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Méthode croisée avec super verbes synthétiques pour réussir l'analyse

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Méthode croisée avec super verbes synthétiques pour réussir l'analyse

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https://1drv.ms/w/c/122129c34926a94a/IQDpGBt2EZb_So2T0WE537dfAeqNLPQff_VujYQZELDUa_U?e=PcT0o6

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Un rouleau

Saturne

Une coquotte

Assembler/superposer/plier/

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Je préfère les éléments lisse et les détails peut être plus me tourner vers de la photo ou de la vidéo ( après analyse de la prof)

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« Je fait un tourbillon »

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ça me dégoûte

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Dans un premier temps une baguette ensuite un avion et enfin bracelet

-j'ai fais un avion, et j'ai essayer de dessiné dessus

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enrouler/ noeud

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« Je fait des bulles »

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Juxtaposition et révélation de la réalité , superposition , intégration de plusieurs images/objets etc...

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utilisation du clair obscure et de la lumière afin de dévoiler ou de cacher des éléments.

thématiques graves et sensibles.

incitation au déplacement du spectateur

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Point de vue du spectateur

Mélanger

Contraster

Dégradée

Texturer

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plier, superposer, symétrie, mélanger

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-Éclaboussures.

-Évasion des émotions.

-Taches.

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Froisser

Reliefs

Pliage

Superposition de couleur

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1- camoufler

2- assemblage

3- cacher

4- compression

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Tordre, déchiré, assemblage, reconstruire le réel version miniature, narration, fiction du réel ou documentaire

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Coloré

Déchiré

Froissé

Structuré

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Froisser

Percer

Dévoiler

Maëva

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Pliage, découpage , assemblage, lier , scotcher, fragmentation , éclatement , détournement de l’objet réel , construction d’un dispositif pour faire ressentir une émotion au spectateur 

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1.Disparition

2.illusion

3.mélange

4.sens visuel , point de vue

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Assemblage

Construction

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1. froisser

2. illusion

3. matérialité de la texture

4. fragmentation

Talia

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Echoes - La Caverne du Pont Neuf - JR & Snap https://share.google/sMloHFzUxydhRgmwW

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Ce projet est une toile représentant une silouette les mains contre son corps regardant en l'aire, un grand œil si trouve, et plusieurs autre autour de la silouette, avec une regarde intenses sur celle-ci. La peinture est faite avec de l'acrilique.

Dans ce projet j'ai voulu représenter la présion du regarde des autres, qui est ou non sur nous, l'anxiété social, les personnes qui se soucient particulièrement de leur apparence, ou de leur action passé (bonne ou movaise, celon-elles ou non).

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Photos impossible à envoyées ici seront envoyées par mail 

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Mon projet consiste en deux photographies de nuit au flash d'une personne tenant un Cosi.

Avec le logiciel Krita j'ai ensuite rajouter des éléments de dessin numérique, rajoutant des effets de propagation inspiré de bactéries et du travail de Günes-Héléne Isitan qui élève des bactéries en laboratoire avec des colorants. Ce qui leur donne des forme ronde et organique reconnaissable grâce à la couleur.

J'ai aussi utilisé des effets de lumière pour rendre les forme plus visible tout en les fesant s'incruster dans l'arrière plan. Dans chaque image j'ai rajouté un point lumineux blanc sur le Cosi pour bien montrer ce qui est le sujet principal mais pour aussi le cacher superficiellement.

Dans ce projet j'ai voulu explorer une émission très personnel que je trouve étrange, mon absence d'empathie pour les nourrissons et les très jeunes enfants (moins de 3 ans). Je ressens une haine presque maladif envers eux, jusqu'a ressentir du dégoût rien quand les voyants. Je les trouves extrêmement moche, dégoûtant et profondément insupportable. Leur cris, leur incapacité à communiquer, leur incapacité à se débrouiller tout seul, je ne trouve aucune joie en m'en occupant ou même en voyant le visage radieux des parents.

J'ai depuis des années un dégoût énorme de ce qu'est la grossesse, l'accouchement n'est pas ce qui est en cause en particulier mais c'est la perceptive d'être parent qui me fait le plus peur. Plus particulièrement parce que je ne le veux pas mais surtout que vue ma haine grandissante pour les enfants et mes envie de tranquillité je sais pertinemment que je finirais par devenir violent physiquement et verbalement.

De plus que je ne vois la grossesse comme une sorte de parasitose, quelques choses qui te dévore de l'intérieur sans que tu l'es demandé, un être avec lequel tu va sentir une obligation quand il finira par inhalé sa première bouffé d'air. Pour moi l'avortement ou même la fausse couche me fait sourire et me donne un espoir que cette chose pourrais disparaitre et ne jamais revenir, sa propagation dans mon corps me donnant déjà des envie de violence et me rappelant un corps que je ne veux pas avec lequel je porte un dégoût intense. Je ne ressens aucun attachement à quelque chose que je n'ai jamais connu, ce n'est pas en me parlant que cette enfant pourrais avoir un avenir qui va me faire avoir plus d'empathie, à ce moment là il n'est rien et ne le sera jamais.

