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En la antigüedad los egipcios desarrollaron diferentes técnicas y métodos para crear el color rojo hasta la era contemporánea

Desde hace 40,000 años atrás el color rojo era uno de los pigmentos más utilizados en la antigüedad. Ya que era creado a partir de pigmentos naturales como la hematita (óxido de hierro).  Los mesopotámicos (c. 3500 a.C. - 539 a.C.) también usaban tintes naturales para el color rojo.

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Altamire Bison Altamira Cave - Village of Antillana del Mar, Cantabria, Spain 16,000 to 9,000 B_C

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El rojo se vio como un simbolo muy fuerte en la vestimenta religiosa. El cristianismo y la religion fueron influyentes en el arte y el pigmento rojo. Se empezo a buscar y a crear diferentes tonos de rojo, tales como el carmin y el bermellon para los trajes y las obras de arte.

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A finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, el color rojo fue un simbolo sumamente importante en las revoluciones, como el la revolucion francesa y rusa. Represento los movimientos sociales y la misma revolucion.

El rojo fue un color representativo de la sangre, la ira y la fuerza.

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Durante en siglo XX, el color rojo genero una gran devocion y significado en diversas culturas.  Por ejemplo en la china, el color rojo representa la buena suerte y la prosperidad. Por ello vemos que en el año nuvo chino, es un color muy prominente en las calles de china y ademas es usado en muchas decoraciones y simbolos de felicidad.

En el occidente el rojo reprensenta el arte, las emociones, la publicidad y la moda.

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El color rojo hoy en dia es una color mas que todo representativo en la moda, el arte, los sentimientos, la pasion, el amor, el peligro, la energia, la vitalidad, cultura y publicidad.

El color rojo, tiene un fuerte poder en la vida de quien lo aprecia. Es un color que ha pasado por muchas culturas y tradiciones a lo largo de los tiempos.

En la moda el color rojo da un toque de sensualidad y fortaleza.

En el amor da un simbolo del corazon y la union y pasion.

La publicidad en el siglo XXI crecio con mucha fuerza por las redes sociales, por lo tanto el color rojo tambien es usado para dar avisos importantes o simplemente decir que podria estar en ofertas.

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Oxido de hierro

Similar a la hematita, los egipcios también usaban otros compuestos de óxido de hierro para producir pigmentos rojos. Estos compuestos pueden variar en tono, desde rojo brillante hasta tonos más oscuros.

El óxido de hierro se obtenía mediante la oxidación del mineral de hierro en condiciones controladas y luego se molía hasta obtener un polvo fino.

Pigmento de Cochinilla (Carmines)

El pigmento de cochinilla, obtenido de los insectos.

Los insectos se secaban y trituraban para extraer el ácido carmínico, que se utilizaba para crear tintes rojos brillantes.

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https://www.infobae.com/cultura/2021/10/06/la-historia-del-color-rojo-de-las-pinturas-rupestres-al-comercio-de-los-mejores-pigmentos/

https://es.desonpigments.com/info/history-of-iron-oxide-84990626.html

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El color rojo está vivo, como un cartucho de dinamita. Las expresiones "los rojos" o "la roja", por ejemplo, están cargadas de fuertes significados simbólicos e identitarios, como la energía, el instinto o la pureza. Porque el rojo es arrebatante, se posa sobre lo que merece la pena. Esto se debe a que nuestra relación con el color rojo es mucho más íntima y profunda de lo que pensamos, tanto que le debemos parte de nuestra humanidad.

La primera pintura, la que no se olvida

Goethe señaló dos hechos sorprendentes sobre el color rojo: "Es notable la inclinación que por este color sienten los pueblos salvajes. Y cuando dejamos a los niños que por sí mismos jueguen con los colores, no olvidarán jamás el color rojo". Goethe dio en el clavo: el color rojo no se olvida. Su carácter primitivo deja en la memoria un registro que nadie olvida jamás.

