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Kandinsky Développement en brun 1933

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L'œuvre

Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP
Domaine public

Vassily Kandinsky (1866 - 1944)

Développement en brun

1933

Huile sur toile

101 x 120,5 cm

Inscriptions :

MO.D.B.G. : VK 33

MO.N.D.T.R.H.G. : VK N°594/i933 Développement en brun

Toile peinte à Dessau après la fermeture du Bauhaus le 20 juillet 1933

Achat, 1959

Numéro d'inventaire : AM 3666 P

Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

Cette toile fut peinte à Berlin en août 1933, soit après la date fatidique de la fermeture définitive du Bauhaus (le 22 juillet 1933), à la suite de la décision prise par les professeurs de l'école de ne pas composer avec les exigences des nazis. Kandinsky vient en vacances dans le Var, pensant y rencontrer son ami Christian Zervos. Dans son hôtel, il écoute un discours violent du Führer, qui décide de son installation définitive en France.

La toile, dont il existe une aquarelle préparatoire presque analogue, est exposée à Paris, en 1934, à la galerie des Cahiers d'art. Kandinsky élimine le...

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Vassily Kandinsky (1866 - 1944)

Développement en brun

1933

Huile sur toile

101 x 120,5 cm

Inscriptions :

MO.D.B.G. : VK 33

Achat, 1959

Numéro d'inventaire : AM 3666 P

Cette toile fut peinte à Berlin en août 1933, soit après la date fatidique de la fermeture définitive du Bauhaus (le 22 juillet 1933), à la suite de la décision prise par les professeurs de l'école de ne pas composer avec les exigences des nazis. Kandinsky vient en vacances dans le Var, pensant y rencontrer son ami Christian Zervos. Dans son hôtel, il écoute un discours violent du Führer, qui décide de son installation définitive en France.

La toile, dont il existe une aquarelle préparatoire presque analogue, est exposée à Paris, en 1934, à la galerie des Cahiers d'art. Kandinsky élimine le...

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L'œuvre Crédit photographique : © Philippe Migeat - Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GPDomaine public Vassily Kandinsky (1866 - 1944) Développement en brun 1933 Huile sur toile 101 x 120,5 cm Inscriptions : MO.D.B.G. : VK 33 MO.N.D.T.R.H.G.

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Notice MNAM Delaunay Rythme joie de vivre 1930

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Notice MNAM Delaunay Rythme joie de vivre 1930

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EXPOSITION Utopia centre Georges Pompidou Malaga

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EXPOSITION Utopia centre Georges Pompidou Malaga

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excellent exemple entre joie de vivre et principe de réalité avec les deux oeuvres emblématiques de Delaunay et Kandinsky

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Centre Pompidou Málaga - El final de las ilusiones

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Como consecuencia, la sumisión del arte al discurso oficial de los Estados -cada vez más centralizados- y la persecución de los artistas que actuaban al margen de la orientación cultural del poder, junto con acontecimientos como el cierre de la Bauhaus, la exposición de arte degenerado de Múnich de 1937 o la proclamación del realismo socialista como único estilo artístico tolerable acabaron con toda experimentación formal, en esta época marcada por el fin de la modernidad artística.

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Kandinsky malevitch Rothko Newman

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Mars juillet 2018
CHAGALL LISSITZKY MALEVITCH à VITEBSK 1918 1922
présentée par son aurganisatrice Angela Lampe

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Chagall, Lissitzky, Malévitch... | Parcours d'exposition | Centre Pompidou

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à l'origine du carré noir de Malevitch :une pièce de Théâtre futuriste de 1913 Victoire sur le soleil

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à l'origine du carré noir de Malevitch :une pièce de Théâtre futuriste de 1913 Victoire sur le soleil

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à voir pour les projets de costumes et la langue Zaoum !

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Costumes de Victoire sur le soleil de Kasimir Malevitch

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Le livret, écrit en zaoum, est dû à Alexeï Kroutchenykh, considéré comme l'une des plumes les plus radicales du futurisme russe. Il chante le triomphe de l'Homme sur la nature ainsi que sa supériorité obtenue par la machine. La musique a été écrite par Mikhaïl Matiouchine, le prologue fut ajouté par Vélimir Khlebnikov, et les décors furent exécutés par Kasimir Malevitch.

