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Play Dead; Real Time

2003

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Tony Oursler

"dispositifs"

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Tony Oursler appartient à une génération d'artistes américains dont l'influence s'est ressentie sur la scène européenne dès la fin des années 1980. Aux États-Unis, dans un contexte marqué par les débats liés aux prolongements du formalisme (l'art post-minimal et l'art conceptuel) et leurs alternatives postmodernistes (le retour à la peinture des années 1980), des artistes réinvestissent le domaine de la performance. Cette pratique s'était fondée dans les années 1960 sur la pluridisciplinarité, le recours au corps comme vecteur d'une transgression libératrice et enfin sur la critique des institutions.
Les artistes de Fluxus ou du body art, Nam June Paik le premier, mais aussi Bruce Nauman ou Vito Acconci, conservaient de leurs actions de simples traces documentaires, devenues progressivement des œuvres à part entière ; les artistes de la nouvelle génération, comme Chris Burden par exemple, empruntent au cinéma et à la télévision de véritables procédures de mise en scène, et travaillent directement et plastiquement leurs enregistrements. Ces "traces" génèrent à leur tour des fictions, où le recours à la narration n'est pas dissociable d'une réflexion sur le statut de la représentation. Et, sur fond de crise de la société post-industrielle, certains de ces artistes mettent l'accent sur une valorisation de la culture populaire, engageant ainsi une critique de la culture de masse et de ses implications idéologiques.

Dans "l'art vidéo", terme qui recouvre des pratiques très hétérogènes, Tony Oursler est avant tout celui qui a profondément modifié le champ et la définition des installations vidéo, en faisant appel à une forme de théâtralisation. Il a recours à une grande variété de médiums - vidéo, film, photographie, informatique, web, sculpture, objets, mais aussi bandes musicales et sonores qui font l'objet d'un travail spécifique. Il a très tôt étendu la conception de l'écran à des supports inusités, de l'architecture et de l'espace public aux mannequins de chiffons - les dummies, ou "poupées", qui apparaissent en 1992 -, animés de visages, de pupilles exorbitées, de bouches déversant des flots de paroles. Il peut parfois utiliser des arbres ou des fumées pour disperser - plus qu'il ne les projette - des images vidéo ( The Influence Machine, 2000-2002).
Enfin, le plus souvent ses installations intègrent le matériel de projection, et le cadre même où elles sont exposées : le dialogue de Tony Oursler avec l'architecture est devenu une constante dans son œuvre.Ce principe d'intégration concerne également les monologues et les dialogues de ses bandes son. Elles sont constituées de textes et d'emprunts, comme dans le procédé du cut-up de la Beat Generation, ou plutôt du sampling - terme utilisé par les musiciens pour le mixage d'échantillons de morceaux existants. Comparable à l'image vidéo dont l'artiste manipule le degré de fluidité, cette parole coule et se répand dans l'espace à la manière d'une matière organique. Enfin c'est le spectateur qui est "intégré" aux installations : les dummies s'adressent à lui, mais il est également attendu dans certains points de l'espace où il accède aux commandes d'une partie de l'œuvre, dont il devient en retour l'instrument.

L'exposition du Jeu de paume aborde l'ensemble de l'œuvre de Tony Oursler sur le modèle du "dispositif" : l'accent est mis sur le principe d'un agencement dans l'espace d'éléments dont la relation complexe figure un enjeu, voire un "point de vue". Certaines installations sont ainsi littéralement mêlées aux autres, désorientant le spectateur, rendant leur approche problématique et par là significative de la désarticulation qui régit la visibilité du monde moderne. Le spectateur est visé physiquement et psychiquement par les distorsions de ce spectacle dénué de scène, qui articule son regard à un "lieu de projection" dont l'antécédent serait la camera obscura. Oursler en fait état dans Timeline (traduit en français dans la revue Trafic - n° 35, été 2000 - et devenu également un site web régulièrement mis à jour par l'artiste), une histoire de l'optique et des croyances qui lui sont associées. Ce texte constitue le fil conducteur de The Influence Machine (2000-2002) où des lieux publics de grandes métropoles modernes deviennent l'espace de projections à grande échelle.
Le principe d'une articulation chaotique des œuvres dans l'espace leur confère également une forme anthropomorphique, le dispositif s'offrant comme un substitut ou une image absurde du corps. Il n'est pas exclu de penser au "corps sans organe", entièrement configuré par l'imaginaire, dont parle Antonin Artaud, qui renvoie à une conception fantasmatique d'un corps ordonné par les pulsions et les perceptions. Par ailleurs les poupées sont à la fois des marionnettes, des représentations sommaires, atrophiées de corps humains, et ces objets qu'on attribue traditionnellement aux enfants pour qu'ils "jouent" les relations affectives.