El rojo es el color de la tierra primigenia, de la tierra oxidada, del ocre y de la arcilla. Ampliamente utilizado en las pinturas del arte rupestre, junto con el negro, el marrón y el amarillo, en muchas culturas es una pintura sagrada que surge espontánea de las entrañas de la propia naturaleza. Por ejemplo, el ocre rojo que, según Goethe, nunca olvidaremos, seguramente ha sido la primera pintura del Homo Sapiens.

En la conocida cueva Blombos de Sudáfrica, por ejemplo, se encontró una roca pintada a propósito, la más antigua conocida, de hace 75.000 años. Se trata de ocre, un mineral rico en hierro que al oxidarse se torna rojizo. El ocre es, de hecho, el pigmento natural más extendido de la superficie terrestre. Esa pequeña roca pintada en Blombos sugiere que los primeros Homo Sapiens ya sabían cómo utilizar el ocre para pintar de manera simbólica y creativa las paredes de sus cuevas y sus instrumentos de caza.

Pero podemos ir más allá en el tiempo. Ahora comenzamos a saber que el uso de pigmentos puede incluso ser bastante anterior. En las cuevas Kabwe de Zambia en África Central se han encontrado diversos utensilios con rastros que parecen pigmentos de hace 500.000 y 300.000 años. Muy anteriores incluso a la llegada del Homo Sapiens, de cuando todavía no había humanos pisando la Tierra.

Un pigmento sagrado, una práctica humanizante

El filósofo Ernst Cassirer definió al ser humano como un animal simbólico. Y otro filósofo, Ian Hacking, amplió su mirada, precisando que el origen de la representación simbólica no se limita al lenguaje natural, sino que se encuentra quizá un poco antes, en la expresión gestual y artística deliberada.

Pues bien, el hecho de encontrar pigmentos tan tempranamente indica que los ancestros más lejanos, aunque todavía desprovistos de lenguaje, eran capaces de comportarse simbólicamente, según algunos estándares socialmente construidos. Y si esto fue así, entonces es difícil determinar si los humanos creamos la pintura roja, o si esta nos creó a nosotros.

Si el uso de pigmentos es anterior al lenguaje, eso sugiere que el arte simbólico es anterior al lenguaje. A partir de ahí, se podría especular que la fabricación de los primeros instrumentos complejos, anteriores incluso que las primeras formulaciones lingüísticas, corrieron en paralelo al arte, es decir, al uso simbólico, creativo y expresivo de los pigmentos. Quizá, y sin que suene demasiado poético, es posible afirmar que literalmente hemos sido humanizados por el ocre rojo.

Un tinte de gran valor

Más tarde, en las sociedades más complejas, el pigmento rojo ha seguido guardando su privilegiada posición. Durante siglos, los pigmentos rojos más valorados y escasos se han utilizado para hacer trueques, para pagar impuestos o para hacer inversiones a futuro. Sería imposible conocer la cantidad comerciantes, aventureros o soldados que han arriesgado sus vidas para conseguir o transportar los mejores pigmentos rojos, por unas rutas despiadadas de gobernantes corruptos, asaltantes de caminos y piratas de alta mar.

Como Julio César en enero del 49 dirigiéndose a Pompeya, son muchos los que han cruzado el río Rubicón ( ruber en latín es rojo), esa línea roja que simboliza lo prohibido y lo peligroso.

La importancia política y económica del pigmento rojo viene de su valor artístico, llamativo e insustituible para el ojo humano. Un rojo de calidad siempre ha sido muy caro. Plinio el Viejo, por ejemplo, cuenta cómo robaban los pintores clásicos el tinte rojo elaborado a partir del mineral cinabrio.

Aquellos artistas limpiaban la brocha en agua constantemente para luego quedarse con esa agua. Una forma sutil de paga extra. El cinabrio era el hermano imperial del ocre, muy vistoso y mucho más valioso, y se extraía de las minas de mercurio en Almadén (Ciudad Real), un mortífero infierno terrenal.

