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•Es el relato de la evolución del arte a través del tiempo, entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa.

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•Se denomina arte rupestre, a las imágenes pintadas o grabadas representadas sobre superficies rocosas. Los geoglifos, son imágenes de mayor tamaño que también se consideran arte rupestre.

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Es un dibujo o boceto que existe en algunas rocas o cavernas, especialmente los prehistóricos

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Representación gráfica grabada en las rocas o piedras, un conjunto de grabados rupestres al aire libre, con una simbología compleja

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En esa epoca solo se pintaban naturaleza no humana.
Superior (30.000-10.000 a. C) abundan las pinturas rupestres, realizadas al abrigo de cuevas y cavernas a base de pigmentos naturales

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Está compuesto, fundamentalmente, por pinturas, siendo muy escasos los grabados y careciendo totalmente de relieves o esculturas.

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Representa figuras antropomorfas y motivos geométricos dibujados sobre piedras resguardadas de las lluvias en los abrigos rocosos con una antigüedad que ronda los 2.000 años a.c.

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La civilización egipcia fue una sociedad de la Edad Antigua que se desarrolló entre 3300 a. C. y 332 a. C., en el valle del río Nilo, al norte de África. La riqueza de sus recursos naturales y su aislamiento geográfico le permitieron convertirse en una civilización muy poderosa.

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Eran tumbas donde se enterraba un faraón, una reina o los nobles que formaban parte de la corte del faraón. Los egipcios las denominaban mer. Eran el centro de un vasto complejo arquitectónico.

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La religión egipcia era de naturaleza politeísta, es decir, creían en varios dioses y diosas, no en uno solo. Las divinidades tenían una apariencia mitad humana (antropomorfa) y mitad animal (zoomorfa).

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Es una forma de comunicación escrita que se remonta al neolítico, donde el hombre usaba las pictografías para representar objetos mediante dibujos en una laja de piedra.

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ESCULTURA GRIEGA
En la creciente actividad artística dentro de Atenas, la imponente metrópolis estado-
griega predominante en aquellos tiempos, el vientre en el que se gestó conocimientos
arcanos que perduran hasta hoy junto con la filosofía y las diferentes artes, la diferencia
que separaría posteriormente de manera abismal la escultura griega de la egipcia surgió
como una necesidad emergente en la mente y manos de los escultores griegos, ya de
haber pasado de ser figuras simplistas que presentaban una firmeza inmóvil, como en
Egipto, se desbordaba la actividad libre de que cada escultor pueda moldear la roca a
una figura humana preconcebida sin atarse solo al conocimiento, más bien la
experiencia personal, cada escultor se sumergiría en una ardua búsqueda en la roca o
cual sea la superficie en la que trabaje, de representar la divinidad del cuerpo del
hombre y sus canónicos rasgos de perfección, los rasgos del rostro, la extensión de los
miembros, la tensión de los músculos, las marcas de las venas o del pelo, la pose clásica
de la escultura griega que simula movimiento y las dota de un animismo visual, las
figuras legendarias de héroes, los dioses, bustos de reyes o filósofos, homenajes a
difuntos, relieves que susurran historias encerradas entre las piedras milenarias casi
desgastadas por el tiempo, escenas míticas, seres y monstruos mitológicos típicos de su
folclor, estas son algunas de las huellas artísticas dejadas por aquellos escultores que
abandonando la técnica anterior a ellos, de solo dejar una figura rígida, a crear titanes de
piedra cuyas historias se inmortalizarían hasta nuestros tiempos.

