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Parce que chacun vivra le film vu, le livre lu.... de façons différentes.

Parce que ça fait écho à différentes choses suivant qui nous sommes.

Parce qu'il n'y a pas de bons ou mauvais échos.

Billets subjectifs

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Rebuilding de Max Walker-Silverman évoque la reconstruction d'une existence par des personnes ayant perdu leur habitat, travail, vie dans des incendies aux US.

Plus qu'une reconstruction de l'habitat qui est cependant évoquée rapidement, c'est un retour à la vie, un parcours de renaissance à travers un cheminement.

Cheminement du cow-boy (Josh O'Connor) méditatif au milieu de ses grands paysages vides, désolés.

Mais pas esseulé.

Belle valeurs humaines d'entraide.

Joli lien père-fille : séparé car n'habitant pas ensemble mais fille ultra présente importante qui constitue un ancrage.

Ca résonne avec :

Somewhere de Sofia Coppola

Nomadlands de Chloé Zhao

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Cette couverture dit tout et ne dit rien.

Histoire d'amour. Oui certes.

Mais surprenante, inattendue....

Histoire d'une vie, de deux vies, d'une ville aussi.

Pas si déconstruite, plutôt reconstruite, à rebours : on part de la fin, chapitre 20 et remontant le temps et l'histoire jusqu'à son point de départ.

Ca résonne fort avec Eternal sunshine of the spotless mind de Michel Gondry.

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Kate Winslet et Ellen Kuras ont choisi de donner à voir l'engagement et le travail de Lee Miller à travers ce biopic s'appuyant sur un ouvrage rédigé par Anthony Penrose, fils de L. Miller.

La trame d'apparence classique (interviews qui renvoient à des flash-backs) est plus surprenante que cela laisse paraître.

On est plongé au coeur du processus de création photographique, au coeur d'un engagement féministe fort et précurseur...

Mais sont données d'abord à voir des recréations par Lee/Kate des photos puis, pendant le générique de fin, en parallèle, les recréations et leurs originaux.

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Sorti quelques semaines plus tard, Ernest Cole photographe, donne également à voir le travail d'un photographe.

Cette fois, il s'agit d'un documentaire de Raoul Peck.

On découvre ses clichés, abondamment. Et des textes.

Période historique différente, mais découvertes et travaux aussi forts et cruciaux.

Ernest Cole documente l'apartheid, la ségrégation et l'exil.

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3 films français, différents et en même temps.... font voler en éclat la structure narrative (auto)fictionnelle

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Confinement covid, les frères Assayas sont confinés dans leur maison d'enfance.

Vincent Macaigne et Micha Lescot, substituts des deux frères, ne s'appellent pas Olivier et Michka (fiction) et cependant incarnent leur vécu/ressentis de cette période.

Les scénettes de vie comme une bulle de temps suspendu sont entrecoupées de souvenir en voix-off d'Olivier, sur fond de photos etc, récit de souvenirs autobio racontés avec vrais patronymes.

Intime évocation des souvenirs, mise en scène (cathartique?) du confinement.

Film inclassable.

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Qu'est-ce qu'être spectateurs?

Comment le devient-on?

Essai, réflexion, démonstration mêlés de fiction car Desplechin s’incarne en Paul Dédalus lorsqu'il utilise ses souvenirs, son vécu pour illustrer son propos.

Ca pourrait être un essai universitaire sur l'entrée en spectateur cinématographique (on devient spectateur, ça s'apprend, se construit) mais c'est également fictionné dans la narration des exemples.

C'est inclassable, également, et c'est passionnant!

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Deuxième film de Romane Bohringer, deuxième auto-ficton.

Sujet extrêmement intime, lié aux souvenirs de l'absence de mère, et en même temps très pudique.

Comme une enquête : de l'élément déclencheur (du récit) de cette quête jusqu'à la conclusion, ce qu'elle a permis, mis à jour.

Récits croisés à partir du livre de Clémentine Autain qui fait écho au vécu de Romane Bohringer : voix-off, photos, archives, témoignages et mise en fiction d'épisodes clés avec actrices. La mère fictionnelle fusionnant les deux mères réelles.

C'est poignant, fort, intense et si solaire.

Et Romane fait le lien de cette fille devenue mère : quête de sa mère et transmission à ses enfants (le générique de fin, touche légère et ludique).

