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Gustav Klimt (1862 - 1918) Pocos años antes de fallecer y sabiendo su debilidad, plasmó su visión de la muerte y la vida. Lo hizo un lienzo titulado "Muerte y Vida” que pintó entre 1910 y 1911.

En el lienzo "Muerte y Vida” se representa el conflicto entre la existencia y la defunción. A la izquierda se ve a la Muerte representada como un esqueleto del cual se ve sólo la calavera que observa con una mirada irónica. La muerte acecha a todos los seres humanos sin distinción de raza, ni de condición social. La pintura fue empezada en 1908 y completada en 1915.

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Esta obra fue creada en 1562 por el pintor Pieter Brueghek el Viejo, máximo maestro de la Escuela flamenca del siglo XVI, considerado también, uno de los pintores holandeses más importantes del mismo siglo.

Simboliza el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas. La obra muestra un gran ejército de esqueletos arrasando la Tierra, con personas muertas de todas las formas posibles, en un paisaje yermo donde aún se desarrollan escenas de destrucción.

Emilia

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La primera vez que Jesús vino al mundo predicó el amor y con su crucifixión expió nuestros pecados, pero en su segunda venida el sol se oscurecerá, las estrellas caerán del cielo y será el rechinar de dientes. O eso dicen. Jan van Eyck representó en un díptico ambas escenas, aunque la que ahora nos interesa es la de la derecha. Aquí vemos en el centro de la imagen a algunos esperando a ser juzgados. De manera que unos irán al cielo y otros (entre los que se incluyen clérigos y reyes) bajo la mirada del arcángel san Miguel y de una representación de la Muerte (de nuevo un esqueleto) caerán en el infierno de abajo, donde espantosos demonios los desmembrarán y devorarán. Es un díptico gótico de pequeñas dimensiones pintado al óleo sobre tabla por el pintor flamenco Jan van Eyck, con algunas áreas terminadas por seguidores no identificados o miembros de su taller. Se cree que las tablas fueron realizadas hacia 1430, aunque algunos historiadores de arte han sugerido fechas anteriores, alrededor de 1420. Es uno de los primeros óleos sobre tabla (actualmente traspasado a lienzo) del prerrenacimiento, destacando por su icono grafía in habitualmente compleja y altamente detallada con una habilidad técnica evidente en su terminación.

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un artista al que muchos consideraban misógino pintando una profesión que, en aquellos tiempos, se asociaba de algún modo a la prostitución.

El ballet en la segunda mitad del siglo XIX no era exactamente el espectáculo refinado que es hoy en día. La inmensa mayoría del público del Teatro de la Ópera de París eran hombres acomodados de mediana edad que, más que la danza, lo que iban a ver era la desnudez de brazos y piernas de las bailarinas.

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La muerte y la doncella de Marianne stokes (ISA)

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La muerte y la doncella de Marianne stokes (ISA)

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remontándonos hasta la mitología griega, con la doncella Perséfone raptada por Hades para convertirse en la reina del inframundo.(Pintura creada en 1900)

Marianne fue una pintora austríaca. Nación en 1855(Austria) y murió en 1927(londres).

Se estableció en Inglaterra después de su matrimonio con Adrian Scott Stokes (pintor de paisajes) Stokes fue considerada una de las artistas principales en la Inglaterra victoriana.

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(1780) by Jacques Louis David: (París, 30 de agosto de 1748-Bruselas, 29 de diciembre de 1825) fue un pintor francés de gran influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que concordaba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen.

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Es una de las obras de arte más conocidas del periodo neoclásico. En la década de 1780, el artista francés Jacques-Louis David comenzó a producir piezas que mostraban un interés por los temas clásicos y una austeridad estética.

La obra representa la escena de la muerte del filósofo griego Sócrates, condenado a morir bebiendo cicuta por haber expresado sus ideas en contra de la creencia en los dioses ancestrales y corromper a los jóvenes atenienses.

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Cementerio del monasterio en la nieve del pintor romántico Caspar David Friedrich (1770-1840). La pintura fue destruida en 1945 en el bombardeo de Berlín por los aliados en las últimas etapas de la Segunda Guerra Mundial.