Con el ocre y el cinabrio competía el carmín. De hecho, durante la época del Imperio romano, los habitantes de la península ibérica pagaban sus impuestos en carmín, un tinte rojo orgánico. La mitad de los impuestos que enviaban a Roma iban en sacos de cochinilla o grana, un pequeño insecto, hembra, del que se extrae el carmín.

Se trata de un hecho curioso que mil años más tarde la situación peninsular se invierta; se pasa de pagar a cobrar en carmín. A partir de 1523 los pueblos aztecas mexicanos empezarán a pagar a los conquistadores españoles la mitad de sus impuestos en cochinilla o grana. A través del océano llegarán a la península miles de sacos de cochinilla, trillones de insectos desecados, de una mayor calidad que la europea.

En esa época renacentista, y hasta el barroco, el tinte rojo era un valor económico seguro, sobre todo por la incipiente artesanía textil. Los uniformes del ejército británico, por ejemplo, se teñían de carmín para camuflar la sangre de las heridas en el campo de batalla. Es curioso que durante largas décadas, y gracias a su monopolio transoceánico, el imperio español hiciera caja tiñendo con carmín los uniformes de su principal enemigo.

Y precisamente ese carmín mexicano, de un maravilloso rojo intenso, propició que en la Europa del siglo XVII empezara a popularizarse la cosmética y el maquillaje. Aunque ahora pueda parecer repugnante, la preciosa sangre de hueva de insecto embelleció los mofletes de la burguesía durante 200 años. Fue uno de los secretos españoles mejor guardados, hasta que un francés, un tal Thierry de Menonville, demostró en 1787 que el carmín era, en realidad, sangre de insecto, como describe la historiadora de la pintura Victoria Finlay. Ahí terminó el negocio cosmético de los españoles y el rococó de los palacios europeos.

La guerra del ocre

El pigmento rojo de calidad ha sido una mercancía de un grandísimo valor, generando mercados, industrias e, incluso, alguna guerra. Finlay explica cómo, durante siglos, los aborígenes de Australia hacían trueque de ocre y drogas. Intercambiaban las rocas de ocre que previamente extraían de remotos lugares secretos y sagrados, por el pirulí, una planta nicotinada.

Estos indígenas no consideraban sagrado cualquier tipo de ocre, sino solo ese particular que esconde la tierra, que destaca gracias a su toque de mercurio, que hace que su rojo sea más hemofílico, más brillante, más húmedo y más dinámico.

Ese equilibrio aborigen de trueques, secretos y prácticas anímicas se desmoronó cuando los blancos recién asentados comenzaron la explotación masiva de las minas de ocre, dando paso a la conocida Guerra del Ocre (1860) y a la Masacre del Ocre (1863).

En definitiva, hace cientos de miles de años, el ocre nos enseñó a pintar, ayudándonos a llegar al lenguaje simbólico a través de la práctica artística. En un sentido bastante literal, le debemos nuestra humanidad. Pero paradójicamente, el mismo color que nos humanizó hace 300.000 años, en el siglo XIX llevó a los colonos blancos asentados en Australia a su completa deshumanización. Así ha escrito el rojo vivo la historia de la humanidad. La sangre que corre por sus entrañas.

Para saber más

*Ekai Txapartegi es profesor de Filosofía en la Universidad del País Vasco. Esta nota apareció originalmente en The Conversation y se publica aquí bajo una licencia de Creative Commons.

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La historia del color rojo: de las pinturas rupestres al comercio de los mejores pigmentos

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El mismo color que nos humanizó hace 300.000 años enseñándonos a pintar ha sido un objeto de gran valor comercial durante toda la historia. Tantas han sido las disputas y transacciones realizadas con este color que, incluso en el siglo XIX, propició una guerra por aquello que es nuestro desde hace milenios: el rojo.

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Desde hace tiempo atras me ha gustado saber y entender el como la humanidad ha logrado hacer tantas cosas.El color rojo en cuestion es uno de los primeros pigmentos que la humanidad uso para hacer el arte, por esto mismo me intrigo el saber como un pigmento ha podido desarrollar un avance significativo en la historia de toda la humanidad. Ironicamente el color rojo es el color que uso en mi cabello, mi cabello es lo que mas me gusta de mi fisico. El color rojo fue, es y será un gran aporte a la humanidad.

