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La razón por la que escogí esta temática es debido a todas las obras que están influenciadas por la religión. La religión ha estado ligada al arte desde sus orígenes y ha sido una herramienta de expresión desde tiempos memorables. Además, la religión ha desempeñado un papel clave en la cultura de la humanidad y ha moldeado la percepción y los valores de la sociedad. Podría decirse que, debido al impacto del arte en la evolución humana, estas dos ideas van de la mano. Asimismo, la idea de explorar y analizar el arte moderno a través de este lente me resulta muy interesante porque, a diferencia del pasado, el arte moderno se ha alejado mucho de la religión. Por lo tanto, esto significa que tendré que encontrar una nueva forma de interpretar estas obras de arte. En este sentido, me gustaría responder a la pregunta: ¿por qué y cuándo se alejó el arte de la religión?

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ARTIST PALETTE - Prophetic art_SilentPreacher

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Análisis: Obra de arte minoico: Sarcófago de Hagia Triada

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Ficha Tecnica:

Artista: Anonimo

Título: Sarcófago de Hagia Triada

Técnica: Pintura al fresco sobre piedra caliza

Dimensiones: Aproximadamente 137 cm de largo, 45 cm de ancho, 89 cm de alto

Fecha: 1400 a.C.

Estilo o corriente artística: Arte Minoico

Género: Funerario

Lugar: Museo Arqueológico de Heraclión, Creta, Grecia

Sarcófago de Hagia Triada, es un artefacto de la civilización miniocia la cual se originó en la isla de Creta, en Grecia, y aunque no perteneció específicamente a nadie en sí, sí tenía relación directa a la elite minoica, posiblemente un sacerdote, gobernante o figura importante en dicha sociedad. Esta obra tiene una forma rectangular de superficie plana, donde sus dimensiones son de 1,37x0,45x0,89 metros. Tiene cuarto caras que están cubiertas con frescos pintados, donde los colores que predominan son el rojo, azul, blanco y amarillo. La cara frontal incluye figuras humanas. Además, la cara posterior integra figuras humanas, animales, elementos naturales y objetos rituales. Asimismo, los dos lados laterales exponen escenas y personajes similares que las dos otras caras. Estas escenas son representadas a través de las procesiones, ya que muestran dichas figuras humanas portando ofrendas como animales, vasos rituales, y otros objetos sagrados que pueden llegar a simbolizar ceremonias en honor a los muertos, donde las ofrendas eran exhibirlas a los dioses y/o difuntos. También, se ve figurado un altar en diversas escenas, de nuevo realizando ofrendas, la cual sirve como un punto de conexión entre el mundo terrenal y el divino, ya que sugiere un componente ritual en el contexto funerario. En términos de los animales y que significan, ellos eran símbolos de fuerza y poder, y al momento de sacrificio podría estar relacionado con la idea de proporcionar energía o favor divino al difunto. Por otro lado, las aves y peces significan el alma del difunto, la comunicación con los dioses o la vida del más allá. Los elementos naturales, como los árboles y plantas, simbolizan la visa, regeneración, y la conexión con la divinidad. Con todo lo dicho, se puede decir que la obra conlleva temas como los ritos funerarios, conexión con la divinidad y el ciclo de la vida/ muerte.

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Obra seleccionada: La estatua de Zeus en Olimpia 

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Ficha Técnica 1:

Artista: Fidias

Título: La estatua de Zeus

Técnica: escultura en mármol, bronce, y oro.

Dimensiones: 12,4 m

Fecha: 435 a.C.

Estilo o corriente artística: arte de la Grecia Clásica

Lugar: Olimpia

Ficha Técnica 2:

Artista: Phyromachos

Título: El altar de Pérgamo

Técnica: arquitectura en mármol gris veteado.

Dimensiones: 36,80x34,20 m

Fecha: 170 a.C.

Estilo o corriente artística: arte de la Grecia helenística

Lugar: Pérgamo

Ficha Técnica 3:

Artista: Anonimo

Título: Sarcófago de Lucio Cornelio Escipión Barbato

Técnica: aataúd funerario de toba maciza

Dimensiones: 125x185 mm

Fecha: 298 a.C.

Estilo o corriente artística: arte de la Republica Romana

Lugar: el complejo del Museo Vaticano

Ficha Técnica 4:

Artista: Anonimo

Título: Via Labicana Augustus

Técnica: escultura en marmol.

Dimensiones: 2,07 m

Fecha: 12 a.C.