Je n'arrive pas à pleurer ou à vraiment être touché par la mort du nourrisson, je n'y arrive pas. Les enfants mort né son pour moi les pires, déjà que je ne considérait pas le bébé dans le ventre alors s'y il n'est même pas vivant en sortant je ne vois même pas en quoi je devrais être triste. Je ressens de l'empathie seulement pour les parents et les proches, je vois en quoi cela peut touché et amener à une profonde tristesse c'est juste que moi je n'arrive pas à l'expérimenté.

Je trouve les bébés pitoyable, quand on regarde le monde animal les nouveaux nés sont déjà capable de communiquer seulement après quelque jours ou semaines, pour l'humain cela prend des années et est profondément énergivore même si cela devient plus supportable après un certain temps.

Le fait de dire que nous avons tous été enfants ne me fait ni chaud ni froid, ce n' est qu'une simple excuse puéril pour moi. Si je me voyais enfant maintenant j'aurais probablement une réaction similaire, je ne vois aucune différence entre chaque bébé alors avec moi ce sera la même.

Bien sûr les enfants reste des être à Protéger, je ne dirais jamais le contraire mais je ne le ferai pas par empathie, je le ferai parce que c'est dans mes valeurs.

Pour ce projet je voulais donc montré une liberation à la disparition/mort de l'enfant mais aussi à la douleur de cette sensation de parasitose.

Les couleurs étant à connotation joyeuse avec des couleurs claires (première photo particulièrement) mais aussi avec des couleurs plus terne (deuxième photo) pour une sensation plus douce-amer de culpabilité toujours présente.

J'ai donc donner des forme plutôt organique autour du porte bébé pour cette idée de de parasite, je voulais d'ailleurs dans la deuxième photo qu'elle se propage aussi sur la personne présente pour montrer une conséquence mentale/physique toujours présente.

J'ai incrusté le mot parasite dans un coin des deux images pour être sûr que même sans ce texte on puisse au moins comprendre la grande idée de mon projet, je veux être sûr que l'on ne voie pas ce projet comme la "beauté" de la naissance de l'enfant ou quelque chose comme ça quand je pense absolument l'inverse.

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Ce chapeau est une matérialisation des pensées, une tentative de rendre visible ce qui habituellement reste intérieur. Il est constitué d’un assemblage de tissus cousus ou coller comme un patchwork désordonné qui évoque la complexité des idées dans l’esprit.

Chaque morceau de tissu, avec ses couleurs, ses textures et ses motifs, peut être perçu comme une pensée différentes certaines

Cette production s’inscrit dans la continuité d’une animation réalisée en option art sur le même thème

J’ai choisi la forme du chapeau car il est directement lié à la tête, donc à l’esprit et aux pensées. De plus le chapeau se porte , il devient une extension du corps, plus particulièrement du cerveau. Ce choix permet de rendre les pensées visibles, comme si elles sortaient de la tête pour prendre une forme matérielle.

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Mon projet s’intitule: « Moon and Sun ». Il s’agit une vidéo d’animation 2D, inspirée du salon de la lune et du salon du soleil de l’Opéra Garnier à Paris.

Je les ai représentés de plusieurs manières. Tout d’abord par le biais de deux personnages inspirés du soleil et de la lune ( notamment au niveau des palettes de couleur ), deux papillons identiques à l’exception de leurs couleurs et des motifs de leurs ailes.

La deuxième façon dont je les ai représentés est avec une référence aux miroirs qu’on trouve dans ces salons, exécutant un effet de mise en abîme. On retrouve les miroirs représentés de manière directe mais aussi indirecte: par la ressemblance des deux personnages, l’inversion du sens des images ou le parallèle entre certaines d’entre elles ou certaines scènes. La mise en abîme est elle montrée sous forme de boucle: on rentre encore et encore dans les yeux des personnages, de manière infinie ( pareil pour la chanson qui est en boucle elle aussi ).

Ensuite comme fond sonore j’ai utilisé Clair de Lune de DeBussy, qui est une énième référence à la lune.

Pour la mise en espace, j’ai décidé de projeter mon animation au plafond: au delà des miroirs, le plafond est l’un des aspects qui nous frappe le plus. Ils sont très garnis, et ce, respectivement sur le thème du soleil ou de la lune.

C’est pourquoi mes deux mots clés sur l’espace et le narration sont plafond ( espace ) et boucle ( narration ) pour toutes les raisons listées précédemment.

Pour ce projet j’ai plusieurs références: tout d’abord Heaven & Earth de Bill Viola, 2000 pour sa superposition de deux choses reliées mais complètement différentes ( mort/naissance et lune/soleil ), les parallèles et l’usage de la vidéo.