LO BELLO
Perfección, atribuida a todo lo carente de defectos, de fallas, de irregularidades, de
fealdad, que reluce aquello que es bello, armonioso, proporcionado, ordenado, firme,
detallado, hasta desde extremos se lo relaciona con lo divino, así el escultor griego debía
de reproducir los ideales de la perfección en sus obras, de la inmensa belleza del cuerpo
ideal, de la plenitud, de su fuerza, el escultor debía plasmar la hermosura de aquello que
filosóficamente se acercaba al cuerpo que debía aspirar, aunque en tiempos de
Praxíteles, el artista no dejaba que la figura que esculpía tuviera algún relieve
desperfecto, cualquier detalle tenía que mostrar lo que se consideraba bello, eso los
llevaba a retocar a los modelos que utilizaban, eliminando los posibles defectos que
encontraban según su parecer para acercarse lo más posible a sus ideales preconcebidos,
aunque estos sacrificaría la naturalidad de la escultura, el cuerpo presentado no era real
en todo caso, ya que había sido arreglado para que estuviese a la altura de lo canónico,
durante varios periodos hasta lo helénico, las esculturas sufrían de ese
perfeccionamiento, posteriormente en los tiempos de Alexandro los escultores se
arriesgaban a presentar un tanto más de naturalidad, apegarse más a lo real que debían
esculpir, el retrato no era como hoy se conoce justamente porque no era la figura exacta
del representado, sin embargo más allá de los rasgos de seriedad e inexpresividad en las
esculturas, se tomaron otros caminos como representar tragedias o eventos de
sufrimiento, de guerra, de muerte, con un dramatismo exaltado que se marcase a la
escena esculpida, ese pensamiento griego se fue alterando hasta su auge, con la copias
romanas que aún se conservan emulaban el arte griego de aquellos tiempos, que quedan
como evidencia la importancia cultural que abarcaba Grecia y sus manifestaciones
artísticas .

CONCLUSION DEL ARTE GRIEGO

La herencia dejada y su peso cultural, Grecia fue dudas es la civilización más
importante de occidente, y todos sus pasos para los que se transformó en el modelo
futuro mismo de las ciencias, política, literatura, arte y deporte e incluso la guerra, ha
pasado por esa evolución que marco un punto y aparte en la historia, y parte de ese
cambio se ve reflejado en sus esculturas, partiendo desde inspiraciones egipcias con los
Kuro, más tarde con el pensamiento libre de obrar por la experiencia y elaborar sus
propias obras a través de su conocimiento, siguiendo por el simbolismo filosófico y
religioso de plasmar la majestuosidad y divinidad de los dioses o de la belleza ideal,
hasta la creación de bustos o esculturas mas naturalizados, ese cambio artístico se
produce debido a los cambios sociales y culturales que fue teniendo Grecia, y más con
las nuevas corrientes que surgían y ellos adaptaban su arte a ello, de por si el dejar de
pasar las costumbres y lo religiosos tradicional a tratar de ser más fieles a la figura del
hombre en sus producciones, y esa peculiaridad única de los griegos de darle esa
sensación de vida y movimiento a sus esculturas que inicialmente eran una rígida forma
calcada de los egipcios, que queda registrado en la historia el paso de los griegos en
todo su esplendor, con las maravillas que han dejado, y entre templos y ciencias,
tenernos ese reflejo, tenemos sus esculturas y relieves que aún podemos apreciar hoy
con sus historias y simbolismos que nos gritan desde el tiempo lo plasmado por aquellos
artistas.

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ESCULTURA GRIEGA En la creciente actividad artística dentro de Atenas, la imponente metrópolis estado-griega predominante en aquellos tiempos, el vientre en el que se gestó conocimientosarcanos que perduran hasta hoy junto con la filosofía y las diferentes artes, la diferenciaque separaría posteriormente de manera abismal la escultura griega de la

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En cuanto a la localización temporal podemos situar los inicios de la cultura griega en el siglo VII a.C. y finalizando en el 146 a.C. siendo ésta una fecha de referencia cuando la última polis griega independiente, Corinto, es conquistada por el Imperio Romano. No es que se acabe en ese momento pero sí empieza una nueva fase histórica donde Grecia no es sino una provincia más dentro de la civilización dominante romana. Durante esos seis siglos podemos apreciar varias fases:
Época arcaica
Época clásica
Época helenística