Estilo o corriente artística: arte del Imperio Romano

Lugar: Roma

La Estatua de Zeus en Olimpia, se encontraba en el templo de Zeus en Olimpia, Grecia. Fue creada por el escultor griego Fidias alrededor del año 435 a.C., como conmemoración al dios Zeus. Esta pieza fue encargada por el pueblo de Olimpia, o posiblemente por el propio estado, para honrar a Zeus, el rey de los dioses. La estatua original estaba hecha de marfil y oro, montada sobre un marco de madera, con piedras preciosas como decoración. La pieza está colocada estratégicamente de forma que la estatua parece majestuosa y serena. Él (Zeus) está situado en la parte central trasera del templo, sosteniendo un gran bastón con una figura parecida a un pájaro en la parte superior a su izquierda. Y a su derecha, una figura femenina con alas. Aunque el protagonista está sentado en lo que parece un trono, su rostro y su postura son dignos. La gran figura masculina está representada en un gran interior, con techos altos y columnas clásicas. Está pintado en dorados cálidos y rojos intensos, con colores de contraste como el blanco y tonos grises claros. Está claro que la composición general de la obra gira en torno a Zeus, la gran figura masculina. Hay cortinas rojas que ayudan a enmarcar la figura. Esta obra de arte transmite la idea de majestuosidad y poder de Zeus, soberano de los dioses griegos. Esta estatua se centra principalmente en la devoción religiosa y en el modo en que la cultura griega rodeaba sus creencias en torno a ella. Transmite los temas de la autoridad divina y la aspiración humana de honrar a los dioses a través del arte. El artista (Fidias) utiliza la narrativa de la veneración y la reverencia (hacia Zeus). Como esta estatua es de gran tamaño, el espectador queda empequeñecido cuando la mira de cerca. Esto ilustra el poder divino de Zeus y la importancia del templo como lugar de culto.

Referencias:

“Statue of Zeus.” Encyclopædia Britannica, Encyclopædia Britannica, inc., www.britannica.com/topic/Statue-of-Zeus. Accessed 12 Sept. 2024.

Cartwright, Mark. “Statue of Zeus at Olympia.” World History Encyclopedia, https://www.worldhistory.org#organization, 12 Sept. 2024, www.worldhistory.org/Statue_of_Zeus_at_Olympia/#google_vignette.

Guiomar Huguet Pané Especialista en historia contemporánea y editora digital    Actualizado a  10 de marzo de 2024 · 16:30  · Lectura:, et al. “Así Se Vería En La Actualidad La Estatua de Zeus En Olimpia, Símbolo de Victoria y Poder.” Historia.Nationalgeographic.Com.Es, 10 Mar. 2024, historia.nationalgeographic.com.es/a/asi-se-veria-actualidad-estatua-zeus-olimpia-simbolo-victoria-y-poder_14272.

El Grandioso Altar de Pergamo: Emblematica Obra Del, webs.ucm.es/centros/cont/descargas/documento4784.pdf. Accessed 12 Sept. 2024.

“Sarcófago de Escipión Barbato.” Sarcófago de Escipión Barbato, www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/museo-pio-clementino/sarcofago-scipione-barbato.html. Accessed 12 Sept. 2024.

“Via Labicana Augustus (Escultura).” EcuRed, www.ecured.cu/Via_Labicana_Augustus_(escultura). Accessed 12 Sept. 2024.

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Ficha Técnica 1:

Artista: Francesco Borromini y Alessandro Galilei

Título: Archibasílica de San Juan de Letrán

Técnica: arquitectura en mármol, cemento y granito.

Dimensiones: 140x73 m

Fecha: 324

Estilo o corriente artística: Paleocristiano y Barroco

Lugar: Roma

Ficha Técnica 2:

Artista: Tiziano Vecellio

Título: Mosaico de La Déesis de Santa Sofía

Técnica: mosaico.

