ceux étudiés dans la séquence sur la musique de film.

Le Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima
Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima
Dans votre œuvre de référence Thrène à la mémoire des victimes d'Hiroshima , composée en 1959 par le polonais Krzysztof Penderecki, c'est le cas.

Commençons par en écouter un extrait :
Thrène : lamentation funèbre chantée par les aèdes (artiste qui chante des épopées accompagné d'un instrument de musique s'apparentant au sitar, l'équivalent au Moyen-Age serait le troubadour) lors des funérailles (Grèce Antique).
Cette œuvre a été écrite pour un orchestre à cordes composé de 24 violons, 10 altos, 10 violoncelles, 8 contrebasses. C'est un hommage aux victimes de la bombe atomique de la ville japonaise d'Hiroshima, bombardée le 6 août 1945 par les Américains.

Une vidéo sur les bombardements :

Quels sont les codes musicaux utilisés ?

1. Le registre suraigu, des sons stridents, la nuance fortissimo, des attaques de sons agressives, des dissonances tenues : évoquent les hurlements et l'angoisse.

2. Des modes de jeu spéciaux : effets de percussion en frappant sur la table de l'instrument, col legno : on frotte ou on frappe les cordes avec le bois de l'archet : désordre et chaos.

3. Les glissando (glissement sur les cordes) et les clusters (bloc de notes agglomérées comprenant toutes les hauteurs de notes entre 2 limites) : gémissements et plaintes.

4. Les effets de crescendo et decrescendo, vrombissements dans le grave des violoncelles et contrebasses : horreur, souffrance, avions...

5. Le silence : le néant, la mort ; l'hommage (en lien avec la minute de silence...)

Hiroshima ?

Le 6 août 1945 à 2h45, le bombardier Enola Gay décolle avec à son bord une bombe atomique à l'uranium 235 d'une puissance de 15 kilotonnes, surnommée Little Boy. À 7h09, l'alarme aérienne est déclenchée à Hiroshima ; un avion isolé est repéré. À 8 h 16 min 2 s heure locale, après 43 secondes de chute libre, la bombe explose à 587 mètres du sol. L'explosion, équivalant à celle de 15 000 tonnes de TNT, rase instantanément la ville ; 75 000 personnes sont tuées sur le coup.

Les loups sont entrés dans Paris, interprété par Serge Reggiani

Cette chanson qui appartient au répertoire populaire commence par une narration de Reggiani. On repère tout de suite deux familles d'instruments qui évoquent habituellement la guerre (cf Il faut sauver le soldat Ryan) : les cuivres et les percussions.

On retrouve également un ton très martial dans la diction et l'interprétation de Reggiani surtout dans les couplets.

Les paroles quant-à elles sont un résumé de l'invasion de l'armée allemande en France pendant la seconde guerre mondiale, puis de sa reddition. Il va de soi que la métaphore omniprésente est " les loups ", animal dangereux dans l'inconscient collectif.

Cette chanson est comme un pied de nez à l'armée allemande dépeinte d'abord comme toute puissante, puis à la fin sans force et vaincue. Le jeu de scène de Reggiani va dans ce sens.

Nuit et brouillard , Jean Ferrat

On repère tout de suite un rythme omniprésent, d'abord joué au tambour puis à la guitare, il est répété tout au long de la chanson : on appelle cela un ostinato.

Le thème de la chanson est la déportation puis l'extermination des Juifs.

L' ostinato est métaphorique, on dit en musique figuratif : il va représenter le passage des wagons sur les rails. Wagons à bestiaux empruntés par les déportés pour aller dans les camps.

On peut dire aussi de la mélodie qu'elle est lancinante, d'un caractère mélancolique. Le début de la chanson est plutôt narratif : Ferrat raconte ce qui est arrivé à ces déportés ; à la fin il s'adresse directement à ces déportés, semblant s'excuser de prendre une guitare pour entretenir leur mémoire.

L'entrée du camp d'Auschwitz :

Cette chanson vous est adressée ainsi qu'aux générations futures. Le message transmis par Ferrat n'est pas innocent : son père Juif russe naturalisé français a été interné au camp de Drancy puis déporté à Auschwitz où il sera assassiné dans le cadre de la solution finale.

Un jour en France , Noir Désir ; Run the world (Girls), Beyoncé/ Ibrahim Maalouf

http://www.mescours2zic.com/wp-content/uploads/2016/10/Un-jour-en-France-Noir-Désir.mp3

Noir Désir est un groupe de rock français des années 90, dont le leader du groupe était Bertrand Cantat.

Ibrahim Maalouf est un trompettiste de jazz qui fusionne jazz et orient. Sa version de la chanson de Beyoncé a inondé les réseaux sociaux en décembre 2015, suite aux élections régionales.

Dans Un jour en France, les paroles parlent d'elles-mêmes, et dénoncent la société de consommation ainsi que la montée des extrémismes. Noir Désir ne fait aucun compromis. Sa chanson s'adresse à une tranche d'âge large 15/35 ans et sera diffusée par les médias (radio essentiellement, peu à la télévision, car le message est loin d'être consensuel). La musique est rock, violente, arrache les oreilles autant que les mots. La diction de Cantat aussi est violente. Il crie son message à la jeunesse.

Ibrahim Maalouf ne s'exprime pas avec des mots mais avec sa trompette. Les mots ont été portés par Beyoncé : les femmes changeront le monde. C'est le clip qui transmet ici le message. La France dans dix ans en proie à une chasse aux sorcières qui interdit aux personnes " différentes " une vie normale. Les femmes se constituent en groupuscules de résistance. Le refrain lancinant est omniprésent comme un leitmotiv. Le message d'Ibrahim Maalouf est un message de fraternité.

Capture d'écran du clip :

Un automne à Paris , Amin et Ibrahim Maalouf

http://www.mescours2zic.com/wp-content/uploads/2016/10/Un-Automne-à-Paris.mp3

Ce poème long et chargé en émotions s'appelle en littérature un tombeau, il s'agit d'un poème écrit en hommage aux victimes des attentats de Paris le 13 novembre 2015.

L'interprète qui a été choisie est Louane, jeune chanteuse propulsée dans le milieu de la chanson par le télé-crochet The Voice et par son rôle dans le film La famille Bélier. Sa voix est saisissante d'émotion. Ce choix n'est pas anodin : cette chanson vous est adressée, l'émetteur doit être proche des récepteurs afin de les toucher. Elle a été commandée par la ministre de l'Education Nationale Najat Vallaud-Belkacem.

La chanson commence dans une ambiance intimiste, piano-voix, ponctuée de la trompette d'Ibrahim Maalouf. L'instrumentation va peu à peu s'étoffer d'abord par l'ajout des cordes qui bien souvent sont le support d'émotions intenses.

On peut retrouver dans les paroles des allusions à des titres de chansons, mais aussi à des faits historiques, ou à des œuvres littéraires. Le message là aussi sera un message de fraternité et d'espoir.

Le chant Bella ciao

Je vous renvoie à la rubrique EPI pour plus de détails sur le contexte...

Les paroles sont ICI.

Vous pouvez écouter le chant ICI.

Le projet musical

En vous inspirant de la chanson Bella ciao et de son interprétation, créez votre propre interprétation musicale de , et complétez par un dernier couplet que vous inventerez en îlot, en rapport avec l'actualité.

Si on s'entraînait ?