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Bisonte de la cueva de Altamira (España).

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Se estima que fue pintada hace unos 73 000 años.

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Ofrenda a las divinidades en el Palacio de Mari

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Caza entre los Papiros (Tumba de Nebamun) Museo Británico.

Esta pintura fue realizada sobre un mural, para hacer esta obra se utilizo una tecnica mixta, sobre un muro fresco y un acabado con pigmentos hechos al temple.

Al generar este tipo de estrategia, se puede notar una pintura con colores brillantes y luminosos.

Esta obra es figurativa y con estilo naturalista.

Al analizar a los protagonistas de esta obra, se logra ver a un cazador, sobre una barca, sobre el rio nilo. Este cazador esta claramente cazando variedad de fauna.

Dos mujeres estan junto a el cazador, estas podrian tartarse de familares o de algun servicio personal de este mismo.

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Fresco del saltador de toros, del palacio de Cnosos.

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La Tumba del Buceador, ubicada en el museo de Paestum en Italia, corresponde a una obra maestra del arte funerario griego datada aproximadamente entre los años 500 y 475 a.C., a partir de 1968 descubierta por el arqueólogo Mario Napoli; es célebre por su representación en fresco sobre el techo de la misma, donde aparece un joven sumergido bajo el agua, lo que representaba un tema bastante excepcional para un monumento funerario.

La tumba está construida con cinco grandes losas de piedra caliza, queda constituida como una cámara de unos 2 x 1 x 0.8 metros aproximadamente. Sus paredes, cuya representación es realizada a través de la técnica del fresco, muestran escenas correspondientes a un simposio, tal como era llamado este tipo de banquete griego. En las paredes norte y sur, aparecen sentados los convidados reclinados sobre tumbonas, luciendo coronas y rodeados de comida y bebida. En una de las paredes aparece un hombre jugando a lanzar vino, y en la contraria, aparece un momento pederástico mostrado a manera de evento principal. En la pared oeste se muestran las figuras que van llegando o saliendo del banquete y la este se presenta a un sirviente de pie con una jarra junto a una mesa de servicio.

Acompañando el esqueleto correspondiente del difunto del lugar, que se cree que era un joven, se encontraron algunas cosas, como un caparazón de tortuga y un lekythos, representando una especie de ánfora.

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El Mosaico de Alejandro Magno, hallado en Pompeya, representa la feroz batalla, donde se enfrenta Alejandro Magno a Darío III, aunque se encuentra incompleto (en particular la parte correspondiente a Alejandro a caballo). El mosaico destaca por su virtuosismo técnico y su expresividad. En el lugar central de la composición, guerreros y caballos en combate aportan tanto el detallismo de las armas caídas, como un árbol seco al fondo, para dar profundidad a la representación del paisaje. Las imágenes de Alejandro y de Darío han sido ubicas en los lugares principales de la composición, un caballo espantado en escorzo primitivo les otorga dramatismo. El mosaico muestra la combinación entre la precisión técnica con una estructura compositiva dinámica, que muestra el alboroto y la intensidad de la batalla con marcada virtuosidad.

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Villa de Oplontis, Torre Annunziata. 39 a. C. 

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Comparación Grecia Clasica y helenística 

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Comparación Grecia Clasica y helenística 

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Formalidad vs. Dinamismo: La pintura clásica tendía a enfatizar formalmente la perfección y la serenidad, mientras que la pintura helenística apuntaba al dinamismo y a la tensión dramática con una representación más libre, la pintura clásica tendía a enfatizar formalmente la perfección y la serenidad.

Idealización vs. Realismo. A lo largo de la Grecia clásica el representado se caracterizaba por un deseo de idealizar la forma humana y las emociones, de tal forma que la helenística abordaba una visión más veraz pero en la que las emociones complejas también encontraban su sitio.