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El Lissitzky  Suprématiste puis constructiviste puis récupéré par le régime autoritaire de staline..

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El Lissitzky  Suprématiste puis constructiviste puis récupéré par le régime autoritaire de staline..

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site de Télérama à l'occasion de l'exposition du Centre Georges Pompidou sur l'école de Vitebsk2018

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Pour le centenaire de la Révolution d'octobre, le Centre Pompidou revient sur l'histoire de l'école d'art de Vitebsk, fondée en 1919 par Marc Chagall. Architecte, peintre, graphiste, scénographe, Lazar Lissitzky en était l'un des piliers. Retour sur le parcours tumultueux d'un homme à tout faire.

attez les blancs avec le triangle rouge ". Cette affiche de 1919 est l'une des plus marquantes d'El (abréviation de Lazar) Lissitzky (1890-1941). Le triangle rouge en question s'enfonce dans le cercle blanc posé sur fond noir, comme pour le faire éclater en deux. Déséquibrée, dynamique, la composition reprend les formes géométriques de la peinture abstraite pour glorifier le combat de l'Armée rouge contre les troupes tsaristes. Œuvre radicale, cette affiche est aussi un outil de propagande, ou, comme on dirait aujourd'hui, de communication politique : c'est du graphisme, de l'art utile.

Comment ne pas vouloir écraser l'armée du Tsar quand on a été contraint d'étudier l'architecture en Allemagne en raison de quotas imposés aux Juifs ? Né près de Smolensk, à l'ouest de Moscou, El Lissitzky réussit en 1909 le concours de l'Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, qui refuse son inscription. Il part donc pour Darmstadt, et ne retourne en Russie qu'après 1914. Il participe d'abord au renouveau de la culture populaire yiddish, en illustrant des contes où les chats oppresseurs mangent les chèvres juives. A partir de 1917, il s'engage tout entier dans la révolution communiste.

En 1919, le peintre Marc Chagall le recrute comme enseignant à l'école populaire d'art de Vitebsk, qu'il vient d'ouvrir dans sa ville natale, aujourd'hui située en Biélorussie, non loin de Potchinok, où est né Lissitzky. Il s'agit d'y inventer un art prolétarien. Yeux de braise, joues creuses et brune barbe fournie de hipster, El Lissitzky enfile donc une blouse pour enseigner le graphisme et l'architecture.

Il fait venir à ses côtés le charismatique Kasimir Malevitch, peintre abstrait fondateur du " suprématisme " (auteur du fameux Carré blanc sur fond blanc), et participe à la création de son groupe Unovis (acronyme de Champions du nouvel art). Lissitzky abandonne alors le folklore juif pour le suprématisme : la révolution avant tout. Mais Chagall, qui refuse de renoncer à l'art figuratif, ne s'entend pas avec Malevitch et quitte Vitebsk. Quant à Lissitzky, il trace sa propre route en inventant les Prouns (Pro-Unovis, ou Projets pour l'affirmation du nouveau en art) : des constructions géométriques peintes sur toile, semblant flotter dans l'air. Le Proun est censé être un intermédiaire entre l'art, l'aménagement de l'espace et les objets de la vie quotidienne.

L'art de Lissitszky est largement influencé par le futurisme. Fondé en 1909 par Marinetti, ce mouvement né en Italie, et qui veut faire table rase du passé, devance le cubo-futurisme russe et le suprématisme. Comme l'a montré l'historien de l'art Eric Michaud, les avant-gardes, dont Lissitzky est l'un des prophètes, sont persuadées qu'un homme nouveau va advenir, modelé par l'art, la science et la machine. C'est pourquoi l'époque de Lissitzky ressemble parfois à la nôtre. En 1923, il créera donc le personnage de l' " Homme nouveau " pour l'opéra futuriste Victoire sur le soleil. Une sorte d'être-sculpture, au corps carré rouge et aux yeux-étoiles, semblant bondir vers l'avenir les bras écartés.

Tous ces courants avant-gardistes prendront ensuite des routes divergentes. Le darwinisme social - l'apologie de la loi du plus fort -, le bellicisme et le nationalisme de Marinetti le conduiront droit vers le fascisme. Quant à Lissitzky, révolutionnaire sans frontières, il sera pendant quelques années l'ambassadeur d'une modernité moins extrême, favorisée en Russie par la NEP (Nouvelle politique économique), et en Allemagne par la République de Weimar.