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Littéralement la raconteuse de films, l'histoire se déroule sur 7 ans au Chili, entre 1966 et 1973. Il y a donc un ancrage historico politique fort qui ne peut être laisser de côté...

Mais ici, je m'intéresse au versant lumineux du film.

La petite dernière de la famille possède un talent formidable pour raconter, redonner vie aux films qu'elle vient de voir.

Après avoir partager ses moments avec sa famille, elle les partage avec le village.

Versant théâtralisé accessoirisé de la narration, du conte, cela fait écho aux versions "suédés" des films que Jack Black et Mos Def tournent dans le Be Kind rewind de Michel Gondry pour remplacer des VHS.

Rejouer pour partager, transmettre.

Le rituel de la séance dominicale de cinéma puis des représentations de la jeune fille font écho au partage du village italien se réunissant pour voir les films projetés par Philippe Noiret dans Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore.

Partager, transmettre, vivre et viber ensemble.

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Comment avancer après la perte d'un être cher?

Il n'y a pas de réponses clé en main, solution miracle...

Ces deux films montrent des parcours de deuils.

Intime sans être voyeur.

Humains. Touchants. Doux.

Ce sentiment de l'été de Mikhaël Hers s’attache à suivre le lent retour à la vie de deux jeunes adultes ayant perdu cette jeune femme, pour elle sa sœur, pour lui sa compagne. Brutalement.

Cette douleur les éloigne et les rapproche, les rend complices.

On les suit le temps de 3 étés. Perdus, à la dérive puis réapprenant peu à peu à revenir à vie.

Dans Eleanor the Great de Scarlett Johansson, une nonagénaire a perdu sa coloc/meilleure amie. Elle ne sait pas comment avancer.

Elle rencontre une jeune étudiante. En deuil également. Elle a perdu sa mère, son père s'est enfermé dans son chagrin et elle se sent seule.

Des liens vont se tisser entre ses deux femmes apparemment si éloignées, mais si proche dans leur solitude.

Ca repose sur peu, c'est fragile et en même temps cela les renforce.

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Récit dystopique mais attention, on n'est pas avec des humains paumés dans un monde post-apo catastrophé suite à un drame nucléaire ou autre.

Si humains il y a, il ont évolué, muté.

La planète, la nature, faune et flore, minéraux etc ont repris leur droit sur ces humains destructeurs et ont reconstruit, rééquilibré, fluidifié.

Tout et tous cohabitent, marchent, contruisent, ensemble.

En cohabitation ou caché.

A l'écoute des autres ou dans le déni.

Mais il y a toujours quelques petits curieux pour s'éloigner des préceptes martelés par les anciens et chercher à apprendre et comprendre.

Récit d'apprentissage, d'expérience, de tolérance, d'acceptation.

Echo avec Le règne animal de Thomas Cailley qui pourrait être la première étape de cette évolution....

Echo avec les animes et notamment Miyazaki : Nausicaä de la vallée du vent, une version d'un monde d'après.

Mais aussi avec ses contes, un peu écolo, un peu magique, ou les êtres fantastiques ont rapport uniques avec la nature et le partage avec des petits humains un peu plus curieux et ouvert d'espris que les autres.... :

Ponyo sur la falaise et Mon voisin Totoro.

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Deux façons différentes d'aborder la différence (quelque soit celle-ci) dans ces albums pour enfants.

La série du Loup en slip (plusieurs volumes, 8 déjà de mémoire) de Lupano-Itoïz-Cauuet joue sur la fibre humoristique. Mais l'humour entraîne réflexion/discussion etc. Ce n'est du rire pour se moquer mais du rire pour désamorcer.

Comme un million de papillons noirs de Laura Nsafou, illustré par Barbara Brun, part dans une direction tout autre...

C'est album est beaucoup plus poétique. Pas de rire ici et pourtant on atteint la même réflexion.

Faire progresser le respect, la tolérance et l'estime de soi.

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Laura Nsafou, avec un écriture romanesque prenante , émouvante, forte, évoque Toni Morrison de son enfance jusqu'au moment où elle choisit d'arrêter ses activités d'éditrice et de professeur pour se consacrer à l'écriture.

