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*la locuzione indica una pittura che si diffonde in Inghilterra nel tardo Settecento, caratterizzata da una matrice letteraria, visionaria e fantastica;
*l'obiettivo è scandagliare l'interiorità, mettendo a nudo istinti e pulsioni, anticipando modalità temi propri della psicoanalisi;
*attraverso l'arte, la musica, la poesia si attinge alle zone più nascoste e profonde della realtà.

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Inaugurazione mostra bibliografica "I pittori dell'immaginario" - SMS MAG

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William Blake, Elohim creating Adamo, 1795, stampa a colori rialzati a china e acquarello, Londra, Tate Gallery

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"Nessun può supporre che l'arte del dipingere consista nel copiare la natura; se l'arte non fosse che questo, non sarebbe migliore di qualsiasi altro lavoro manuale" William Blake

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"Nessun può supporre che l'arte del dipingere consista nel copiare la natura; se l'arte non fosse che questo, non sarebbe migliore di qualsiasi altro lavoro manuale" William Blake

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GOYA. Los fusilamientos del 3 de mayo 1808, 1814, Madrid, Prado

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"C'è in lui una buona dose di fascino per l'una e l'altra faccia (innocenza-orrori, chiarore- nero), e, di sicuro, egli ben comprende che eros e thanatos sono ineliminabili nell'esistenza umana e che quindi non conviene 'rimuovere' la parte 'nera', ispirata alle pulsioni aggressive, mortuarie,  punitive; anzi, queste rivelano un fascino segreto, un'attrazione irresistibile. Egli intuisce che tra la ragione ad occhi aperti e  quella profonda del sogno e dell'incubo c'è una complicità, una continuità, che bisogna concedere ad entrambe; anzi, tanto più alla ragione oscura e notturna che è in noi, quanto più fino a quel momento ci si era ostinati a 'rimuoverla'. In qualche modo, Goya comprende che l'età contemporanea sarà favorevole, appunto, a sbloccare le energie del sottosuolo". Renato Barilli, L'alba del contemporaneo, Feltrinelli

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"C'è in lui una buona dose di fascino per l'una e l'altra faccia (innocenza-orrori, chiarore- nero), e, di sicuro, egli ben comprende che eros e thanatos sono ineliminabili nell'esistenza umana e che quindi non conviene 'rimuovere' la parte 'nera', ispirata alle pulsioni aggressive, mortuarie,  punitive; anzi, queste rivelano un fascino segreto, un'attrazione irresistibile. Egli intuisce che tra la ragione ad occhi aperti e  quella profonda del sogno e dell'incubo c'è una complicità, una continuità, che bisogna concedere ad entrambe; anzi, tanto più alla ragione oscura e notturna che è in noi, quanto più fino a quel momento ci si era ostinati a 'rimuoverla'. In qualche modo, Goya comprende che l'età contemporanea sarà favorevole, appunto, a sbloccare le energie del sottosuolo". Renato Barilli, L'alba del contemporaneo, Feltrinelli

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"Tutto ciò che è in un certo senso terribile, è una fonte del Sublime" Edmund Burke

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"Tutto ciò che è in un certo senso terribile, è una fonte del Sublime" Edmund Burke

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William Blake: Poet, Artist & Visionary - a genius of early Romanticism in England

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Exhibition in Oxford open until 1 March 2015. Book now at: http://www.ashmolean.org/blake "The most original genius of early Romanticism in England" - Curator Colin Harrison tells us a little about the printmaker, painter, revolutionary poet and visionary William Blake (1757-1827).

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Pittoresco e sublime «Sono dunque queste le due categorie sulle quali si impostala concezione del rapporto umano con la natura, che si vuole utilizzare nei suoi aspetti domestici e sfruttare come sorgente cosmica di energie sovrumane. […] Il “pittoresco” si esprime in tonalità calde e luminose, con tocchi vivaci che mettono in evidenza l’irregolarità o il carattere delle cose. […] La fattura è rapida, come non meritasse far troppa attenzione alle cose. Sempre preciso il riferimento al luogo, quasi seguendo il gusto del“turismo” che andava diffondendosi. Il “sublime” è visionario, angoscioso: colori alle volte foschi, alle volte esangui; disegno dai tratti fortemente incisi; gesti eccessivi, bocche urlanti, occhi sbarrati, ma la figura sempre chiusa in un invisibile schema geometrico che l’imprigiona evanifica il suo sforzo. […] I due pilastri della poetica del“sublime” sono stati J.H. Füssli (1741-1825) e W. Blake (1757-1827)». Argan, Ottocento, Sansoni 1988

