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Autor: Leonardo da Vinci
Data: 1503-1506 Técnica: Pintura a óleo sobre Madeira de álamo Dimensões: 77 cm x 53 cm Localização: Museu do Louvre Sua pintura foi iniciada em 1503 e é nesta obra que o artista melhor concebeu a técnica do sfumato. O quadro representa uma mulher com uma expressão introspectiva e um pouco tímida. O seu sorriso restrito é muito sedutor, mesmo que um pouco conservador. O seu corpo representa o padrão de beleza da mulher na época de Leonardo. Este quadro é provavelmente o retrato mais famoso na história da arte, senão, o quadro mais famoso e valioso de todo o mundo. Poucos outros trabalhos de arte são tão controversos, questionados, valiosos, elogiados, comemorados ou reproduzidos. Muitos historiadores da arte acreditam que a reverência de Leonardo da Vinci pela Mona Lisa nada tinha a ver com sua maestria artística. Segundo muitos afirmam devia-se a algo muito bem mais profundo: uma mensagem oculta nas camadas de pintura. A linha do horizonte se encontra num nível visivelmente mais baixo que a da direita, fazendo com que a Mona Lisa pareça muito maior vista da esquerda que da direita.

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Artista: Tarsila do Amaral
Período: Arte naïf Criação: 1925 Gênero: Pintura histórica Tarsila do Amaral (1886-1973) foi uma das mais importantes artistas do Brasil. Após passar dois anos em Paris, retorna a São Paulo em 1922 para integrar o “Grupo dos Cinco”, que defende as ideias da Semana de Arte Moderna e toma a frente do Movimento Modernista do país. Este quadro tem um colorido excepcional e trata de um tema bem brasileiro: um pescador num lago em meio a uma pequena vila com casinhas e vegetação típica. Isso foi exposto em Moscou, na Rússia em 1931 e foi comprado pelo governo russo.

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Artista: Edvard Munch
Ano: 1893 Técnica: Óleo sobre tela, Têmpera e Pastel sobre cartão Localização: Galeria Nacional, Oslo O Grito é uma série de quatro pinturas do norueguês Edvard Munch, 1893. A obra representa uma figura andrógina num momento de profunda angústia e desespero existencial. O plano de fundo é a doca de Oslofjord (em Oslo) ao pôr-do-Sol. O Grito é considerado uma das obras mais importantes movimento expressionista e adquiriu um estatuto de ícone cultural, a par da Mona Lisa de Leonardo da Vinci. A série tem quatro pinturas conhecidas: dois dos quadros da série: "A Ansiedade" (em norueguês: Angst) "O Desespero" (em norueguês: Fortvielse) Se encontram na posse do Museu Munch, em Oslo, outra na Galeria Nacional de Oslo e outra em coleção particular. Em 2012, esta última tornou-se a pintura mais cara da história a ser arrematada, num leilão, por 119,9 milhões de dólares.

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Artista: Romero Britto
Criação: 2000 Gênero: Pintura histórica O sistema que Romero Britto utiliza para pintar suas obras é chamado de “sistema fordista”. Primeiro ele recebe a fotografia da pessoa que quer ser retratada. A partir de então, ele esboça os traços em uma tela utilizando pilot preto, e depois pincela com tinta acrílica as cores que serão utilizadas nos preenchimentos. Quem preenche os espaços com as tintas é uma equipe. No final a obra volta para Britto, e ele contorna as figuras novamente com piloto preto de tinta a óleo. Seu trabalho é, por muitas vezes, contestado por artistas e críticos do gênero. Há o grupo de pessoas que diz que suas obras não são arte, apenas decoração feita para vender massivamente. Outras pessoas consideram que seu trabalho é uma arte, assim como as obras de Picasso, por exemplo. Essa comparação é obviamente superficial, uma vez que Pablo Picasso não pintava telas para vender em grande número, e elas tinham um significado, uma missão de instigar a visão crítica nas pessoas, coisa que talvez as obras de Britto não façam.