Toute exposition de Tony Oursler place le spectateur devant l'hégémonie de l'œil, du visuel, à l'opposé des scénographies du théâtre ou du cinéma de Samuel Beckett - le film qu'il a réalisé avec Marin Karmitz, Comédie (1964), par exemple, dont les personnages apparaissent sous forme de visages projetés sur des colonnes immobiles. Si Oursler doit beaucoup à Beckett, les mises en scène de l'écrivain quant à elles prônent un non-lieu de la visibilité. Dans l'univers décrit par Oursler, au contraire, rien ne peut échapper au visible. L'intériorité est chez lui littéralement exhibée, comme le dit le personnage du réalisateur dans SWITCH : "Caméra, la vie, vivez, vivez la vie en live dans la caméra, caméra dedans, caméra dehors, en haut, en bas, par-dessus. Nous voulons tout voir. Je veux que tout prenne vie ! ".

Window Project, 2005
Cette œuvre reconduit le principe d'une projection, sur un support transparent. Tony Oursler a choisi la façade du bâtiment. La vitre surmontant la porte, devenue écran, renonce en partie à sa transparence et ouvre sur la réalité extérieure au travers du filtre des images, réalisées avec des danseurs contemporains. L'architecture est ainsi littéralement absorbée par l'œuvre qui fluidifie la frontière entre dedans et dehors et introduit à une des thématiques de l'exposition.

Fantastic Prayers, 1999
Ce CD-Rom interactif, réalisé en collaboration avec Sephen Vitiello et Constance DeJong, est le prolongement d'une performance / projection réalisée en 1995 à l'intérieur de l'œuvre de Dan Graham qui occupe en permanence le toit du Dia Center à New York, et propose une sorte de synthèse des matériaux d'Oursler au travers d'une fiction accompagnée de bandes musicales et sonores.

SWITCH, 1996
SWITCH signifie interrupteur, disjoncteur, commutateur. L'œuvre se compose de sept éléments, dont cinq poupées, dispersées depuis le hall. Oursler installe les deux philosophes - qui dialoguent à partir de textes de Jean Baudrillard et de Paul Virillo - dans la librairie du Jeu de paume. Sous le balcon du premier étage, Simulacra, un pantin, contient une caméra, actionnée en réalité par le spectateur depuis une table de contrôle à distance. Plus loin, le réalisateur, incarné par David Bowie, semble donner des ordres aux spectateurs. L'œil qui en fait partie est mêlé à ceux de l'installation Eyes. Dans la mezzanine, des ampoules suspendues au plafond dialoguent par l'intermédiaire des voix de la théoricienne de la danse Laurence Louppe et de l'artiste Thierry Kuntzel.

Junkspace, 2004
Suspendu dans le vide de l'escalier qui descend au sous-sol, un portrait de Rem Koolhaas, dont l'image est projetée sur une tête. Il s'agit de la réponse à une invitation de l'architecte à l'artiste dans l'une de ses récentes expositions.

3 Architectural Models, 2005
L'exposition comprend 3 maquettes de bâtiments contemporains : Barcelone (2005), Bregenz (2001) - ayant donné lieu à des événements spécifiques ici reconstitués au travers d'une projection - et une troisième maquette, celle d'un espace anonyme pour évoquer The Influence Machine (2000-2002), spectacle successivement réalisé à Londres, New York et Stockholm. Par ailleurs, un accrochage présente une série de dessins et de croquis d'œuvres, et les photographies Ground Zero réalisées par l'artiste le 11 septembre 2001 : vivant à deux blocs des Twins Tower, il a enregistré des images de New-Yorkais faisant eux-mêmes des images de l'événement en direct, qui apparaît ainsi comme cadre de la prise de vue et comme image dans l'image.

Multicolored MPD, 2005
25 têtes de mêmes dimensions couvrent le mur, réparties sur le modèle de la grille. L'accrochage fait référence au minimalisme, à la répétition, et la projection du même acteur jouant des "personnalités" différentes évoque les troubles de la personnalité, cités au travers du Multiple Personality Disorder, pathologie à laquelle Oursler fait fréquemment référence.

Eyes, 1996
10 projections sur des sphères d'images agrandies de pupilles où se reflètent d'autres images : une cosmogonie qui fonctionne sur le renversement entre le regard et son objet.

5 Architectural Blocks, 1994-1996
Pour Tony Oursler la relation à l'architecture est centrale dans la prise en compte de l'espace de ses installations, mais aussi dans ses recherches sur les conditions de la vision. Ces volumes, qui citent une architecture minimaliste, introduisent dans le musée des images issues de l'espace urbain.