Enrique VALDEARCOS, "El arte griego" pg.2

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Fue evolucionando desde un anonimato de origen oriental hacia la manifestación de personalidades individuales. Frente a este anonimato como el egipcio, las obras griegas se firman y cada autor sigue una línea personal.
La técnica y la investigación propias de la curiosidad y el afán por saber de los griegos, se ponen al servicio del Arte, tanto en arquitectura (éntasis), como en la escultura (mármol rígido sin apoyos) o en la pintura de la que casi no se conservan restos.
Enrique VALDEARCOS, "El arte griego", Clio 33 Pag 3

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La construcción modelo por excelencia es el Templo: se construye según unas normas conocidas como orden o estilo, que están basados en su columna.
Características:

La columna no posee basa, descansa directamente sobre el basamento, que tiene tres escalones. El superior se llama estilóbato.
https://acercandonosarte.blogspot.com/2014/01/arte-griego.html

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Forma parte del crecimiento y desarrollo comercial que instituyó la isla de Creta con países del Oriente Medio y Egipto. Esta integración promovió la importación de estaño, la cual era inexistente en la isla. Asimismo, gracias a las relaciones marítimas con las regiones del Mediterráneo Occidental y el Mar Egeo, se pasó de una economía agrícola a una organización mucho más compleja.
https://historiando.org/civilizacion-minoica/

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Las civilizaciones MINOICA y MICÉNICA - Resumen | Origen, Política, Sociedad, Economía y Legado.

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El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

https://www.crehana.com/blog/estilo-vida/arte-romano-pintura/

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LEYENDA:
Morado: Conquistas de los siglos V al IV a.C.
Rosa:Conquistas del siglo III a.C.
Verde:Conquistas del siglo II a.C.
Naranja:Conquistas del siglo I a.C.
Azul:Conquistas durante el período de César.
Amarillo claro:Conquistas del período de Augusto.
Amarillo oscuro:Conquistas del período de Trajano.

PUBLICADO POR ARS LONGA, VITA BREVIS

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Google Maps Coliseo romano (vista aérea), construido entre los años 70 y 80 d.C.

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El Coliseo romano es un anfiteatro edificado durante el Imperio romano entre los años 70 y 80 d.C. por orden de Tito Flavio Vespasiano. Por esta razón, fue conocido en su época como Anfiteatro Flavio.

El Coliseo se ubica en la ciudad de Roma, Italia, hacia el Este del Foro romano, y se emplaza en un terreno plano, lo que constituye una novedad constructiva en esta tipología de edificios.

Andrea Imaginario Especialista en artes, literatura e historia cultural

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Hubo tres manifestaciones en las que los etruscos consiguieron posicionarse en el panteón del arte: la cerámica, el bronce y, sobre todo, los murales, cuyos frescos no tienen parangón en el mundo antiguo, hasta llegar Pompeya. Los etruscos contagiaron su helenismo a los primitivos romanos. A través de los etruscos llegaría a Roma la primera oleada de cultura griega, anterior a la que seguiría a la conquista del mundo griego por Roma tres siglos más tarde. Esta cultura mixta greco-etrusca configuró la primitiva cultura romana, que podemos ver claramente reflejada en los frescos etruscos.

https://oldcivilizations.wordpress.com/2013/01/05/el-imperio-romano-los-etruscos/

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En la arquitectura, transmitieron la utilización del arco y la bóveda, normalmente aplicado a la construcción de obras públicas.

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1. Arco de medio punto: este es el tipo de arco romano más común y el que más se asocia con la arquitectura romana. Se caracteriza por tener una forma semicircular perfecta y se utiliza en una amplia variedad de edificios, desde acueductos hasta anfiteatros.

2. Arco de herradura: este tipo de arco tiene una forma más puntiaguda que el arco de medio punto. La parte superior del arco se curva hacia adentro y luego hacia afuera para crear una forma que se asemeja a una herradura. Se utilizó principalmente en la arquitectura visigoda y en la arquitectura islámica.