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Pittoresco e sublime «Sono dunque queste le due categorie sulle quali si impostala concezione del rapporto umano con la natura, che si vuole utilizzare nei suoi aspetti domestici e sfruttare come sorgente cosmica di energie sovrumane. […] Il “pittoresco” si esprime in tonalità calde e luminose, con tocchi vivaci che mettono in evidenza l’irregolarità o il carattere delle cose. […] La fattura è rapida, come non meritasse far troppa attenzione alle cose. Sempre preciso il riferimento al luogo, quasi seguendo il gusto del“turismo” che andava diffondendosi. Il “sublime” è visionario, angoscioso: colori alle volte foschi, alle volte esangui; disegno dai tratti fortemente incisi; gesti eccessivi, bocche urlanti, occhi sbarrati, ma la figura sempre chiusa in un invisibile schema geometrico che l’imprigiona evanifica il suo sforzo. […] I due pilastri della poetica del“sublime” sono stati J.H. Füssli (1741-1825) e W. Blake (1757-1827)». Argan, Ottocento, Sansoni 1988

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Fucilazioni del 3 maggio 1818 - Francisco Goya

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Since the 11th of September, London's Tate Britain has hosted a major exhibition dedicated to William Blake, the English poet, painter and engraver.

The aim is to bring back to life the exhibition that the artist organized in 1809. Indeed, the curators have even recreated the small room where Blake exhibited his works.

The retrospective includes over 300 original pieces, including watercolors, paintings and prints and is considered the largest exhibition of Blake's work in the last 20 years. Some pieces have been digitally enlarged and projected onto the wall of a museum gallery in the manner the artist intended to paint them.

Many believe that Blake is above all a poet, but the curators want to emphasize how his visual imagination was fundamental to his work.

For further information, please click here

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William Blake: The Artist | Zanichelli Aula di lingue

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Since the 11th of September, London's Tate Britain has hosted a major exhibition dedicated to William Blake, the English poet, painter and engraver. The aim is to bring back to life the exhibition that the artist organized in 1809. Indeed, the curators have even recreated the small room where Blake exhibited his works.

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Johann Heinrich Füssli, Il giuramento sul Rütli, 1780, Zurigo, Rathaus

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"[...]anche Füssli, in sostanza, applica alla lettera il motto tipicamente goyesco secondo cui ' il sonno della ragione genera mostri'. Essi avrebbero potuto affermare già ai loro tempi che il vero compito dell'artista è di far sì che dove era l'Ego, si imponga l'Es, cioè il regno delle pulsioni erotiche, del desiderio, dei valori inconsci. Senza dubbio Füssli e Goya intuirono che era giunto il momento di dare sfogo a un simile universo 'altro'". Renato Barilli, L'alba del contemporaneo, Feltrinelli

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"[...]anche Füssli, in sostanza, applica alla lettera il motto tipicamente goyesco secondo cui ' il sonno della ragione genera mostri'. Essi avrebbero potuto affermare già ai loro tempi che il vero compito dell'artista è di far sì che dove era l'Ego, si imponga l'Es, cioè il regno delle pulsioni erotiche, del desiderio, dei valori inconsci. Senza dubbio Füssli e Goya intuirono che era giunto il momento di dare sfogo a un simile universo 'altro'". Renato Barilli, L'alba del contemporaneo, Feltrinelli

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I pittori dell'immaginario. Arte e rivoluzione psicologica

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Füssli, L'artista commosso dalla grandezza delle rovine antiche, Zurigo, Kunsthaus

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"Il contrasto rispetto all'universo di Winckelmann non potrebbe essere più stridente: il passato non è uno stimolo per il presente, ma un mondo inevitabilmente perduto, il cui ricordo evoca frustrazione e impotenza."  Giuliano Briganti

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"Il contrasto rispetto all'universo di Winckelmann non potrebbe essere più stridente: il passato non è uno stimolo per il presente, ma un mondo inevitabilmente perduto, il cui ricordo evoca frustrazione e impotenza."  Giuliano Briganti

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https://finestresuartecinemaemusica.blogspot.com/2018/11/leffetto-kulesov-e-il-montaggio-delle.html

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Los fusilamientos del 3 de mayo - copia (3)

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Art historical analysis (painting), a basic introduction using Goya's Third of May, 1808

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Il Neoclassicismo, il Romanticismo e il Realismo

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Once in a generation showing of William Blake's art

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Tutto Goya disegno per disegno. Il Bicentenario del Prado si chiude con uno straordinario omaggio al grande artista spagnolo contemporaneo all'apertura del museo.