Climax, 2005
Cette installation vidéo sonore associe deux parois murales et une forme suspendue : toutes sont des images d'explosions. Selon Tony Oursler : "L'explosion représente le fantasme de la résolution d'un conflit, une dématérialisation instantanée, magique et alchimique. En tant que gratification immédiate, elle possède également un caractère infantile."

Jinxed, 2000
Tracy Leipold, l'actrice fétiche de Tony Oursler, se prête à une transformation de son visage par le maquilleur du film L'Exorciste. Son visage est visible au travers d'une sphère convexe, une lentille de caméra "grossie".

The Watching, 1992
Première apparition des projections sur les poupées, cette œuvre est également la première commande à l'artiste d'un travail sur le site même d'une exposition. Initialement montrée à la Documenta IX de Kassel en 1992, The Watching (Le Guet), se répartissait sur les cinq étages de la tour du Fredericianum et dans la cage d'escalier les desservant. Ici, elle a été recomposée dans la longueur du bâtiment. L'œuvre est constituée d'éléments qui évoquent un drame lié à la violence sexuelle : deux personnages (F/X Plotter et Sex Plotter, l'un directement situé dans l'espace, l'autre en retrait) échangent des propos sur un scénario de film pornographique et violent. L'installation comprend également divers éléments d'un drame hypothétique : une bassine de sang, un œil mécanique, des gélules géantes... ainsi que deux visages réfléchissants, écrans de télévision transformés en masques sommaires au moyen d'un cache. Ce procédé qui permet à l'artiste d'adapter ses projections à n'importe quel support lui sert ici à assimiler l'écran de télévision à un substitut du visage parental auquel s'identifient les enfants. Oursler cite et recycle différents formats de la représentation contemporaine, des tests psychologiques aux caméras de surveillance, comme autant de visages où nous nous reconnaissons. En inscrivant le"viewer", celui qui regarde, dans son installation, Tony Oursler amplifie de manière critique et grotesque le principe même d'une "projection" de soi dans les miroirs éclatés et diffractants que nous présentent les différents médias actuels.

System for Dramatic Feedback, 1994
Une figure unique, un visage projeté sur une poupée de chiffon, accueille le spectateur dans cette installation - dont le titre propose un système de "retour", une "réaction" dramatique. Au mur, des spectateurs médusés "absorbent" un spectacle qui nous est inaccessible en mâchant du pop corn : nous sommes captifs de leur contemplation, devenus nous-même spectacle. Feedback, mot emprunté au vocabulaire audiovisuel, signifie donc "réponse". Le tas de vêtements et de poupées de chiffon qui occupe l'espace contient d'autres figures projetées sur les vêtements, elles effectuent ou subissent des gestes outrés et compulsifs qui renvoient à la régression et à l'enfermement psychique.

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Tony Oursler appartient à une génération d'artistes américains dont l'influence s'est ressentie sur la scène européenne dès la fin des années 1980. Aux États-Unis, dans un contexte marqué par les débats liés aux prolongements du formalisme (l'art post-minimal et l'art conceptuel) et leurs alternatives postmodernistes (le retour à la peinture des années 1980), des artistes réinvestissent le domaine de la performance.

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Nam June Paik est un artiste coréen considéré comme le fondateur de l’art video. Il est né à Seoul le 20 juillet 1932 et est décédé à Miami le 29 janvier 2006. Son génie est d’avoir compris que l’apparition de la télévision avait changé le monde.

« Marcel Duchamp a tout fait sauf la vidéo.
Il a fait une grande porte d’entrée et une toute petite porte de sortie.
Cette porte-là, c’est la vidéo.
C’est par elle que nous pouvons sortir de Marcel Duchamp. »
Nam June Paik, 1975√

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Nam June Paik est un artiste coréen considéré comme le fondateur de l'art video. Il est né à Seoul le 20 juillet 1932 et est décédé à Miami le 29 janvier 2006. Son génie est d'avoir compris que l'apparition de la télévision avait changé le monde.

" Marcel Duchamp a tout fait sauf la vidéo.
Il a fait une grande porte d'entrée et une toute petite porte de sortie.
Cette porte-là, c'est la vidéo.
C'est par elle que nous pouvons sortir de Marcel Duchamp. "
Nam June Paik, 1975

Après des études de musique et d'histoire de l'art en Corée puis au Japon en 1952 (fuyant un pays en guerre), Nam June Paik part en 1956 terminer sa formation universitaire en Allemagne. Il se spécialise en collage sonore à partir de bandes audio et disques vinyles. En 1958, il travaille auprès du compositeur Karlheinz Stockhausen (pionnier de la musique électroacoustique) au Laboratoire de Recherche du studio de musique électronique de Radio Cologne - où travaillent également les compositeurs René Köring et Mauricio Kagel. A cette époque, Name june Paik produit ses propres concerts, expositions et " actions musicales ", performances pendant lesquelles il s'attaque aux instruments de musiques (il brise, par exemple, un violon sur scène) dans le but d " éliminer la musique traditionnelle ". En 1961, il participe à la pièce musicale de Karlheinz Stockhausen, Originale, en réalisant une performance pendant que l'œuvre du compositeur allemand et ses propres montages sonores sont joués simultanément. C'est dans le cadre des représentations de la pièce Originale, que l'intéret de Nam June Paik pour le médium vidéo va augmenter.