Née en 1931, ce récit convoque et résonne avec d'autres oeuvres s'intéressant à l'histoire afro-américaine, problématique de la ségrégation/intégration ainsi que la place des femmes.

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Toni Morrison édita l'autobiographie d'Angela Davis.

Livre, essai.

Ici, A. Davis qui n'est pas qu'une militante Black Panther mais également universitaire, revient sur l'émancipation féministes des Afro-Américaines défavorisées , leur caractère précurseur au regard des mouvement des années 70, en s'appuyant sur des chanteuses blues et jazz de la première moitié du XXè siècle.

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Toni Morrison évoque le Green book (livre vert recensant les adresses de lieux publics pouvant être fréquentés par les Afro-Américains dans les états du Sud, toujours ségrégués ) car en tant qu'étudiante elle a effectué une tournée théâtrale dans ces états là.

Film

Green book : les routes du Sud de Peter Farrelly donne à voir cette réalité en suivant la tournée du pianiste Don Shirley (Mahershala Ali) conduit par un Italo-Américain (Viggo Mortensen).

Double regard :à travers celui du pianiste ségrégué, à travers celui de son employé blanc.

Tiré d'une histoire vraie.

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Toni Morrison a édité des textes de Stokely Carmichael, une des figures des Black Panther.

Film.

Stokely Carmichael (renommé Kwame Thure) que l'on croise en meeting dans le BlackKklansman de Spike Lee.

Tiré également d'une histoire vraie (un policier afro-américain qui infiltre le Ku Klux Klan, dans la fin des années 70).

Plus que critique ou pamphlet, l'humour ressort de l'absurdité invraisemblable de l'histoire.

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Loving (nom du couple) de Jeff Nichols s'attache à la problématique des mariages inter-raciaux à la fin des années 60.

Film.

Tiré encore une fois d'une histoire vraie.

L'Amérique est fraîchement sortie légalement de la ségrégation, mais il reste du chemin à faire.

En effet, le mariage de Mildred Jeter avec Richard Perry Loving est jugé anticonstitutionnel dans leur état, la Virginie.

Après plusieurs années et une action judiciaire, la discrimination maritale en se fondant sur la couleur de peau sera reconnue anticonstitutionnelle.

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1967, Detroit.

Pendant quelques jours Detroit connaît de violents affrontements entre Afro-Américains et forces de l'ordre.

Evidemment, ces problématiques sont évoquées dans le livre de Laura Nsafou, Toni Morrison ayant des idées différentes quant à la façon de faire bouger les choses, mais ayant édité des activistes.

Film.

Détroit, de Kathryn Bigelow, revient sur cet épisode, condensé sur quelques jours mais d'une très forte intensité.

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Livre de Julie Perrignon, Là où nous dansions.

Detroit, mais cette fois, un quartier spécifique, sur une période de près d'un siècle : du projet de construction d'un quartier qui donne de l'espoir aux habitants Afro-Américains, jusqu'au démantellement, délabrement de ce même quartier environ 80 ans plus tard.

Detroit oblige, musique et danse résonnent et font vivre et vibrer le quartier.

La Motown de Berry Gordy n'est pas loin.

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Et maintenant?

The Hate U give, roman d'Angie Thomas se déroule dans les années 2010.

L'héroïne vit entre 2 mondes : son quartier d'habitation, défavorisé, et le lycée privéchic qu'elle fréquente.

Ecartelée entre ces deux mondes très différents, elle est rattrapée par le racisme et la violence, qui malgré toute les avancées au XXè siècle sont toujours bien présentes.

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Si Furcy, né libre d'Abd Al Malik nous parle d'un point particulier du colonialisme, d'un point de vue juridique, la trilogie Alma, romans jeunesse de Timothée de Fombelle, elle évoque d'autres pans du colonialisme.

On retrouve les armateurs français, les nuances du fait que tous les personnages, quelle que soit leur origine géographique, ne sont pas "gentils" ou "méchants".

C'est subtil, instructif sans se vouloir didactique : ça fait réfléchir.

il y a un souffle épique dans l'épopée d'Alma qui n'est présente ainsi chez Furcy.

Alma est un livre d'aventure.

Furcy, un film juridique.

Cependant, on retrouve ces gammes de personnages, ces paysages, cette envie de liberté et justice.