Dimensiones: 1 m x 70 cm

Fecha: 1261

Lugar: Santa Sofía, Estambul

Ficha Técnica 3:

Artista: Hernán Ruiz, Juan de Ochoa y Ahmad Ben Baso

Título: Mezquita-Catedral de Córdoba

Técnica: arquitectura en

Dimensiones: 178 m x 125 m

Fecha: 786

Estilo o corriente artística: Hispanomusulmán, gótico, renacentista y barroco

Lugar: Córdoba

La Mezquita de Córdoba, en Córdoba (España), se construyó en el año 784 d.C., durante el reinado de Abd al-Rahman I. Se encargó que sirviera de mezquita monumental, encarnando el poder y la unidad de la comunidad islámica en Iberia. El edificio se mantuvo como símbolo de fe durante siglos. Durante la Reconquista cristiana, la mezquita se convirtió en catedral católica. La mezquita utilizaba piedra, mármol y jaspe. Su rasgo distintivo eran los arcos de herradura de dos pisos, hechos de dovelas rojas y blancas. La alternancia de estas piedras crea un patrón visual rítmico. Esto atrae la mirada a través de la vasta sala de oración. La luz juega un papel crucial en el diseño, filtrándose suavemente a través de las altas ventanas. Realza la cualidad etérea del espacio y acentúa la repetición de los arcos. La mezquita carece de figuras humanas debido al aniconismo islámico. En su lugar, presenta intrincados motivos geométricos y vegetales que adornan paredes y arcos. Las formas geométricas se arremolinaban en las superficies, creando profundidad e intriga. Los motivos parecían infinitos, lo que cautivaba a quienes entraban en el espacio sagrado. Cada motivo contaba una historia o representaba conceptos espirituales. La simplicidad fusionada con la complejidad reflejaba las ideas más profundas que subyacen a la fe. En 785 d.C., esta maravilla arquitectónica comenzó su andadura bajo el reinado de Abd al-Rahman I en España. Su objetivo era construir un gran lugar de culto que reflejara la confluencia cultural entre el arte islámico y las tradiciones locales de la época. Sin embargo, a lo largo de los siglos, la historia fue cambiando dentro de estos muros, que a menudo fueron testigos de la agitación de la conquista y los cambios culturales que los rodearon, y que también dieron forma a la sociedad que aún hoy la rodea, del mismo modo que la luz que se filtra por las ventanas invita a contemplar las creencias que transforman los espacios, que siempre guardan susurros de vidas pasadas dedicadas a la oración, que se asoman a su patrimonio común y encuentran puntos en común en medio de las luchas. Esta mezquita representa no solo un significado religioso, sino también un legado duradero de arquitectura que tiende puentes entre distintas épocas, combinando el esplendor artístico con la funcionalidad, al tiempo que experimenta diálogos históricos en constante evolución.

Referencias

Rodríguez, de  Alberto, et al. “Basílica de San Juan de Letrán (San Giovanni in Laterano) - En Roma.” EnRoma.Com, 6 May 2024, www.enroma.com/basilica-san-juan-letran/.

Romewalk. “Basílica de San Juan de Letrán: Historia, Arquitectura y Más.” Walks Inside Rome, 15 Mar. 2024, www.walksinsiderome.com/es/blog/about-rome/st-john-lateran-in-rome/.

“Arte Bizantino: Mosaico de La Déesis de Santa Sofía.” SUSANALOGY, 14 Feb. 2018, susanalogy.com/arte-bizantino-mosaico-de-la-deesis-de-santa-sofia/.

Poggi, Damián. “Arte Bizantino.” 3 Minutos de Arte, 6 Nov. 2020, www.3minutosdearte.com/movimientos-y-estilos/arte-bizantino/.

“The History | Web Oficial - Mezquita-Catedral de Córdoba.” The History | Web Oficial - Mezquita-Catedral de Córdoba, mezquita-catedraldecordoba.es/descubre-el-monumento/la-historia/.

“La Mezquita de Córdoba, El Esplendor de Al-Andalus.” Historia.nationalgeographic.com.es, 29 Jan. 2021, historia.nationalgeographic.com.es/a/mezquita-cordoba-esplendor-al-andalus_16265.

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Hola, Diana. Ando revisando y no veo tus entregas recientes relativas a arte gótico y románico. ¿Está todo bien?

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Ficha Técnica 1:

Artista: Fra Angelico

Título: Anunciación

Técnica: Oro y tempera en madera

Dimensiones: 194 × 194 cm

Fecha: 1425-1426

Lugar: Italia

Ficha Técnica 2:

Artista: Jean de Chelles, Pierre de Montreuil, Pierre de Chelles, Jean Ravy y Raymond Du Temple