Durant cette période, Nam June Païk côtoie l'avant-garde de l'époque (notamment Joseph Beuys, John Cage, George Maciunas, Merce Cunningham, le couple de plasticiens Christo, Jeanne-Claude, etc..) et rejoint finalement, en 1962, le groupe artistique Fluxus (issu du mouvement dada qui mélange aussi bien la musique, la performance, l'art plastique et l'écriture).

Dès le départ, l'œuvre de Nam June Paik est marqué par ces influences hétérogènes, transdisciplinaires et expérimentales.

Fluxus, c'est aller en terre vierge

En mars 1963, lors de l'exposition Fluxus " Music/Electronic Television ", il présente à la galerie Parnass de Rölf Jährling à wuppertal une installation composée de 13 téléviseurs posés à même le sol dont l'image déreglée par des générateurs de fréquence ne diffuse rien d'autre que des rayures et des striures. Cette " Exposition de musique et de télévision électronique ", qui fait écho à la technique du langage indéterminé et variable employé par John Cage dans ses " pianos déréglés " (dont le premier happening remonte à 1952), est considérée aujourd'hui comme la première œuvre d'art video. A cette époque, le mot vidéo, n'étant pas encore connu, c'est donc à posteriori que son acte fut reconnu comme " art video " (vers 1972-1973, quand on commence à prendre conscience des spécificité de ce medium).

Nam June Paik n'est pas le premier artiste à détourner la télévision de son usage habituel. A peu près à la même période, l'Allemand Wolff Vostell projette la vidéo expérimentale Sun in your headet le Français Jean-Christophe Averty diffuse une série d'émissions télévisuelles absurde Les Raisins verts. L'innovation qui le démarque des autres vient de ce que les œuvres de Nam June Paik sont déjà des installations, maîtrisées, produisant des images électroniques abstraites et indépendantes de la télévision.

En 1964, Nam June Paik rencontre la violoncelliste Charlotte Moorman avec qui il collabore pour de nombreuses performances.

L'ensemble de l'œuvre de Nam June Paik se compose d'installations vidéos dans lesquels il introduit des instruments de musique et des moniteurs de télévision qu'il modifie pour les détourner de leur fonction initiale. Dans sa série " robots ", il empile des postes de télévision jusqu'à leur donner une forme anthropomorphique. A la différence du cinéma, l'art vidéo consiste moins à filmer qu'à travailler la matière de l'image électronique. Nam June Paik manipule les images et les sons, en les superposant, les altérant, les étirant et les accelerant jusqu'à les rendre méconnaissables. En révélant le procédé technique de la télévision, Nam June Paik dévoile le simulacre de l'image télévisuelle et met à jour sa nature idéologique et technologique.

A la fois sculptures et mise en scene sonore et visuelle, les installations de Nam June Paik offent aux visiteurs, une experience sensorielle totale.

En 2008, deux ans après la mort de l'artiste coréen, le centre d'art Nam June Paik a ouvert ses portes dans la ville de Yongin.

Nam June Paik et le Portapak Sony

Au milieu des années 60, l'apparition sur le marché d'une nouvelle caméra portable, le portapak Sony, va accélérer le développement de l'art vidéo (auparavant, les caméras très lourdes ne quittaient presque jamais les studios et étaient utilisées à des fins professionnels).

La légende raconte qu'à peine entré en possession de la portapak en 1965 (il est l'un des premiers artistes à se la procurer, en raison de son prix élevé), Nam June Paik aurait sauté dans un taxi pour se rendre au " café au go go ", le nom d'un lieu branché de Greenwich village où se retrouvaient tous les jeunes artistes new yorkais, et aurait filmé, vitre baissée, tout le trajet en taxi, capturant du même coup le cortège pontifical qui descendait la 5ème avenue.

Il n'existe malheureusement aucune trace de cette bande...

La première vidéo avérée et réalisée par Nam June Paik est Button happening sur laquelle on voit l'artiste coréen boutonner et déboutonner son manteau. Caractéristique de l'esprit Fluxus, cette vidéo est une sorte d'hommage à George Maciunas, pour qui n'importe quel geste peut être détourné de la boucle du quotidien si il est répété plus d'une vingtaine de fois.