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Hamnet de Chloé Zhao n'est pas qu'une évocation du deuil mais celui est crucial.

Comment Agnès et William Shakespeare font faire face et continuer suite au décès de leur fils, Hamnet.

De même ici, deux réponses très différentes opposés.

Il n'y pas de bonne façon de faire son deuil.

Agnès est dans extériorisation viscérale. Son personnage (la vraie Agnès était-elle ainsi? à quel point cela a-t-il été romancé?) renvoie aux celtes, druides, ancrés dans la nature. Et à la maternité, viscérale, à vouloir protéger, sauver, se sacrifier.

William, érudit, loin de la nature, apparaît renferné. Mais finalement, on découvre sa douleur et sa façon de faire deuil passe par l'écriture et le théâtre.

Pouvoir cathartique de l'art.

Un couple peut-il résister à la mort d'un de ses enfants?

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Le pouvoir cathartique de l'art fait écho à :

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Elisabeth (double auto-fictionnelle d'Isabelle Carré) vain une dépression et apprend à utiliser positivement ses émotions sans se laisser envahir et déborder grâce aux théâtre.

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L'héroïne (Imogen Poots) s'extrait d'une spirale auto-destructrice due à de graves traumas dans son enfance en découvrant la littérature : lire et écrire jusqu'à devenir auteure et professeur transmettant sa passion.

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Le dernier film de Valérie Donzelli, adapté d'un roman (autobio) de Franck Courtès, montre un choix audacieux : Paul a abandonné la photographie, avec un revenu qui lui permettait de "bien vivre", par passion pour l'écriture : il veut être écrivain, en vivre.

Ce n'est pas ce changement d'état qui est montré, mais comment Paul, après 3 livres publiés, un petit succès d'estime, n'arrive pas à être écrivain, vivre de sa plume.

Son choix de vie ne va pas être compris par ces proches.

En effet Paul fait le choix de sortir de la logique capitaliste consumériste pour garder sa liberté d'écrire et de vivre dans la précarité de petits boulots ingrats payés au lance-pierre.

Mais pour lui cette (apparente) absence de liberté, étant donné qu'il est contraint de répondre à des sollicitations de jobs en tout genre (tailler une pelouse, démolir des apparts, démonter des meubles....) lui permet de gagner sa liberté d'écrire.

Paul se construit sa vie dans la société (il habite dans un studio en sous-sol, puis dans une chambre de bonne) dans Paris mais sans se plier aux injonctions sociétal.

Incompréhension. Mépris. Rejet.

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Ben (Viggo Mortensen) et sa femme ont choisi eux d'élever leur famille nombreuse hors de la ville et de la société consumériste.

En forêt, vivant de chasse et cueillette, se forgeant autant le corps que l'esprit avec travers entraînement physique quotidien que programme scolaire élaboré par les parents.

Jouant de la musique, fabricant des objets, apprenant par observation.

Mais un grain de sable enraille la machine : la mère, malade et hospitalisée, décède.

La famille décide de partir aux obsèques bien que la famille de la défunte s'y oppose, blâmant ce choix de vie comme cause de la fragilité mentale de la défunte.

Toute l'incompréhension de la société américaine va ressortir à travers ce voyage, les obsèques etc.

Ce choix n'est compris de personne, à la limite difficilement toléré d'un côté, voire carrément rejeté d'un autre.

Les enfants qui ont grandi dans ce choix de vie hors de la société "traditionnelle" actuelle, ne s'y sentent pas mal, mais personne ne peut le comprendre.

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Au final, ces films sont teintés d'espoir quant à la possibilité de vivre autrement que dans ce modèle que nous connaissons car les protagonistes dans les deux cas, assument leur choix et vivent comme ils le souhaitent.

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USA, début 70's.

La guerre du Vietnam.

Epoque patriarcale.

The mastermind de Kelly Reichardt.

JB Mooney (Josh O'Connor) ne bosse pas. Pas vraiment? Pas assez? En tout cas c'est sa femme qui fait tourner la barraque.

JB décide d'organiser un casse. Dans un musée. Voler des tableaux.

Sauf que, lui et ses partenaire sont une belle bande de bras cassés.

Et forcément, quand ne fonctionne comme prévu, faut essayer de sauver sa peau après.

