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PERSONAL PROJECT FINAL RESULT_OIHANE VAAMONDE 2ºLHH_pdf

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PERSONAL PROJECT_OIHANE VAAMONDE 2º LHH_pdf

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At first I wanted to explain more about myself and the craziness that most people have, but I had a hard time thinking how I could convey that. But one day I was reflecting and I thought that society was making us less crazy, because they want us all to be the same, perfect, within the rules, not to go outside what is socially established. But are we really all the same or similar as they want us to think?

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https://docs.google.com/file/d/1FQcnDe5umYg2tspXVq820RQ2UIj030fr/edit?usp=docslist_api&filetype=msword

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Meet Google Drive - One place for all your files

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Google Drive is a free way to keep your files backed up and easy to reach from any phone, tablet, or computer. Start with 15GB of Google storage - free.

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THIS IS THE EXPLANATION OF MY FINAL PROJECT

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THIS IS THE EXPLANATION OF MY FINAL PROJECT

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Link to the website of my final artworks:

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Link to the website of my final artworks:

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My biggest inspiration source (the story behind it will be explained)

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I remember that we talked about the topic of your project, based on your own experience being 3. I find very interesting the way you want to convey 2 ideas, your faces and the cracks.. but how are you creating it/them? with plaster?

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Hans Bellmer (Katowice, Polonia, 1902 - París, Francia, 1975) fue un artista surrealista polaco, afincado en Alemania -y más tarde en Francia, debido a la II Guerra Mundial-, que comenzó trabajando en publicidad y terminó desarrollando un enfoque erótico-crítico en su producción artística, como parte de un mecanismo autorreflexivo y liberador.
Un joven Bellmer llegaba a Berlín en 1920 para estudiar ingeniería, alentado por su padre. Sin embargo, poco después de empezar sus estudios, decide dedicarse al arte. Hans Bellmer aprende dibujo y perspectiva con George Grosz, del que recibe una gran influencia, así como de los escritos de Karl Marx y Lenin.
Más tarde, encuentra trabajo en el sector de la publicidad, donde se dedica a dibujar y diseñar, además de pintar, esculpir y fotografiar en su tiempo libre.

En 1932, movido por el reencuentro con varios juguetes de su infancia, que su madre le envía en una caja, y por la escalada en el poder del fascismo, Bellmer comienza a crear un nuevo proyecto artístico que no encajará en absoluto con las premisas nazis, pero que conectará de forma freudiana con el subconsciente de las personas removiendo deseos oscuros y sensaciones silenciadas. Así nace la Poupée o la muñeca de Bellmer.
La Poupée consistía primariamente en un armazón de madera con una cabeza, un brazo, dos piernas, una mano y dos pies. Estaba hecha de tela arpillera encolada y luego envuelta en papel maché. En un segundo momento se le añadieron otras piezas, que se podían intercambiar o añadir al cuerpo principal, como otro par de de piernas, un tronco con pechos, una cabeza, ojos de cristal y diferentes tipos de pelo.

El artista utilizó a la Poupée como modelo en unas sugerentes fotografías, que más tarde envió a la revista surrealista "Minotaure" y que publicaron en 1934. En 1935 publicó el libro "Die Puppe".
Bellmer buscaba el movimiento en el maniquí, quería jugar con las posturas que adoptaba y con su cuerpo inerte y estático. Para esto ideó un sistema de articulaciones y de piezas desmontables, que jugaron un importantísimo papel en las fotografías publicadas en la revista "Minotaure" y que fueron las que cautivaron a todo el colectivo surrealista, que abrazaron al artista inmediatamente.

Y es que la Poupée cumplía todos los sueños fetichistas de los surrealistas. Se trataba de un cuerpo femenino, vestido únicamente con unos zapatos y unos virginales calcetines blancos, que tal vez hacían referencia a la figura de la Lolita,o incluso a la femme fatale, a la que tanto adoraba el grupo de Breton. Y el hecho de poder jugar con el cuerpo -y, en concreto, el cuerpo femenino-, con sus extremidades, quitar o poner la cabeza, permaneciendo siempre visible su sexo, era una fantasía surrealista. En 1939, Bellmer retoma a su querida Poupée, que en realidad nunca abandonó, y realiza la serie "Les jeux de la poupée", los juegos de la muñeca. Las fotografías están acompañadas de textos y poemas experimentales de uno de sus compañeros surrealistas, Paul Éluard.En una de las imágenes más significativas de esta serie, vemos a la muñeca que posa desinhibida, mostrando su cuerpo deforme y sensual con dos pares de piernas y, por tanto, de zapatos y calcetines, con ropa en el suelo; Desnuda para ser mirada, pero sin ojos, nos hace voyeurs, y cómplices del hombre que, anónimamente, también observa la escena detrás del árbol.