Friedrich: fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del siglo xix. A menudo se le ha reconocido como el artista alemán más sobresaliente de su generación.

La pintura muestra lo que sucede después del olvido, fuera de la sociedad y de su uso original.

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La noche (1919), de Max Beckmann (artista alemán, creada entre 1918 y 1919).
​En Max Beckmann este grito se produce de manera individual, por su experiencia como enfermero en la Primera Guerra Mundial, pero también comunitario, al convertirse en expresión del dolor y la muerte de toda una generación. En lienzos como La noche o Muerte (1938) se perciben los sentimientos vividos en persona durante el conflicto armado: «Deseo trabajar todo lo interior para después poder producir estas cosas de una forma casi intemporal.

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El lamento por Ícaro es un óleo del pintor Herbert James Draper, un pintor inglés de la época victoriana. Esta se realizó en 1898. La pintura muestra a Ícaro muerto, rodeado por ninfas entristecidas. Las alas de Ícaro fueron hechas con base en el patrón de las aves del paraíso. Según algunos estudiosos del artista, para Draper, Ícaro era un héroe prerrafaelita, héroes que morían, jóvenes y bellos convirtiéndose en una leyenda,

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La niña enferma, Edvard Munch (1885-86) [Matías Perez]

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La niña enferma, Edvard Munch (1885-86) [Matías Perez]

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Nombre de la obra: La niña enferma

Periodo: siglo XX

Artista: Edvard Munch

Explicación: su pensamiento y obra representaron la angustia del hombre moderno y la soledad. Él mismo explicaba que al nacer, enfermedad, locura y muerte fueron los ángeles negros que velaron su cuna. Su pesimismo vital se entiende por sus circunstancias adversas: su madre murió de tuberculosis cuando él tenía 5 años, lo que le provocó pesadillas y sufrimientos que se agravan por el desequilibrio de su padre, y en 1877 falleció su hermana Sophie, a la que le unía un gran vínculo. En este cuadro capta y congela para la eternidad el decaimiento de su hermana. La muerte está siempre presente en su pintura

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La niña enferma (en noruego, Det syke barn) es el título dado a un grupo de seis pinturas y numerosas litografías, grabados a punta seca y aguafuertes realizado por el artista noruego Edvard Munch entre 1885 y 1926. Todos plasman el momento antes de la muerte de su hermana mayor Johanne Sophie (1862-1877) de tuberculosis a los 15 años. Munch regresó a este acontecimiento profundamente traumático repetidamente en su arte, completando seis pinturas al óleo y muchos estudios en varios medios, en un periodo de más de 40 años. En los trabajos, Sophie es siempre mostrada en su lecho de muerte acompañada por una apenada mujer morena, probablemente su tía Karen. En todas las versiones pintó a Sophie sentada en una silla, evidentemente padeciendo dolor, apoyada en una almohada blanca grande, mirando hacia una ominosa cortina oscura probablemente pretendida como símbolo de muerte. Es mostrada con una expresión angustiada, agarrando las manos de la mujer más mayor que parece querer consolarla pero cuya cabeza está inclinada como si no pudiera soportar mirar a la chica más joven a los ojos.

Durante su carrera, Munch regresó a menudo a y creó varias variantes de estas pinturas. La niña enferma se convirtió para Munch -que casi muere de tuberculosis también de niño- en un medio para registrar su desesperación y remordimientos por haber sobrevivido y afrontar su sentimiento de pérdida por su querida hermana difunta. Se obsesionó con la imagen, y durante las décadas que siguieron creó numerosas versiones en gran variedad de formatos. Las seis pinturas al óleo fueron ejecutadas sobre un periodo de más de 40 años, utilizando varias composiciones diferentes.​

La serie ha sido descrita como "un estudio vívido de los estragos de una enfermedad degenerativa". Todas las pinturas y muchos de los trabajos subsidiarios son considerados significativos en la obra de Munch. Una litografía de 1896 en negro, amarillo y rojo fue vendida en 2001 en, Sotheby's por 250 000 dólares.​

Cada pintura muestra a Sophie de perfil, en su lecho de muerte, y evidentemente teniendo dificultades respiratorias, un síntoma de tuberculosis grave, avanzada.​ Está apoyada de cintura para arriba en una almohada blanca gruesa y grande que oculta parcialmente un espejo circular grande colgado en la pared detrás de ella. Está cubierta por una manta oscura y pesada. Tiene el cabello rojo y aparece frágil, con una palidez enfermiza y la mirada vacía.​ Mira hacia una cortina oscura y masiva que ocupa toda su izquierda, la cual muchos historiadores del arte interpretan como símbolo de muerte.