En 1920, il quitte Vitebsk pour diriger à Moscou la faculté d'architecture des Vkhoutémas (Ateliers supérieurs d'art et de technique de l'Etat), " ce Bauhaus russe ", comme il l'appelle. Il s'installe ensuite à Berlin où il fonde une revue, rencontre le Néerlandais Theo Van Doesburg et participe avec lui à l'essor du mouvement constructiviste, " dont la tâche, explique-t-il, n'est pas d'orner la vie mais de l'organiser ". C'est à Berlin aussi qu'il conçoit le Prounenraum, sorte de tableau en trois dimensions, où les éléments géométriques sont disposés en relief sur les murs d'une salle d'exposition. Une œuvre d'art totale. L'architecte Walter Gropius, fondateur du Bauhaus, tente de le recruter, mais ne parvient pas à le contacter. Lissitzky n'enseignera donc pas dans la célèbre école. Un autre constructiviste, le Hongrois Laszlo Moholy-Nagy, prendra sa place.

Ensuite, sa vie bascule. La tuberculose le frappe. Il part en cure près de Locarno, en Suisse, où, pour payer son sanatorium, il conçoit la publicité des encres Pelikan, avec des jeux typographiques dont il est l'un des inventeurs. Déjà, dans Battez les blancs avec le triangle rouge, le texte est un élément actif de la composition. Par la suite, Lissitzky accentuera l'effet en isolant des lettres ou des mots, en variant les couleurs et les caractères, donnant ainsi à ses affiches une irrésistible force visuelle. Se tournant vers la photographie, il réalisera aussi beaucoup de documents à partir de photomontages.

Lissitzky a changé. Sa barbe a disparu. Il retourne en Russie en 1925, échoue dans tous ses projets architecturaux et devient scénographe d'exposition. Avec sa femme, l'artiste allemande Sophie Küppers, épousée en 1927, l'ex-héraut de la modernité devient peu à peu un docile propagandiste de Staline. Son style reste élégant, mais évolue : l'abstraction n'est plus en odeur de sainteté à Moscou. En 1929, il conçoit une hallucinante affiche pour l'exposition d'art soviétique de Zürich : un jeune couple de pionniers regardant vers l'horizon avec confiance. Ils sont si serrés l'un contre l'autre que leurs corps se fondent en une sorte de monstre siamois à une tête, trois yeux et deux nez. C'est peut-être ça, l'homme nouveau...

Pour chanter les louanges du régime, il faut faire du classique, de l'énorme, de l'héroïque. On lui confie la mise en page du magasine URSS en construction, chargé de montrer au monde des paysans musclés et des costumes régionaux, des centrales hydroélectriques puissantes et des écoliers souriants, des navires de guerre fonçant vers le spectateur et des soldats de l'Armée rouge alignés. Sans oublier, bien sûr, de mettre en valeur la moustache de Staline. Avec des gros titres, des aplats de rouge et des photos en noir et blanc soigneusement composées, Lissitzky excelle à cet exercice.

De plus en plus malade, il meurt en 1941 dans sa maison de la banlieue de Moscou. Il aura vécu des heures palpitantes, historiques, et connu la plupart des grands artistes européens de la première moitié du XXe siècle : les peintres Kurt Schwitters et Piet Mondrian, le poète Vladimir Maïakowski... Son influence est aujourd'hui un peu oubliée. C'est le moment d'aller le découvrir, du 28 mars au 16 juillet au Centre Pompidou.

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El Lissitzky : de l'avant-garde à la propagande russe, la trajectoire sinueuse d'un artiste total

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Pour le centenaire de la Révolution d'octobre, le Centre Pompidou revient sur l'histoire de l'école d'art de Vitebsk, fondée en 1919 par Marc Chagall. Architecte, peintre, graphiste, scénographe, Lazar Lissitzky en était l'un des piliers. Retour sur le parcours tumultueux d'un homme à tout faire.

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Outre ses expositions régulières à New York, Noël Pasquier expose à Londres, Tokyo, Budapest, Sao Paolo, Tel-Aviv, Beyrouth, Shanghai, Singapour, Boston, Chicago, en Allemagne, en Italie...