Temática y Narración. Las pinturas clásicas solían centrarse en lo mitológico, heroico y con un estilo narrativo más convencional, las helenísticas en una considerable variedad de temas en los que también contemplaban lo humano y lo diverso.

Estos cambios aluden a las transformaciones de los valores culturales y estéticos de la Grecia antigua que van desde la búsqueda de la perfección ideal en el tiempo clásico hasta un mayor interés por la expresión emocional, la representación realista o bien por la emoción extrema en el tiempo helenístico.

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Pintura mural de Jesucristo en la Catacumba de Comodila. 

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La pintura mural de Jesucristo en la Catacumba de Comodila es un modelo muy iconico del arte paleocristiano. La composición frontal, los colores simbólicos, el halo, que lo identifican con Cristo, su expresión tranquila, y su postura rígida, alta y simétrica, refuerzan la idea de que puede permitir la lectura de la divinidad de Cristo. En el lugar en que se ubica, la imagen mural de la Catacumba de Comodila con su mensaje de consuelo por medio de la esperanza de la resurrección de los primeros cristianos hace un hincapié en un estilo simple,de tal manera hace que prevalezca el mensaje teológico por encima del carácter de la imagen y del realismo. Esta obra fue generada mediante pintura al fresco, una técnica que consiste en aplicar pigmentos sobre yeso húmedo, lo que permite que los colores se adhieran y perduren en el tiempo. Los pigmentos naturales utilizados eran minerales y vegetales, como ocres, rojos y azules, extraídos de materiales locales.

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Esta miniatura muestra a los vikingos daneses camino de Inglaterra en 865. Fue el comienzo de un ataque que terminó con la muerte de Edmundo, rey de Anglia Oriental. Siglo X. Museo de Oslo. 

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Hilas y las Ninfas de John William Waterhouse, 1896

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John William Waterhouse nos cuenta una historia de seducción y peligro a través de una escena visualmente cautivadora. Hylas, joven e indefenso, se acerca a un grupo de ninfas que lo rodean en el agua, atrayéndolo con su belleza serena. Las ninfas, con sus pieles pálidas y miradas tranquilas, simbolizan tanto la tentación irresistible como el riesgo oculto que amenaza a Hylas.

Los colores suaves y naturales de la escena, con verdes y marrones, nos transportan a un entorno misterioso, mientras que pequeños toques de rojo en las flores sugieren la pasión y el peligro que acechan. El rojo no es dominante, pero es una señal de advertencia: algo que parece hermoso puede ser mortal.

Al final, Waterhouse nos muestra el frágil equilibrio entre la belleza y la amenaza, capturando ese momento en que Hylas está a punto de ser arrastrado a un destino trágico. La obra nos hace sentir la tensión entre el deseo y el miedo, recordándonos lo seductora pero peligrosa que puede ser la belleza. En esta obra se utilizo oleo sobre lienzo, en la cual el oleo fue utilizado con tecnica de capas.

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Announcing Angel de Lorenzo di Niccolò, 1390

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La obra nos muestra un ángel de gran protagonismo y majestuosidad , propio del estilo gótico primitivo. La composición es muy simétrica y, por tanto, tiene un aire de equilibrio y calma. El pan de oro utilizado para el fondo y para los dedos del halo y las vestimentas proporciona al ángel un halo que parece sobrenatural, además de poder evadir con ello el mundo humano y hacer una alusión al cielo. Los colores rojo y azul que aparecen en la vestimenta no son casuales, el rojo hace referencia a la realeza y el azul a lo espiritual.

El rostro del ángel refleja la calma, la expresión que transmite es generalmente tranquila y placentera, parece una figura que invita a la reflexión y a la tranquilidad. Los pliegues de las vestiduras están realizados por el autor con todo lujo de detalles, añadiendo grandeza a la figura del ángel. La utilización de un fondo dorado para eliminar todo vestigio terrenal acentúa la sensación de que el ángel se encuentra en un plano celestial y alejado del mundo humano. En resumen, la obra quiere elevar el espíritu del espectador, vincularlo con los valores espirituales de grandes momentos a través de la delicadeza visual y la serenidad en los rasgos del ángel. En esta extraordinaria obra se utilizo temperas, pan de oro y panel de madera.