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Artista: Candido Portinari
Período: Expressionismo Criação: 1944 Gênero: Pintura histórica Técnica: tinta a óleo, tela Localização: Museu de Arte de São Paulo O painel é um óleo sobre tela com textura lisa e espessa, pinceladas marcadas e efeitos produzidos pela espátula. Retrata quatro adultos e cinco crianças, caracterizando uma família de retirantes em uma paisagem de sertão. Os rostos são marcados com traços que indicam sofrimento. O quadro é um retrato da miséria de uma família de retirantes entre tantas outras. Fogem da seca e da fome do Nordeste em busca de uma vida melhor mais ao Sul. O quadro faz parte de uma série composta por mais duas obras: Criança morta e Enterro na Rede. Todas as peças são compostas pelo mesmo tema e com as mesmas tonalidades, dando uma unidade para o conjunto. O tema é a seca, que provocou muitas mortes e uma migração em massa. As convicções políticas e a consciência social do pintor são essenciais na composição dessa obra. Retratar a miséria, de uma forma tão crua, é um modo de se posicionar contra ela. Ao mesmo tempo em que as cidades brasileiras se desenvolviam, o campo era o palco da fome.

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Artista: Miguel Ângelo
Dimensões: 40 m x 14 m Localização: Capela Sistina Criação: 1508–1512 Materiais: Ouro, Gesso Períodos: Renascimento, Alta Renascença Centrais no teto, estão nove cenas do Gênesis, dentre as quais A Criação de Adão é a mais famosa, tendo uma representatividade icônica igualada somente pela Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. Um símbolo da influência desse painel do afresco é o detalhe do encontro das mãos de Deus e Adão, reproduzido incontáveis vezes na arte e na cultura popular. O complexo grupo de desenhos inclui vários conjuntos de figura humana, tanto vestida quanto desnuda, que permitiram a Michelangelo demonstrar plenamente sua habilidade de criação em grande variedade de composições, além de terem inspirado gerações de artistas desde então.

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Artista: Vincent van Gogh Dimensões: 71 cm x 93 cm Localização: Museu J. Paul Getty Material: Tinta a óleo Criação: 1889 Períodos: Arte moderna, Pós-impressionismo Irises é uma das várias pinturas de íris do artista holandês Vincent van Gogh e uma de uma série de pinturas que ele fez no asilo de Saint Paul-de-Mausole, em Saint-Rémy-deProvence, na França, no último ano antes sua morte em 1890. Van Gogh começou a pintar Íris uma semana depois de entrar no asilo, em maio de 1889, trabalhando com a natureza no jardim do hospital. Há uma falta da alta tensão que é vista em seus trabalhos posteriores. Ele chamou a pintura de "o condutor de raios para a minha doença" porque achava que poderia evitar enlouquecer continuando a pintar. A pintura provavelmente foi influenciada pelas gravuras japonesas de xilogravura ukiyoe, como muitas de suas obras e as de outros artistas da época. As semelhanças ocorrem com contornos fortes, ângulos incomuns, incluindo vistas em close-up e também cores locais achatadas (não modeladas de acordo com a queda de luz). A pintura está cheia de suavidade e leveza. Íris é cheia de vida sem tragédia.

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Artista: Pablo Picasso Dimensões: 22 cm x 16 cm x 8 cm Material: Painted bronze Período: Cubismo Criação: 1914 Gênero: Arte cinética Picasso, Henri Matisse e Marcel Duchamp são considerados os três artistas que mais realizaram desenvolvimentos. Revolucionários nas artes plásticas nas décadas iniciais do século XX, responsável por importantes avanços na pintura, na escultura, na gravura e nas cerâmicas. O pintor de Málaga demonstrava talento artístico desde jovem, pintando de forma realista por toda a sua infância e adolescência. Durante a primeira década do século XX, o seu estilo mudou graças aos seus experimentos com diferentes teorias, técnicas e ideias. Sua obra geralmente é classificada em períodos. Enquanto os nomes de muitos dos seus períodos finais são controversos, os períodos mais aceitos da sua obra são o período azul (1901-1904), o período rosa (1904-1906), o período africano (1907-1909), o cubismo analítico (1909-1912) e o cubismo sintético (1912-1919). Excepcionalmente prolífico durante a sua longa vida, Picasso conquistou renome universal e imensa fortuna graças às suas conquistas artísticas revolucionárias, tornandose uma das mais conhecidas figuras da arte do século XX.

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Artista: Claude Monet
Período: Impressionismo
Criação: 1884
Gênero: Pastoral
No início de 1884, Claude Monet viajou para Bordighera, uma cidade na Riviera Italiana,
perto da fronteira entre a Itália e a França, para uma visita de trabalho de três semanas
que se transformou em quase três meses. Em uma carta ao escultor Auguste Rodin,
descrevendo seus esforços para traduzir em pintar a brilhante luz do Mediterrâneo, Monet
declarou que estava "cercando, lutando com o sol".
Embora estivesse fascinado pela luz e pelas plantas e árvores desconhecidas no Sul,
Monet teve dificuldade em encontrar motivos. Em Bordighera, parecia que tudo estava
coberto de vegetação e ele foi atormentado pela suspeita de que estava no lugar
errado. Frequentemente, nessas circunstâncias, Monet fazia visões pitorescas
convencionais como se preparasse para futuros esforços. Na cidade Bordighera, 1884, 🤬
linhas varridas pelo vento dos pinheiros formam uma moldura para a cidade distante em
uma pintura que nos leva de volta às lembranças sentimentais do Grand Tour.