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L' abstraction lyrique se réfère à deux mouvements distincts, bien que liés, de la peinture moderne d'après-guerre :

Bien avant que le terme soit défini, la tendance à l'expression directe de l'émotion individuelle, cette liberté du langage plastique, s'est déjà brièvement manifestée chez Vassily Kandinsky dans sa première période des " improvisations " et " compositions " (1910-1914), puis sous forme abstraite à partir de 1912. Mais il devait s'en détacher rapidement pendant son retour en Russie. Cette tendance s'exprime aussi chez Alberto Magnelli, qui, retiré en Italie à cause de la première guerre mondiale, célèbre la fin de celle-ci par une série de 25 toiles, en 1918-1919, intitulées explosion lyrique,, exprimant une énergie renouvelée par sa découverte de l'art africain à Paris, où les corps et le paysage se confondent dans un éclatement de couleurs.

C'est avec Hans Hartung que la volonté d'expression pure et libre s'affirme de nouveau, avec ses premiers dessins et aquarelles (1920-1922), puis, dès 1925-1927, avec Joan Miró. Miró détestait les théories sur l'art et il se tenait toujours en marge des courants quels qu'ils soient. Dès 1925, il développe de surprenantes recherches plastiques dans divers sens, avec une profusion de symboles qui font de lui le précurseur du lyrisme abstrait contemporain.

Selon Jacques Dupin :

" Miró a abouti, vingt ans avant Pollock, à la création d'un espace extrêmement suggestif par la confusion de la texture et de la structure, qui ouvrira une voie scandaleusement nouvelle à la génération qui suit. "

Selon James Thrall Soby :

" il suffit de citer les noms de Pollock (dans les années 1938-46), Rothko, Gottlieb, Motherwell, Rauschenberg pour les États-Unis, et de Tàpies, Saura, Alechinsky et bien d'autres en Europe, pour constater que les germes lancés par Miró n'ont pas été dispersés en vain. "

L'abstraction lyrique est une expression employée pour désigner, en opposition à l' abstraction géométrique, ou au constructivisme, une tendance à l'expression directe de l'émotion individuelle qui est rattachée à l' art informel développé à Paris après la Seconde Guerre mondiale. Une polémique oppose les tenants de l'abstraction géométrique, dite " froide ", à ceux de l'abstraction lyrique " chaude ".

L'expression " abstraction lyrique " est employée pour la première fois par Jean José Marchand et le peintre Georges Mathieu lors de l'exposition organisée, en décembre 1947, à la galerie du Luxembourg avec Wols, Bryen, Hartung, Mathieu, Riopelle, Atlan, Ubac, Arp, à laquelle Mathieu voulait donner le titre " Vers l'abstraction lyrique ", titre auquel la directrice de la galerie préféra " L'Imaginaire ".

" On peut y rattacher, à plus ou moins juste titre, la démarche amorphique de l' art informel, l' expression calligraphique, de la peinture gestuelle, et surtout, en tenant compte d'une certaine vulgarisation, la grande vague du tachisme qui a déferlé en 1954. "

Après la Seconde Guerre mondiale, certains critiques d'art s'emparent d'un nouveau courant abstrait, afin de préserver - et relancer, après quatre ans d'occupation nazie - le blason de modernité d'un Paris qui depuis la fin du a occupé le rang de capitale des arts. Par ailleurs, à partir de 1947, on assiste à une compétition entre Paris et la nouvelle école de peinture américaine née à New York ( Jackson Pollock depuis 1946, Willem de Kooning depuis 1952...), qui sera suivie au début des années 1950 et jusqu'en 1964, par le lancement d'une virulente campagne de promotion culturelle par les autorités et la critique américaines.

Dès la Libération de Paris mi-1944, se tiennent de nombreuses expositions des artistes de cette nouvelle tendance, d'abord dans des galeries d'art privées, telles la galerie Jeanne Bucher avec Nicolas de Staël en 1944, la galerie René Drouin avec Jean Dubuffet en 1944, Jean Le Moal, Gustave Singier, Alfred Manessier, Tal-Coat et Jean Fautrier en 1945, la galerie Louise Leiris avec André Masson en 1945, la galerie Rive gauche avec Henri Michaux en 1946 ou encore la galerie Conti avec Pierre Soulages et Gérard Schneider en 1947 ; puis dans les salons de peinture, tels le Salon des surindépendants, où l'on peut voir Wols et Bryen dès 1945 ; le Salon de Mai, créé en 1943 ou le Salon des réalités nouvelles, créé en 1946.