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El "Ángel" de Lorenzo di Niccolò (1390) y "Hilas y las Ninfas" de John William Waterhouse (1896) son opuestos visualmente y en su mensaje. El ángel de Niccolò es sereno y estático, en un fondo dorado que simboliza lo divino y eterno, mientras que las ninfas de Waterhouse rodean a Hylas en una composición dinámica y sensual, llena de movimiento y emoción. Niccolò utiliza el oro para resaltar la espiritualidad, mientras Waterhouse emplea una paleta de verdes, marrones y rojos, que expresa la pasión y el peligro. Una obra refleja lo celestial y sereno, mientras que la otra explora lo humano, lo emocional y lo vulnerable.

La comparación de técnicas en estas dos obras es bastante interesante ya que Lorenzo di Niccolò, utiliza témpera sobre panel de madera, una técnica propia del arte gótico. La témpera permite colores brillantes pero planos, y la superficie del panel proporciona un acabado firme. El uso del pan de oro es esencial para crear un fondo brillante y etéreo, eliminando la tridimensionalidad y enfocándose en lo divino, mientras que John William Waterhouse usa óleo sobre lienzo, una técnica que ofrece mayor flexibilidad y profundidad en los colores. Los óleos permiten capas de pintura y una gama más rica de tonalidades, lo que contribuye a un tratamiento más realista de las figuras y el entorno, creando volumen, textura y luz en la representación de las ninfas y la naturaleza.

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Rafael, “Virgen del jilguero” (ca. 1505-1506)

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"El hombre con turbante" de Jan van Eyck, 1433.

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El "Retrato de un hombre con turbante", pintado por Jan van Eyck, es una obra asombrosa del Renacimiento en los Países Bajos, que destaca la perfección de un realismo en el que se destaca su profundidad psicológica y el interés por el individuo. Debido a que la composición sea frontal, y situada tan próxima al rostro del hombre, le otorga mayor inmediatez al contacto con el espectador; dicha inmediatez queda destacada por la mirada penetrante y fuerte del sujeto. La minuciosidad en la representación del rostro, en la que las arrugas y la textura de la piel dan cuenta de la maestría de Van Eyck en el intento de hacer ver la experiencia y la sabiduría que la figura refleja.

El turbante de color rojo es sumamente importante ya que genera un cierto volumen de los pliegues, pero también un marcado intenso que contrasta con el oscuro fondo. Ello repercute, en el uso de la iluminación, convirtiendo en un primer plano tanto la figura del rostro como el exótico turbante, que podría ser una representación del estatus incluso, o incluso un significado personal del propio Van Eyck, en el caso hipotético de ser un autorretrato.

El color rojo tambien es protagónico en esta obra, ya que produce un semtimiento de profundidad. Al ser una obra hecha con la tecnica del Oleo, e rojo juega mucho con las sombras y los pliegues, ademas de darle a este cuadro una vision que lleva al espectador a estar frente a frente con un señor con una mirada profunda y penetrante.

También la luz ofrece gran protagonismo en la obra, que va dirigida suavemente hacia el rostro, acentuando los volúmenes ofreciendo un cierto naturalismo a la descripción también de la figura. Van Eyck consigue darle profundidad al retrato utilizando una iluminación con sombras muy sutiles que hacen ver el realismo con la oscuridad pero también el dramatismo; además, el dominio del óleo que él desarrolla puede conseguir la textura más acompasada, tanto en la piel del hombre como en la compleja estructura del turbante.

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"El Abrazo ante la puerta dorada"  de Rodrigo de Sajonia. 1515-1519.

