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Nell’immagine si vedono le donne, una bambina e una domestica che sta portando un vassoio. Il gruppo di famiglia è inserito in un ambiente esterno, nel cortile di casa. Le donne si trovano al riparo di un pergolato ricoperto di rami di vite. In lontananza si vede un paesaggio nel quale è dipinto un edificio di campagna, un prato e sullo sfondo un filare di alberi.Silvestro Lega fu spesso ospite nella residenza di Piagentina della famiglia Batelli e ne approfittò per realizzare opere dal vero. Nel Il Pergolato, Silvestro Lega ritrae, infatti, una scena di vita familiare all’aria aperta.

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Nel paesaggio dipinto da Silvestro Lega, in primo piano, è rappresentato un ampio prato sul quale razzolano alcune galline. A destra invece due figure umane sedute si riparano con un ombrellino dal sole intenso. A sinistra il prato confina con una fila di cipressi. A destra, invece, più in basso, si snoda un corso d’acqua. Il cielo infine confina con una morbida linea di colline.Il Gabbro diventò noto nel mondo dell’arte grazie a Silvestro Lega che si stabili in questa frazione dipingendo paesaggi e ritratti di gente locale.

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Un uomo e una donna in piedi e abbracciati guardano verso l’orizzonte. Accanto a loro si trova una bambina, sulla destra, mentre a sinistra un adolescente è seduto sulle pietre della riva. I protagonisti del dipinto indossano abiti popolari dai colori grigi mentre la piccola porta una gonnellina blu e una giacchetta rossa. Davanti a loro poi si distende uno specchio d’acqua ferma che confina con l’orizzonte segnato da una sottile lingua di terra.Telemaco Signorini dipinse la Maremma toscana e i suoi abitanti. Inoltre fu autore di opere dai toni sociali che documentano la realtà della sua epoca.

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Il dipinto di Telemaco Signorini racconta la realtà delle campagne italiane. Il suo intento è quindi di rappresentare realisticamente la vita della popolazione.

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Pastura maremmana di Giovanni Fattori è un paesaggio macchiaiolo che testimonia la passione del pittore per i cavalli.

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Giovanni Fattori fu un sostenitore delle Guerre d’Indipendenza come altri Macchiaioli anarchici e repubblicani. La sua visione realista della pittura lo portò a considerare come soggetti della stessa realtà soldati e contadini. Questo perché gli uomini che indossavano la divisa erano anche lavoratori della terra in periodo di pace. Come in altri dipinti contemporanei è l’uomo ad essere armonizzato nel contesto naturale.In Giovanni Fattori la figura del soldato è sempre accompagnata da quella del contadino. L’artista intende infatti mostrare quella che era una realtà sociale dell’epoca.

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Le opere degli artisti macchiaioli sono caratterizzate dall’uso di forti contrasti e macchie di colori accostate per creare le forme. Infine i soggetti dipinti dai Macchiaioli furono paesaggi toscani, contadini, soldati e vedute di paesi.

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Millet dichiarò di dipingere soggetti contadini perché nella sua infanzia quelli erano i panorami conosciuti. Inoltre non nascose il suo amore per la campagna e la vita dei lavoratori della terra. La sua religiosità poi lo convinse che ogni uomo deve sopportare il suo destino con fatalità. Uomo con la zappa rappresenta quindi il simbolo di questa condizione. Si tratta di un uomo che rappresenta tutti coloro destinati a vivere lavorando duramente.

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Il dipinto rappresenta le povere lavoratrici dei campi durante la loro attività.Le donne infatti erano autorizzate a raccogliere frettolosamente le spighe risparmiate dalla mietitura giornaliera. Nel dipinto dispone in primo piano le donne impegnate nel duro lavoro. In lontananza invece i mietitori sono rappresentati accanto a grandi covoni di grano. Il loro raccolto è stato abbondante e la loro felicità è sottolineata dall’atmosfera più luminosa che li circonda. A destra dei mietitori è rappresentato un amministratore a cavallo che sorveglia il lavoro.Attraverso l’accostamento delle diverse realtà sociali, proprietari, lavoratori specializzati e povere spigolatrici, Millet rappresenta dignitosamente la vita dei più umili lavoratori delle campagne francesi.