Les artistes de l'abstraction lyrique appliquent en quelque sorte les leçons de Kandinsky (considéré comme un des pères de l'abstraction), mais aussi de Hartung et de Miró. L'abstraction géométrique expose des figures géométriques connues et reconnues : un carré, une ligne. L'abstraction lyrique est vécue comme une ouverture à l'expression personnelle de l'artiste, en opposition à l'abstraction géométrique, ou constructiviste.

L'exposition de décembre 1947, " L'imaginaire ", est suivie par celle de 1948, " HWPSMTB ", chez Colette Allendy (avec Hartung, Wols, Picabia, Stahly, Mathieu, Tapié, Bryen). L'exposition " White & black " de la galerie des Deux-Îles présentera également Hartung, Wols, Arp, Tapié, Picabia, Ubac et Germain en 1948.

L'abstraction lyrique regroupe à l'origine des artistes qui évoluent vers le langage abstrait suivant une écriture gestuelle, qui dès avant la guerre s'était glissée entre l'esprit dada et l'esprit surréaliste chez Hans Hartung (1922) et Camille Bryen (1936), puis qui débouche pendant ( Wols) et après celle-ci sur de nouveaux procédés de liberté plastique, allant de la projection linéaire des couleurs sur la toile jusqu'à leur brossage plus ou moins ample, notamment chez Georges Mathieu, Louis Van Lint, Jean-Paul Riopelle, André Masson, Nicolas de Stael, Pierre Soulages, Gérard Schneider, Wanda Davanzo, Jean Degottex, René Duvillier, Jean Messagier, Zao Wou-Ki, Endre Rozsda, Simon Hantaï, Tal-Coat, Olivier Debré, Georges Hot.

En novembre 1949 se tient à la Perspectives Gallery de New York une exposition de Mathieu, Fautrier, Michaux, Ubac et Wols, puis, en mars 1951, la grande exposition " Véhémences confrontées " chez Nina Dausset où sont présentées pour la première fois côte à côte des toiles d'artistes abstraits européens et américains ( Bryen, Capogrossi, De Kooning, Hartung, Mathieu, Piers, Pollock, Riopelle, Russel, Wols). Cette manifestation est organisée par Michel Tapié, dont le rôle de défenseur de ce courant, qu'il inclura dans l' art informel, est de la plus haute importance.

Le terme " tachisme ", qui a d'abord été employé péjorativement par le critique Pierre Guéguen en 1951, a été réutilisé en novembre 1952 sur l'initiative du critique Michel Tapié dans son ouvrage Un art autre pour désigner le style de peinture rattaché au courant initial de l'abstraction lyrique utilisé par exemple par Georges Mathieu, puis en 1954 par le critique Charles Estienne, pour définir notamment le travail de Hartung, Riopelle et Soulages, ainsi que dans son ouvrage L'Art à Paris 1945-1966. Ce courant correspond à l' Action painting (parfois nommé "peinture gestuelle") américaine, également théorisée en 1952 par le critique Harold Rosenberg dans son article " American Action Painters ", publié en décembre 1952 dans la revue ARTnews, et en particulier, à la technique utilisée par le peintre expressionniste abstrait Jackson Pollock.

On associe à l'abstraction lyrique certains des principaux artistes de la tendance non figurative de la nouvelle école de Paris, tels que Jean Bazaine, Alfred Manessier ou Jean Le Moal, qui avaient participé en 1941 à l'exposition " Vingt jeunes peintres de tradition française " en se réclamant d'une non-figuration violemment colorée marquée par la tradition religieuse romane (vitrail), avant d'être censurés en 1942, et même jusqu'à leurs contemporains adeptes d'une abstraction allusive plus géométrique tels Maria Helena Vieira da Silva (tenante du paysagisme abstrait) ou d'une abstraction kinétique murale telle Fahrelnissa Zeid. Certains d'entre eux évoluèrent en effet vers un style plus " lyrique ", au même titre que certains artistes du mouvement de la Jeune Peinture belge fondé en 1945, tels que Louis Van Lint, etc.