Cependant en se penchant du côté de la mise en abîme, on a Triple Autoportrait de Norman Rockwell, 1960 et Autoportrait au Miroir de Dali, 1977 qui sont des peintures où un miroir est utilisé afin de créer un effet de mise en abîme mais aussi une scene particulière de Spaceballs, 1987 où la mise en abîme se retrouve sur l’écran qui filme les personnages de derrière mais aussi l’écran lui même, créant le même effet qu’avec deux miroirs.

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Œuvre refaite

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Petite peluche évoquant la vivacité et le monde plein de couleurs qu’on aurait l’habitude de vivre étant enfant

Peluche faite par moi même, assemblage de plusieurs pièces (couture)

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tableau de notions à compléter avec des exemples

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tableau de notions à compléter avec des exemples

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La représentation de la nature dans l'oeuvre

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La représentation de la nature dans l'oeuvre

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0532 6753

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1456 7329

https://wayground.com/join?gc=14567329

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Joseph Vernet + Documentation et augmentation du réel

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Joseph Vernet + Documentation et augmentation du réel

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2977 1681

https://wayground.com/join?gc=29771681

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joinmyquiz.com

1233 9105

https://wayground.com/join?gc=12339105

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Commentaire Art et science pour entraînement

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Commentaire Art et science pour entraînement

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lien vidéo : https://vimeo.com/324652119?fl=pl&fe=vl

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Fiche de synthèse à télécharger sous forme de tableau

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Fiche de synthèse à télécharger sous forme de tableau

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La fiche de synthèse est à remplir AVANT LE 7 MAI et à renvoyer à Mme Tsang sur : meythsun@gmail.com

A remplir

1. NOM Prénom

2. Cocher les événements auxquels vous avez participé

3. Coller 3 photos de 3 productions dans la partie "Authenticité"

4. Ecrire quelques lignes synthétiques dans la partie "Descriptif du projet" (voir exemples)

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Cours Nature à l'oeuvre références et notions du programme

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Cours Nature à l'oeuvre références et notions du programme

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A faire :

Sujet >

Imaginez un projet d'exposition qui

met en œuvre la notion de temps

A rendre :

Un projet composé :

- d'une introduction,

- de croquis (plan au sol avec circulation du

spectateur, croquis en 3D de la salle principale avec  l'œuvre choisie et le dispositif lumineux,  croquis )

Comment faire :

Choisissez une oeuvre dans toutes celles que nous avons vues en cours et que vous intégrerez dans un projet d'exposition pertinent.

Vous devez déterminer le maximum de paramètres pour rendre votre projet crédible, pertinent et intéressant :

- titre de l'exposition

- nature de l'exposition

- lieu et durée de l'exposition

- est-ce que la scénographie s'adapte au lieu ?

- parcours du spectateur (sens de la visite) et progressivité de la visite (est-ce qu'il y a une recherche de tension dramatique, des  surprises pour le spectateur,  etc ?)

- autres œuvres montrées

- questions techniques :dispositif lumineux,  accrochage, sécurité des œuvres,  accès des spectateurs, possibilité de son ou pas, de rencontre avec l'artiste ou pas

Aidez-vous du corrigé sur le sujet : la sollicitation du spectateur !

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Rendu fiche de synthèse : 7 mai

Oraux officiels : 1, 2 et 3 juin au lycée Gay-Lussac à Chauny

Écrit : mardi 16 juin de 8h à 11h30

Grand Oral : mercredi, jeudi et vendredi 24, 25 et 26 juin

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Ma vie a toujours tournée autour de plusieurs questionnements. Un de ces questionnement a toujours résonné encore et encore dans ma tête. Nous, animaux, pourquoi nous ne vivons pas comme les autres "sauvages" ? Ma vidéo cherche à comparer la vie animal à celle humaine, deux vies complètement différentes mais aussi totalement similaires. Les animaux vivent en liberté, dans la joie avec le seul but de vivre, nous humains, nous vivons avec des milliers de buts. On oublie souvent de profiter de la beauté que la terre nous a donnée, pire, nous détruisons cette beauté. La nature est la première chose dont les êtres vivants ont besoin, un besoin dont l’Homme se persuade d’être non nécessaire. Le but de ma video est de rappeler notre but sur terre. La comparaison du monde animal et du monde humain cherche à montrer la douceur dont nous pourrions profiter face au stress, au bruit et aux devoirs dont nous faisons face actuellement, en tant qu’humains.

La musique viens du film le frère des ours, un de mes films préférés, ce film représente un humain qui se transforme en ours, l’humain comprend à travers l’ours, ses pensées, ses sentiments et sa vie, ce qui atténue la haine envers lui.

Les scènes humaines en arrière plan ont été filmés à Paris, dans les endroits les plus touristiques telle que la Tour Eiffel pour contraster avec la douceur de la nature.

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Pour cette production, j'ai décidé de représenter un rêve que je faisais régulièrement lorsque j'étais plus jeune, c'est à dire faire des chutes dans plusieurs lieux différents.