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La modernità stava emergendo nella seconda metà dell’Ottocento in Europa.Daumier, però, non era interessato a celebrare le innovazioni tecnologiche che non favorivano le classi più umili. Il vagone di terza classe non fu, quindi, bene accolto dall’ambiente ufficiale della cultura, vicino alle classi dominanti. Venne contestata, infatti, la scelta di Daumier di raccontare il disagio dei viaggiatori di terza classe. Il mondo della politica e degli affari preferiva, ovviamente, immagini che mettessero in evidenza il treno come simbolo di progresso e del loro successo. Daumier dipinse opere come questa per trasmettere il suo messaggio ad una vasta platea sociale. Il suo scopo fu quello di realizzare una denuncia sociale a favore delle classi più disagiate.

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E' un dipinto che realizzò per dare voce alle donne del popolo che esercitavano tale pesante lavoro nelle città. L’artista con i suoi lavori volle denunciare le condizioni del poveri e fustigare i costumi della ricca borghesia.Daumier assunse come soggetti principali le classi più povere rappresentandole senza l’ottica folcloristica o pittoresca tipica del XVIII secolo. Infatti la sua Lavandaia assume una tragicità che la rende protagonista di un dramma epocale.

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Il mestiere dello spaccapietre era sicuramente un duro lavoro. Gli operai impiegati in questa attività erano probabilmente condannati ad esercitarla per tutta la loro vita. Non a caso quindi Courbet per rappresentare le tragiche condizioni dei lavoratori più umili scelse questo soggetto. Inoltre nell’immaginario della narrazione popolare ottocentesca anche i condannati ai lavori forzati erano spesso rappresentati nell’atto di frangere massi con pesanti mazze.

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Courbet raffigura il tipico funerale di campagna, accompagnato da una folla di paesani e ecclesiastici. Infatti il modello per dipingere la scena è il vero funerale di un suo zio. Le dimensioni dell’opera sono veramente imponenti e i protagonisti assumono un aspetto monumentale. Questo modello di rappresentazione poco prima era riservato ai sovrani. Courbet compì quindi una scelta epocale concedendo al popolo la stessa dignità di rappresentazione che aveva l’aristocrazia.

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L’opera diventa realistica, perciò rappresenta la scena in modo veritiero e fedele alla realtà.Il funerale di un uomo qualunque acquista l’importanza di un avvenimento storico. La conseguenza è quella di una dichiarazione politica prima che estetica. Il popolo assume così la stessa importanza delle classi dominanti.Per questo, i personaggi sono scomposti, calati nella realtà quotidiana delle campagne

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Il Romanticismo, in Italia, si declinò nell’amore nazionalista e nell’odio verso lo straniero, che nelle zone dell’attuale Lombardia, era rappresentato dalla dominazione austriaca.Il giovane che da un bacio alla ragazza porta un pugnale e si appresta a salire il primo gradino della scala. Il messaggio politico che nasconde il dipinto è racchiuso quindi in questi particolari appena percepibili. Si tratta, forse, di un giovane patriota che saluta la ragazza amata prima di andare a combattere. Nell’ombra che si intravede sulla sinistra, alcuni storici hanno visto la presenza di una spia austriaca che sorveglia i due giovani.

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Alcuni soldati di Annibale sono a terra stremati dalla fatica a causa della bufera che ha colto l’esercito durante la traversata delle Alpi. Tra i massi del paesaggio alpino gli uomini cercano un riparo mentre a terra giace morto un elefante. All’orizzonte si scorge l’esercito che procede a fatica ma la sua vista è offuscata dalla tempesta. In basso a destra la massa dei soldati è visibile appena tra le nebbie. Infatti si coglie il riflesso delle armature, degli scudi e delle armi. Si intravedono le deboli luci delle torce sollevate dai militari ma la tempesta incombe violenta e fa strage di soldati e animali.Il vero soggetto è così la natura che vince l’uomo che la sfida.

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Bufera di Neve:Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi

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Bufera di Neve:Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi

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Satana guarda le effusioni di Adamo ed Eva è una illustrazione ispirata ad un’opera letteraria: il Paradiso perduto di Milton.In primo piano vi sono le due immagini di Adamo ed Eva stretti in un abbraccio. Sono appoggiati sopra ad un mantello di fiori e vegetazione che crea un nido amoroso e naturale intorno ai due amanti. In alto aleggia Satana in un cielo notturno stellato, a sinistra, con una falce di luna in basso verso l’orizzonte. Le regole della prospettiva sono assenti, ma si può apprezzare la tridimensionalità grazie alla sovrapposizione dei corpi.