Tout est surprise dans ce film, belle surprise. Les choix esthétiques, avec des scènes longues, posées, où les personnages ont le temps de faire et les spectateurs de voir.

La photo contextualise d'entrée de jeu on sait quand le film se passe sans qu'il sois nécessaire de le dire explicitement.

La musique surprend dans le choix des moments où elle intervient et va en contre point total avec le rythme des scènes ce qui crée un effet d'opposition idéale par rapport aux personnages.

Et toutes ces contradictions fontinnent à merveille car elle se marient totalement avec qui est JB.

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Ici, braquage, oui.

Par des bras cassés? Aussi.

Mais esthétique complètement différente.

Les Kidnappeurs de Graham Guit s'inscrit totalement dans ces films français de la fin des 90's début des 2000's où les réalisateurs ayant biberonné et digéré un certains ciné américain.

C'est rythmé, très, le montage, l'action, les dialogues.

Ca résonne en s'opposant au Kelly Reichardt en fait.

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Et petite mention au Ciel est à nous également de Graham Guit.

Pas de braquage ici, mais Lenny (Melvil Poupaud) est également un perdant magnifique, petit mec fauché qui tente une arnaque pour se faire de la thune facile.

Et forcément, rien ne va, tout part de travers!

Le duo Poupaud/Bohringer apport beaucoup d'humanité à Lenny et Juliette.

Vibe US digérée, côté rétro psyché 70's bien que l'action du film soit contemporaine à sa sortie (1997).

La bande son qui fleure bon l'inspi soundtrack tarantinesque.

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Marty Supreme de Josh Safdie se déroule à l'orée des fifties.

Cependant, très peu de musique d'époque ici.

Oui quelques musiques fifties diégétiques en fond sonore de café, dans des autoradio....

Mais la BO de ce film est ailleurs. Joue sur un autre niveau. Extradiégétique.

Double.

Une partie compos originales de Daniel Lopatin, qui m'a évoqué très fortement l'ambiance musicale french touch.

Musique anachronique qui, à l'aide du montage, des plans concourent à souligner l'élan du personnage, sa frénésie.

Une partie musiques préexistantes, elle aussi anachroniques, clairement identifiées au générique de fin (référencement musical chapitré en :

-compo

-80's

-50's).

Musiques des 80's donc. Anachroniques également.

Anachronisme pleinement assumé.

Ces musiques 80's (là je déduis un peu parce que j'étais pris dans le film et n'ai donc pas analysé les textes) qui elles rendent compte des états d'âme, étapes d'évolution psychologique par lequel il passe (ou devrait passer).

Pas le premier film a utilisé ce ressort (même si je n'ai pas d'exemples qui me viennent spontanément, je sais l'avoir déjà ressenti et/ou constaté.)

L'originalité tient à ce mille-feuille sonore savamment construit.

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Compos French touch anachroniques associées à des morceaux diégétiques complètement d'époque : forcément forte résonnance avec The Virgin suicide de Sofia Coppola.

Par ailleurs Daniel Lopatin a composé la BO de The Bling Ring de Sofia Coppola.

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Les compos dans Marty Supreme tendent à conforter l'élan dynamique de Marty qui est en cohérence parfaite avec le rythme général du film, dans The Mastermind de Kelly Reichardt, les compos de Ray Mazurek renvoient au rythme que devrait avoir le film mais se heurte au rythme réel de celui-ci, rythme du film qui épouse le rythme de son personnage.

Bo cohérence ou BO contre-point.

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Calle Malaga est une une de Tanger.

Maryam Touzani nous l'indique en exergue du film.

Cosmopolite, ici on suit Maria Angeles espagnole bientôt octogénaire, née à Tanger, a vécu toute sa vie jusqu'ici à Tanger et compte bien y finir également sa vie.

Cette rue est lumineuse, vivante, ça parle arabe, espagnole, français.

O y fait son marché, on s'interpelle depuis des balcons, on s'entraide...

C'est chaleureux et vivant.

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Tanger aussi où nous emmène Jim Jarmusch aux côtés des vampire.

Mais de nuit. Vampire oblige.

C'est vide, c'est architecturalement magnifique.

Pas de marché pas d'entraide.

De la musique, de la vie nocturne de badauds épars, de chanteuse et ses musiciens donnant des concerts.

Ca paraît également hors du temps.