J'ai donc décidé de dessiner plusieurs fond différents (mer, ciel, lave, terre, pierres) qui sont mélangé puis rajouter un effet de flou pour donner une sensation de vitesses à l'illustration. Il y a également le personnage au centre qui a également cette effet de vitesse sur lui et qui tombe dans les différents lieux à la fois.

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Mon projet est une vidéo qui représente le moment où l’on bascule dans un rêve. Au début, on est à travers mes yeux et je m’allonge dans mon lit pour rentrer dans le rêve. On découvre alors un endroit apaisant, la mer car c’est là où je suis née. On entend le bruit des vagues mélangé à des souvenirs de moi et mes proches en train de rigoler et on peut aussi entendre mon cœur qui bat calmement pour montrer que je suis détendue. Pour ce côté paisible et l'utilisation de l'eau (la mer) je me suis inspirée de l’artiste Bill Viola, il montre souvent ce que l’on ressent à l'intérieur à travers des images calmes.

Mais pendant ce rêve tout bascule d’un coup et l’ambiance devient angoissante (en référence à mon précédent projet sur le cœur). J’ai fait exprès d'assombrir l’image et de ralentir les rires pour qu'on est l’impression qu’ils deviennent plus graves, comme si le temps se déformait. Mon cœur se met à battre de plus en plus vite jusqu’à ce que je me réveille en sursaut. Pour réaliser cette vidéo, j'ai voulu travailler sur le contraste entre le calme et l'oppression. Mon but était vraiment que le spectateur se mette dans ma peau, qu’il soit d’abord apaisé puis surpris par ce cauchemar qui arrive sans prévenir. Ma démarche a été de superposer des couches de sons joyeux sur l'image de la mer pour créer un espace de bonheur. Mon intention était vraiment de faire vivre une expérience sensorielle au spectateur. Je voulais qu'il se mette dans ma peau et qu'il ressente physiquement le passage de la détente à la panique et qu’il se rende compte que l’angoisse peut arriver n’importe quand et qu’elle ne prévient pas même quand nous sommes apaisé par un rêve reposant. En utilisant mes propres souvenirs et le son du cœur qui représente le mien. Je cherche à montrer que l'art peut rendre visible et audible ce qui se passe à l'intérieur de nous, entre nos rêves et nos peurs.

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Mon projet est une sculpture utilisant de la claie, de la laine et de la cire.

J'ai décidé de représenter la sexualité en opposition avec le genre grâce au Mythe d'Hermaphrodite.

Les mythes m'ont toujours inspiré, que se soit dans l'art ou autre. J'ai donc voulu en utiliser pour mon projet.

Ce mythe fait se fusionner Echo, une Nymphe et Hermaphrodite, le fils de Hermès et Aphrodite. La sculpture met en scène les deux personnages dans une fontaine, là où le mythe se passe principalement, mais avant la fusions. Nous pouvons donc les voir profiter de la dite fontaine.

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https://youtu.be/7K2S_vKnc7E?si=eQTHN1IrHC7L1eWY

Note d’intention

Ce court métrage raconte ma soeur, Lise, et cherche à explorer son handicap en ce qui est beau, ce qui fait du bien, amuse ou donne du courage. Le but était d’aborder différemment le handicap, perçu souvent comme uniquement triste, ou synonyme de privation et d’enfermement. Ici, sensibiliser au handicap n’est pas une fin en soit, mais plus un biais pour transmettre autre chose. Ce que Lise provoque en moi n’est pas de la tristesse, ses souffrances ne sont jamais sur le ton de la plainte. Lise, par ses difficultés et ses douleurs me donne envie de vivre à fond. C’est pourquoi j’ai voulu que ceux qui ne la connaissent puissent la rencontrer, du certaine manière à travers ce court métrage, car je pense qu’elle fait partie des rares personnes capables de faire résonner réellement ce message.

Avant l’écriture de ce court métrage, j’ai longtemps discuté avec elle, dans le but de cerner ce qu’elle voulait transmettre. Elle me répétait sans cesse « je ne veux pas que ça sonne triste ! ». Pour ecrire ce court métrage, je me suis donc appuyé sur ses discours dont je n’ai mis que des extraits mais que j’ai retranscrit dans ma voix off.  La narration est guidée par la métaphore de la valise, qui permet d’unir ce que Lise voulait montrer, et ce que je perçois d’elle en tant que proche. La Valise permet aussi de donner de la légèreté et de l’universalité à mon propos, chacun la lit comme il le veut, comme il en a besoin. Chacun la remplit par ce qui le constitue.

Concernant les choix relatifs à l’image, j’ai choisi des plans rapprochés, parfois mêmes des gros plans. Cela permet un accès plus intime à son discours, le spectateur est comme en discussion avec elle. Ainsi, le fond sonore est neutre on entend seulement sa voix, ce qu’elle a à dire. Cela m’a permis de lui donner un espace d’expression, ou elle serait écoutée et comprise, ce qui est souvent difficile pour elle de part sa petite voix, ou ses difficultés de locution. Ici, elle est entendu et écoutée, au lieu d’être seulement regardée. Accéder à son intériorité permet aussi de voir la manière bien plus légère avec laquelle elle voit sa condition ce qui permet de dédramatiser, et de décentrer le discours du handicap.