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Stana guarda le effusioni di Adamo ed Eva

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Stana guarda le effusioni di Adamo ed Eva

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Nell’incubo in primo piano, distesa su di un letto, giace una donna dormiente. Il suo corpo è abbandonato al sonno con la testa reclinata in basso e un braccio pendente verso il pavimento. Sopra di lei, sul suo petto è seduto accovacciato un mostro che guarda verso di noi. Sullo sfondo, emerge da un telo appeso la testa di una cavalla dagli occhi bianchi. Il volto della donna è perso nell’incubo notturno e ha un’espressione vagamente inquieta. Al fondo del letto si trova un tavolino con degli oggetti. Sotto al corpo della donna si trova un panno decorato che scivola lentamente sul pavimento.

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Al centro del dipinto diverse lastre di ghiaccio si sovrappongono e creano un cumulo che si spinge verso l’alto. La neve poi si raccoglie tra le lastre creando mucchietti giallastri. Anche in primo piano i ghiacci misti a frammenti di terreno si frangono sotto la spinta delle correnti marine sottostanti. A destra del cumulo centrale si intravede inoltre il relitto in legno di una nave. L’imbarcazione è adagiata su un fianco e uno degli alberi integro regge la vela ancora issata. In lontananza infine si colgono altri cumuli di giaccio sollevati a formare delle piramidi trasparenti.

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I temi rappresentati nel dipinto sono quelli dell’infinito, del sublime e dello smarrimento empatico attraverso l’immedesimazione con il paesaggio naturale sottoposto a un importante evento meteorologico. La natura viene, quindi, assunta come un protagonista vivente, forse, più importante del viandante che rimane di schiena. Il viandante è indifeso e misero di fronte al meraviglioso infinito naturale che ha di fronte. Il mare di nebbia rappresenta questa condizione della quale l’uomo romantico ha consapevolezza. Il viandante si perde così nella contemplazione del mare di nebbia e questa perdita annulla la sua individualità in una sorta di nirvana esoterico.

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-trasformò l’idea del paesaggio classico in contemplazione spirituale della natura.

-i suoi dipinti includono un elemento definito Rückenfigur. Si tratta di una figura umana vista di spalle colta mentre contempla il panorama che ha di fronte.
-concepì i suoi paesaggi come temi religiosi e quindi impregnò le opere di misticismo.

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I pittori romantici interpretarono la natura, sotto forma di eventi atmosferici o paesaggi pittoreschi, come l’espressione del divino. Il divino è quindi immanente nel fatto naturale, si manifesta in una tempesta o in un altro evento meteorologico. L’uomo è un aspetto del creato, però è indifeso nei confronti dell’evento naturale e si arrende alla natura madre ma anche matrigna. Nel contemplare la natura, perché affascinato dalle sue manifestazioni, l’essere umano vive così contrastanti emozioni di ammirazione e di terrore.

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Le stampe mettono in luce i vizi della società contemporanea di Goya con taglio crudo e diretto. Inoltre sebbene l’artista dichiarò di aver preso spunto solo dalla sua fantasia, nelle opere vi sono riferimenti a personaggi famosi. Altre immagini raffigurano personaggi grotteschi e altre satira politica ed ecclesiastica.Il Sonno della ragione non è una immagine che fa riferimento a qualche personaggio noto ai tempi di Goya. La scena sembra piuttosto nata dalla fantasia dell’artista. Il titolo infatti spiega bene l’allegoria disegnata che stigmatizza l’abbandono alla fantasticheria. Goya era un simpatizzante illuminista e considerava la ragione un ideale necessario per migliorare le condizioni dell’umanità. Il protagonista dorme e lascia libero il suo inconscio irrazionale di generare i suoi più tremendi incubi.

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In questo dipinto Goya propone una immagine non idealizzata che anticipa lo stile Realista. Inoltre l’utilizzo di pennellate accostate e materiche avvicina la sua pittura alle esperienze del Romanticismo europeo.