Il Bicentenario del Prado si conclude con un insolito omaggio a Francisco de Goya y Lucientes (Zaragoza, 1746 ‒ Bourdeaux, 1828), il più grande artista spagnolo vivo e probabilmente presente nel museo il giorno dell'apertura, il 19 novembre del 1819. Tra le prime 311 opere esposte nell'edificio progettato da Jean de Villanueva, provenienti dalle Collezioni Reali e tutte di artisti spagnoli, c'erano infatti anche i due ritratti equestri di Carlo IV e della regina Maria Luisa di Parma, che Goya dipinse alla fine del Settecento.

OLTRE 300 DISEGNI PER LA PRIMA VOLTA INSIEME

Si intitola Solo la volontà me sobra (ossia "non mi resta che la volontà") ‒ frase tratta da una lettera del pittore all'amico d'infanzia Martin Zapater, nel 1787 ‒ l'ampia esposizione che riunisce per la prima volta oltre 300 disegni originali di Goya; la maggior parte provengono dalla collezione del Prado, integrata per l'occasione con pezzi di collezioni pubbliche e private di tutto il mondo, incluse piccole rarità e recenti acquisizioni.
Si tratta di una mostra unica nel suo genere, senza dubbio complessa per i non addetti ai lavori, ma allestita in maniera chiara ed elegante. Solo il Prado poteva affrontare un cimento del genere, non solo perché è l'istituzione che conserva il maggior numero di opere del pittore (150 dipinti e oltre 500 pezzi su carta), ma soprattutto per la competenza degli storici dell'arte che vi lavorano. Curata da José Manuel Matilla, curatore capo della sezione di disegni e stampa del museo, insieme con Manuela Mena, fra le massime studiose di Goya, offre un'occasione forse irripetibile di osservare da vicino delicatissime opere su carta, che, per ragioni di fragilità e di sensibilità alla luce, non possono più essere esposte in maniera permanente nelle sale del museo.

PEZZETTI DI CARTA PER LIBERI PENSIERI

Goya fu senza dubbio fra i più abili e prolifici disegnatori di tutti i tempi. Pochi artisti come lui espressero su carta il proprio dissenso politico e sociale: le miserie della guerra, l'orrore per la tortura, la disuguaglianza tra i ceti, lo sfruttamento delle donne e il maltrattamento dei più deboli. A matita, penna o a sanguigna, il grande pittore spagnolo volle mettere per iscritto, con assoluta libertà, i suoi pensieri più intimi e profondi, riflettendo sul carattere universale dell'essere umano, immerso tra il male, i vizi e il malcostume del suo tempo. In oltre 500 disegni è condensata l'arte di Goya, con uno stile originale, indipendente, spesso tragicomico e grottesco, a volte irriverente, ma sempre rigorosamente autentico. Visto con gli occhi della modernità, il linguaggio estetico di Goya su carta non è un esercizio di puro costumbrismo (tipico della Spagna dei primi anni dell'Ottocento) né una becera satira di costume, ma una visione obiettiva della realtà del suo tempo, alla ricerca dei valori universali e simbolici insiti nei comportamenti umani, secondo un credo puramente illuminista.