TV Buddha est une œuvre de June Paik Nam composée d'une statue de Bouddha contemplant sa propre image diffusée sur ​​un écran vidéo (filmée par une caméra en circuit fermé créant ainsi une boucle infinie).

Avec sa série Buddha, Nam June Paik engage une réflexion sur le statut de la télévision en tant qu'objet de culte en occident.

Family of Robots.
A partir de 1986, Nam June Paik assemble des vieux téléviseurs et appareils radiophoniques dans le but de créer des sculptures d'apparence humaine qui représentent des membres d'une famille.

Stanley Brouwn est un artiste conceptuel hollandais-surinamien.

Lorsque Nam June Paik arrive aux États-Unis en 1964, l'immense réseau autoroutier - encore récent - symbolise une certaine idée de la liberté américaine. L'œuvre Electronic Superhighway représente la sensation du jeune artiste coréen quand il arrive sur le continent américain. Les Néons évoquent les enseignes multicolores et tentatrices des motels et restaurants au bord de la route. La multitude d'images clignotantes défilent comme le paysage vu d'une voiture qui fonce à travers la nuit. La structure faite d'écrans suggèrent que le mythe de l'Amérique s'est construite sur son cinéma.

La sculpture Olympe de Gouges, qui a été installé au centre de la fresque réalisée par Raoul Dufy au musée d'art moderne de Paris, était une commande de la ville à l'occasion du bicentenaire de la Révolution de 1789.
Guillotinée à Paris le 3 novembre 1793, Marie Gouze (Olympe de Gouges) est une femme politique française considérée comme l'une des premières féministe française. Elle a notamment écrit la Déclaration des droits de la femme et de la citoyenne ainsi que de nombreux textes pour la défense des droits civils et de l'abolition de l'esclavage.

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Nam June Paik - Créateur de l'Art video - Cahier de Seoul

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Nam June Paik est un artiste coréen considéré comme le fondateur de l'art video. Il est né à Seoul le 20 juillet 1932 et est décédé à Miami le 29 janvier 2006. Son génie est d'avoir compris que l'apparition de la télévision avait changé le monde.

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Christian MARCLAY (1955), The clock, 2010

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Christian MARCLAY (1955), The clock, 2010

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Voir le portrait filmé de l'exposition :

L'artiste américain Peter Campus (né en 1937 à New York) compte parmi les pionniers de la vidéo les plus influents aux côtés de Bruce Nauman, Nam June Paik, Joan Jonas, Vito Acconci ou Bill Viola, assistant de sa première grande exposition à l'Everson Museum of Art de Syracuse (État de New York) en 1974. Tout au long de sa carrière, Peter Campus a réalisé des vidéos, des installations, et un grand nombre de photographies. Dans ses œuvres vidéo récentes, il fait usage des techniques numériques pour travailler l'image pixel par pixel à la manière d'un peintre. C'est avec une caméra de très haute définition qu'il poursuit ses expérimentations actuelles. Aujourd'hui, nombre de ses œuvres font partie des collections de grands musées d'art contemporain dans le monde.

" video ergo sum ", première exposition monographique de l'artiste en France, retrace le parcours de Peter Campus, de ses recherches avec la vidéo dans les années 1970 à ses travaux plus récents en vidéo numérique.

Après des études de psychologie expérimentale et de cinéma au cours desquelles il expérimente le montage de films, Peter Campus réalise, dès 1971, des vidéos et des installations en circuit fermé. Leur subtilité conceptuelle et technologique, leurs enjeux cognitifs et psychologiques, en ont fait aujourd'hui des œuvres de référence, largement commentées dans tous les ouvrages sur la vidéo comme art.

L'exposition du Jeu de Paume débute avec les œuvres de cette période majeure de sa création. Dans les vidéos et les installations qu'il produit jusqu'en 1977, l'artiste explore les questions de la perception de l'espace, de l'appréhension de son propre corps dans la construction de l'identité à travers des points de vue inédits et des temporalités multiples. Grâce à la transmission en direct de l'image électronique, il invite le visiteur à faire d'étranges expériences de lui-même en le confrontant à des doubles dissociés dans l'espace et le temps, à une image de soi toujours problématique.

D'une installation à l'autre, un resserrement progressif s'opère, l'activité du visiteur est restreinte et celui-ci n'est plus confronté qu'à une seule image de lui-même, quoique toujours inattendue, pour aboutir à un face-à-face avec le visage d'un autre qui le fixe du regard, une image projetée de grande dimension. Un blocage, une impasse, un épuisement des possibles ? Le spectateur est renvoyé désormais à son activité de regardeur.