Título: Notre Dame

Técnica: Arquitectura con piedra dimensionada

Dimensiones: 128 x 48 x 69 y 90 m

Fecha: 1163-1345

Lugar: Paris, Francia

La Catedral de Notre Dame, situada en París (Francia), es una elaborada estructura de arquitectura gótica. Se mandó construir en 1163, durante el reinado de Luis VII, y estuvo en construcción hasta el siglo XIV. Fue construida por el obispo Maurice de Sully en una época en la que la importancia religiosa de París iba en aumento. La catedral es un edificio católico romano que ha actuado como catedral y también representa la autoridad de la Iglesia Católica Romana durante la Edad Media. La catedral se construyó con piedra caliza y, además, utiliza plomo para el tejado. Además, las vidrieras son muy visibles e incluyen rosetones. Estas vidrieras dan naturalidad al interior y tienen la intención de una función litúrgica para enfatizar la espiritualidad de la arquitectura gótica y la atracción hacia el cielo y la luz. Está fuertemente ornamentada con numerosas figuras de escultura; algunas de ellas son gárgolas escultóricas, santos escultóricos y representaciones escultóricas de escenas de la Biblia. Una de ellas, popular y conocida en todo el mundo, es el Portal del Juicio Final, la escultura del pesaje apocalíptico de las almas. En el interior, la mayoría de los interiores de la catedral expresan una especie de amplitud y altura de la nave, que dirige la atención del espectador hacia el reino espiritual de lo alto. En el exterior, la piedra caliza es de un gris más claro, mientras que las vidrieras son de colores; cuando el sol brilla a través de las ventanas, el edificio se llena de los colores de los vidrios. Este juego de luz y oscuridad realza la espiritualidad, mientras que la estructura general de la fachada occidental, con dos ventanas gemelas y un rosetón, es de arco gótico. Notre-Dame es el templo consagrado a la Virgen María y semánticamente refleja valores como las superioridades espirituales, las perfecciones, la devoción y la gloria divina. Su acentuación arquitectónica, así como las referencias artísticas al cristianismo, describen el rumbo hacia la liberación representando un vínculo del mundo terrestre con los cielos a través de las torres.

“✅ Catedral de Notre Dame - Ficha, Fotos y Planos.” WikiArquitectura, 28 Feb. 2024, es.wikiarquitectura.com/edificio/catedral-de-notre-dame/.

Ingeoexpert. “La Catedral de Notre Dame: Toda Su Historia.” Ingeoexpert, 12 July 2022, ingeoexpert.com/2022/06/07/la-catedral-de-notre-dame-toda-su-historia/?srsltid=AfmBOor5euZ8biPnb2hy9I4aoNwdiQI4vaSZIxa4rF3FNsIkLsHpZGcb.

“Arte Bizantino: Mosaico de La Déesis de Santa Sofía.” SUSANALOGY, 14 Feb. 2018, susanalogy.com/arte-bizantino-mosaico-de-la-deesis-de-santa-sofia/.

Xxxxx. “Las Anunciaciones de Fra Angélico...” El Mundo de Las Artes Visuales..., 1 Jan. 1970, www.obrasbellasartes.art/2020/03/las-anunciaciones-de-fra-angelico.html.

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Ficha Técnica 1:

Artista: Miguel Ángel

Título: El Juicio Final

Técnica: Fresco

Dimensiones: 13,70 × 12,20 m

Fecha: 1536-1541

Lugar: Capilla Sixtina, Roma, Ciudad del Vaticano

Ficha Técnica 2:

Artista: El Bosco

Título: El jardín de las delicias

Técnica: Pintura al óleo sobre tabla

Dimensiones: 220 × 389 cm

Fecha: 1500-1505

Lugar: Países Bajos

El Juicio Final (1536-1541) de Miguel Ángel, encargado por el Papa Clemente VII para la Capilla Sixtina, refleja las tensiones religiosas del periodo de la Reforma. En cuanto a la forma, el fresco utiliza la técnica del fresco: pigmento aplicado sobre yeso húmedo. La luz desempeña un papel clave, con la iluminación divina resaltando a Cristo en el centro, mientras que las sombras enfatizan el sufrimiento de los condenados. Las figuras son musculosas y dinámicas, típicas del estilo de Miguel Ángel, con Cristo flanqueado por santos y ángeles en el reino superior, mientras que abajo se desarrollan escenas caóticas de los condenados. El espacio es celestial, dividido entre el cielo y el infierno, con figuras que flotan en las nubes o caen en el tormento. Los contrastes de color son vivos: azules y rojos brillantes dominan el reino celestial, mientras que los tonos más oscuros y terrosos definen a los condenados. La composición se centra en torno a Cristo, que irradia luz, mientras los salvados ascienden por la izquierda, y los condenados descienden por la derecha, reflejando una clara jerarquía moral y espiritual. El fresco narra la historia cristiana del día del juicio, en el que las almas son eternamente recompensadas o castigadas en función de su vida terrenal. La representación de Miguel Ángel del juicio divino refuerza la autoridad de la Iglesia católica en una época de agitación religiosa, capturando visualmente el poder de la fe y la justicia divina.