3. Arco de medio punto apuntado: también conocido como arco apuntado, este tipo de arco tiene una forma semicircular que se estrecha hacia la parte superior, creando una apariencia puntiaguda. Este tipo de arco se hizo popular en la arquitectura gótica y se utilizó en la construcción de iglesias y catedrales.

4. Arco de medio punto rebajado: este tipo de arco se caracteriza por tener una forma semicircular aplanada en la parte superior, lo que lo hace más ancho que un arco de medio punto regular. Se utilizó principalmente en la arquitectura bizantina y en la arquitectura islámica.

5. Arco de medio punto de herradura: este tipo de arco combina las características del arco de medio punto y del arco de herradura. Tiene una forma semicircular que se estrecha hacia la parte superior y una curva interna pronunciada, creando una forma que se asemeja a una herradura. Se utilizó principalmente en la arquitectura visigoda.

6. Arco de medio punto peraltado: este tipo de arco tiene una forma semicircular que es más alta en el centro que en los extremos, lo que crea una curva peraltada en el centro. Se utilizó en la arquitectura romana tardía y en la arquitectura bizantina.

7. Arco trilobulado: este tipo de arco se caracteriza por tener una forma con tres lóbulos en la parte superior. Se utilizó en la arquitectura islámica y en la arquitectura mudéjar.

8. Arco de herradura polilobulado: este tipo de arco combina las características del arco de herradura y del arco trilobulado, con una forma que se asemeja a una herradura con múltiples lóbulos en la parte superior. Se utilizó en la arquitectura islámica y en la arquitectura mudéjar.

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Edad Media – UNIDAD PEDAGOGICA DE ESPAÑOL

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Mosaico de Jesucristo en Estambul, Turquía

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Catino absidale di Santa Pudenziana, 390 d.C.Mosaico Basilica di Santa Pudenziana, Roma.

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Características generales
Desde los orígenes del cristianismo, esta religión había segregado sus propias formas artísticas a partir de la tradición clásica grecorromana y oriental. El realismo clásico es sustituido por el expresionismo cristiano. A la perspectiva y al modelado sustituyen las figuras planas y sin fondos. La realidad espiritual a la física, la iconografía al peso estético. El hecho de que el cristianismo se difundiera primero por las provincias romanas de Oriente va a suponer una influencia anticlásica de un arte tradicionalmente simbólico y expresivo (Egipto, Persia, etc). Además el hecho de que esta nueva religión se difundiera antes entre las clases sociales más bajas, conlleva la necesidad de usar un lenguaje más claro y fácilmente comprensible por los fieles. Como la liturgia cristiana exige la congregación de todos los fieles, las paredes de sus catacumbas primero y de sus basílicas después, se llenarán de imágenes y escenas elocuentes cuya narrativa no ofrezca lugar a dudas. Si unimos estas dos características: simbolismo y sencillez iconográfica, al retroceso cultural general, al proceso de esclerosis artística, de regresión y primitivismo al que se ve condenado todo el Enrique VALDEARCOS, "El arte paleocristiano", Clio 33 (2007) http://clio.rediris.es ISSN: 1139-6237 Página 2 de 3 05 El Arte Paleocristiano.doc Imperio Romano a partir del siglo III por motivos económicos y políticos, todo ello nos da como resultado lo que va a ser la tónica general del arte cristiano-occidental hasta el despertar del naturalismo gótico en el siglo XIII.