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Goya dipinse questo nudo con un taglio decisamente realistico. Solitamente i nudi femminili per non suscitare scandalo dovevano richiamare le opere classiche. In questo modo gli artisti mettevano in evidenza il modellato plastico tralasciando i particolari più realistici. Goya invece dipinse ne la Maja desnuda alcuni dettagli anatomici intimi che rendono la figura più realistica e scandalosa. Il realismo riprodotto da Goya è evidente anche nella riproduzione del tessuto del divano.

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Quest’opera è stata dipinta con gusto neoclassico per mettere in risalto il potere del condottiero attraverso equilibrio compositivo e la concezione classica della figura che si ispira alla statuaria greco-romana. I soggetti sono caratterizzati da un forte movimento causato dal vento che anima i capelli di Napoleone, la criniera del cavallo e il mantello dell’imperatore consegnando ai posteri una interpretazione eroica del condottiero.David curò particolarmente e con attenzione le forme del cavallo e del condottiero. Infatti il cavallo mostra un modellato anatomico molto efficace. Anche l’espressione dell’animale trasmette tutta la tensione del momento.

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Napoleone Bonaparte al passaggio del Gran San Bernardo 

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Napoleone Bonaparte al passaggio del Gran San Bernardo 

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Marat è raffigurato come un uomo malato che si sta curando con una immersione salutare. La presenza della lettera e degli strumenti di scrittura lo descrivono poi come dedito al lavoro nonostante la sofferenza. La cassa di legno che Marat usa come tavolino inoltre lo descrive come un uomo povero e onesto. Infine la dinamica dell’omicidio, celato da una lettera di supplica, mette ancora piu in risalto la nobiltà d’animo del politico.La scena è illuminata da una luce direzionale che proviene dall’alto a sinistra e verso il centro. L’illuminazione inoltre crea il forte contrasto tra luce ed ombra e non rivela la fonte luminosa che rimane esterna al dipinto. Solo alcune parti del corpo sono messe in evidenza come il braccio sinistro e l’avambraccio destro. Inoltre, la parte destra del volto, la lettera e la parte frontale della base.

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Nel dipinto prevalgono per estensione i toni bruni e ocra dell’ambiente.Rosso, blu e bianco colorano i mantelli e gli abiti dei personaggi principali. La valenza simbolica di questa scelta cromatica è chiara. Sono i colori della bandiera francese.Il punto di convergenza delle diagonali prospettiche delle architetture si trova nella mano sinistra che regge le spade.Il padre e il suo gesto di porgere le armi ai figli si rivela come il vero soggetto della scena. L’uomo supera il suo amore genitoriale e spinge i figli al sacrificio per la patria consegnando loro le armi.

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Racconta la vicenda leggendaria dei tre fratelli romani Orazi avvenuta durante il regno di Tullio Ostilio. Tra loro e i tre fratelli Curiazi di Albalonga si verificò uno scontro armato per decidere le sorti della guerra. I fratelli Curiazi morirono mentre sopravvisse un Orazio che determinò la vittoria di Roma.David raffigurò il momento nel quale gli Orazi giurano al padre di combattere fino alla loro morte sacrificando la vita per Roma. L’artista prese in prestito la leggenda per esaltare l’impegno politico ed eroico del singolo a favore del bene comune. Sentimenti, questi, che saranno determinanti durante la rivoluzione che scoppierà in Francia pochi anni dopo.

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Il monumento progettato e realizzato da Canova riflette il clima nato sul finire del Settecento della poesia sepolcrale.Canova con quest’opera volle rappresentare la fatalità della morte, e il ricordo del defunto che rappresenta il sepolcro. Il tappeto che è disteso sui gradini, ed in parte all’interno del sepolcro, unisce idealmente la vita e la morte.

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La sorella centrale è scolpita frontalmente rispetto allo spettatore. Quella di sinistra di spalle, con il volto leggermente inclinato e quella di destra, sempre di spalle con il volto di profilo. Canova ne Le tre Grazie è stato capace di rappresentare, attraverso gli sguardi e le carezze un simbolo di affetto familiare. La nudità delle fanciulle non ha un valore erotico ma esprime il concetto di bello ideale attraverso la perfezione fisica dei soggetti.Canova, infatti, ha creato dei corpi femminili morbidi e armoniosi.