La suite du parcours, des années 1980 à aujourd'hui, présente deux photographies de visages en noir et blanc, puis une installation de pierres projetées sur les murs. Avec la photographie, une ouverture s'amorce vers le monde extérieur, l'espace suburbain et les éléments naturels sur lesquels l'artiste projette alors sa sensibilité et son imagination. C'est toujours la perception dans sa dimension sensorielle, cognitive, psychologique qui est en jeu, sollicitant davantage le travail physique et mental de la vision, l'émotion du regard.

La vidéo, pour un temps abandonnée au profit de la photographie, fait son retour au début des années 1990. Le corps n'y est plus l'objet premier de l'expérimentation. Et si la performance persiste au début, elle fait place peu à peu aux paysages, la mer avant tout, aux objets travaillés par le temps et les phénomènes naturels, aux traces d'une activité humaine.

En fin d'exposition, sont présentées les vidéos numériques actuelles qui explorent la haute définition, et dans lesquelles l'artiste se livre à un travail pictural qui engage autrement l'activité perceptive et la mémoire des lieux.
Une nouvelle œuvre sera spécialement produite pour l'exposition.

Commissaire : Anne-Marie Duguet.

Exposition produite par le Jeu de Paume, Paris.

Partenaires média : A Nous Paris, artpress, Time Out, France Culture.

L'exposition " video ergo sum " participe au Mois de la Photo du Grand Paris 2017.

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Voir le portrait filmé de l'exposition : L'artiste américain Peter Campus (né en 1937 à New York) compte parmi les pionniers de la vidéo les plus influents aux côtés de Bruce Nauman, Nam June Paik, Joan Jonas, Vito Acconci ou Bill Viola, assistant de sa première grande exposition à l'Everson Museum of Art de Syracuse (État de New York) en 1974.

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L'œuvre

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
© Bill Viola

1 vidéoprojecteur, 1 écran, 1 ordinateur, 1 bande vidéo, NTSC, couleur, son stéréo, 26' (durée ralentie à 6 h 30)

Achat, 1991

Numéro d'inventaire : AM 1991-327

Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007

Lorsque le spectateur emprunte le couloir (le " passage ") d'où il entrevoit quelques images, il se retrouve dans une salle délibérément exiguë où est projetée une scène banale : la fête d'anniversaire d'une petite fille. Coincé dans la pièce, collé aux images, il peut aisément reconnaître des enfants en train de jouer, de manger des gâteaux, de sourire, de circuler en tous sens, bref, un simple goûter d'enfants. Ce n'est qu'au bout d'un certain temps que s'installe un léger malaise dû au décalage entre la nature des scènes présentées et la manière dont elles sont restituées : lenteur exces...

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Achat, 1991

Numéro d'inventaire : AM 1991-327

Lorsque le spectateur emprunte le couloir (le " passage ") d'où il entrevoit quelques images, il se retrouve dans une salle délibérément exiguë où est projetée une scène banale : la fête d'anniversaire d'une petite fille. Coincé dans la pièce, collé aux images, il peut aisément reconnaître des enfants en train de jouer, de manger des gâteaux, de sourire, de circuler en tous sens, bref, un simple goûter d'enfants. Ce n'est qu'au bout d'un certain temps que s'installe un léger malaise dû au décalage entre la nature des scènes présentées et la manière dont elles sont restituées : lenteur exces...

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L'œuvre Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist.

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GIOTTO, Fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue, 14ème siècle

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GIOTTO, Fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue, 14ème siècle

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Les dimensions de la salle accueillant l'oeuvre "Going Forth by Day" sont comparables à celles de la chappelle des Scrovegni. Giotto, peintre précurseur de la Renaissance, y a réalisé une oeuvre d'art totale recouvrant entièrement les murs et la voute de la chapelle.

Bill Viola rend hommage à GIOTTO en reprenant certaines de ses idées novatrices : la monumentalité de l'oeuvre, les thèmes abordées (religieux), la représentation "réaliste", le soin du détail... et même des éléments du décor qui sont reproduits fidèlement dans l'oeuvre vidéo de Bill Viola.

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Vidéo/installation sonore. Détail. Goutte d’eau provenant d’un tuyau en cuivre Projection vidéo dans une salle noire. Taille de l’image projetée : 2,3 x 3,1 m Dimensions de la salle : 3,7 x 6,1 x 7,9 m

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Vue 2 (Détail)

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bill viola He weeps for you 1976 (vue 2).jpg

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Extrait vidéo montrant l'installation The Dreamers dans le lieu de l'exposition.

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BILL VIOLA - The Dreamers, at Blain Southern

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Extrait vidéo 1

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Bill Viola Interview: Cameras are Soul Keepers (english)

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Bill Viola Interview: Cameras are Soul Keepers (english)

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Bill Viola Interview: Cameras are Soul Keepers

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Welcome to the official BILL VIOLA website

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BILL VIOLA: THE ROAD TO ST PAUL'S is a powerful, moving portrait of the world's most influential video artist and his wife and close collaborator, Kira Perov. The film is an up-close documentation of their 12-year odyssey to create two permanent video installations for St Paul's Cathedral, London: Martyrs (2014) and its companion piece, Mary (2016).