# data[].attributes.attachment_link.description
L'engagement des artistes est la défense d'une idée, d'une opinion à travers leur art. Il n'est pas propre au XXe siècle, mais se retrouve dès le Moyen-Age. Les événements historiques du siècle dernier n'ont pas laissé indifférents les auteurs, compositeurs et interprètes. En quoi la musique populaire peut-elle être vecteur d'engagement ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
merci à mes collègues
Mme Giordano de l'académie de Créteil
et à Mme Raouane de l'académie de Lyon pour leurs partages pédagogiques.

t Les artistes qu'ils soient musiciens, plasticiens, comédiens sont amenés à se positionner face au pouvoir politique de leur temps car ils ont des convictions, des idées e surtout les moyens de les exprimer. Ils peuvent servir une cause, s'y opposer ou l'ignorer. Leur création peut être une critique, dénoncer ou amener à réfléchir sur la société qui nous entoure. Nous le  public que nous sommes, regarde ou écoute leurs oeuvres pour y trouver une conviction ou un rejet, un moyen d'y réfléchir. Dans le cadre de cette séquence, nous aborderons cette approche par lachanson engagée.

1ère oeuvre

2002
Cette oeuvre étant une commande pour honorer les victimes du 11 septembre à New York, quels sont les procédés d'écriture utilisés par le compositeur ?
Concernant l'oeuvre d' Adams

C'est une commande d'un donateur anonyme New-yorkais, souhaitant une oeuvre originale honorant les victimes du 11 septembre. Mais pour vous jeunes adolescents ce fait remonte à loin..
Contexte historique sur le 11 septembre en autonomie
John Adams, compositeur déjà très sollicité, accepte d'entreprendre cette nouvelle composition sans hésitation: " Bien que je n'aie eu absolument aucune intention d'écrire un tel morceau, affirme John Adams, le jour où la demande m'est parvenue, j'ai su immédiatement que non seulement je voulais le faire mais que je devais le faire. "

Le compositeur américain a utilisé les messages simples et sincères trouvés sur les affiches qui ont couvert les rues de Manhattan dans les semaines suivant les attaques, des expressions intimes de la perte et de la peine de leur entourage.

Les textes énoncent dans une sorte de litanie

des noms de victimes

des citations,

des commentaires des familles ou des personnes disparues,

Mais aussi un procédé d'écriture particulier

Une bande magnétique préenregistrée mixe les bruits quotidiens de la ville

Un grand orchestre

Un choeur d'adultes et un choeur d'enfants

Ainsi qu'une série de 50 minuscules haut-parleurs placés derrière le public, et qui plongent l'assistance dans un paysage urbanisé étourdissant, mixé avec les textes

De ce paysage sonore émergent les premières notes de musique, le calme des tenues infinies des cordes à l'orchestre et le premier mot distinct " missing " (disparu), également répété de nombreuses fois.

adams on the transmigration of Soul blog 2018
2ème oeuvre

Boris Vian (1920-1959)

le Déserteur

1954
Pourquoi cette chanson est-elle considérée comme une chanson engagée ? Vian deserteur 2019
interprétée par France Gall en 1981
Contexte historique pour les élèves curieux :
Par le biais d'un personnage Diego, Michel Berger évoque un opposant comme tant d'autres qui lutte contre une dictature (celle de Pinochet au Chili )qui connaît l'emprisonnement et la mort. Sa seule faute , s'être opposé.

Une autre version tout à fait interessante qui possède une autre force par son interprète Johnny Halliday
Diego libre dans sa tête blog 2018
Collègues, pour la partition tout le mérite revient à M. Heymes,

merci à lui pour le partage sur son blog

2ème chanson

La mythique chanson de John Lennon, Imagine sortie en 1971
Contexte historique pour les élèves curieux :
Au moment de sa sortie en 1971, le single " Imagine " a connu un joli succès. une mélodie agréable jouée au piano sur un tempo lent.

Mais c'est une chanson qu'on pourrait définir comme engagée car Lennon y distille des propos qui vont à l'encontre des principales valeurs de la société Américaine.. " Imaginez qu'il n'y ait pas de pays ", " Ce n'est pas si difficile ", " Rien qui nécessite de tuer et de mourir ", " Et pas de religion non plus ".

A ce sujet, John Lennon a confié : " Si tu peux imaginer un monde en paix, sans dénominations de religions - non pas sans religion mais sans ce truc de " Mon Dieu est plus grand que le tien " - alors ça peut être vrai.

pour les élèves qui veulent le jouer à la guitare Imagine - John Lennon gui

pout les élèves pianistes IMAGINE pia

Nous reprendrons en cours , la version chantée à la chorale l'année dernière ... de quoi rappeler des souvenirs
Imagine voix
pour les paroles c'est ici
imagine paroles
Pour ceux qui veulent en savoir plus : ICI

artiste Blu , Bologne ( clic sur image pour plus d'info)

Dans le cadre de cette séquence, nous avons échangé des idées sur la notion d'engagements, de conviction personnelle et d'implication pour des causes qui semblent justes.

Utilisez les phrases que vous avez écrites sur votre cahier à l'aide de votre arbre

Montrez votre engagement pour une cause, un fait de société.

Pour vous aider à écrire et à choisir un thème posez vous la question : qu'est ce que je veux aborder dans ma création ? Je veux dénoncer ? je veux rendre hommage ? Je veux faire réagir mon auditeur ?

Outils proposés à votre disposition

les iPads du collège ou sur votre iPhone ( uniquement )avec le logiciel : GargageBand

ou

sur votre téléphone offert par le père noël avec l'application Musik Maker Jam que vous avez à télécharger en amont du cours

Contrainte :

Travail en autonomie ( binôme éventuellement si le travail préparatoire est sérieux)

Gestion du temps : dernière semaine avant les vacances de février

Thème proposé : Nous venons tous d'ailleurs....

soutenir l'action d'

clic sur le logo

chez vous à l'aide de votre portable, dans la cour si vous n'avez pas de portable

dans le cadre du spectacle de la chorale, mon slam doit comporter la phrase nous venons tous d'ailleurs....et si je suis selectionné(e) par le groupe et/ou l'enseignante je peux l'interpréter le mardi 4 juin devant un public de parents d'élèves au Dôme Gascogne.

dans le cadre de Vox Salinis, si je suis selectionné(e) par le groupe et/ou l'enseignante je peux l'interpréter devant un public de parents d'élèves à la salle Cuzin le vendredi 7 juin .

dans le cadre de la journée des talents, si je suis sélectionné(e) au casting je peux l'interpréter devant les autres élèves du collège

pour les élèves ayant perdu leur feuille

pour les collègues passant par là et puiser des idées.

Pour lancer l'écriture
4è idee rap 2019
Pour structurer l'écrit
rap 4è structuration création
Pour évaluer
rap éval 4è
Pour débattre
slam 4è producteur
Comme toute création à son importance, vos oeuvres bientôt en partage .....ci-dessous

4è1

4è2

4è3 bravo à cette classe, vous avez été dans l'ensemble très impliqués !

4è4

Pour les collègues passant par là:

une séquence jamais réalisée avec ce niveau , et un peu particulière car elle ne pourra se dérouler que sur le mois de novembre...
bref je ne sais pas si cette séquence fonctionne, et si j'aurai le temps d'aller au bout de mes intentions pédagogiques...

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merci à mes collègues Mme Giordano de l'académie de Créteil et à Mme Raouane de l'académie de Lyon pour leurs partages pédagogiques. Question : Comment la musique peut-elle être le ref...

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mercredi 10 juillet 2019

31 mars-2 avril 2020, Paris
Colloque international

Est-ce parce que la philosophie, depuis Hegel - au moins - et sa célèbre formule : " C'est dans les mots que nous pensons ¹ ", nous a habitués à ne jamais appréhender une forme de pensée, quelle qu'elle soit, indépendamment de sa verbalisation ? Toujours est-il que lorsqu'on aborde la question de l'engagement en art, c'est bien souvent la littérature qui, la première, vient à l'esprit : Agrippa d'Aubigné, Voltaire, Victor Hugo, Jean-Paul Sartre, ou, hors de nos frontières, Henrik Wergeland, Italo Calvino, Richard Wright, ne sont que quelques exemples de cette littérature dite engagée, connue et étudiée en tant que telle depuis longtemps. La peinture, pourtant, n'est pas en reste, et les exemples de peintres engagés, en particulier lorsqu'il s'agit de condamner la guerre - de l'Allégorie de la Guerre de trente ans de Rubens (1637) au Tresde mayo de Goya (1814), ou au Guernica de Picasso (1937) - ou de combattre les régimes totalitaires (David Olère et ses œuvres dénonçant l'horreur du nazisme) sont nombreux.