Dans mon court-métrage, à l’instar de Emilie Tronche, la créatrice de la série Arte Samuel, j’ai choisi d’incorporer à mon court métrage des petites animations, en noir et blanc pour illustrer l’aspect métaphorique de mon discours. Ainsi, j’ai représenté Lise avec sa Valise dans différentes situations, dans le but de montrer les différentes manières avec lesquelles elles cohabitent, parfois elle la tient, parfois elle la laisse de côté lorsque elle ferme les yeux par exemple, ou bien, elle la fait flotter à côté d’elle, sans s’en soucier. Les animations dynamisent le court métrage qui est composé de plans statiques et lents, pour immerger le spectateur dans un quotidien comme celui de Lise ; tout prend plus de temps, les mouvement et déplacements nécessitent de la patience. Pourtant, son esprit lui est dynamique et dansant.

En somme, La Valise est une invitation à repenser sa condition en reconsidérant sa perception du handicap. Rencontrer Lise, découvrir son courage et sa résilience constitue un appel à vivre et à s’accorder avec sa propre valise, quelqu’en soit sa constitution.

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Pour se projet j'ai décidé de me baser sur le principe des alter egos. Les alter egos sont des personnages que l'on créé afin de se représenter soi même mais tout en gardant ou une sorte d'anonymat ( comme certain.e.s auteur.trice.s ) ou une distance avec son vrai soi. Pour cela j'ai décidé de réaliser une peluche de mon propre alter ego en me basant sur des croquis de ce personnage que j'ai moi-même réalisés.

Pour ce faire j'ai tout d'abord dû tricoter tous les morceaux qui composent cette peluche pour ensuite les coudre et broder l'étoile sur l'oeil. Pour les antennes j'ai utilisé des cure dents que j'ai tordu puis scotcher ensemble pour ensuite les recouvrir de laine.

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Mon projet n*2 est sous format numérique car j’ai voulu tester autre que le manuel

Ici on va retrouver une fausse page Instagram montrant un compte sur le quelle on peut "s’exprimer" et donner sont avis sur des sujets qui on fait scandale sur internet et les chaines d’informations ,en bas de la page des actualités les plus récente (pour comprendre mon œuvre regarder attentivement tout les petits détails, je veux que vous en fassiez un avis personnel car c’est ça mon but).

Mon projet va dans la continuité de mon grand projet sur les dénonciations ici je veux faire une critique de notre société car avec la démocratie on nous laisse nous "exprimer" mais en réalité le moindre truc que l’on veut dire on se fait insulter,critiquer,ou tuer car on avait un avis différent de autre.

Pourquoi avoir choisi une page Instagram ?

Tout simplement car aujourd’hui les réseaux sociaux son omniprésent dans notre société alors pourquoi pas montrer notre société à travers les réseaux sociaux.

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Pour ce projet j'ai décidé de représenter le plat de la ratatouille dans le film pixar ratatouille en argile. J'ai commencé par former les tranches de légumes grâce à des emporte-pièce puis j'ai façonné l'assiette avec un gros saladier. Je trouvais ça intéressant de me servir d'ustensiles de cuisine pour réaliser ma production et en prenant de l'argile pour faire ma ratatouille cela permet d'accentuer ce côté fait mains en travaillant avec une pâte. Cependant je pense qu'il aurait été intéressant que je pousse cette idée plus loin en utilisant du colorant alimentaire pour les couleurs par exemple. J'ai choisi ce sujet car depuis que je suis toute petite ce film est synonyme de réconfort et de bien-être. La cuisine a toujours eu une grande place dans le monde mettant en avant différentes traditions, cultures, mode de vie mais malgré une très grande diversités au finale nous retrouvons l'intention commune de vouloir faire plaisir à l'autre quand on lui confectionne un repas pour passer un bon moment bien chaleureux. Je voulais faire ce projet pour parler de tout cela apporté une touche de joie et faire écho à l'importance de la cuisine dans ma famille également quand nous faisons de grand repas. L'artiste Stéphanie Lacombe et sa serie la table de l'ordinaire étaient une référence très intéressante pour mon projet.

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Mon projet est est constituée d'une couche de journal avec des photos de proches et d'endroits ayant un rapport entre elles. J'ai ensuite placé une poupée de chiffon sur le dessus que j'ai dégradé superficiellement pour la rendre un peu plus vielle.

Des fils de laines on été positionné grâce à des punaises sur des photos qui sont en couleur. Je les ai mis en avant grâce à du montage photo et une application de dessin pour rendre les fils plus visible.