Una mujer morena y más mayor vestida de negro se sienta a su lado, sujetando su mano. El vínculo entre las dos está establecido a través de la unión de sus manos, las cuales están colocadas en el centro exacto de cada trabajo. Este agarre compartido es mostrado con tal patetismo e intensidad que los historiadores del arte creen que no solo las dos figuras comparten un vínculo emocional profundo, sino también un parentesco sanguíneo. Muy probablemente la mujer es Karen, la tía de Sophie.​ Algunos críticos han observado que la mujer está más afligida que la niña; en palabras de la crítica Patricia Donahue, " es casi como si la niña, sabiendo que nada más puede ser hecho, está consolando a una persona que ha llegado al final de su resistencia".​

La cabeza de la mujer está inclinada, angustiada en la medida que parece incapaz de mirar directamente a Sophie. Debido a ello, su cara está oculta y el espectador solo puede ver la parte superior de su cabeza. Una botella está colocada en una mesilla o tocador a la izquierda. Un vaso puede ser visto a la derecha en una mesa vagamente descrita.

Las pinturas varían en su colorido. Blanco especialmente en las figuras en la primera de la serie, una representación del olvido. Más tarde, verde y amarillo como representaciones expresivas de la enfermedad, mientras en la mayoría de los trabajos los rojos representan la característica más dramática y física de la tuberculosis en su fase final: los esputos de sangre.​

Cada pieza en la serie está fuertemente influida por las convenciones que luego adoptará el expresionismo, mientras son fuertemente impresionistas en la técnica. Las versiones pintadas están construidas mediante capas gruesas de pintura empastada, con pinceladas fuertes y verticales. El énfasis en la verticalidad da a los trabajos una sensación brumosa y aumenta su poder emotivo, un efecto que la crítica del arte Michelle Facos describió como presentando al espectador "una escena experimentada a corta distancia pero turbia, como vista a través de las lágrimas o el velo de la memoria".​

Munch tenía solo 23 años cuando realizó la primera versión en 1885-86 y bastante dudoso sobre su capacidad, lo tituló provisionalmente Estudio. Munch completó seis pinturas tituladas La niña enferma. Tres están ahora en Oslo (1885-86, 1925, 1927), las otras en Gotemburgo (1896), Estocolmo (1907), y Londres (1907). Creó ocho estudios en aguafuerte y grabado a punta seca después de su avance en 1892, cuando la demanda por su trabajo creció.​

La primera versión tardó un año en completarla. Munch lo encontró una experiencia infeliz y frustrante, y la tela fue trabajada y retocada casi obsesivamente. Entre 1885 y 1886 Munch pintó, borró y repintó la imagen, antes de finalmente llegar a una imagen que le dejó satisfecho.​ A menudo menciona los trabajos en sus diarios y publicaciones, y aparece fuertemente en su "El Origen del Friso de la vida" ( Live Friesens tilblivelse). Más tarde escribe que la pintura de 1885-86 fue una lucha tan difícil que su conclusión marcó una importante "ruptura" en su arte.​ Munch explicó: "empecé como un impresionista, pero durante las convulsiones mentales y vitales violentas de la vida bohemia el Impresionismo me parecía insuficiente- tenía que encontrar una expresión para lo que conmovía mi mente ... La primera ruptura con el impresionismo fue La niña enferma- buscaba expresión ( Expresionismo)."​

Edvard Munch, La niña enferma, 1896. La segunda en la serie fue completada mientras el artista vivía en París, Konstmuseet, Gotemburgo.