Le cas de la musique est un peu particulier... On aurait tôt fait de réduire la " musique engagée " au seul domaine de la chanson. Il est vrai qu'il n'y a guère, Vian, Brassens, Ferré, Brel ont laissé de célèbres témoignages en ce domaine. Hors de la sphère francophone, le cantautore Gianmaria Testa, Bob Dylan, Pink et Billy Mann (dont la ballade Dear Mister President critiquait de façon virulente la politique menée naguère par George W. Bush), le groupe punk allemand Die Ärtze (dont la chanson Cry for love moquant les mouvements néo- nazis trouve actuellement des échos inattendus face à la crise de l'accueil des migrants et est en passe de devenir l'un des titres les plus écoutés aujourd'hui en Allemagne) constituent, parmi tant d'autres, quelques exemples significatifs de chanteurs ou de chansons engagés.
Mais l'engagement en musique dépasse bien sûr, et de beaucoup, le seul domaine de la chanson. Le jazz a largement contribué à la lutte contre la discrimination raciale : Nina Simone notamment a mis tout son talent de compositrice et d'interprète au service de causes nobles : droit des femmes, droits civiques, lutte contre le racisme... Et l'on assiste aujourd'hui, en écho au mouvement Black Lives Matter (" Les vies des Noirs comptent "), à une repolitisation du jazz, avec des artistes tels que Robert Glasper, Marcus Strickland, Christian Scott ou Kamasi Washington.

Les musiciens dits classiques ont eux aussi dès longtemps mis leur art au service de causes auxquelles ils étaient particulièrement attachés, que leurs idées se lisent (ou s'entendent) en creux dans leurs œuvres (le pacifisme et l'unité nationale défendus par Offenbach dan s Die Rheinnixen, le rêve d'une Italie libérée de l'oppression autrichienne dans le Nabucco de Verdi, l'opposition à toute forme de totalitarisme en général et à la personne de Hitler en particulier dans le Brundibár de Hans Krása), ou qu'elles y soient explicitement exprimées : on songe alors, entre autres très nombreux exemples, à l'engagement social du jeune Liszt, qui transparaît aussi bien dans ses écrits que dans certaines de ses compositions musicales (sa transcription de La Marseillaise pour le piano, L'Héroïde funèbre,...) ; on pense encore à l'opposition que manifeste Verdi envers une forme de morale bourgeoise étriquée et rigide, à sa plaidoirie en faveur de la liberté d'aimer et du respect dû aux femmes quelles qu'elles soient (La Traviata), à son rejet d'un catholicisme extrême et intolérant (Don Carlos) ; au droit à la différence exprimé par Britten dans Peter Grimes ou Billy Bud, à son indéfectible pacifisme (War Requiem) ; à la compositrice Ethel Smyth dont les convictions humanistes et féministes transparaissent dans The March of the Women (1911) ou The Prison (1930) ; à la position complexe qui fut celle de Chostakovitch après la révolution de 1917 : devenu premier compositeur du régime soviétique, il tient comme un double langage dans sa Cinquième Symphonie(1937), semblant chanter les louanges du régime tout en le dénonçant - ou de façon plus explicite encore dans sa Dixième Symphonie, composée à la mort de Staline dont il fait un portrait musical à la fois effrayant et grotesque. La Victoire de Guernica (1954) ou le Canto sospeso de Luigi Nono sont deux œuvres témoignant du combat du compositeur contre le fascisme. Et plus près de nous, les opéras Claude de Thierry Escaich (livret de Robert Badinter d'après Claude Gueux de Victor Hugo, créé à Lyon en 2013) ou Brokeback Mountain de Charles Wuorinen (livret d'Annie Proulx d'après sa propre nouvelle, créé à Madrid en 2014) témoignent chacun de 'engagement de leurs auteurs contre la peine de mort ou l'homophobie.

Ces quelques exemples ressortissant à des époques, des esthétiques, des genres différents, témoignent de l'importance que revêt pour les musiciens, dans l'histoire de la musique, le fait de s'engager dans des causes humanistes, sociales, politiques, et de le faire par le mediumqui leur est propre et qu'ils maîtrisent le mieux. Le colloque international qui aura

lieu en Sorbonne les 31 mars, 1 er et 2 avril 2020 se propose précisément d'explorer cette notion d'engagement en musique, en abordant notamment les thèmes et problématiques suivants :

L'engagement musical et la relation du compositeur aux mots : le musicien peut-il ne pas recourir au texte pour exprimer son engagement, la musique se suffisant à elle-même pour dire, dénoncer, convaincre, accuser ? Si le recours aux mots s'impose, quel rôle le compositeur octroie-t-il au texte dans la composition d'une œuvre musicale dite " engagée " : les mots sont- ils le vecteur essentiel de l'engagement (paroles chantées, ou déclamées sur de la musique), la musique ne constituant qu'un auxiliaire venant renforcer la puissance du verbe tout en lui restant subordonnée ? La musique, au contraire, décuple-t-elle le pouvoir des mots, parachevant le message dont ceux-ci sont porteurs ? Le texte n'est-il alors que le prétexte à une création autre, purement musicale, trouvant son efficacité en elle-même et en s'affranchissant du discours qui l'a suscitée ?

Certaines formes, ou certains procédés d'écriture musicale sont-ils plus aptes que d'autres à exprimer l'engagement ?

La question d'une musique dite engagée pose également la question de l'essencede l'art, de son utilité supposée, de sa finalité : la co-fusion de l'expression musicale et du combat social, humaniste, politique, ne se fait-elle pas au détriment de la musique ?

Pour apporter des éléments de réponses à ces questions, toutes les formes musicales, toutes les époques peuvent être sollicitées, les œuvres ou musiciens cités ci-dessus ne l'étant bien sûr qu'à titre d'exemples. Les interventions pourront être consacrées aussi bien à un ouvrage en particulier qu'à un musicien en général et à son parcours humain et artistique, étant entendu que l'engagement d'un artiste en faveur de telle ou telle cause peut se retrouver sous différents aspects au fil des œuvres qu'il aura créées.

Les projets de communications (titre et résumé de 2000 caractères environ), assortis d'une courte biographie, sont à adresser, avant le 31 octobre 2019, à Stéphane Lelièvre (st.lelievre@gmail.com) et Marthe Segrestin (marthe.segrestin@wanadoo.fr).

Organisation et comité scientifique : François GIROUX (Musicologie, Sorbonne Université), Michela LANDI (Littérature française, Université de Florence), Stéphane LELIEVRE (Littérature Comparée, Sorbonne Université), Marthe SEGRESTIN (Littérature Comparée, Sorbonne Université), Frédéric SOUNAC (Littérature comparée, Toulouse II).

Musicologie.org, 56 rue de la Fédération, 93100 Montreuil ☎ 06 06 61 73 41

ISNN 2269-9910

© musicologie.org 2018

Mercredi 10 Juillet, 2019

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Est-ce parce que la philosophie, depuis Hegel - au moins - et sa célèbre formule : " C'est dans les mots que nous pensons1 ", nous a habitués à ne jamais appréhender une forme de pensée, quelle qu'elle soit, indépendamment de sa verbalisation ?

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" Un opéra, c'est une histoire où un baryton fait tout pour empêcher un ténor de coucher avec une soprano ." Telle est la définition de l'écrivain George Bernard -Shaw quant au genre lyrique le plus chanté au monde. Et vous, connaissez-vous les principes de l'opéra ? On vous propose un quizz pour réviser.

Un opéra est une pièce de théâtre chanté, avec des costumes et des décors.