http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/05Paleo.pdf

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La Arquitectura
Las primitivas comunidades cristianas se congregaban en casas particulares o en catacumbas: pasadizos secretos y subterráneos donde se celebraba la liturgia. No hay pues una arquitectura oficial que defina el nuevo espíritu. Pero en el año 313 se acaba la clandestinidad y los cristianos toman la basílica romana para sus fines religiosos porque era el edificio que mejor se adaptaba a sus necesidades y a las grandes concentraciones de fieles. Tiene planta de tres naves, la central más alta y separadas las tres por columnas, con el altar al fondo bajo el arco que da acceso al ábside único. Vanos en la nave central que iluminan el interior y techumbre de doble vertiente en la nave central y de una sola vertiente en las laterales. De muy primera época son las basílicas de Santa María la Mayor y Santa Sabina en Roma. En ellas quedan definidas las características que conformarán los templos cristianos de Occidente hasta nuestros días.

http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/05Paleo.pdf

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Bizancio- El imperio perdido documental completo

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Como gótico se conoce al estilo artístico que se desarrolló en Europa entre el siglo XII hasta el inicio del Renacimiento, hasta fines del siglo XIV. La palabra, como tal, proviene del latín tardío gothĭcus.

También se denomina gótico lo perteneciente o relativo al pueblo germánico de los godos o a la lengua que hablaban.

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Gótico como tipografía:
Como tipografía gótica se conoce a un tipo de letra o fuente, originaria del siglo XII, usada posteriormente en la imprenta. Es característico de los libros medievales, caracterizados por sus acentuadas curvas decorativas.

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Como gótico se conoce al estilo artístico que se desarrolló en Europa entre el siglo XII hasta el inicio del Renacimiento, hasta fines del siglo XIV. La palabra, como tal, proviene del latín tardío gothĭcus.
stilo característico de la Edad Media, de influencias de arquitecturas romanas en piedra y una fuerte temática religiosa. El período denominado Renacimiento, define gótico a este período considerado para ellos una época bárbara, como consideraban a los godos.

El estilo gótico, por lo tanto, abarca muchas áreas, como, por ejemplo, como tipografía, corriente artística y tribu urbana, con un estilo característico en la arquitectura, literatura y en todo tipo de expresión artística.

También se denomina gótico lo perteneciente o relativo al pueblo germánico de los godos o a la lengua que hablaban.

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El arte gótico es aquel que se desarrolló principalmente en la Edad Media, en Europa occidental, entre los siglos XII y XV aproximadamente.

La designación de gótico, usada inicialmente con un sentido peyorativo para distinguir el arte de este periodo del arte del Renacimiento, se empleaba para aludir al arte desarrollado por el pueblo germánico de los godos.

https://www.significados.com/gotico/

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Gárgola de la Catedral de Notre-Dame, París

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El arte gótico se caracteriza por su temática predominantemente religiosa. En este sentido, el contraste entre las tinieblas y la luz es el rasgo más distintivo de este estilo.

En la pintura, por ejemplo, la importancia que se le daba a la luz como el uso de las láminas de oro en las iglesias; en contraposición con el estilo románico de las bóvedas de piedra, evoca sin duda, la esencia de lo gótico.

https://www.significados.com/gotico/

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glesia de San Ouen. La Iglesia de St. Ouen es una gran iglesia católica romana gótica en Rouen, al norte de Francia, famosa por su arquitectura y su gran órgano

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Hombre de Vitruvio, dibujo de Leonardo da Vinci, expresión del canon estético renacentista

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El Renacimiento es un movimiento cultural que surge en Italia en torno al 1400. Marca el salto de la época Medieval a la Edad Moderna y trae consigo una gran transformación cultural, no sólo de las artes, sino también de las ciencias, de las letras y de las formas de pensamiento.