Edvard Munch, La niña enferma, 1907. Tercer óleo sobre lienzo de la serie, 118 x 120 cm Thiel Gallery, Estocolmo.

Edvard Munch, La niña enferma, 1907. Cuarta en la serie. óleo sobre tela, 137 × 139 cm. Tate, Londres.

Edvard Munch, La niña enferma, 1925. Quinta en la serie. Óleo sobre tela, 117 × 118 cm. Museo Munch, Oslo

Las seis versiones pintadas son:​

1885-1886, Nasjonalgalleriet, Oslo. Impresionismo, dominada por pinceladas verticales fuertes, compuesta mayoritariamente en blancos, grises y verdes. Pequeñas áreas fueron repintadas.

1896, Konstmuseet, Gotemburgo. Completada mientras Munch vivía en París. Mayoritariamente tonos verdes y una paleta más rica, sin embargo las pinceladas son más finas.

1907, Thielska Galleriet, Estocolmo. Una comisión del sueco financiero y coleccionista de arte Ernest Thiel. Thiel también encargó al muy solicitado Munch, un retrato del ídolo del banquero Friedrich Nietzsche, cuyos trabajos más tarde tradujo al sueco.

1907 Tate, Londres. Evidencia de que este trabajo también fue encargado por Thiel. Durante un tiempo esta pintura se creyó que había sido ejecutada en 1916. El trabajo estuvo en la Gemäldegalerie, Dresde hasta 1928.

1925 o anterior. Museo Munch, Oslo. La datación de la pintura es incierta; algunos historiadores del arte han propuesto una fecha tan temprana como 1916. La fecha más tardía de 1925 se basa en el año de su primer registro superviviente; la fotografía tomada en el estudio de Munch.​

1927 o anterior. Museo Munch, Oslo.

En 1930, Munch escribió al director de la galería Nacional de Oslo admitiendo que "En cuanto a La niña enferma, era el periodo que denomino la Edad de la Almohada. Un gran número de pintores hicieron cuadros de niños enfermos en sus almohadas."​ Munch se refería a la gran prevalencia de la tuberculosis en el momento; las representaciones contemporáneas de la enfermedad pueden ser vistas en los trabajos de Hans Heyerdahl y Christian Krohg.

Cuando la primera versión original fue exhibida en 1886 en la Exposición de Otoño en Cristianía, fue abucheada por los espectadores y provocó "una auténtica tormenta de protesta e indignación" de los críticos consternados por su técnica impresionista, quejándose de que la obra parecía inacabada, solo un boceto.​ Un reproche que afrontaban habitualmente los impresionistas. Muchos consideraron insatisfactoria la clave de la pintura - las manos unidas de las mujeres - al no estar bien detallada, sin líneas describiendo sus dedos, reducida esencialmente a manchas de pintura. En su defensa Munch dijo, "No pinto lo que veo sino lo que vi."​

La exposición fue revisada por el crítico Andreas Aubert, que escribió: " Hay genio en Munch. Pero también existe el peligro de que vaya a los perros ... Por esta razón, por el propio bien de Munch, desearía que su Niña enferma hubiera sido rechazada ... En su forma presente este estudio [!] es simplemente un bosquejo medio descartado."​

40 años más tarde, los nazis consideraron las pinturas de Munch " arte degenerado" y las sacaron de los museos alemanes. Los trabajos, incluida la versión de 1907 de La niña enferma de la galería Dresde, fueron llevados a Berlín para ser subastados. El comerciante de arte noruego Harald Holst Halvorsen adquirió muchos, incluyendo La niña enferma, con el objetivo de regresarlos a Oslo. La pintura de 1907 fue adquirida por Thomas Olsen en 1939 y donada a la Tate Gallery.​

El 15 de febrero de 2013, cuatro sellos postales noruegos fueron emitidos por Posten Norge, reproduciendo imágenes de obras de Munch en honor al 150.º aniversario de su nacimiento. Un primer plano de la cabeza de la niña de una de las versiones litográficas fue utilizada para el diseño del sello de 15 coronas.​

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La niña enferma (Munch) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La niña enferma (en noruego, Det syke barn ) es el título dado a un grupo de seis pinturas y numerosas litografías, grabados a punta seca y aguafuertes realizado por el artista noruego Edvard Munch entre 1885 y 1926. Todos plasman el momento antes de la muerte de su hermana mayor Johanne Sophie (1862-1877) de tuberculosis a los 15 años.