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 La cólera de Aquiles, 1819 de Jacques-Louis David

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Comparación arte neoclasico y arte barroco 

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Comparación arte neoclasico y arte barroco 

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La Cólera de Aquiles de Jacques-Louis David y Judith y Holofernes de Caravaggio capturan el conflicto humano desde dos miradas opuestas y reveladoras. David, con su estilo neoclásico, nos muestra un Aquiles sereno, incluso en medio de la ira. La obra refleja la contención y la razón, valores propios de la Ilustración, como si nos contara que, aun en los momentos de mayor emoción, es posible encontrar equilibrio y dignidad. La paleta se muestra muy suave y la luz delicada subrayan esta calma, dejando en el espectador tenga una sensación de respeto por la templanza y el autocontrol.

Caravaggio, en cambio, nos lanza directo al drama. Su Judith y Holofernes es intensa y brutal. La oscuridad que envuelve a los personajes, el contraste de luces y sombras, y la sangre que destaca en tonos rojos hacen que la escena se sienta viva y escalofriante. Aquí, no hay contención, ya que Caravaggio quiere que sintamos la tensión y el miedo en el aire. A través de Judith, la obra evoca el impulso de venganza y justicia, mostrándonos el lado más visceral y crudo de la experiencia humana.

Mientras David celebra la virtud y el autocontrol, Caravaggio nos recuerda que a veces la emoción y la intensidad son tan humanas como la razón. Ambas obras, desde su propia estética y filosofía, nos enfrentan a aspectos profundos y opuestos de lo que significa ser humano.

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https://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-pintura-neoclasica-caracteristicas.html

ingulart.com/es/blog/2024/01/09/judith-decapitando-a-holofernes-por-caravaggio/?srsltid=AfmBOoo3w_vnioiT8Ok0ftFmQ6SKUWo0cvI__WdO_5HVC2wRv_uGoEOP

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Natalia. Ando revisando y omitiste del todo tu entrada calificable relativa a impresionismo, realismo y vanguardias. Por lo pronto, tu nota es 0. 

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Natalia. Ando revisando y omitiste del todo tu entrada calificable relativa a impresionismo, realismo y vanguardias. Por lo pronto, tu nota es 0. 

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Autorretrato con sombrero rojo,1887 de Cristóbal Rojas

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Estepa bajo el sol 2023-2024 de Alexandra Malyshko

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La pintura de Henri Matisse representa los peces dorados, esta obra desprende serenidad y belleza gracias al uso del color, la forma y la luz. Los peces rojos-anaranjados vibrantes son el centro de la atención, aunque se hace notar que Matisse lleva a cabo un discreto juego de perspectivas, presentándolos tanto de frente como de lado, todavía no han logrado lo que significan y permanece una sensación de motor sin la agitación misma que el agua.

La pecera, distorsionada, refleja también la realidad de lo que les rodea, otorgándole un aire de intimidad y frescura, como si miráramos a través de la ventana a un pequeño universo.

Los colores complementarios, verde de las plantas y azul del fondo, ponen en valor a los peces, aunque no fuercen la gratificación de lo que todo lo que lo rodea, que boote y octuve de una manera agradable, como si las piezas de cualquier tipo de imagen, su estructura que pueda, al mismo tiempo ser lo que conduzca a ser descriptiva y estimulante. La luz, dulce y difusa, roza las formas otorgándole un aire de tranquilidad, que parece envolgere al contemplador.

En el fondo, la distorsión que provoca la pecera, al ver las plantas a sus lateral y cristal, provoca un mismo sentido de irrealidad, como caer indefectiblemente en un sueño.

Matisse no sólo quería expresar lo que veía a fecha presente; tele-gritar no sólo un sentido del bienestar (decir que la misma retoma en el pintado a las cosas que lo rodea, que reproducigía el sentido como tal como repasar un sillón).

De este modo, este cuadro, que todavía remarca con claridad el estilo fauvista, no sólo una representación de peces, sino que representa además la calma visual que invita a la realización de obras en el ámbito de la bien con la tranquilidad visual.

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Descubrir el Arte, la revista líder de arte en español

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