Vrai. Au Moyen-Âge, déjà, des pièces mêlent théâtre et musique. On les appelle les mystères, mais elles sont toujours plus ou moins inspirées de sujets religieux. A la Renaissance, les intellectuels s'intéressent à des sujets profanes, et se penchent sur les formes théâtrales de l'Antiquité : un texte compréhensible - ce qui est alors rarement le cas dans la polyphonie complexe de l'époque - et une alternance entre des personnages solistes et un chœur. Forts de ces observations, les compositeurs italiens Peri et Cavallieri se lancent, dans les dernières années du XVIème siècle, dans l'écriture d'ouvrages en mélodie accompagnée (1 voix avec un accompagnement sobre). Ces œuvres sont représentées sur une scène, avec décor et costumes : c'est le début de l'opéra. L' Orfeo de Monteverdi (1607) fait partie des premières réalisations de ce nouveau genre lyrique.

Au fil des siècles, les intrigues se complexifient, les styles musicaux évoluent, mais le but est toujours de susciter des émotions chez le spectateur. Comme au théâtre (parlé), on va à l'opéra (chanté) pour voir sur scène des personnages aimer, souffrir, être en danger... et vivre tout cela à travers eux. Quand on est mélomane, on apprécie aussi l'opéra pour ses qualités musicales intrinsèques. L'orchestre accompagne les chanteurs et le chœur, souligne leurs émotions ou apportent (notamment chez Wagner, grâce aux leitmotiv) des informations supplémentaires.

A lire aussi

L'amour est toujours le sujet principal d'un opéra, quelle que soit son époque.

Certes, l'amour est presque toujours présent à l'opéra, quel que soit le pays ou l'époque à laquelle il a été composé. Didon et Enée de Purcell (1689), Les Indes galantes de Rameau (1735), Les Noces de Figaro de Mozart (1786), La Traviata de Verdi (1853), ou encore Le Chevalier à la rose de Richard Strauss (1911), tous tournent autour d'une histoire d'amour. Celle-ci se finit bien (L'Elixir d'amour de Donizetti), ou mal (de Verdi), selon qu'on est dans le registre de la comédie ou de la tragédie. Cependant, il existe aussi des opéras où l'amour est secondaire. Si Néron se montre aveuglément amoureux de sa maîtresse dans Le Couronnement de Poppée de Monteverdi, c'est néanmoins la soif insatiable du pouvoir qui ressort de cet opéra. Dans La Damnation de Faust de Berlioz, Marguerite est séduite, mais c'est le pacte avec le diable qui est le véritable sujet. Dans Elektra de Richard Strauss, la vengeance est en première ligne, l'histoire entre Clytemnestre et son amant Egisthe n'étant qu'un ressort de l'histoire. Enfin, quelques opéras se passent complètement de l'amour. C'est le cas d' Iphigénie en Tauride de Gluck, où l'amour passionnel est totalement absent. Seul subsiste l'amour fraternel d'Oreste et de sa soeur Iphigénie.

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Les rôles principaux sont toujours attribués à la soprano et au ténor. Mezzo et baryton n'incarnent que des rôles secondaires.

L'une des conventions de l'opéra, veut que les tessiture soient attribuées en fonction de l'âge des personnages. Ainsi le spectateur peut immédiatement identifier s'il s'agit d'une jeune fille (soprano) ou d'une femme plus mûre (mezzo voire contralto), qui sera peut-être alors une figure d'autorité dans l'histoire (mère, servante prodiguant des conseils...), à moins qu'elle ne soit une rivale. En effet, une tessiture plus basse peut aussi être à l'opéra le reflet d'une âme plus sombre, sans qu'il y ait de grande différence d'âge. Le méchant de l'histoire est donc traditionnellement un baryton. Mais il peut y avoir des exceptions ! Ainsi, dansde Verdi, le duc de Mantoue, libertin invétéré par lequel arrivent tous les malheurs aux personnages... est un ténor ! Verdi veut ainsi souligner sa jeunesse. Le rôle de Rigoletto, homme dans la force de l'âge et père de surcroît, est chanté par un baryton. Voilà donc un opéra où le ténor n'a pas le premier rôle masculin, et ce n'est pas un cas isolé chez Verdi. Il en est de même dans ou Simon Boccanegra. De même, Moussorgsky confie le rôle éponyme de Boris Godounov à un baryton-basse. Chez les femmes, les jeunes héroïnes (incarnées par des sopranos) cèdent parfois aussi la première place aux mezzo dans la seconde moitié du XIXème siècle. Ainsi Carmen, même si elle est chantée par des sopranos dramatiques (comme Maria Callas), reste plutôt un rôle de mezzo.

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Dans un opéra, les chanteurs interviennent chacun leur tour, sans se couper la parole.

Faux. L'opéra a évolué au fil du temps. A l'époque baroque, les chanteurs se succèdent pour des arias exprimant des émotions variées, que la musique se charge d'expliciter : la colère (air de bravoure, virtuoses et remplis de vocalises), la crainte, la tristesse (tempo lent, et mélodie plaintive), la joie (tonalité majeure, rythme souvent plus allègre) etc. Des duos existent, mais sont peu fréquents. Rares aussi sont les ensembles de plusieurs solistes. Le chœur apparaît pour quelques interventions, et commente l'action, héritage du théâtre antique. Les duos, les trios et les ensembles (quatuor, quintette, sextuor) se généralisent à l'époque de Mozart. Dans Don Giovanni ou dans Les Noces de Figaro, le point culminant de la tension dramatique est porté par les ensembles de solistes à la fin des actes. Au XIXème, le Romantisme apprécie les duos, occasions de tendres confidences entre les amoureux. Le trio fait alors souvent intervenir le rival ou le père, dont la ligne vocale tranche avec celle du couple d'amoureux. Au XXème siècle, l'évolution de l'opéra se situe davantage au niveau du langage harmonique, ou du sujet général de l'ouvrage.
Sixtine de Gournay

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L'opéra : 4 choses à savoir sur un genre lyrique présent dans le monde entier - Radio Classique

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Vrai. Au Moyen-Âge, déjà, des pièces mêlent théâtre et musique. On les appelle les mystères, mais elles sont toujours plus ou moins inspirées de sujets religieux. A la Renaissance, les intellectuels s'intéressent à des sujets profanes, et se penchent sur les formes théâtrales de l'Antiquité : un texte compréhensible - ce qui est alors rarement le cas dans la polyphonie complexe de l'époque - et une alternance entre des personnages solistes et un chœur.

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https://youtu.be/vPkWjJL4TlE

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Art poétique, un poème écrit en 1885 par le poète français Paul Verlaine.

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"Dans les sciences sociales, en général, on ne cherche pas des objets, comme peuvent l'être des virus, par exemple. Plus souvent, on va à la découverte de relations qui n'ont pas encore été prises en compte. Dans mon cas, il s'agit surtout de mettre en rapport des objets de jouissance dans le cadre des loisirs (les oeuvres de Beethoven, Berg, Schönberg.) avec le facteur politique. C'est un travail à la fois de recherche de documents, d'analyse des oeuvres et des contextes politiques, et enfin d'écriture, de mise en récit : je tiens assez à l'idée que faire des sciences sociales c'est aussi mettre en forme le réel.

Pour mon livre sur la Neuvième Symphonie de Beethoven (1), j'étais parti d'un fait troublant. L'Ode à la joie est devenue l'hymne de l'Union européenne dans une version officielle faite en 1972 pour le Conseil de l'Europe - on le sait encore peu - par Herbert von Karajan. Du point de vue légal, c'est donc une oeuvre de Karajan, ancien membre du parti nazi. Il y a là un paradoxe, un problème politique et moral, qui intéresse tous les Européens et qui à mon avis n'est pas résolu aujourd'hui.