Ce fut toutefois un règne assez court, supplanté dès fin 1957 par le nouveau réalisme de Pierre Restany et d' Yves Klein.

Les autres membres les plus connus sont Serge Poliakoff, Roger Bissière, Maurice Estève, Antoine Mortier, Bélasco, François Baron-Renouard, Huguette Arthur Bertrand, Pierre Fichet, Oscar Gauthier, Elvire Jan, Marinette Mathieu ou Chu Teh-Chun.

Une exposition intitulée " L'envolée lyrique, Paris 1945-1956 ", rassemblant les œuvres de soixante peintres, fut présentée à Paris au musée du Luxembourg (Sénat) en 2006.

Une résurgence de ce mouvement voit le jour au début des années 1970 avec une génération d'artistes nés pendant ou juste après la Seconde Guerre mondiale, parmi lesquels : Paul Kallos, Georges Romathier et Thibaut de Reimpré.

L'abstraction lyrique américaine est un mouvement, lié à l' expressionnisme abstrait et au tachisme européen, qui est apparu dans les années 1960-1970 à New York, Los Angeles, Washington, puis Toronto et Londres. Il se caractérise également par une expression plus libre, spontanée, intuitive, un espace illusionniste, l'emploi de l'acrylique et d'autres techniques picturales plus récentes, en réaction aux courants alors dominants du formalisme, de l'abstraction géométrique, du minimalisme, de l'art conceptuel et du Pop Art. Beaucoup de ses artistes étaient précédemment minimalistes et avaient utilisé un style monochromatique et géométrique. L'abstraction lyrique cherche à produire une expérience sensorielle par la monumentalité et la couleur et à apporter plus de lyrisme, de sensualité et de romantisme à l'abstraction, afin de revigorer la tradition picturale dans l'art américain et de rétablir la primauté de la ligne et de la couleur comme éléments formels, dans des œuvres composées selon des principes esthétiques, plutôt que comme des représentations visuelles de réalités socio-politiques ou de théories philosophiques.

Le mouvement a été décrit en 1969 par Larry Aldrich, fondateur de l' Aldrich Contemporary Art Museum à Ridgefield Connecticut.

En 1993, une exposition du Sheldon Museum of Art intitulée " Lyrical Abstraction: Color and Mood " présenta des œuvres de Dan Christensen, Walter Darby Bannard, Ronald Davis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Cleve Gray, Ronnie Landfield, Morris Louis, Jules Olitski, Robert Natkin, William Pettet, Mark Rothko, Lawrence Stafford, Peter Young et plusieurs autres peintres. En 2009, le Boca Raton Museum of Art de Floride, organisa une autre exposition sur ce mouvement avec Natvar Bhavsar, Stanley Boxer, Lamar Briggs, Dan Christensen, David Diao, Friedel Dzubas, Sam Francis, Dorothy Gillespie, Cleve Gray, Paul Jenkins, Ronnie Landfield, Pat Lipsky, Joan Mitchell, Robert Natkin, Jules Olitski, Larry Poons, Garry Rich, John Seery, Jeff Way et Larry Zox.

Sylvain Lecombre, " Vivre une peinture sans tradition ", dans Paris-Paris, Paris, éditions du Centre Pompidou, catalogue de l'exposition.

L'Envolée lyrique, Paris 1945-1956, textes de Patrick-Gilles Persin, Michel Ragon et Pierre Descargues, Musée du Luxembourg, Paris et Skira, Milan, 2006, 280 p.

James Thrall Soby, Joán Miró, Museum of Modern Art,

Michel Laclotte (Dictionnaire de la peinture, Larousse, , 1 134 dir.) et Jean-Pierre Cuzin (dir.), Dictionnaire de la peinture occidentale du Moyen Âge à nos jours, Paris, Larousse, , 992 p. . Dernière édition :

Charles Estienne, L'Art abstrait est-il un académisme ?, Paris, éditions de Beaune, coll. " Le Cavalier d'épée "., 1950.