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Artista: Alfredo Volpi Criação: 1969 Período: Abstract art Alfredo Volpi (Lucca, 14 de abril de 1896 São Paulo, 28 de maio de 1988) foi um pintor ítalo-brasileiro considerado pela crítica como um dos artistas mais importantes da segunda geração do modernismo. Uma das características de suas obras são as bandeirinhas e os casarios. Bandeirinhas é uma obra do pintor ítalo-brasileiro Alfredo Volpi, pintada no ano de 1960. Ela fazia parte da coleção particular do ex-ministro Oscar Pedroso Horta e estava na casa de sua herdeira, Maria Pedroso Horta, mas foi furtada em outubro de 2014. A obra está inscrita no Instituto Volpi sob o número 0708.

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Artista: Salvador Dalí Data: 1958 Rosa Meditativa é um quadro do pintor espanhol Salvador Dalí, que faz parte do movimento surrealista. Foi realizado em 1958, e as dimensões são de 28x36 cm, pintado a óleo sobre tela. A pintura foi realizada quando o artista tinha 54 anos, no qual, o Surrealismo estava fortemente presente nas suas obras. Sobre a obra é possível observar três espaços distintos. Na parte inferior, há um casal em meio de um plano árido, sendo iluminado pelo Sol no horizonte, gerando uma sombra. No centro, uma rosa, de grande proporção, flutua no céu, com uma gota de água na parte interna de uma pétala. Na parcela superior da tela, é possível observar um azul celeste, formando um cerúleo uniforme. Para Salvador Dalí, a rosa simbolizava a sexualidade e corpo feminino, como pode ser verificado nas obras Mulher com a cabeça de rosas (1935) e As rosas sangrentas (1930).

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Autor: Caravaggio
Data: c.1593
Género: Pintura
Técnica: Óleo sobre tela
Dimensões: 70 x 67
Localização: Galleria Barghese. Roma
Em um nível a pintura é uma peça concebida para demonstrar a capacidade do artista para
retratar tudo, desde a pele de um rapaz até a pele de um pêssego, passando pelas dobras
do manto até a trama do cesto.
O cesto (...) contém um grande número de frutas, todas em condição praticamente
perfeitas, incluindo um pêssego bicolor com um aspecto vermelho brilhante; quatro
cachos de uva — dois de uvas pretas, um de vermelha e um de brancas —; uma romã
madura partida, expelindo suas sementes vermelhas; quatro figos, dois deles bem
maduros, pretos, ambos partidos e dois de cor clara; duas nêsperas; três maçãs — duas
vermelhas, uma ruborizada e outra listrada, e uma amarela com uma depressão castanhoavermelhada e uma cicatriz; dois ramos com peras pequenas, um deles com cinco peras
amarelas com a face vermelho brilhante e a outra, meio escondida, com frutas amarelas e
ruborizadas. Há também folhas mostrando vários desarranjos: uma folha de videira
proeminente com manchas de fungos e outra com uma massa branca de ovos de inseto
semelhante à de certa espécie de mariposa (Choristoneura rosaceana), e folhas de
pessegueiro com várias manchas.

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Artista: Tarsila do Amaral Criação: 1928 Técnica: óleo sobre tela Localização: Museu de Arte Latino-americana; de Buenos Aires (MALBA) Dimensões: 85 cm x 72 cm Suporte: Lona A tela foi pintada por Tarsila em janeiro de 1928 e oferecida ao seu marido, o escritor Oswald de Andrade, como um presente de aniversário. Quando Oswald recebeu a tela ficou imediatamente encantado e disse que aquele era o melhor quadro que Tarsila já havia pintado. Os elementos que constam na tela, especialmente a inusitada figura ao centro, despertaram em Oswald a ideia da criação do Movimento Antropofágico. O Movimento consistia na deglutição da cultura estrangeira, incorporando-a na realidade brasileira para dar origem a uma nova cultura transformada, moderna e representativa da nossa cultura.