Como era previsible, el movimiento nazi marcó como "arte degenerado" la muñeca de Bellmer y toda su producción, acusándole de querer provocar al pueblo [para que despertase]. Y, en efecto, era justo lo que Bellmer quería, así que emigró hacia Francia para reunirse con el grupo de los surrealistas, pero también para ponerse a salvo.
En una primera lectura la Poupée puede parecer un mecanismo de carácter machista, realizado tan solo para proporcionar placer a los hombres del círculo surrealista, sin embargo, si ahondamos en la lectura de la muñeca, Bellmer no sólo la hizo deforme en ciertas partes, sino que exageró otras, otorgándole un cuerpo semi mutilado a la par que voluptuoso. Esto fue un deliberado enfrentamiento al cuerpo perfecto y simétrico de la raza aria que prodigaba el nazismo: cuerpos delgados, musculosos, rubios y de ojos azules que contrastaban con el cuerpo deforme, a medio hacer y, sin embargo, misterioso, provocador de deseo y fetichismo de la Poupée.

Precisamente ese deseo y morbo era lo que Bellmer quería destacar al mostrar su muñeca. Nadie queda impasible ante la mirada perdida y, paradójicamente, también directa de la Poupée. Diversos sentimientos nos recorren: inquietud, morbo o curiosidad. Sentimientos que hoy reconocemos como humanos, es más, que nos hacen humanos y gracias a los cuales podemos conocernos a nosotros mismos y liberarnos en este autoconocimiento de sensaciones y sentimientos, tan profundos como socialmente evitados o censurados: deseo, morbo, muerte, erotismo, drama. La influencia del psicoanálisis que se acusaba en la obra de Bellmer hacía las delicias de los surrealistas que amaban este tipo de obra, que era capaz de confrontar sentimientos, hipocresía social y sensaciones inconscientes. La Poupée de Bellmer es más que una obra de arte, es un objeto subversivo que nos plantea todo tipo de preguntas sociales y personales.

Para Bellmer, la muñeca fue una constante a lo largo de su carrera. Condicionó su forma de producir arte y le guió hacia un tipo de obra erótico-crítica que desarrolló durante el resto de su trayectoria.

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Créditos de las imágenes: www.famousphotographers.net, jchahal1.workflow.arts.ac.uk, www.tate.org.uk, es.pinterest.com, www.museoreinasofia.es

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Hans Bellmer (Katowice, Polonia, 1902 - París, Francia, 1975) fue un artista surrealista polaco, afincado en Alemania -y más tarde en Francia, debido a la II Guerra Mundial-, que comenzó trabajando en publicidad y terminó desarrollando un enfoque erótico-crítico en su producción artística, como parte de un mecanismo autorreflexivo y liberador.

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"Para poder disparar una foto necesito emocionarme" dice Cristina García Rodero. Y si algo nos regala la fotografía es precisamente eso, emoción. La emoción de capturar recuerdos y guardarlos en una caja para siempre.

Por eso, hemos querido hacer nuestro particular homenaje a 5 mujeres que regalaron al mundo su particular modo de cazar esos momentos, de buscar en los recodos de la belleza y de la realidad para inmortalizar instantes de vida y rescatarlos para siempre del olvido.
Sally Man y su mirada subersiva
Nacida en Lexington (Virginia) en 1951, Sally Mann nos cautivó hace mucho tiempo y hoy queremos hacerla protagonista de nuestra humilde sección. La fotógrafa estadounidense ha hecho mella en el corazón de muchos amantes del arte por sentir la fotografía con la misma pasión que la vida misma.