Referencias

Tríptico del Jardín de las delicias - Colección. (n.d.). Museo Del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/triptico-del-jardin-de-las-delicias/02388242-6d6a-4e9e-a992-e1311eab3609

Jardín de las delicias, El [El Bosco]. (n.d.). Museo Del Prado. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/jardin-de-las-delicias-el-el-bosco/578702d4-4420-4e97-8518-8363a1fc2c9e

Bernárdez, D. (2024, April 18). Juicio final Miguel Ángel. EnRoma.com. https://www.enroma.com/juicio-final-miguel-angel/

El juicio final de la Capilla Sixtina - Michelangelo Buonarroti. (n.d.). HA! https://historia-arte.com/obras/el-juicio-final-de-la-capilla-sixtina-miguel-angel

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Ficha Técnica 1:

Artista: José de Madrazo y Agudo

Título: Jesús en casa de Anás

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 176 x 226 cm

Fecha: 1803

Lugar: España

Ficha Técnica 2:

Artista: Jacques-Louis David

Título: El Juramento de los Horacios

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 330 × 425 cm

Fecha: 1784

Lugar: Francia

Ficha Técnica 3:

Artista: Gian Lorenzo Bernini

Título: Ampliar Éxtasis de Santa Teresa

Técnica: Escultura

Dimensiones: 340 cm. de altura

Fecha: 1652

Lugar: Italia

Jesús en la casa de Anás constituye un logro significativo en los comienzos de la carrera de José de Madrazo. Creada durante su estancia en París como discípulo de Jacques-Louis David, esta obra es uno de los primeros ejemplos de la pintura religiosa española del siglo XIX. Realizada entre 1802 y 1803 por encargo del rey Carlos IV, se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Representa un hito del neoclasicismo español, ya que se inspira en las técnicas compositivas clásicas. Madrazo utilizó óleo sobre lienzo, haciendo hincapié en un equilibrio de luces y sombras para resaltar a Jesús en medio de los tonos más oscuros de las figuras circundantes. Las figuras están representadas a tamaño natural y recortadas por las rodillas, una elección poco habitual en el arte neoclásico. La composición dispone las figuras en forma de friso, acercándolas al espectador. La paleta de colores es tenue, con predominio de los tonos cálidos, salvo el llamativo blanco de la túnica de Jesús, que atrae la atención del espectador. La composición estructurada y las figuras equilibradas reflejan un enfoque neoclásico influenciado por artistas boloñeses como Guercino y Domenichino. El cuadro retrata el tema del sufrimiento y la resistencia, centrándose en el momento en que Jesús permanece atado ante Anás, mientras un guardia se prepara para golpearle. Madrazo capta la tensión entre la serena belleza de Jesús y el comportamiento intenso y rudo de sus agresores, especialmente del guardia que se dispone a abofetearle. Este contraste añade tensión dramática, mientras que la expresión estoica de Jesús subraya su sereno desafío. El planteamiento de Madrazo, que utiliza la contención y la monumentalidad neoclásicas, confiere a la escena una gravedad histórica, casi romana, privándola del típico calor emocional o devocional. A través de las expresiones faciales y los gestos controlados, Madrazo transmite sutilmente un espectro de emociones entre las figuras circundantes, enriqueciendo la profundidad de la narración.

Referencias

Jesús en casa de Anás - Colección. (n.d.). Museo Del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/jesus-en-casa-de-anas/f4b0a5a5-ef3c-4cc6-9e8b-69860c5ba0a5#:~:text=Jes%C3%BAs%20en%20casa%20de%20An%C3%A1s%20%2D%20Colecci%C3%B3n%20%2D%20Museo%20Nacional%20del%20Prado&text=Fundador%20de%20una%20estirpe%20de,nombres%20del%20Neoclasicismo%20en%20Espa%C3%B1a.