El Renacimiento se caracteriza por el rechazo de muchos de los principios del conocimiento medieval y por la admiración de antigüedad grecorromana. Pretende recuperar el saber clásico, en el que busca una nueva escala de valores para el individuo. Frente a la sociedad medieval, en la que todo giraba en torno a la idea de Dios, durante el Renacimiento, el hombre pasa a ser el centro del universo. Emplea la razón como fuente del conocimiento y busca la verdad a través de la reflexión personal y de la investigación.

https://www.arteespana.com/renacimiento.htm

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	Sandro Botticelli - El nacimiento de Venus

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Características

1. El uso de la perspectiva, las luces y sombras y la proporción. En lugar de inspirarse en temas religiosos o clásicos.

2. Representaciones realistas de temas basadas en la observación, más que en la imaginación o la idealización, como predominaban en la época gótica

3. La atención se centró en temas más profanos, como el retrato y el paisaje. Este realismo se vio reforzado por los avances en anatomía y dibujo en perspectiva, que permitieron a los artistas crear imágenes más precisas de sus temas.

4. Experimentación con diversos materiales, como la pintura al óleo, los frescos y las pinturas al temple.

5. El uso de múltiples técnicas les permitió crear obras detalladas con colores y texturas intensos.

6. El arte renacentista también mostraba interés por el movimiento y la emoción.

7. Un mayor énfasis en la belleza. Esto se refleja en las elegantes líneas de las pinturas y esculturas renacentistas, así como en el uso de colores vivos que animaban las composiciones con tonalidades más intensas que las de las obras medievales.

https://artehistoria.online/renacimiento/

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¿Que fue el renacimiento? - (Resumen) youtube.com

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Fue un período de la historia en la cultura occidental, Se originó en Europa occidental, aunque también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas. Durante el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación dependiendo de cada país.
(http://www.juntadeandalucia.es/averroes/centrostic/29009041/helvia/sitio/upload/BArroco_ismael_y_jairo.pdf)

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En el clima de crisis barroco, los ideales renacentistas de orden y equilibrio desaparecen y dejan paso al pesimismo y al desengaño. Como expresión de estos sentimientos se ha de entender, por una parte, el afán de mostrar la inestabilidad de lo real, la temporalidad y fugacidad de todo lo existente.

En una época en que el poder político y eclesiástico, en buena medida representado por la Inquisición, impone un orden severo, se hace necesario precaverse para evitar riesgos. El peligro que implica la verdad conduce a la desconfianza: la prudencia, la discreción y el engaño son la máxima que debe guiar al que quiera sobrevivir.

(https://www.edu.xunta.gal/centros/iesnumero1ribeira/q=system/files/Barroco%201%C2%BA%20Bac.pdf)

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UBICACIÓN: CIUDAD DEL VATICANO, ROMA

MANDANTE : PAPA ALEJANDO VII

ARQUITECTO: GIANLORENZO BERNINI (1598-1680)

ENCARGO (1656):CONSTRUCCIÓN DE UNA PLAZA, CON EL FIN DE CREAR UN SITIO CAPAZ DE ACOGER GRANDES CONGREGACIONES DE FIELES.

ELEMENTO ARQUITECTÓNICO: COLUMNA DÓRICA.
(https://wiki.ead.pucv.cl/Plaza_de_San_Pedro_-_Roma_-_Carlos_Sandoval_Aran)

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El papel del color en el arte barroco fue muy importante. Incluso los dibujantes a menudo incorporaban el color en sus dibujos, un arte tradicionalmente monocromático.
Los colores intensos los emplearon para evocar texturas y superficies como el oro, el terciopelo y la seda, aportándole a sus pinturas una calidad táctil.

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La PINTURA BARROCA europea | VELÁZQUEZ, RUBENS, CARAVAGGIO, REMBRANDT, VERMEER...

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Durante el barroco se siguen cultivando los géneros antiguos, como los retratos y las escenas mitológicas, religiosas e históricas. Pero también se desarrollaron ampliamente otros géneros, algunos de los cuales aparecieron tímidamente en la transición del Renacimiento al barroco.