Lydia Harambourg, L'École de Paris 1945-1965 : dictionnaire des peintres, Neuchâtel, Éd. Ides et Calendes, (1re édition 1993).

Jean-Clarence Lambert, La peinture abstraite, Lausanne, éditions Rencontre, 1967.

Benjamin Péret, " La soupe déshydratée ", in L'Almanach surréaliste du demi-siècle, Paris, numéro spécial de la revue La Nef, mars-, réédition : Paris, éditions Plasma, 1978, pp.49-56. (Dans lequel figurent une étude d'Adrien Dax intitulée Perspective automatique et surtout une longue démonstration ironique de Benjamin Péret : La soupe déshydratée (Île de Sein, ) où Péret manifeste son opposition à Charles Estienne et conclut que l'Art abstrait n'existe pas.)

Michel Ragon, 25 ans d'art vivant. Chronique vécue de l'art contemporain de l'abstraction au pop-art de 1944 à 1969, Paris, Casterman, 1969 ; réédition complétée : Michel Ragon, 50 ans d'art vivant. Chronique vécue de la peinture et de la sculpture 1950-2000, Paris, Fayard, 2001, p. 176-177.

Michel Ragon, L'Art abstrait, Tome III, 1939-1970, Paris, éditions Maeght, 1986.

Michel Ragon, 25 ans d'art vivant, Paris, Galilée, 1986.

Michel Ragon et Gérald Gassiot-Talabot, La Peinture contemporaine, Paris, éditions Casterman, 1974.

Michel Ragon, Journal de l'art abstrait, Genève, Skira, 1992, " Le Tachisme ", p. 116.

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L' abstraction lyrique se réfère à deux mouvements distincts, bien que liés, de la peinture moderne d'après-guerre : Bien avant que le terme soit défini, la tendance à l'expression directe de l'émotion individuelle, cette liberté du langage plastique, s'est déjà brièvement manifestée chez Vassily Kandinsky dans sa première période des " improvisations " et " compositions " (1910-1914), puis sous forme abstraite à partir de 1912.

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Présentation et actualités des réalisations artistiques contemporaines de l'Atelier PASQUIER.Noël Pasquier est un artiste-peintre contemporain dont l'art se décline sur tous les formats, de la petite toile à l'oeuvre monumentale.

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le chemin des rêves 2005

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Association Robert Debré : Art contemporain Intallation Noel Pasquier

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L'association Robert Debré organise des actions qui permettent aux jeunes patients d'améliorer leur séjour et lui permettre de découvrir que même malade, il peut avoir des activités comme les autres enfants.

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iconographie des œuvres, vidéo etc...

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le geste la couleur

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C'est avec plaisir qu'Agami a accueilli Noël Pasquier et son exposition {variations en bleu majeur}, jeudi 16 mai, lors d'un vernissage. L'exposition se prolonge jusqu'au 26 juillet dans nos locaux à Paris, n'hésitez pas à venir découvrir ou redécouvrir ses œuvres.
Noël Pasquier est né en 1941. Peintre absolu, ses oeuvres figurent dans d'importantes collections institutionnelles ou privées. Outre ses expositions régulières à New York, il expose à Londres, Tokyo, Budapest, Sao Paolo, Tel-Aviv, Beyrouth, Shanghaï, Singapour, Boston, Chicago, en Allemagne et en Italie. Il a illustré de nombreuses oeuvres littéraires; ses objets d'artistes ont été édités par plusieurs musées. En matière d'art public, il a peint un quartier de Suresnes, les fresques murales de la gare TGV de Rennes... De l'oeuvre monumentale aux petits formats, il explore toutes les dimensions de son art, qu'il décline sur de multiples médiums; il travaille aussi bien la toile que le papier, le bronze que le textile, le marbre, la céramique ou le verre. Son oeuvre gravée est déposée à la BNF à Paris, à la Public Library de New York. Retour

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Noël Pasquier : Agami Family Office accueille son exposition

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C'est avec plaisir qu'Agami a accueilli Noël Pasquier et son exposition {variations en bleu majeur}, jeudi 16 mai, lors d'un vernissage. L'exposition se prolonge jusqu'au 26 juillet dans nos locaux à Paris, n'hésitez pas à venir découvrir ou redécouvrir ses œuvres.