OTTO QUADERNI E TRE SERIE PREPARATORIE

Raggruppati oggi in otto album o quaderni (dalla A alla H), insieme con le tre serie preparatorie per le incisioni dei Capricci (1797-99), Disastri della Guerra (1810-15) e Tauromachia (1814-16), i disegni di Goya nel loro complesso rappresentano un corpus ricco, vario ma quasi sempre legato alla produzione pittorica. La mostra è articolata in un percorso storico e cronologico, che tuttavia non manca di creare frequenti intrecci iconografici e rimandi di carattere tematico. Alcuni disegni anticipano, per stile ed espressività, soggetti frequenti nella stampe; in altri si ritrovano la deformazione dei visi e dei corpi propria de Las pinturas negras; altri ancora insistono sulla critica alla stregoneria e alla superstizione, e toccano temi scabrosi come la prostituzione e la corruzione del clero.
Il Quaderno Italiano d'esordio (dal 1771 al 1778) è la prima testimonianza grafica della formazione artistica di Goya durante il viaggio in Italia (sicuramente a Roma e forse a Genova e in altre città del nord) e nei primi anni a Zaragoza. Vengono poi le prime prove per incisioni, fatte per diffondere la sua opera; le bellissime acqueforti di copie di opere di Velázquez; i disegni sulle lettere all'amico di infanzia Zapater, con i loro curiosi commenti; il Quaderno di Sanlucar, dipinto all'epoca dell'amore con la Duchessa d'Alba; e ancora di nuovo sogni, capricci, intensi ritratti, le immancabili tauromachie, i grandi topos della sua arte pittorica, come las majas e le streghe, la violenza della guerra e la tristezza insita nella vecchiaia.

IL QUADERNO C, IL CATALOGO RAGIONATO E UN SAGGIO PER TUTTI

L'allestimento della mostra culmina con lo spazio dedicato al Quaderno C: in tutto 126 disegni dei quali 120 custoditi al Prado. Si tratta di un diario grafico, realizzato tra il 1808 e il 1814, eterogeneo nei soggetti (da scene di vita quotidiana a piccoli quadretti onirici, dalla crudeltà delle carceri dell'Inquisizione alla satira ai costumi dissoluti degli ordini monastici) ma omogeneo nello stile, che per la prima volta si espone al completo intorno all'album stesso nel quale è stato conservato nei secoli.
La mostra del Prado è realizzata in collaborazione con la Fondazione Botín di Santander, che da anni è impegnata con un équipe di insigni storici dell'arte nella realizzazione del catalogo ragionato dell'intera opera grafica di Goya (tre volumi già editati). In occasione della mostra, invece, il Museo del Prado ha pubblicato un prezioso catalogo che in realtà è un'agile sintesi dell'opera di Goya su carta: un saggio di facile e gradevole lettura, pensato per un pubblico non specializzato che voglia approfondire un aspetto affascinante, ma poco noto, dell'arte di uno dei maestri indiscussi della modernità.

‒ Federica Lonati

Madrid // fino al 16 febbraio 2020
Goya. Dibujos. "Solo la voluntad me sobra"
MUSEO DEL PRADO
Calle Ruiz de Alarcón 23
https://www.museodelprado.es

Federica Lonati, nata a Milano nel 1967, diploma di Liceo classico a Varese, si è laureata nel 1992 in Lettere Moderne alla Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università Cattolica di Milano con una tesi dedicata all'opera lirica e alla sua riproducibilità audiovisiva (Comunicazioni Sociali). Giornalista professionista dal 1997, dai primi anni Novanta collabora con "La Prealpina", quotidiano di Varese, scrivendo soprattutto di teatro, opera lirica e musica classica. Dal 1995 è assunta nella redazione di "Lombardia Oggi", settimanale di attualità, spettacoli e tempo libero, allegato domenicale al quotidiano "La Prealpina". Redattore ordinario fino all'agosto del 2005, si occupa delle pagine di arte, musica classica e attualità in generale. Dal settembre 2005 vive a Madrid. Dalla Spagna ha scritto articoli per "Libero", "Qui Touring","Il Corriere del Ticino", "Il Sole 24 Ore" e "Grazia". Tra il 2008 e il 2011 ha collaborato con "Agrisole", supplemento settimanale del "Sole 24 ore", realizzando cronache e reportage dedicati all'economia agricola spagnola.

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I disegni di Goya vanno in scena al Prado di Madrid

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Tutto Goya disegno per disegno. Il Bicentenario del Prado si chiude con uno straordinario omaggio al grande artista spagnolo contemporaneo all'apertura del museo. Il Bicentenario del Prado si conclude con un insolito omaggio a Francisco de Goya y Lucientes (Zaragoza, 1746 ‒ Bourdeaux, 1828), il più grande artista spagnolo vivo e probabilmente presente nel museo il giorno dell'apertura, il 19 novembre del 1819.