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Le tre divinità, secondo la mitologia, donavano felicità e bellezza al mondo e al genere umano.

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La statua è stata concepita come esempio di bellezza classica e di equilibrio formale prendendo ispirazione dalla statuaria greco-romana.La fisionomia della protagonista è somigliante ma fortemente idealizzata in accordo con gli ideali neoclassici di Canova. La scultura è un vero tuttotondo. Canova progettò il ritratto in ogni sua parte, per essere visto da ogni angolazione. Lo scultore, per favorire la visione dell’intera statua predispose un meccanismo rotante nel supporto in legno.Nel suo insieme la struttura compositiva è piuttosto statica, movimentata però dalla torsione del corpo della protagonista.

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Paolina Bonaparte è scolpita come una Venere Vincitrice. Come la dea infatti Paolina regge nella mano sinistra la mela della Vittoria. Paolina Bonaparte è quindi ritratta come una dea classica, distesa su di una agrippina, e avvolta da un panneggio.Canova si ispirò alla figura di Venere, come dipinta da artisti del Rinascimento. Secondo la mitologia greca Paride ebbe il compito di stabilire quale tra le due dee, Atena o Afrodite, fosse la più bella e di consegnare il simbolo della Vittoria alla prescelta. Paride consegnò così il pomo a Venere che risultò appunto vincitrice.

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Canova ritrae i due protagonisti nel momento precedente all’azione del bacio.Le due figure scolpite presentano una chiara influenza proveniente dalla conoscenza che Canova aveva della statuaria classica. Si possono cogliere infatti alcune caratteristiche che ricordano le figure realizzate dagli antichi scultori come le fisionomie dei personaggi. Anche il momento rappresentato pone in sospensione narrativa l’incontro tra i due giovani come avveniva nella drammaturgia greca.Così la levigatezza della superficie, tipica delle opere di Canova, le proporzioni classiche rigorose e l’equilibrio della composizione diventano espliciti valori estetici. La composizione della scultura si basa su una struttura a forma di X dall’apparenza morbida e dall’andamento sinuoso. La X infatti è frutto dell’incrociarsi di due archi. Uno dei due sale dal piede destro di Psiche, corre lungo il corpo e prosegue verso la punta dell’ala destra del dio. La curva opposta invece si sovrappone alla gamba destra di Amore e alla sua ala sinistra. L’incrocio delle due diagonali compositive è un punto che si trova nello spazio tra le due bocche. Intorno a questo centro inoltre si trova l’intreccio circolare delle braccia.

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Il soggetto che ispirò la statua di Antonio Canova intitolata Amore e Psiche che si abbracciano è tratto dalla favola narrata nell’Asino d’oro di Apuleio. Lo scultore rappresentò proprio il momento finale della favola. La dea Venere, gelosa della bellezza di Psiche, chiese al proprio figlio Amore di far innamorare la giovane, senza essere ricambiata, di un uomo rozzo. Amore però, vista la bellezza di Psiche, si innamorò di lei e grazie al Zefiro portò la giovane nel proprio palazzo.Amore decise di non svelare a Psiche il suo viso per evitare l’ira della madre. La ninfa, spinta dalle sorelle, guardò però il viso del dio che contrariato la abbandonò. Per riunirsi all’amato Psiche affrontò una serie di prove organizzate da  Venere che gli permisero di ottenere l’immortalità.L’ultima prova portò Psiche nell’ade dove la giovane chiese alla dea Proserpina una parte della sua bellezza. La dea consegnò un vaso che Psiche aprì cadendo in un sonno profondo. Amore venne a conoscenza del fatto e raggiunse Psiche risvegliandola con un bacio.

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Monumento funebre a Maria Cristina d'Austria

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Monumento funebre a Maria Cristina d'Austria

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IL contesto artistico del Neoclassicismo

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IL contesto artistico del Neoclassicismo

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Le sculture del periodo neoclassico  riacquistarono piena autonomia. Durante l’epoca barocca la statuaria fu al servizio dell’architettura che vedeva nelle sculture un abbellimento e un elemento che contribuiva alla scenografia dello spazio architettonico. Tra gli artisti ricordiamo Antonio Canova,Jacques Louis David e Francisco Goya.