Mais dans ce même travail, j'examinais aussi le rapport de Beethoven au pouvoir et comment le politique est représenté dans ses oeuvres. Dans la Neuvième, on peut ainsi étudier les figures collectives du choeur par opposition aux individus solistes et ce que cela révèle du lien entre musique et politique, qui bien entendu prend des formes différentes. Le cas de l'hymne national de certains pays montre que le pouvoir peut créer une musique de toutes pièces.

Au pôle opposé, du côté de l'avant-garde, on peut aussi questionner les rejets. C'est l'un des axes de mon travail sur Schönberg (2). Pourquoi, au début du XXe siècle à Vienne, y a-t-il des réactions aussi hostiles de la part des critiques et du public, jusqu'au célèbre Skandalkonzert du 31 mars 1913 ? Qu'est-ce qu'il y avait dans cette musique pour susciter une telle colère ? Ma tentative de réponse est que la transformation du langage musical opérée par Schönberg (la perte de la tonalité) devient un enjeu parce qu'à l'époque, à Vienne, on projette dans tous les événements musicaux une représentation du politique et des relations de pouvoir. Le geste de transgression de Schönberg dans le champ musical est donc instantanément compris comme une atteinte aux fondements de la société. C'est une preuve a contrario de l'importance sociale et politique de sa musique."

(1) La Neuvième de Beethoven, une histoire politique, Gallimard, 1999. (2) Le cas Schönberg. Naissance de l'avant-garde musicale, Gallimard, 2006.

Esteban Buch est directeur de l'équipe "Musique" du Cral (Centre de recherches sur les arts et le langage de l'EHESS).

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recherche scientifique musique politique loisir

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"Les rapports entre musique et politique au XXe siècle"

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"Dans les sciences sociales, en général, on ne cherche pas des objets, comme peuvent l'être des virus, par exemple. Plus souvent, on va à la découverte de relations qui n'ont pas encore été prises en compte. Dans mon cas, il s'agit surtout de mettre en rapport des objets de jouissance dans le cadre des loisirs (les oeuvres de Beethoven, Berg, Schönberg.)

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Autour de la figure d'Arnold Schönberg, Marc-Alain Ouaknin poursuit son entretien avec Esteban Buch sur la question des relations entre musique et politique.

Archive sonore de l'introduction
https://www.francemusique.fr/emissions/les\-grands\-entretiens/daniel\-barenboim\-rencontres\-avec\-des\-etres\-remarquables\-4\-5\-30257
L'invité

Né en 1963 à Buenos Aires, de nationalité française et argentine, Esteban Buch est directeur d'études à l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales de Paris, où il dirige le Centre de Recherches sur les Arts et le langage (CRAL, EHESS/CNRS) et la spécialité Musique du Master de l'EHESS.

Spécialiste des rapports entre musique et politique au vingtième siècle dans une perspective historique et musicologique, il a consacré des recherches à des figures du canon musical classique et contemporain, telles que Beethoven, Schoenberg et Ginastera. A partir d'une enquête sur les musiques politiques (hymnes nationaux), il travaille sur la musique dans des contextes de violence politique tels que la Première Guerre mondiale ou les dictatures militaires en Argentine. Il s'intéresse également aux rapports entre musique savante et musique populaire (le tango en particulier), dans le cadre d'une réflexion plus générale sur les théories sociologiques de la culture.

Outre sa carrière universitaire, Esteban Buch a publié l'essai historique El pintor de la Suiza Argentina (Sudamericana, 1991), dénonçant des nazis exilés dans la ville de Bariloche, en Patagonie (dont Erich Priebke, condamné à Rome en 1998) ; il a été protagoniste du film documentaire Juan, como si nada hubiera sucedido de Carlos Echeverría (1987), sur les disparus de la dictature argentine; et il est l'auteur de livrets d'opéras contemporains, pour Richter de Mario Lorenzo (2003) et Aliados de Sebastián Rivas (2013).

Bibliographie de l'invité

Il est l'auteur, notamment de:

Música, dictadura, resistencia - La Orquesta de Paris en Buenos Aires (Fondo de Cultura Económica, 2016),

L'affaire Bomarzo - Opéra, perversion et dictature (Editions de l'EHESS, 2011),

Le cas Schönberg - Naissance de l'avant-garde musicale (Gallimard, 2006),

La Neuvième de Beethoven - Une histoire politique (Gallimard, 1999)

Histoire d'un secret - A propos de la Suite Lyrique d'Alban Berg (Actes Sud, 1994),

Il est aussi coéditeur des collectifs Composing for the State - Music in Twentieth Century Dictatorships (Ashgate, 2016), Du politique en analyse musicale (Vrin, 2013), Tangos cultos (Gourmet Musical, 2012) Réévaluer l'art moderne et les avant-gardes (Editions de l'EHESS, 2010) et La Grande guerre des musiciens (Symétrie, 2009). Deux fois lauréat du Prix des Muses, il est par ailleurs fellow de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation et a reçu le diplôme au mérite en musicologie de la Fondation Konex de Buenos Aires.

Programmation musicale

Le livre de l'invité

Esteban Buch, Le cas Schönberg. Naissance de l'avant-garde musicale, Collection Bibliothèque des Idées, Gallimard, 2006.

"Le "cas Schönberg" : avec cette expression, la critique musicale viennoise désigne, dès 1907, les controverses que déchaînent la figure et la musique du compositeur. Entre mars 1902, date de la création de son sextuor La Nuit transfigurée, et le concert du 31 mars 1913, où les œuvres de ses élèves Berg et Webern déclenchèrent une quasi-émeute, la valeur de la "nouvelle direction musicale", selon les termes du rapport de police, n'a cessé de diviser le public de sa ville natale.

Les adversaires de Schönberg n'ont pas oublié Le Cas Wagner de Nietzsche, qui avait associé esthétique musicale et critique de la culture. Les métaphores politiques de leurs diatribes traduisent les inquiétudes du moment sur le cours du monde, mais s'y manifeste aussi la profonde perplexité que fait naître cette musique littéralement inouïe, s'affranchissant peu à peu de la tonalité jusqu'à devenir, vers 1909, purement atonale. La critique voit en Schönberg, bien avant ses amis qui préfèrent le décrire comme un héritier de la tradition, ce qui fera de lui la principale figure musicale du XXe siècle : un révolutionnaire.

Comment l'idée qu'il représente l'avant-garde musicale par excellence s'est forgée pour passer dans le sens commun, c'est ce qu'établit Esteban Buch en se fondant sur une analyse attentive de l'abondante presse de l'époque, en partie oubliée. Elle lui permet de poser un nouveau regard sur les avant-gardes historiques du XXe siècle". (Présentation de l'éditeur)

L'exposition Arnold Schönberg, peindre l'âme.

Au Musée d'art et d'histoire du Judaïsme

Arnold Schönberg, Peindre l'âme
du mercredi 28 septembre 2016 jusqu'au dimanche 29 janvier 2017.

Compositeur, théoricien et enseignant, poète, peintre, chef de file de la Seconde École de Vienne, inventeur du dodécaphonisme... Arnold Schönberg (1874-1951) fut un des plus grands créateurs du XXe siècle.

Jean-Louis Andral, directeur du musée Picasso, Antibes, et Fanny Schulmann, conservatrice chargée de l'art moderne et contemporain, musée d'art et d'histoire du Judaïsme, Paris, sont les commissaires de l'exposition.

Couverture du catalogue de l'exposition

Site du Musée

Renseignements
https://www.mahj.org/fr
Attention, depuis le 1er septembre 2016, le MahJ est désormais ouvert du mardi au dimanche et fermé le lundi (sauf pour les visites en groupe sur rendez-vous).

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Autour de la figure d'Arnold Schönberg, Marc-Alain Ouaknin poursuit son entretien avec Esteban Buch sur la question des relations entre musique et politique. https://www.francemusique.fr/emissions/les\-grands\-entretiens/daniel\-barenboim\-rencontres\-avec\-des\-etres\-remarquables\-4\-5\-30257 Né en 1963 à Buenos Aires, de nationalité française et argentine, Esteban Buch est directeur d'études à l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales de Paris, où il dirige le Centre de Recherches sur les Arts et le langage (CRAL, EHESS/CNRS) et la spécialité Musique du Master de l'EHESS.