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Le pitture nere - L'immaginario inconscio e simbolico nella pittura del XVIII e XIX secolo

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https://youtu.be/ZEiS4DoeRR4

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Una selezione di circa 300 opere, di cui alcune esposte raramente, faranno riscoprire questo pittore, incisore e poeta visionario, ideatore di affreschi mai realizzati che qui vivranno virtualmente

Questo autunno la Tate Britain dedicherà una mostra alla più grande indagine sul lavoro di William Blake (Londra, 1757-1827) nel Regno Unito. E lo farà con una selezione di circa 300 opere tra le più importanti, di cui alcune esposte raramente, con l'intento di riscoprire questo pittore, incisore e poeta visionario. L'artista fu, infatti, autore di alcune tra le opere più emblematiche della storia dell'arte britannica e rimane ancora oggi una fonte d'ispirazione per numerosi artisti, musicisti, scrittori e performer di tutto il mondo. Celebrato soprattutto come poeta, Blake aveva anche delle grandi ambizioni come artista visivo, immaginando la realizzazione di grandi affreschi che però non furono mai realizzati. Per la prima volta, due di queste opere emblematiche, The Spiritual Form of Nelson Guiding Leviathan (1805-9 circa) e The Spiritual Form of Pitt Guiding Behemoth (1805 circa), saranno ingrandite digitalmente e proiettate sulle pareti della Tate Britain alla grandezza monumentale immaginata dallo stesso Blake. Le opere originali saranno, invece, esposte poco lontano, come parte della ricostruzione della mostra del 1809, che rappresenta l'unico e infruttuoso tentativo di Blake di ottenere un riconoscimento pubblico come pittore. La Tate Britain ricreerà la stanza domestica, al di sopra della bottega di calze di famiglia, in cui ebbe luogo l'esposizione, permettendo così ai visitatori odierni di ammirare queste opere alle stesse condizioni di quelli del 1809. Ecco le immagini...
-Claudia Giraud Dall'11 settembre 2019 al 2 febbraio 2020
Tate Britain, Millbank, Westminster, London SW1P 4RG, Regno Unito
www.tate.org.uk

Nata a Torino, è laureata in storia dell'arte contemporanea presso il Dams di Torino, con una tesi sulla contaminazione culturale nella produzione pittorica degli anni '50 di Piero Ruggeri. Giornalista pubblicista, iscritta all'Albo dal 2006, svolge attività giornalistica per testate multimediali e cartacee di settore. Dal 2011 fa parte dello Staff di Direzione di Artribune (www.artribune.com ), è responsabile dell'area Musica e cura, per il magazine cartaceo, la rubrica musicale "Art Music". E' stata Caporedattore Eventi presso Exibart (www.exibart.com). Ha maturato esperienze professionali nell'ambito della comunicazione (Ufficio stampa "Castello di Rivoli", "Palazzo Bricherasio", "Emanuela Bernascone") ed in particolare ha lavorato come addetto stampa presso la società di consulenza per l'arte contemporanea "Cantiere48" di Torino. Ha svolto attività di redazione quali coordinamento editoriale, realizzazione e relativa impaginazione degli articoli per l'agenzia di stampa specializzata in italiani all'estero "News Italia Press" di Torino. Ha scritto articoli e approfondimenti per diverse testate specializzate e non (SkyArte, Gambero Rosso, Art Weekly Report e Art Report di Monte dei Paschi di Siena, Exibart, Teknemedia, Graphicus, Espoarte, Corriere dell'Arte, La Piazza, Pagina).

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In arrivo grande mostra per William Blake alla Tate di Londra

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Una selezione di circa 300 opere, di cui alcune esposte raramente, faranno riscoprire questo pittore, incisore e poeta visionario, ideatore di affreschi mai realizzati che qui vivranno virtualmente Questo autunno la Tate Britain dedicherà una mostra alla più grande indagine sul lavoro di William Blake (Londra, 1757-1827) nel Regno Unito.

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per gentile concessione di Sabin Averescu

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William Blake's _The overthrow of Apollo and Pagan gods.pdf

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Füssli e L’incubo - L'immaginario inconscio e simbolico nella pittura del XVIII e XIX secolo

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https://youtu.be/u62LHiJ9TvE

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https://youtu.be/96LUAaaPqRc

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https://youtu.be/4IH-6R0XaGc

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G. Briganti,I Pittori dell'Immaginario. Arte e rivoluzione psicologica

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G. Briganti,I Pittori dell'Immaginario. Arte e rivoluzione psicologica