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Uno de los artistas contemporáneos más controversiales e infames del mundo, nos presenta "Mil Años"; una de cristal en la que se encuentra la cabeza decapitada de una vaca. Por encima de ella, una trampa de luz para insectos y, en la caja al lado de esta, un dado colosal que contiene un punto por cara, dando a entender el mensaje de que es imposible ganar. La obra representa el ciclo de la existencia. La vaca murió, de ella se alimentan las larvas de mosca que el artista colocó dentro de la caja, para ellas luego convertirse en adultas y, al tomar vuelo, perecer inevitablemente ante la lámpara electrificadora.

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María Alba Broglio: El ángel de la muerte 

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María Alba Broglio: El ángel de la muerte 

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Autor: Morelli, Domenico

Origen: Parmenio T. Piñero

Fecha: 1897

Período: Arte Siglo XIX (1800-1910)

Artista: Domenico Morelli (Nápoles, Italia, 7 de julio de 1826-13 de agosto de 1901) fue un pintor italiano, autor de cuadros de tema histórico y bíblico, de colorido brillante. Ha sido uno de los artistas napolitanos principales del siglo xix; tuvo una carrera académica distinguida, como director de la pintura, de la figura a partir de 1891, y a partir del 1899 fue director de la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Nápoles. Domenico Morelli era el maestro de arte de Vincenzo Petrocelli.

Que significa la obra: En la luz quietamente difusa de un atardecer inflamado –alusión a la caducidad de la vida y a la vez preludio del esplendor luminoso del más allá– un ángel que desciende en vuelo se inclina a besar la frente de una joven muerta; a su alrededor todo es un florecer de corolas blancas, rojas, amarillentas, delicado homenaje de la Naturaleza a la joven entregada al último sueño.

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Esta obra de Jaume Barba se hizo en 1930. La misma se encuentra en el Cementerio de Pueblo Nuevo, en Barcelona. Está hecha de mármol y muestra a la muerte en forma de un esqueleto alado dando un beso a un jóven. Se encuentra sobre la tumba del empresario textil Josep Soler, y se inspiró de "El séptimo sello".

Hay muchas teorías de su origen, pero la más hablada es que era la forma de sentenciar a alguien a morir, era como "El beso del Diablo".

Jaume Barba fue un escultor cuya obra más importante fue esta misma. Luego, no hay mucha más información sobre él, se mantuvo mucho en el anonimato.

Nacho Serventi

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"La Isla de los Muertos" (en alemán, "Die Toteninsel") es una serie de pinturas creadas por el artista suizo Arnold Böcklin. La primera versión fue completada en 1880.

Arnold Böcklin:

- Fecha de nacimiento: 16 de octubre de 1827

- Lugar de nacimiento: Basilea, Suiza

- Fecha de fallecimiento: 16 de enero de 1901

- Lugar de fallecimiento: Fiesole, Italia

Böcklin es conocido por sus obras simbólicas y místicas, y su estilo se inscribe en el simbolismo del siglo XIX. Su trabajo a menudo explora temas de la muerte y lo sobrenatural, influenciado por sus estudios en Roma y sus viajes por Italia.

"La Isla de los Muertos"

- Primera versión: 1880

- Total de versiones: Cinco, pintadas entre 1880 y 1886

"La Isla de los Muertos" muestra una pequeña isla rocosa y oscura con cipreses altos, un bote con una figura vestida de blanco y un ataúd. La imagen evoca una sensación de misterio, solemnidad y paz inquietante.

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“El beso de la Muerte” es una escultura de mármol que se encuentra en el Cementerio de Pueblo Nuevo, en Barcelona. Esculpida en 1930 aproximadamente.

Fue encargada al taller del marmolista Jaume Barba, y aunque su nombre aparece como firma, no sabemos realmente quien es el autor de esta maravilla (quizás Joan Fontbernal,que trabajaba en el taller).