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Vidéo. Ennio Morricone raconte ses musiques de films, entre " mélodies " et " silences "

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Vidéo - Le célèbre compositeur italien aux 500 musiques de films est mort à 91 ans.

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Biopic

On ne choisit pas forcément les biographies des musiciens pour la lecture des vacances. Avantage de la BD : elle se pique des destins hors du commun. Pourquoi ne pas en profiter pour (re)découvrir les vies tragiques ou énigmatiques à l'ombre de son parasol ou à l'heure de la sieste ?

Billie Holiday, Edition du centenaire / Casterman

A travers une enquête journalistique, on découvre dans Billie Holiday publié chez Casterman la vie tourmentée de la mythique chanteuse dans une Amérique ségrégationniste. Un récit sombre à l'image de la vie de la diva du jazz. Public : adulte.

Scénario : Carlos Sampayo

Dessin : José Muñoz

Django main de feu, Aire libre / Dupuis

Une autre destinée exceptionnelle, celle de Django Reinhardt, inventeur du jazz manouche, est racontée dans cet album publié chez Dupuis, sous le prisme de sa jeunesse, de sa passion dévorante et précoce pour la musique et de ses débuts en tant que musicien. Un dossier documenté est à trouver en fin de l'ouvrage. Convient aussi à un public ado.

Scénario : Salva Rubio

Dessin : Efa

Ravel, un imaginaire musical / Seuil / Delcourt

Le plus célèbre compositeur français, Maurice Ravel est raconté à travers les mémoires fantasmées à quatre mains par Guillaume Métayer et son co-scénariste, le pianiste et compositeur Karol Beffa. Album très riche sur le plan biographique du compositeur, qui donne aussi une belle part aux contexte historique et culturel du début du XXe siècle. Public : Ado/adulte

Scénario : Guillaume Metayer , Karol Beffa

Dessin : Aleksi Cavaillez

Callas, je suis Marias Callas / Marabout

La trajectoire artistique et intime d'une autre diva tragique, du lyrique cette fois-ci, pour ce roman graphique très documenté, disponible en e-book. Une mise en perspective avec la tragédie grecque rajoute une originalité à cet album subtil. Public : Adulte

Vanna Vinci , Scénario et dessin

Glenn Gould / Dargaud

La vie courte de ce pianiste excentrique, hypocondriaque et solitaire est racontée dans ce roman graphique à travers ses souvenirs personnels et ceux de ses proches, un tableau complété par une discographie commentée en fin d'ouvrage. Un album lumineux.

Scénario, Dessin, Couleurs : Sandrine Revel

Jeunesse

Motiver ses enfants à lire les ouvrages sur la musique en vacances ? Tout un programme ! Passer par la BD, le manga de surcroît, un must à partir de la 6e, pourrait passer comme une lettre à la poste. A tenter !

Forté / Dargaud

Dans Forté, Flavia est une petite Brésilienne de la favela de Belém qui découvre le piano par hasard, dans une maison où est employée sa mère après la mort tragique de son père alors qu'elle n'a seulement 6 ans. Nous la suivons dans sa passion pour cet instrument, de son pays d'origine à Paris, où elle vient étudier à la prestigieuse École Normale de Musique. Une belle histoire de persévérance et d'amour sur le chemin de sa construction en tant qu'artiste.

Scénario : Manon Heugel

Dessin : Kim Consigny

Mausart / Delcourt

Mausart est une petite souris qui vit à l'intérieur du piano appartenant au musicien officiel de la cour, un loup nommé Salieri. Mausart est un musicien doué, Salieri un tricheur. Une façon d'amorcer le sujet porté magistralement par Amadeus de Milos Forman (que vous pouvez aussi glisser dans votre valise.)

Dessinateur, Coloriste : Gradimir Smudja

Scénariste : Thierry Joor

Nodame cantabile / Série, Pika Editions

Qui dit série, dit parents tranquilles ! Dans ce manga en pas moins de 25 épisodes, on fait connaissance avec le jeune pianiste Shin'ichi chiaki, qui veut devenir chef d'orchestre et partir en Europe. On suit ses aventures en compagnie de Nodame, jeune fille excentrique et mélomane.

Scénario, Dessin : Tomoko Ninomiya

Harlem sur la route du diable / Physalis

Le fantastique et la musique font bon ménage dans cet album qui met en scène Harlem, un jeune Afro-Américain issu d'une famille modeste, et un musicien talentueux. Lorsqu'il joue de la guitare pour la première fois, il libère l'âme du bluesman célèbre Robert Johnson emprisonnée dans l'instrument par le diable...

Scénario : David Boriau

Dessin, Couleurs : Goum

Voyage

On peut partir loin même sans bouger de chez soi ! De toute façon, " l'important, ce n'est pas la destination, c'est le voyage "...

Le piano oriental / Casterman

Beyrouth, les années 1960. Un homme tente de rapprocher l'Orient et l'Occident en créant un nouvel instrument de musique : un piano oriental. Cet homme est l'ancêtre de la scénariste, et le témoin d'un Liban avant que la guerre civile ne s'abatte sur le pays. Les ados sont les bienvenus.

Scénario, Dessin : Zeina Abirached

Blue note tome 1 - les dernières heures de la Prohibition

Un polar ? Enfin ! Et cela, dans le New York de la prohibition et du jazz. Ce premier tome de Blue Note raconte la rencontre d'un boxeur et d'un jazzman avec leur destin.

Scénario : Mickaël Bourgoin, Mathieu Mariolle

Dessin : Mickaël Bourgoin

Klezmer tome 1 - conquête de l'est / Série, Gallimard

Un road-movie musical aux sonorités slaves et ashkénazes dans les steppes d'Ukraine et dans des campements gitans, où les musiciens se rencontrent pour faire de la musique ensemble. Cet album plaira aux parents comme à leurs ados.

Scénario, Dessin, Couleurs : Joann Sfar

Le Cahier à fleurs - Mauvaise orchestration, tome 1 / Bamboo

Un voyage dans le temps et dans l'espace en deux tomes pour retracer l'histoire d'une période bien sombre, celle du génocide arménien, à travers la rencontre d'un jeune violoniste turc et d'un septuagénaire arménien. Les ados autorisés.

Scénario : Laurent Galandon

Dessin : Viviane Nicaise

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Quelles BD autour de la musique emporter dans sa valise ?

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Cette année, c'est décidé : on troque les bouquins pour les BD à feuilleter au son des grillons ! Autour de la musique, bien sûr. Voici notre sélection (non-exhaustive) en treize titres.

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Les sciences sont des ensembles de principes, de faits et d'expériences, caractérisés par leur valeur universelle, leur objet et leur méthodes, et fondés sur des relations objectives et vérifiables. L'astronomie, la physique, les mathématiques, la biologie, la chimie, sont des sciences.

Les sciences dites exactes sont relatives à des principes vérifiables par les mathématiques ; les sciences expérimentales sont des sciences où l'objet d'étude est soumis à l'expérience ; les sciences de l'observation sont des sciences où le raisonnement se fonde sur de l'observation et non sur de l'expérimentation ou du calcul. Ainsi, dans leur acception traditionnelle, les sciences nécessitent une pratique d'observation et d'induction ou d'hypothèse et de déduction. Elles dégagent des lois vérifiables et universelles.

Le mot "science" au singulier, quand on parle de "la science", prend ce même sens et cette même définition précise au début du 19e siècle. Auparavant, on parle de science pour toute connaissance considérée comme exacte et approfondie. Ainsi, la généralisation des méthodes scientifiques, et notamment la pratique de l'expérience et l'organisation d'un consensus scientifique, a permis une pratique commune à tous les scientifiques du monde entre eux, avec débats, controverses et colloques, servant la construction d'un savoir commun et in fine aboutit à ce que l'on nomme dans le langage courant une "vérité scientifique".