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Artista: Candido Portinari
Período: Realismo Social
Criação: 1934
Gênero: Retrato
Cândido Portinari foi um dos maiores pintores brasileiros da história. Suas pinturas 🤬>um reflexo de influências dos movimentos artísticos da sua época, mas valorizava as
tradições da pintura e retratando a arte figurativa.
Portinari gostava também de abordar temas relacionados aos menos favorecidos no
Brasil, como podemos ver em mais de 50 obras com o tema Social, como em “Os
retirantes”, “Café” entre outros.
Obra analisada – “Mestiço” pintado em óleo sobre tela – 1934 – pertence ao acervo
da Pinacoteca do Estado de São Paulo. No quadro pintado por Portinari, mostra um
personagem em uma lavoura de café, trabalhando no campo.
No primeiro plano, o homem aparece sem camisa, com os braços cruzados. Pela cor de
sua pele, seus traços, olhos puxados e fundos, lábios grossos e grandes e nariz largo de
que se trata de um mestiço mulato, nascido de uma mistura entre brancos e negros.

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Artista: Leonardo Da Vinci Dimensões: 4,6 m x 8,8 m Localização: Santa Maria delle Grazie Criação: 1495–1498 Materiais: Têmpera, gesso, Mástique, Breu Períodos: Renascimento, Renascença italiana, Alta Renascença A Última Ceia é uma pintura sobre parede realizada por Leonardo da Vinci entre 1495 e 1498 no refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie, em Milão, Itália. A composição pictórica mede 4,60 por 8,80 metros e é uma das obras mais famosas do mundo e das mais conhecidas do artista, assim como uma das mais estudadas e copiadas de todos os tempos. A Última Ceia é uma pintura sobre parede realizada por Leonardo da Vinci entre 1494 e 1497 no refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie, em Milão, Itália. A composição pictórica mede 4,60 por 8,80 metros e é uma das obras mais famosas do mundo e das mais conhecidas do artista, assim como uma das mais estudadas e copiadas de todos os tempos. Em termos iconográficos a Última Ceia representa o momento bíblico em que Cristo compartilha sua última refeição com os discípulos. O instante captado pela pintura será aquele em que Cristo terá acabado de afirmar que "um de vós me há-te trair" e os discípulos perguntarão "Sou eu, Senhor?". Essa teoria fundamenta-se na agitação que parece ter tomado os apóstolos que através de gestos dramáticos e expressões demonstram apreensão e inquietação. E em contraste com os discípulos, Cristo apresenta uma atitude passiva, como que afirmando com a sua postura "Tomai, comei; isto é o meu corpo." e "Bebei dele todos; porque este é o meu sangue", pois com uma mão aponta para o pão e com a outra para o cálice de vinho. Esta pintura é uma composição rigorosa e equilibrada, onde o gesto tem uma importância grande, pois é através dele que as emoções são transmitidas e a narrativa é construída. Esta importância do gesto na construção da narrativa pictórica para Leonardo ficou registrada em um dos seus livros de apontamentos. Nesse texto ele afirma que o objetivo principal da pintura, e o mais difícil de conseguir, é retratar “a intenção da alma humana” através dos gestos e movimentos dos membros.

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ARTE MODERNA "DO ILUMINISMO AOS MOVIMENTOS CONTEMPORÂNEO"

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ARTE MODERNA "DO ILUMINISMO AOS MOVIMENTOS CONTEMPORÂNEO"

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GIULIO CARLO ARGAN

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PETER J. LANG

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UMA INTRODUÇÃO AO ESTUDO DA ARTE DA RENASCENÇA

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O SÉCULO DEZENOVE: DO NEOCLASSISMO AO MODERNISMO

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O SÉCULO DEZENOVE: DO NEOCLASSISMO AO MODERNISMO

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RAUL MENDES SILVA

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SUSIE HODGE

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GEORGES DIDI- HUBERMAN

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WILL GOMPERTZ

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MUNDO ARTES

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CADERNO DE ESTÉTICA APLICADA

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O FIM DA HISTÓRIA DA ARTE "SEGUNDO HANS BELTING"

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O FIM DA HISTÓRIA DA ARTE "SEGUNDO HANS BELTING"

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DANIELLE RODRIGUES AMARO

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CHRISTIANA. TRAGANTE

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CONCEITOS FUNDAMENTAIS DA HISTÓRIA DA ARTE

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CONCEITOS FUNDAMENTAIS DA HISTÓRIA DA ARTE

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HEINRICH WOLFFLIN

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Conceitos Fundamentais da História da Arte - Heinrich (1)