El monumento representa de manera realista a un joven de ojos cerrados recibiendo un beso de la mismísima muerte. La muerte no se presenta así de forma violenta, con su guadaña, sino que es amable.

Laureano Oderda

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Guernica (1937) de Pablo Picasso:

Contexto histórico:

"Guernica" es una obra icónica creada por Pablo Picasso en 1937. La pintura fue una respuesta directa al bombardeo de la ciudad de Guernica en el País Vasco, llevado a cabo por la Legión Cóndor de la Luftwaffe alemana y la Aviación Legionaria italiana el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española. Este ataque fue uno de los primeros bombardeos aéreos sobre una población civil indefensa y causó una devastación masiva, tanto en términos de pérdida de vidas humanas como de destrucción de la ciudad.

Descripción de la obra:

"Guernica" es una enorme pintura mural de 3,5 metros de alto por 7,8 metros de largo, creada en blanco, negro y gris. La obra presenta una escena caótica y desgarradora llena de simbolismo. Las figuras representadas incluyen:

- Una madre gritando con su hijo muerto en brazos: Representa el sufrimiento de los civiles inocentes.

- Un toro: Simboliza brutalidad y oscuridad, aunque su significado es discutido y puede variar.

- Un caballo herido: Se cree que representa al pueblo español.

- Una figura femenina con una lámpara: Posiblemente simboliza la esperanza y la luz en la oscuridad.

- Otros personajes y elementos dispersos: Fragmentos de cuerpos y figuras en agonía, reflejando el horror de la guerra.

Significado y relación con la muerte:

El significado de "Guernica" está profundamente ligado a la tragedia y la brutalidad de la guerra. La muerte está omnipresente en la obra, no solo a través de las figuras humanas que parecen estar muriendo o ya muertas, sino también en el ambiente de desolación y destrucción total. Picasso utiliza el monocromo para intensificar el sentimiento de dolor y desesperación. La pintura no solo es una condena del bombardeo de Guernica, sino una poderosa declaración contra la guerra en general, resaltando su impacto devastador en la humanidad.

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La Danza de la Muerte:

Contexto histórico y descripción:

"La Danza de la Muerte" (también conocida como "Danza Macabra") es un tema artístico y literario que se desarrolló en Europa durante la Edad Media, especialmente durante y después de las grandes epidemias de peste negra que asolaron el continente en el siglo XIV. Se manifiesta en diversas formas: pinturas, grabados, poemas y representaciones teatrales.

La Danza de la Muerte generalmente muestra a la Muerte, personificada como un esqueleto, que guía a personas de todas las clases sociales en una danza hacia la tumba. Estas representaciones servían como un recordatorio de la universalidad de la muerte, que no discrimina entre ricos y pobres, poderosos y humildes.

Ejemplos notables:

- El mural en el cementerio de los Inocentes en París (hoy desaparecido): Uno de los primeros y más famosos ejemplos.

- Grabados de Hans Holbein el Joven (1526-1535): Incluyen una serie de xilografías que muestran a la Muerte interactuando con personajes de diferentes estratos sociales.

Significado y relación con la muerte:

"La Danza de la Muerte" refleja una percepción medieval de la mortalidad y la fragilidad de la vida humana. En una época marcada por la enfermedad, la guerra y la incertidumbre, este motivo recordaba a la gente la inevitabilidad de la muerte y la igualdad ante ella. A través de una macabra personificación de la Muerte, se ilustraba la transitoriedad de las riquezas y el poder, y se instaba a los espectadores a considerar la salvación de su alma.

Ambas obras, aunque de diferentes contextos históricos y culturales, comparten una profunda reflexión sobre la muerte y el sufrimiento humano. Mientras que "Guernica" de Picasso es una condena específica de la brutalidad de la guerra moderna, "La Danza de la Muerte" aborda la universalidad de la muerte y la igualdad de todos ante ella. Ambas sirven como recordatorios sombríos de las realidades de la vida y la muerte, utilizando el arte para transmitir mensajes poderosos sobre la condición humana.