La classification des sciences

L'épistémologie, qui se définit comme étant l'étude des sciences elles-mêmes, permet différentes classifications des sciences :

les sciences peuvent être classées par finalité : elles sont ainsi soit fondamentales soit appliquées ;

elles peuvent être classées par catégories : sciences formelles, sciences physiques, sciences de la vie et sciences sociales ;

elles peuvent aussi être classées par méthodologie : sciences de la logique, sciences de l'observation, sciences expérimentales, etc.

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Sciences : Toute l'actualité et les podcasts scientifiques à écouter

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Écoutez les derniers podcasts et suivez l'actualité scientifique avec Radio France. Toute la science en séries audio, dossiers et émissions en replay.

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Le "Pecha Kucha" - "bavardage" en Japonais - est une forme de pitch : il permet de présenter efficacement une idée, un projet, un produit, etc. dans un laps de temps très limité et clairement défini : 6min 40s.

C'est un fait : il est difficile de convaincre rapidement un auditoire . Qui plus est lorsqu'il s'agit d'un parterre d'investisseurs rompus aux présentations en tous genres... Or, pour vendre, que ce soit un projet, une idée, une entreprise ou encore un nouveau produit ou service, il est primordial de le présenter efficacement.

Exit les Powerpoint à rallonges où l'auditoire décroche très rapidement parce que noyé dans les illustrations, effets de transition et détails souvent bien trop nombreux !

Vive le Pechakucha qui est une façon originale et efficace de présenter un projet, une idée, un nouveau produit/service et de capter et retenir l'attention de l'auditoire , si tant est que l'orateur maîtrise tous les aspects de la méthodologie.

Présentation de la méthode

Egalement nommée technique du 20*20, la méthode Pecha Kucha repose sur une présentation orale alliée à la projection de 20 images - ou diapositives - de 20 secondes chacune (c'est-à-dire une intervention de très exactement 6 minutes et 40 secondes).

Pensée par deux architectes installés au Japon - Astrid Klein et Mark Dytham - exaspérés de perdre leur temps dans des réunions qui s'éternisaient et ne débouchaient pas sur grand-chose de concret, cette méthodologie se veut créative, dynamique et pleine de peps. Ce qui demande toutefois un certain nombre de compétences pour celui/celle qui veut se l'approprier...

Les caractéristiques du Pechakucha :

Concrètement, une présentation en mode Pecha Kucha est un cocktail où se mélangent :

créativité : graphisme, visuels et couleurs travaillés,

peps et dynamisme : rythme, émotions et positivité,

concision : des mots clés qui parlent au public présent (ni longs textes, ni multiples détails, ni jargon incompréhensible),

automatisation : les diapositives défilent de manière automatisée sans intervention et de préférence sans effets de transition.

Qualités requises pour une présentation en mode Pecha kucha :

Malgré un aspect relativement simple, ce type de pitch est somme toute assez subtil, car il requiert un minimum de compétences clés non seulement en matière d'art oratoire, mais également en termes de graphisme pour un rendu visuellement accrocheur et dynamique. Le présentateur devra notamment posséder les qualités suivantes :

esprit de synthèse : pour structurer intelligemment son intervention afin de présenter son projet ou son idée de manière claire, succincte, mais surtout compréhensible et captivante.

communication orale : à l'aise en public , excellente élocution, maîtrise de l'art oratoire et de la communication non verbale ,

graphisme : des visuels réfléchis, originaux, percutants, illustrant parfaitement les propos.

Objectifs et avantages

Ce type de pitch peut s'avérer fort intéressant à diverses occasions :

présenter un nouveau produit à un client,

présenter une idée/innovation,

présenter son projet d'entreprise à un parterre d'investisseurs,

capter rapidement l'attention de son auditoire et laisser une bonne impression,

Comment faire ?

Plus que jamais, vous allez devoir passer du temps sur la préparation de votre présentation. En effet, tout étant automatisé, non seulement il vous faut être clair et concis, mais vous devez caler votre intervention à la seconde près. Les retours en arrière en cas de dépassement sur une diapositive ne sont pas possibles.

Préparation

20 slides - 20 points clés

Partie essentielle : structurer votre discours. Vous pouvez tout d'abord, par exemple, noter sur 20 post-its (qui représentent vos 20 diapos) les points principaux de votre présentation : 1 idée et quelques mots clés. Il vous faut rester clair et concis. 20 secondes, c'est court. Cela représente un discours d'une cinquantaine de mots à un rythme de parole normal. Aussi, n'hésitez pas à enlever tout ce qui n'est pas essentiel ou encore tout jargon non adapté à votre public.

La première diapo peut servir de rapide introduction . Soignez son contenu (tant visuel qu'oral) : c'est le moment de capter dès la première seconde l'attention de votre auditoire. Sans toutefois tout dévoiler ! N'oubliez pas que vous devrez maintenir l'attention de votre public jusqu'au vingtième slide.

Vous pouvez, notamment, vous appuyer sur une présentation de type "storytelling" , très efficace pour captiver un auditoire qui sera plus enclin à s'identifier - et donc avide de connaître la suite... et la fin de votre histoire !

Illustrez vos diapos : les images parlent souvent bien plus que les mots. N'en faites pas trop : un visuel par slide est un bon compromis. Usez d'illustrations qui renforcent ce que vous dites (soit métaphoriquement, soit de manière à surprendre votre public - contre-pied, premier degré, humour, etc.).

Piquez la curiosité de vos interlocuteurs : 1 visuel et 2 ou 3 mots clés feront l'affaire.

Votre tout dernier slide sera votre conclusion.

Entrainement

Présenter en mode Pechakucha n'est pas inné et ne se maîtrise pas du jour au lendemain. Il est nécessaire de pratiquer et pratiquer encore avant de parfaitement dominer cet art. De cet entrainement dépend le succès de vos présentations. Recherchez ce qui se fait en la matière, inspirez-vous, faites ressortir votre personnalité, présentez devant un auditoire "test" ou devant votre miroir ou votre caméra (excellent pour repérer les tics de langage et autres parasites du discours afin de se corriger). Entraînez-vous jusqu'à être totalement à l'aise avec votre présentation.

Cela vous aidera également à évacuer une bonne dose de stress quant au jour J.

Jour J

Respirez

Avant d'entrer en scène, prenez quelques grandes respirations complètes afin de ne garder que le bon trac , essentiel au dynamisme.

Présentez-vous

Avant de plonger dans le vif du sujet, captez l'attention de votre auditoire en racontant très brièvement qui vous êtes et pourquoi vous êtes là.

Déroulez votre présentation

Votre présentation étant projetée automatiquement, il est essentiel de garder un œil sur les slides qui défilent afin de garder le bon rythme.

En cas de trou noir, pas de panique, vos slides contiennent les mots clés qui doivent vous permettre de reconnecter rapidement et aisément au fil de votre intervention.

Veillez à ne pas vous laisser envahir par le stress qui génère une augmentation du débit verbal. Si toutefois vous vous laissiez entraîner dans cette course à la fin de présentation, respirez et ralentissez le rythme sur le slide suivant de façon à recaler rapidement votre discours sur les diapositives pour ne pas perdre votre auditoire.

Concluez

Votre dernier slide peut servir de conclusion. Attention toutefois à ne pas terminer votre intervention trop brutalement et partir sitôt le dernier slide passé ! Les dernières secondes comptent tout autant que les premières en matière de mémorisation et d'intérêt de la part d'un auditoire.

Surprenez vos interlocuteurs afin de laisser une trace positive et captivante dans leur esprit.

Observez et écoutez

A votre tour de regarder votre public avec attention : ses réactions vous donneront quelques indications quant à l'attention que votre présentation a suscitée. Espérez quelques questions : c'est une preuve d'intérêt !