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Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi da Caravaggio, fue un pintor italiano considerado primer exponente de la pintura barroca. Destacado en la pintura y el dibujo, Caravaggio sentó las bases de la pintura barroca.

https://totenart.com/noticias/los-10-mejores-artistas-del-barroco/

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Pedro Pablo Rubens (1577-1640)

Pintor de la escuela flamenca, la manera de emplear el color como dinamizador de las expresiones supuso un antes y un después en el transcurso de la historia de la pintura.  Rubens trabajó temáticas muy variadas, mitología, religión, historia, escenas de caza, paisajes, retratos...
https://totenart.com/noticias/los-10-mejores-artistas-del-barroco/

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Diego de Velázquez (1599-1660)

Una de las figuras más importantes en la pintura española de todos los tiempos y «maestro de la pintura universal». Desde Sevill asupo conquistar el mundo entero con su estilo personal, naturalista y ciertamente tenebrista.
https://totenart.com/noticias/los-10-mejores-artistas-del-barroco/

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Johannes Vermeer (1632-1675)

Nacido en Delft, es uno de los grandes de la pintura holandesa y barroca en general, pese a tener una obra muy reducida. Tan sólo se conocen 35 obras suyas.
https://totenart.com/noticias/los-10-mejores-artistas-del-barroco/

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Rembrandt (1606-1669)

Uno de los maestros de ésta y todas las épocas. Destacó tanto en la pintura como el en grabado. Su aportación al mundo de la pintura forma parte de la edad de oro.
https://totenart.com/noticias/los-10-mejores-artistas-del-barroco/

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¿Qué es el ARTE CONTEMPORÁNEO y cuáles son sus características? Tipos y artistas famosos

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Dominique Ingres (1780 – 1867) fue hijo de un escultor de segunda fila que pronto descubrió el talento artístico de su vástago.
Realiza la obra que aquí analizamos y que lleva por título Júpiter y Tetis. Se trata de un óleo sobre lienzo que el artista pintó en el año 1811 cuando se encontraba en Roma, tan solo unos años después en 1834, el lienzo fue adquirido por el Estado francés y trasladado al Museo Granet en Aix en Provenze donde se exhibe en la actualidad.

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JACQUES-LOUIS DAVID
Pintor francés
(1748-1825)

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El romanticismo nació como respuesta revolucionaria al rígido neoclasicismo y a la Ilustración. Esta corriente artística es considerada el primer movimiento cultural en abarcar toda Europa.
Lugar y fecha de origen:
Se originó simultáneamente en Francia, Inglaterra, Alemania y España hacia el final de siglo XVIII y principios del XIX. Tuvo su apogeo fue entre 1800 y 1850.
https://difiere.com/neoclasicismo-y-romanticismo/

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El ROMANTICISMO - Resumen | Características, Literatura, Pintura, Música...

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El romanticismo estaba lleno de arrebatos, originalidad, sentimientos, libertad y fuerza. Le dio preferencia a la libre creación, dejando de lado todas las reglas. En cuanto al movimiento en las obras, el romanticismo lo buscaba. Además, gracias a las libertades que esta corriente prefirió, las obras en general fueron mucho más individuales, más personales. Entre sus temáticas preferidas estaban la desesperanza, el patriotismo, la libertad y la nostalgia. El romanticismo se guiaba por los sentimientos y las emociones.
https://difiere.com/neoclasicismo-y-romanticismo/

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Principales representantes (pintura)
Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Antoine-Jean Gros, François Gérard, Paul Delaroche, Horace Vernet, Eugène Devéria, John Crome, John Constable, Carl Spitzweg, Philipp Otto Runge, Francisco José de Goya, Antonio María Esquivel, Federico Madrazo, Thomas Cole, Frederick Church, entre muchos otros.
https://difiere.com/neoclasicismo-y-romanticismo/

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EL REALISMO: es aquella manera el cual se presenta la realidad tal como es. Es decir es cuando el poseedor de esta postura no exagera ni minimiza una situación, sino que la expresa o relata tal cual como es o sucedió sin adornos, o matices. Esta es una palabra que contiene un sin fin de conceptos dependiendo de la rama en la que se presente, por ejemplo: En el campo del arte se conoce como realismo a la estructura estética que busca surgir una imitación fiel de la naturaleza. También se encuentran los realismos pictóricos (el cual plasma la realidad en cuadros) y el realismo literario (el cual los textos intentan aportar un testimonio sobre una determinada época).
https://conceptodefinicion.de/realismo/