Pour ce projet mon thème porte sur le souvenir et la peur de l'oubli, j'ai eu l'idée de la poupée grâce à l'artiste Gavin-Morris Gallery avec sa série Puppets by Artists qui a créé des poupées dégarnie et dérangeante pour l'oeil adulte mais réconfortante pour un enfant, même si c'est plus l'esthétique qui m'a attiré. Mais aussi comment la poupée est le plus souvent associée à l'enfance donc à des souvenirs lointain.

Pour montré l'oublie j'ai utilisé des photos de quatre personnages en particulier (mes chats, mon chien et ma cousine) donc certaines que j'ai gardé authentique et en couleur comparer au autres qui elles sont toutes modifiées avec du floutage, du noir et blanc ou avec l'augmentation des ombres. En fessant ça je voulais donner une impression de souvenirs s'effacent au cours du temps mais que certains reste très clair et facile à se rappeler.

Dans mon cas le choix des personnes reste plutôt personnel se rapprochant plus de la peur de la mort de proche et de les oublié de plus en plus jusqu'à ne retenir qu'une image floue. Les fils rouges sont une représentation des souvenirs qui eux reste et n'arrive pas encore à être effacé. L'idée de la photo a beaucoup été inspiré par une vidéo trouvé sur YouTube de Chrispykins présentant une série de photos défilant sur la musique : Lost Kitten de Metric qui au fil de la video se dégrade visuellement mais aussi avec l'audio que se répète et devient presque inaudible à la fin. Elle montre elle aussi le thème de la dégradation des souvenirs et de leurs total oublie.

La couleur rouge pouvant être montré comme chaleureuse j'ai donc voulu l'utiliser pour relier les photos qui pour moi était importante.

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Pour ce projet, je me suis inspiré d’un de mes souvenirs. Ca c’est passé il y a une année ou deux à St Malo. C’était une soirée très bondé avec beaucoup de photographes, d'enfants, de personnes qui regardaient les immenses vagues. Ce phénomène se produit de temps en temps lorsque la mer est agité mais cette année là, elles étaient très puissante et ont fait l'objet d’un reportage à la télévision.

J’ai voulus retransmettre se sentiment au spectateur, un effet de grandeur et d’inpuissance à petite échelle. Lorsque le spectateur s'approche il aperçoit la taille des personnes déjà présente (petite) et se dit que la vague ici présente doit etre grande par rapport à leurs échelles. Les détails de la vague, du système de lumière et de gouttes montrent la puissance que la vague a ,et la situation dans lequel le spectateur se trouve.

Pour réaliser ce projet je me suis inspiré de ce souvenir mais aussi de Kabakov avec "where is our place?" Qui joue sur l'échelle( faire de grande chose pour que le spectateur se sente petit ). Où personnellement j’ai joué sur des éléments qui font en sorte que le spectateur ressentent l'aspect de grandeur sans pouvoir s'y déplacer physiquement.

Je me suis aussi inspiré de Peter Doig avec ses différentes toiles sur le souvenir, la mémoire et l'identité. Dans son processus de création il regroupe des éléments qui va l'aider a créer ses toiles. Tout comme je l’ai fait avec des vidéos, des photos et des souvenirs.

J’aurai aimé faire mes projet a taille réel où le spectateur aurait pus se déplacer comme si l'immense vague avait arrêté de bouger pour immortaliser le moment et voir tout les details du projet. Mais par manque de moyens, je ne peut pas. Sinon en petit format je trouve que le spectateur arrive tout de même à se balader car il y a plusieurs détails à regarder et à analyser.

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Ma vie a toujours tournée autour de plusieurs questionnements. Un de ces questionnement a toujours résonné encore et encore dans ma tête. Nous, animaux, pourquoi nous ne vivons pas comme les autres "sauvages" ? Ma vidéo cherche à comparer la vie animal à celle humaine, deux vies complètement différentes mais aussi totalement similaires. Les animaux vivent en liberté, dans la joie avec le seul but de vivre, nous humains, nous vivons avec des milliers de buts. On oublie souvent de profiter de la beauté que la terre nous a donnée, pire, nous détruisons cette beauté. La nature est la première chose dont les êtres vivants ont besoin, un besoin dont l’Homme se persuade d’être non nécessaire. Le but de ma video est de rappeler notre but sur terre. La comparaison du monde animal et du monde humain cherche à montrer la douceur dont nous pourrions profiter face au stress, au bruit et aux devoirs dont nous faisons face actuellement, en tant qu’humains.

La musique viens du film le frère des ours, un de mes films préférés, ce film représente un humain qui se transforme en ours, l’humain comprend à travers l’ours, ses pensées, ses sentiments et sa vie, ce qui atténue la haine envers lui.

Les scènes humaines en arrière plan ont été filmés à Paris, dans les endroits les plus touristiques telle que la Tour Eiffel pour contraster avec la douceur de la nature.

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L'intention :

Créer des photographies esthétiques mais aussi une atmosphère rassurante afin de transmettre un message.