Remerciez et saluez

Ici aussi, il est question de laisser une bonne impression : vous montrez ainsi que vous ne fuyez pas. Soyez bref, mais efficace !

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La méthode Pecha Kucha, pour un pitch efficace et original

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Le "Pecha Kucha" - "bavardage" en Japonais - est une forme de pitch : il permet de présenter efficacement une idée, un projet, un produit, etc. dans un laps de temps très limité et clairement défini : 6min 40s. C'est un fait : il est difficile de convaincre rapidement un auditoire .

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A la minute 5'55, il s'agit d'entendre "les instrumentatistes" au lieu des" instrumentalistes".

A la 10ème minute la vidéo:
- Platon n'est pas un auteur du 17ème siècle, mais de l'Antiquité grecque (5ème siècle avant Jésus-Christ)
- Shakespeare n'est pas un auteur du 18ème mais à cheval entre le 16ème et le 17ème siècle (1564-1616)
- Kant n'est pas un auteur du 19ème mais du 18ème (1724-1804).

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1. Que représente, pour vous, la musique ?                              2. Comment vous situez-vous par rapport à ces chiffres ?      2 h46 : Temps qu'un passionné de musique déclare en écouter chaque jour, en moyenne. Parmi les genres préférés des "accros de la musique", le metal/punk arrive en tête (49 % des sondés). Il est suivi par le pop/rock (23 %), le hip-hop/R'n'B (16 %), le jazz/blues (5 %) et les musiques électroniques (2 %) (Source : Institut des métiers de la musique (IMM), synthèse de l'enquête "Accros de la musique 2020", 26 avril 2020).Manière de voir, n° 171, "Voix de faits", 1 juin 2020. 

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1. Que représente, pour vous, la musique ?                              2. Comment vous situez-vous par rapport à ces chiffres ?      2 h46 : Temps qu'un passionné de musique déclare en écouter chaque jour, en moyenne. Parmi les genres préférés des "accros de la musique", le metal/punk arrive en tête (49 % des sondés). Il est suivi par le pop/rock (23 %), le hip-hop/R'n'B (16 %), le jazz/blues (5 %) et les musiques électroniques (2 %) (Source : Institut des métiers de la musique (IMM), synthèse de l'enquête "Accros de la musique 2020", 26 avril 2020).Manière de voir, n° 171, "Voix de faits", 1 juin 2020. 

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Quand la musique parvient à soulager les malades

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Quand la musique parvient à soulager les malades

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Claire Oppert, Dr Jean-Marie Gomas. Rencontre autour des soins palliatifs en Île-de-France. CRSA 5 octobre 2017.

Même en Unité de soins palliatifs, persistent parfois chez les malades des douleurs induites par les soins ou des inconforts résiduels. Pour ces patients touchés par ces actes de soins pénibles, voire douloureux, malgré une bonne maîtrise globale des symptômes, le Docteur Jean-Marie Gomas et l'équipe soignante, en collaboration avec Claire Oppert, violoncelliste professionnelle et art-thérapeute musicale, proposent une contre stimulation sensorielle via l'art-thérapie musicale.

Les effets bénéfiques de séances d'art-thérapie musicale auprès de patients hospitalisés en phase palliative sont connus, notamment depuis plusieurs études réalisées par l'équipe de l'Unité fonctionnelle " Douleur Chronique et Soins Palliatifs " du CHU Sainte-Périne à Paris (Impact global de l'art-thérapie musicale en soins palliatifs en 2012 ; Analyse qualitative de paroles de patients lors de séances de musicothérapie 2013 ; Art-thérapie et récupérations des capacités résiduelles chez des patients atteints de démence 2014.)

Cette nouvelle étude clinique a été nommée " Pansement Schubert " à la suite d'une diminution radicale de la douleur chez une patiente démente, lors d'un pansement difficile, à l'écoute du thème du mouvement lent du 2 ème trio de Schubert, joué au violoncelle devant la patiente.

Soutenue par le Centre d'étude et de formation sur l'accompagnement des malades (CEFAMA), la Fondation APICIL et la Fondation AGIPI, et menée depuis 2014, cette étude est innovante, prospective, ouverte et mono-centrique. Elle se propose en effet d'observer l'effet de la musique vivante (violoncelle seul) chez les patients indiqués et ayant donné leur accord quand ils sont communicants, lors de soins tels que toilette, pansement d'escarre, pose de voie veineuse et ponction d'ascite.

La population étudiée (230 séjours par an sur 10 lits avec une durée moyenne de séjour de 12 jours) est atteinte à 80% de cancer, 10% de maladies neurologiques, 10% autres. Par ailleurs, 20% des patients sont déments et 5% sont psychotiques.

Les soignants eux-même colligent sur une fiche d'observation spécifique l'âge, la pathologie, l'état cognitif, le goût pour l'art, le type de soins, la prémédication, la durée de la séance ; puis sont mesurés avant, pendant et après le soin : la fréquence respiratoire, l'amplification thoracique, l'état algique (échelle verbale simple, échelle comportementale simplifiée), la communication et l'anxiété (directe exprimée et indirecte héteroévaluée), ainsi que le ressenti émotionnel du patient et du soignant.

Les résultats sur 106 pansements effectués à ce jour, avec fiche comparée avec et sans musique, ont montré une atténuation de la douleur allant de 10 % à 50 % lors d'un soin " Pansement Schubert " ainsi qu'une nette décontraction musculaire, une atténuation manifeste de l'anxiété du patient et, point fondamental, un impact bénéfique massif sur les soignants contribuant à de meilleurs soins.

Il nous faut préciser qu'il n'y a pas que du Schubert qui résonne durant les séances, mais aussi du Bach, Mozart, Beethoven, Tchaïkovsky, Rachmaninov, des airs d'opéra, des chansons bretonnes et andalouses, de la musique juive, arabe, africaine, du jazz, de la variété et même- du rap et du rock maghrébin !

Ainsi, malgré des difficultés méthodologiques concernant l'évaluation (difficultés d'effectuer des échelles validées longues sur un laps de temps court) et la subjectivité (effet de la musique sur les soignants engagés dans le soin influant positivement le soin), les séances d'art-thérapie musicale " Pansement Schubert ", méthode créative d'accompagnement du soin douloureux, ont un impact positif incontestable sur le ressenti douloureux et l'anxiété des patients ainsi que sur le bien-être psychologique des soignants pendant des soins complexes.

La nature même de la contre stimulation musicale, le violoncelle, instrument au timbre chaud, proche de la voix humaine, nous amène à modifier les exigences habituelles de " neutralité " ou "d'objectivité" d'une recherche scientifique et ouvre à tous des questionnements essentiels.

De façon plus large, nous pouvons dire que le pouvoir d'entraînement, l'effet relationnel, l'effet tantôt apaisant ou stimulant de la musique, orientés dans une visée thérapeutique, permettent de réaliser une véritable " animation existentielle " jusque dans les profondeurs humaines, et ce quels que soient l'avancée de la pathologie, l'état cognitif et le degré de vigilance du patient.

Ainsi la musique vivante, à travers cette expérience globale - corporelle, sensorielle, émotionnelle et spirituelle - permet à la personne malade, au cours du soin douloureux, de rejoindre un noyau identitaire, profond, sain et vivifiant de son " être " - et ce malgré les souffrances et le morcellement induits par la douleur, la maladie grave et l'approche de la mort.

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" Le Pansement Schubert " : La musique pour atténuer la douleur. Claire OPPERT, violoncelliste, Dr Jean-Marie GOMAS, CHU Sainte-Périne, Paris AP-HP.

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Claire Oppert, Dr Jean-Marie Gomas. Rencontre autour des soins palliatifs en Île-de-France. CRSA 5 octobre 2017. Même en Unité de soins palliatifs, persistent parfois chez les malades des douleurs induites par les soins ou des inconforts résiduels.