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Fresque de la chapelle des Scrovegni, GIOTTO, 14ème sièc

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Fresque de la chapelle des Scrovegni, GIOTTO, 14ème sièc

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Giotto (vers 1267-1337), Histoires de Joachim, apparition de l’ange à sainte Anne, 1304-1306, fresque, H : 2 m ; L : 1,85 m, Italie, Padoue, chapelle des Scrovegni.

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bill viola Giotto (vers 1267-1337), Histoires de Joachim, apparition de l’ange à sainte Anne, 1304-1306, fresque, H - 2 m ; L - 1,85 m, Italie, Padoue, chapelle des Scrovegni.jpg

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Going Forth By Day, 2002.« The Voyage » (panneau 4).

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Going Forth By Day, 2002.« The Voyage » (panneau 4).

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« The Voyage » (panneau 4). Taille de l’image projetée : 2,3 x 4 m

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bill viola Going forth by day le voyage panneau 4.jpg

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Vidéo/installation sonore. Vue de l’installation. Sept canaux de diffusion vidéo HD en couleurs visibles sur sept écrans plasma accrochés verticalement sur les murs d’une salle obscurcie. Quatre canaux de son stéréo. Fonctionnement en continu. Taille de chaque écran : 155,5 x 92,5 x 12,7 cm Dimensions de la salle : 3,5 x 6,5 x 6,5 m

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Reverse Television - Portraits of Viewers, 1983 (courts-métrages)

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Reverse Television - Portraits of Viewers, 1983 (courts-métrages)

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L'artiste a diffusé à la télévision sur une chaine locale des vidéos montrant des personnes regardant leur poste de télévision. Le téléspectateur se trouve face à son propre reflet...

Cette oeuvre amène le téléspectateur à interroger son statut et à prendre conscience de sa grande passivité face à l'écran de télévision.

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Bill Viola, “Reverse Television - Portraits of Viewers”, 1983 (courts-métrages).jpg

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Analyse par Anne Marie DUGUET, critique d'art spécialiste de l'art vidéo.

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Installation vidéo.
Vue de l’installation.
Dans une petite alcôve, une colonne en bois s’étend du sol au plafond avec un intervalle au centre de 50 cm voyant deux écrans se faire face, l’un et l’autre montés respectivement sur la colonne supérieure et la colonne inférieure. Vidéos en noir et blanc sur chaque écran.
Dimensions de la salle : 2,9 x 4,9 x 5,5 m
Durée : 29 min 52 s

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Vue 2

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Pour The Veiling Bill Viola utilise une projection s'opérant au travers de plusieurs voiles qui multiplient et décalent les images pour le spectateur entrant de côté dans la salle. les scènes filmées sont des scènes nocturnes ; le spectateur se trouvant également dans l'obscurité, en résulte un affet d'insertion de celui-ci dans la scène, les silhouettes ombrées mêlant finalement  personnages et spectateurs dans une même déambulation à l'aveugle dans une nuit percée par un projecteur pour les premiers, dans le film, et par le vidéo projecteur dans la salle pour les autres.

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BILL VIOLA: SURVEY EXHIBITION MMK FRANKFURT  PART 5: THE VEILING. CURATOR DR  RO

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Bande vidéo en couleur, son mono, 7 minutes.
Performeur: Bill Viola

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Extrait Vidéo

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Installation, 4 écrans plasmas verticaux
Durée : 7 minutes

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Installation vidéo.
Vue de l’installation.
Dans une petite alcôve, une colonne en bois s’étend du sol au plafond avec un intervalle au centre de 50 cm voyant deux écrans se faire face, l’un et l’autre montés respectivement sur la colonne supérieure et la colonne inférieure. Vidéos en noir et blanc sur chaque écran.
Dimensions de la salle : 2,9 x 4,9 x 5,5 m
Durée : 29 min 52 s

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Vue 2

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Martyrs (Earth, Air, Fire, Water), 2014 

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Martyrs (Earth, Air, Fire, Water), 2014 

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Vue 2

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Exposition retrospective "Bill VIOLA" au Grand Palais, 2014

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Exposition retrospective "Bill VIOLA" au Grand Palais, 2014

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Bill Viola : l'exposition (français / english)

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Article Télérama sur l'exposition Bill VIOLA, 2014

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Article Télérama sur l'exposition Bill VIOLA, 2014

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Bill Viola, grand maître du tableau en mouvement, de l'installation monumentale et de l'art vidéo, s'affiche au Grand Palais à partir du 5 mars. Fragments commentés.