Ma démarche :

Pour cela, j'ai choisi des couleurs bien déterminées.

Le rose et le violet donnent une impression de calme et de réflexion. Ce sont des couleurs qu’on associe souvent aux émotions, aux pensées personnelles, aux rêves. Elles peuvent aussi créer une ambiance un peu mystérieuse, comme si quelque chose n’était pas encore totalement clair. Ici, sur ma série, c'est l'ombre qui n'est pas totalement claire.

Le jaune et l’orange sont des couleurs vives qui font penser au soleil, à la chaleur et au dynamisme.

Elles donnent une impression d’énergie, de joie et de confiance. Ce sont des couleurs qui attirent l’attention et qui rendent l’ambiance plus lumineuse.

Passer du rose au jaune orangé peut être un passage entre un univers plus doux et rêveur et quelque chose de plus affirmé, plus éclatant, comme si on sortait de l’imaginaire pour entrer dans quelque chose de plus fort et visible. Et le vert est souvent associé à la croissance, au renouveau en photographie.

Ensuite, j'ai choisi de changer mon fond en coucher de soleil pour revenir à un monde plus réel mais toujours calme, apaisant et rassurant.

L'objectif :

Mon but est de montrer une progression de l'acceptation de soi, de son identité. Au début de la série, on voit le visage incliné vers le bas avec un regard vide. Alors que son ombre regarde droit devant elle mais ne semble pas avoir une confiance totale car son intensité est légère. Sur les deux photos suivantes, on peut voir un regard perdu puis un regard qui reflète celui de l'ombre, on peut constater un contraste plus intense de l'ombre.

À partir de la quatrième photographie, on a un début de prise de conscience. Le fait que la personne regarde son ombre comme si elle se regardait dans un miroir signifie qu'elle prend conscience de sa propre existence. Pour la cinquième, l'éclairage crée deux ombres : la première est celle qu'on voit depuis le début, mais qui s'efface, on la voit plus très bien, on peut juste apercevoir le bas de son visage. Par contre, la deuxième est clairement visible, de teinte verte, qui exprime le renouveau, donc une nouvelle vision de soi-même.

On a un changement de fond qui nous mène à la réalité, tout en gardant une atmosphère féerique, rassurante et paisible.

La sixième image est la seule photographie jusqu'ici qui montre l'ombre comme un personnage à part entière dans le décor, cela montre l'acceptation mais pas encore totale. Car l'ombre est tournée face à nous comme dans la quatrième photo où la personne regarde son ombre, on pourrait traduire cela comme une invitation de l'ombre à la personne de s'accepter. La dernière photographie est la seule où on voit la personne et son ombre totalement dissociées. Mais aussi la première fois où la personne regarde vers le spectateur avec un regard très intense et sûr de soi. On peut en déduire avec ce regard que la personne a accepté l'invitation de l'ombre.

Référence :

Viviane Sassen est une photographe néerlandaise de renommée mondiale. Elle utilise souvent des ombres très noires et graphiques qui masquent ou révèlent des parties du corps. Chez elle, l'ombre n'est pas un défaut, c'est une forme sculpturale. Elle utilise aussi des filtres et des gélatines (rose, bleu, jaune) pour créer des ambiances oniriques et surréalistes. Elle explique que l'ombre représente la part de mystère et d'inconscient en nous.

Critiques :

Ma série de photographies est cohérente. Je trouve que mes neuf photos ne sont pas interchangeables. Elles sont toutes visuellement de bonne qualité. Je peux justifier chacune de mes décisions, que ce soit esthétiques ou techniques.

Mais si c'était à refaire, je ferais une série avec une plus grande vision, c'est-à-dire que je voudrais prendre des photos dans un plus grand espace et ne pas seulement prendre des portraits mais des plans plus larges, avec plus d'effets lumineux et plus de personnes.

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Mon projet représente un vieux pont perdu dans une forêt enchantée. Je me suis inspirée d'un vrai pont à côté de chez moi où j'allais tout le temps quand j'étais petite mais aussi du pont japonais de claude monet. C'est ce mélange entre mes souvenirs d'enfance et cette référence artistique qui m'a donné l'idée de faire un pont et j'aime bien les ponts. Pour montrer le côté oublié et nostalgique, j'ai fait exprès d'attendre que les branches de sapin et les pétales de rose fânent bien avant de les coller. Mais au final, j'ai transformé ce souvenir en rêve, c’est pour ça qu’il y a des couleurs comme le violet et le rouge. Ça crée une ambiance qui nous perd un peu, comme si on passait de la vraie vie à un monde imaginaire.J'ai aussi mis des billes de verre vertes pour faire comme des petites lumières magiques.

J'ai peint la boîte en noir pour donner un effet de profondeur, on a l'impression de s'enfoncer dans cette forêt interminable. Et j'ai bien aimé faire ce projet , d'ailleurs le pont avant d'être un pont c'était un barage qui avait servi dans mon projet 0 !