C'est maintetant, ça pourrait être avant ...

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Un peu de poésie dans un monde de brutes...

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Un peu de poésie dans un monde de brutes...

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Love on trial de Koji Fukada.

Brutalité de la société du spectacle ultra connectée/rigide/codifiée où tout n'est que spectacle et qui remet en cause la liberté individuelle. Mai (Kyoko Saito) reussira-t-elle à s'en extraire? A quel prix?

Et la poésie s'invite. Par ce personnage de mime, Kei (Yuki Kura) : même âge que Mai, ils ont été au collège ensemble.

Se retrouve par hasard.

Sa façon de vivre, d'envisager le spectacle, l'art s'opposent complètement à la société moderne.

Il donne des spectacle pour tout au plus 10 personnes. Habite dans son camion.

Quelque chose de doux sen échappe.

Poésie des actes.

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montage avec 2 affiches du film Mai version idol de J-Pop/Mai jeune femme stricte lors de son procès/1 photo du groupe de J pop Happy fanfare auquel appartient Mai/Kei le jeune homme avec lequel Mai était au collège et qu'elle retrouve par hasard

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Et pour décorer son camion/maison, des cartes postales de La Strada de Federico Fellini et de Yoyo de Pierre Etaix.

Références poétiques.

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La poésie dans un mode chaotique m'a renvoyé au cinéma de Jim Jarmusch :

*Brutalité du far west, poésie des mots de William Blake, de la nature, du lien à la nature qu'entretiennent les natifs américians.

Dead Man (1995)

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*Brutalité des gangs et des maladies, de la vitesse, du pas de temps, du maintenant, poésie de la musique, toutes les musiques, de toutes les époques et de toutes les origines. Poésie du temps, d'avoir le temps, de l'éternité.

Only lovers left alive (2013)

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*Brutalité du consumérisme, du faire pour être, prouver pour exister, laisser des traces, la poésie du quotidien, des mots tout simple de tous les jours, de l'éphémère, du sans trace.

Paterson (2016)

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Utopie d'anticipation qui réfléchit à comment se sortir de notre modèle sociétal actuel.

Comme Tovaangar, la nature (règne animal et végétal) est central, mais le parti pris de ce court roman est autre.

De belles propositions d’entraide qui repense le comment vivre, le vivre ensemble, le travail, la politique, l'éducation...

Bref, mais plein de pistes de réflexions et d'émotions.

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Histoire avec un grand H par le petit bout de la lorgnette

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Histoire avec un grand H par le petit bout de la lorgnette

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Toutes mes soeurs de Massoud Bakhshi parle de la condition des femmes en Iran.

Sous forme de documentaire.

Grâce à des images de films de famille.

Il filme pendant 18 ans, de 2007 à 2025, ces deux nièces de leur plus jeunes âges, à jeunes étudiantes.

En respectant les contraintes politique.

A travers ces deux soeurs se dessinent le portrait de jeunes filles modernes. Ooui il y a le poids des traditions de la religion du régime. Cela ne les empêchent de jouer, vivre, réfléchir, grandir, mûrir.

Intime. Pudique. Fort.

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En écho : Graine du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof.

Fiction cette fois. Deux soeurs également, une lycéenne et une étudiante. Leur mère. Leur père.

Et action concentrée sue la période des manifestations du mouvement Femme, vie, liberté de 2022.

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Récit autobio de Marjane Satrapi qui débute en peu avant la révolution islamique de 1979 et cours jusqu'à 2007

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1979 également, jusqu'au mi-temps des années 90.

Enseigner, éduquer faire réfléchir des femmes malgré les interdictions du régime en place

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Versant dystopique sombre qui fait écho à Nausicaä (lien à la nature abimée, ingéniosité de l'héroïne, ado débrouillarde).

Pour le commun des mortels, plus de végétation. Ils vivent sur des terres désolées boueuses ou rien ne pousse.

Là s'éloigne Vesper Chronicle de Nausicaä et ses terres colorées.

Vesper, l'héroïne du film, est la pointe d'espoir du film.

Espoir parce qu'elle expérimente afin de sortir du cercle vicieux de non fertilité des végétaux qui crée une dépendance aux nantis vivant reclus dans la Citadelle.

Espoir car elle tisse des liens avec les autres (végétaux, etc)