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El Realismo es una tendencia artística europea que se enmarca, aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX y que aspira a reflAsí mismo, el Realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. (Te puede interesar también: Arte Gótico)ejar la realidad cotidiana de modo objetivo.
La burguesía revolucionaria, que impulsó el movimiento romántico se convierte, en la clase social dominadora, y tiende hacia postulados más conservadores, imponiendo una nueva visión de la vida y del ser humano.
https://encolombia.com/educacion-cultura/arte-cultura/historiadelarte/el-realismo/

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El Realismo es una tendencia artística europea enmarcada en la segunda mitad del siglo XIX y que refleja la realidad de modo objetivo.

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El impresionismo

Última gran corriente artística del siglo XIX, que comienza en la pintura y tres décadas después se desarolla en la música con compositores emblemáticos como Claude Debussy o Maurice Ravel.

En la pintura utilizó una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y colores puros que, sin un trazo previo de los objetos, construía las formas a partir de la utilización de la luminosidad.

Impresión, sol naciente, Claude Monet, 1872

En esta construcción intimista de las "impresiones fugaces" desapareció la intención narrativa y se jugó con las perspectivas ópticas que producen ciertos colores (claros y luminosos) en la composición. Dicha corriente pictórica recurrió a innovaciones técnicas como los lienzos industriales y los tubos de pintura, así como al uso de las múltiples posibilidades de encuadre que les ofrecía la fotografía, por todas estas razones se considera al Impresionismo como un antecendente del arte contemporáneo.

Entre las principales figuras del impresionismo se cuenta a Édouard Manet, cuya obra pionera Almuerzo en la hierba, construida por manchas de color, simples y enérgicas, constituye su método pictórico para dotar de forma a las cosas. En el caso de Pierre-August Renoir, su visión impresionista se centró en la figura humana y en los efectos ópticos que producía la luz, por lo que no usaba el dibujo previo en sus objetos, sino que éstos se creaban usando manchas de color que, al mezclarse en el ojo del observador, producían el contenido formal. Claude Monet partía del supuesto de que se "debía pintar sin ver los objetos pintados", plasmando solamente los colores que los componían, porque en todo momento los colores, influidos por la luz, variaban, lo que hacía cada experiencia visual única. Finalmente, la técnica y los motivos de Edgar Degas lo hacen un poco diferente del resto de los impresionistas, ya que él emplea el dibujo previo en sus composiciones, utiliza la técnica del pastel más que el óleo y sus motivos no son la naturaleza ni la luz que ésta da, sino los ambientes urbanos. Uno de sus temas preferentes fue sobre bailarinas.

El grupo de pintores que se adscribía a esta corriente organizó 8 exposiciones impresionistas, la primera fue realizada en 1874, en ella participaron 3 de los artistas que acabamos de mencionar, con excepción de Manet, que nunca se consideró impresionista a pesar de haber sido un precursor.

Evalúa tus conocimientos sobre el Romanticismo, el Realismo y el Impresionismo realizando el Ejercicio 2.

Observa los cuadros más representativos de esta corriente haciendo clic en las imágenes del centro de la exposición y utiliza las flechas para desplazarte.

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El impresionismo Última gran corriente artística del siglo XIX, que comienza en la pintura y tres décadas después se desarolla en la música con compositores emblemáticos como Claude Debussy o Maurice Ravel. En la pintura utilizó una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y colores puros que, sin un trazo previo de los objetos, construía las formas a partir de la utilización de la luminosidad.

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Joe Reimer captura los idílicos paisajes canadienses

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El Impresionismo en 10 minutos! (y Postimpresionismo también!)