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Dans ce projet, j’ai créé un ensemble pour représenter la sensation du vide.

Plutôt que de représenter le vide comme une absence totale, j’ai choisi de le matérialiser à travers une forme sombre cousue au niveau du cœur

Le noir symbolise un vide intérieur, une absence. La forme contraste avec le tissu blanc, ce qui renforce l’idée d’un manque. Le blanc évoquer la fragilité, la vulnérabilité, tandis que le noir agit comme un trou etune masse oppressante.

le tissu est souple avec la forme noire plus rigide et plus chaotique donne déchirure, comme si quelque chose avait été arraché .

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Travail à faire en groupe (ou seul mais ça a plus de sens en groupe) :

Créez une maquette d'exposition, réelle ou virtuelle, d'un ou plusieurs espaces présentant une exposition collective des travaux de votre groupe.

Utilisez la fiche "Mémo" pour déterminer : un thème et un axe d'exposition (ex : une exposition sur le thème du paysage avec comme axe le processus de création), un titre pour l'exposition, des moyens scénographiques, un parcours, un sens de circulation.

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Sujet : explorer le rapport au réel, et aux "nouvelles technologie" en rendant vivante une exposition (qu'on n'a pas vue).

Comment : chaque groupe reçoit le dossier documentaire via le Padlet.

Vous trouverez plusieurs thèmes de travail :

- pages 10 à 15 : thèmes de l'exposition originelle

- pages 37 à la page 51 : thèmes pré-mâchés par des professeurs

Vous choisissez 1 thème avec votre groupe, que vous allez illustrer avec 2 œuvres.

Vous allez réaliser un exposé (travail numérique puisqu'on ne peut pas imprimer OU travail papier si vous voulez dessiner)

dans lequel vous présentez votre thème, vous l'expliquer, vous le mettez en relation avec 2 œuvres dont vous présentez la démarche.

ET !!!!!!!

Vous trouvez un moyen pour rendre une œuvre vivante

(soit en la reconstituant

soit en vous la réappropriant

soit en la parodiant si vous êtes capable d'assumer un regard distancé et critique).

Temps imparti : la séance + travail à la maison + rendu en une séance suivante.

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Prenez 4 fluos différents :

Fluo 1 : surlignez les définitions de termes

fluo 2 : surlignez les explications non paraphrasées du texte, qui montrent que l'élève a compris la thèse de l'auteur du texte

Fluo 3 : surlignez des exemples donnés par l'élève (donc des exemples personnels qui ne se trouvent pas dans le texte)

Fluo 4 : surlignez le positionnement de l'élève (il montre qu'il décide de confirmer ou de modérer les propos de l'auteur du texte)

Le commentaire est noté sur 8 points (au vrai bac).

Comptez 2 points par fluo et cela vous donne une idée de votre note.

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Ecoles d'art : comment réussir l'inscription Parcoursup

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Ecoles d'art : comment réussir l'inscription Parcoursup

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Comment entrer en école d'art : 6 bons conseils

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Comment entrer en école d'art : 6 bons conseils

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Eleanor Antin - 100 Boots (1971-1973)

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Henri-Gabriel Ibels (1867-1936)

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Two Sisters (On the Terrace)

Auguste Renoir 1881

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"Autoportrait avec la Mort jouant du violon" de Arnold Böclin et "Stańczyk" de Jan Matejko

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"Autoportrait avec la Mort jouant du violon" de Arnold Böclin et "Stańczyk" de Jan Matejko

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Artiste Bulgare

Pop Art

Janvier 2023

170x120cm

Acrylique

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Story Tellers: Puppets by Artistes(january 22-March 26)

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Story Tellers: Puppets by Artistes(january 22-March 26)

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Mannerism

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Grotte de Lascaux

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Franz kline - Chief ( 1950)

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1. Choisissez avec votre groupe une oeuvre provenant d’un mouvement artistique reconnu avant et après 1960 et testez le professeur sur une analyse rapide de l’image. Privilégiez des oeuvres avec une DEMARCHE qui produit du SENS

Liste de mouvements intéressants avant 1960 :

la Renaissance

le Classicisme

le Baroque

le Néo-classicisme

le pré-raphaélisme

le romantisme

l’expressionnisme

l'impressionnisme

le symbolisme

le réalisme

l’art pompier

Art moderne :

le dadaïsme

le surréalisme

l'abstraction

l'expressionnisme abstrait/lyrique

Liste de mouvements intéressants après 1960 :

le Pop Art

La figuration narrative

le Nouveau réalisme

Le Land Art

L'art vidéo

Arte Povera

Art conceptuel

Vous pouvez aller sur ces sites pour trouver des oeuvres :

https://www.artic.edu/collection

https://histoiredesarts.culture.gouv.fr/Fiches-reperes/Peinture

https://photo.grandpalaisrmn.fr/collections/fonds-photographiques

https://images.bnf.fr/#/home/

https://www.rijksmuseum.nl/en/collection

https://www.wga.hu/index1.html