Depuis quarante ans, Bill Viola, pionner de l'art vidéo, filme le temps, la mort, la force des éléments, l'invisible, pour en faire de puissants tableaux vivants. Alors qu'une rétrospective lui rend hommage au Grand Palais, à Paris, petite introduction commentée de l'œuvre du maître américain.

Ascension

Bill Viola réalise cette vidéo en 2000. Sa durée totale est de 10 minutes. Elle montre un homme entrant dans l'eau, les bras en croix, puis remontant. Une lumière latérale, bleue, l'éclaire. Sa densité rappelle celle de la lumière des tableaux du Caravage (1571-1610). Bill Viola s'inspire de la peinture ancienne depuis 1995, avec The Greeting, installation réalisée pour le pavillon américain de la Biennale de Venise prenant pour modèle La Visitation, peinte en 1528 par Pontormo. L'eau est un élément essentiel de son œuvre depuis Reflecting Pool (1979), où le vidéaste joue avec le reflet d'un homme dans une piscine. Dans une conversation avec l'historien allemand Hans Belting, Viola dit que " l'une des choses dont il est important de se rendre compte dans l'histoire de Narcisse, est que son problème n'est pas qu'il a vu son propre reflet, c'est qu'il n'a pas vu l'eau. Cest le point capital. L'eau est la clé ". Ascension est aussi la préfiguration d'une œuvre magnifique, réalisée l'année suivante : Five angels for millenium.

Ascension, de Bill Viola, extrait (2000)

Tristan's Ascension

L'œuvre date de 2005 et dure une dizaine de minutes. On y voit un homme allongé dans un espace vide et noir. Soudain, quelques gouttes apparaissent. Peu à peu l'eau se déchaîne, soulève le corps de l'homme qui disparaît de l'écran. Puis l'intensité de l'eau diminue, le calme revient, et ne demeure sur l'écran qu'un espace vide et noir. Ici se trouve l'un des thèmes majeurs de l'œuvre de Viola : l'apparition/disparition des êtres, c'est-à-dire notre condition de mortels. L'œuvre est sous-titrée The sound of a mountain under a waterfall, et appartient à une série intitulée The Tristan Project, inspirée par l'opéra de Wagner, Tristan und Isolde. Ainsi se précisent les affinités de Viola : religieuses souvent (l'homme en croix de l'Ascension), mythologiques parfois - mystiques, toujours.

FireWoman

Cette œuvre, réalisée en 2005, appartient aussi au cycle du Tristan Project. Elle met en scène le feu, autre élément privilégié de Bill Viola. Neuf ans auparavant, dans The Crossing, Viola montrait sur deux écrans vidéo un homme englouti par l'eau d'un côté, et ce même homme disparaissant dans le feu de l'autre côté. Dans Firewoman, un personnage entouré de flammes plonge dans l'eau, puis l'eau et le feu peu à peu se confondent... Il s'agit de la mort de Tristan (la scène II de l'acte III de l'opéra de Wagner). Le cycle du Tristan Project comprenant cinq vidéos, est à l'origine accompagné par l'orchestre philharmonique de Los Angeles et découle de la scénographie qu'avait conçue Viola pour l'opéra mis en scène par Peter Sellars en 2005.

The Deluge

Cette vidéo - ou plutôt, comme les appelle l'auteur, ces " projected images " - plutôt longue (35 minutes) et réalisée en 2002, montre un autre aspect de l'art de Viola. La magie et la poésie laissent la place à la mise en scène et au spectacle. L'œuvre appartient à un cycle de cinq " projected images " : Going Forth By Day, inspiré par des épisodes de la Bible. Les fresques de Giotto pour la chapelle Scrovegni de Padoue ont servi de modèles, en particulier pour l'un des épisodes, The Voyage - un autre, The Path, s'inspirant d'une scène de chasse de Paolo Uccello. Pour Le Déluge - une maison d'où sort un fleuve bouillonnant d'eau emmenant tous les êtres -, Viola a demandé de l'aide au spécialiste hollywoodien des scènes d'inondations en tous genres, Robbie Knott. L'effet est saisissant. Ici, l'eau devient effrayante. La biographie de Bill Viola précise qu'enfant, le réalisateur tomba d'un bateau et faillit se noyer.

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Bill Viola : zoom sur quatre œuvres du vidéaste

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Bill Viola, grand maître du tableau en mouvement, de l'installation monumentale et de l'art vidéo, s'affiche au Grand Palais à partir du 5 mars. Fragments commentés. Depuis quarante ans, Bill Viola, pionner de l'art vidéo, filme le temps, la mort, la force des éléments, l'invisible, pour en faire de puissants tableaux vivants.