Jesús en casa de Anás. (n.d.). Mis Museos. http://mismuseos.net/en/community/metamuseo/resource/jesus-en-casa-de-anas/9357dbaf-7ff9-4773-a6a0-9b5b98e33658

El juramento de los Horacios - Jaques-Louis David. (n.d.). HA! https://historia-arte.com/obras/el-juramento-de-los-horacios

Bladé, R. (2024, June 23). ‘El juramento de los Horacios’, el cuadro que “guillotinó” al Rococó. La Vanguardia. https://www.lavanguardia.com/historiayvida/edad-moderna/20240623/9748560/juramento-horacios-cuadro-guillotino-rococo.html

Éxtasis de Santa Teresa - Gian Lorenzo Bernini. (n.d.). HA! https://historia-arte.com/obras/extasis-de-santa-teresa

Roman, M. (2021, February 10). EL EXTASIS DE SANTA TERESA ( 1652 ) — ¿Qué significa este cuadro o escultura? ¿Qué Significa Este Cuadro O Escultura? https://www.marisolroman.com/publicaciones/el-extasis-de-santa-teresa-1652

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Ficha Técnica 1:

Artista: Jean Francois Millet

Título: El Ángelus

Técnica: Óleo

Dimensiones: 55,5 x 66 cm.

Fecha: 1859

Lugar: Francia

Ficha Técnica 2:

Artista: Paul Gauguin

Título: The Green Christ

Técnica: Oil on canvas

Dimensiones: 92 cm × 73 cm

Fecha: 1889

Lugar: Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Bruselas

Ficha Técnica 3:

Artista: Salvador Dalí

Título: Cristo de San Juan de la Cruz

Técnica: Óleo

Dimensiones: 205 × 116 cm.

Fecha: 1951

Lugar: Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow (Reino Unido)

Cristo de San Juan de la Cruz (1951) de Salvador Dalí refleja la fase mística del artista, inspirada por una visión de San Juan de la Cruz. El cuadro reinterpreta el dibujo de San Juan, centrándose en la belleza divina de Cristo más que en su sufrimiento. Fue creado en España y actualmente pertenece a la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow, aunque no fue un encargo.

Dalí utilizó óleo sobre lienzo con una técnica fotorrealista para elaborar una imagen luminosa y surrealista. La composición está dominada por el cuerpo de un ser crucificado, que flota sobre una cruz geométrica en un vacío oscuro e infinito. La figura no muestra signos de sufrimiento, ni clavos, ni heridas, ni sangre. Abajo, el tranquilo paisaje costero, representado en azules suaves y tonos terrosos, contrasta con el drama celestial de arriba. La cruda luz que irradia de la cruz separa lo divino de lo terrenal, mientras que la composición vertical y el dramático escorzo acercan a Cristo al espectador.

La obra de Dalí retrata a Cristo como una figura metafísica y divina, que trasciende el dolor humano. Al eliminar los símbolos tradicionales de la crucifixión, Dalí enfatiza la esencia espiritual de Cristo, iluminado por una luz divina interior. La serenidad de los pescadores y de las barcas simboliza el reino terrenal, situando la visión etérea en un entorno pacífico y cotidiano. La dramática perspectiva, vista desde arriba, evoca el asombro e invita a contemplar la conexión entre el cielo y la tierra. Dalí trató de representar la belleza y la divinidad de Cristo, expresando una visión de trascendencia espiritual que refleja su devoción personal. Esta poderosa yuxtaposición de grandeza celestial y sencillez terrenal subraya el mensaje del cuadro: una celebración de la gracia divina y la belleza metafísica.

Referencias

El Ángelus - Jean Francois Millet. (n.d.). HA! https://historia-arte.com/obras/millet-el-angelus

L’Angélus - Jean-François Millet | Musée d’Orsay. (n.d.). https://www.musee-orsay.fr/es/obras/langelus-345

Paul Gauguin - Cristo Verde (también conocido como Calvario de Breton). (n.d.). https://es.wahooart.com/@@/8XXEV8-Paul-Gauguin-Cristo-Verde-(tambi%C3%A9n-conocido-como-Calvario-de-Breton)

MeisterDrucke. (n.d.). El Cristo Verde, 1889 1939 | Paul Gauguin. MeisterDrucke. https://www.meisterdrucke.es/impresion-art%C3%ADstica/Paul-Gauguin/762693/El-Cristo-Verde,-1889-1939.html

Cristo de San Juan de la Cruz - Salvador Dalí. (n.d.). HA! https://historia-arte.com/obras/cristo-de-san-juan-de-la-cruz

El Cristo | Fundació Gala - Salvador Dalí. (n.d.). https://www.salvador-dali.org/es/obra/catalogo-razonado-pinturas/obra/667/el-cristo