Su mirada explora las emociones desde un ángulo profundo e intimista que ha sido criticado e idolatrado a partes iguales a lo largo de su trayectoria artística.
Diane Arbus, cronista de lo extraño
Creo, con cierto pudor, que hay cosas que nadie vería si yo no las hubiera fotografiado" Diane Arbus. Conocer a Diane Arbus es moverse entre mundos distintos, viajar entre años de lujo y frivolidad a un mundo marginal y de fantasía.
Es conocida por sus fotografías un tanto alejadas de los cánones que normalmente conocemos, donde figuran enanos, gemelos y prostitutas, fotos con un misterio que envolvió la vida de Arbus de principio a fin.

Diane nació en Nueva York, hija de una familia adinerada de ascendencia judía, era hermana del poeta Howard Nemerov, y adoptó el apellido del fotógrafo Allan Arbus con quien se casó al cumplir los 18 años. Arbus, "cronista de los freaks", cambió la definición de la fotografía, desafiando por completo los conceptos de la belleza y lo anormal.
Vivian Maier, la niñera invisible
Con su cámara Rolleiflex, retrataba compulsivamente la vida que, probablemente, no se atrevía a vivir. Decidió ser espectadora de su tiempo, sin saber que el azar le sacaría del olvido de un desván y le haría testigo gráfico del Chicago y Nueva York de su generación.

Multitud de páginas en blanco en su biografía, sombreros, películas en súper 8, entradas de cine, y una pasión compulsiva por retratar la magia y lo invisible que vive en lo cotidiano, son los retales que confeccionan al personaje de la niñera invisible.
Cristina García Rodero, mirada de corazón español
En 2009, la fotógrafa manchega se convirtió en miembro de la importantísima Agencia Magnum, siendo la única de nacionalidad española. Magnum es una agencia internacional que actúa como cooperativa de fotógrafos de una gran diversidad en la que éstos tienen libertad total de elegir los temas que quieren documentar.

Nació en Puertollano en 1949, y estudió pintura en la Universidad Complutense de Madrid. Cazadora de los momentos mágicos que regala la tradición y el costumbrismo de un pais despojándose del blanco y negro.
Eve Arnold, la fotógrafa que miraba de cerca a las estrellas
Eve Arnold fue una periodista y fotógrafa americana (nacida el 21 de abril 1912 en Filadelfia, Pensilvania, vivió en Londres desde 1960 y falleció el 4 de enero de 2012) considerada una de las más importantes del siglo XX.

Tuvo una prolífica carrera documentando a gente ordinaria y famosa (Marilyn Monroe, Yves Saint Laurent, Malcolm X, Jerry Falwell, como ejemplo). Trató con igual maestría el color y el blanco y negro.

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Cinco fotógrafas que revolucionaron el arte de capturar momentos - Cultura Inquieta

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"Para poder disparar una foto necesito emocionarme" dice Cristina García Rodero. Y si algo nos regala la fotografía es precisamente eso, emoción. La emoción de capturar recuerdos y guardarlos en una caja para siempre.

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I am glad that you enjoyed Berger's documentary. It clarifies how the very image is a question of power. Men have been the bearers of the look, women the object "looked at" judged and self-judged. It's a documentary I often show in another fourth grade course that you would like. I Do not know why but I thought you were preparing a performance.
Very deep and sincere research work. If you are creating black and white photographs, you might like the following link, specially Sally Man.
I recommend you read about Hans Bellmer and his poupees, considered to be mysoginist dolls.. as well as the images done to Unica  Zürn. Looking forward to seeing your artworks

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Interesting creating process. I think the final result of the sculpture is very powerful and conveys the ideas you wanted. It works much better with the bench, it becomes more solid. The only thing I miss in your project is free experimentation. I mean, taking the clay and creating freely, for example, various similar but different figures. I would totally forget trying to get a final result, I propose it just as an excuse to "discover" other possible expressive sculptures, as if they were of the same family. Your sculpture is brilliant, but I think you are not giving to yourself the opportunity to discover unexpected artworks that can arise naturally just while playing with the clay. I would at least try and see what happens.

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I am sure you can go further both in research and creation

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I remember your ideas ... yes. I recommend to wash your hands, close your eyes, and touch carefully and for some minutoes somebody´s face (a friend for example), paying attention to her faces' volumes, shapes, concave and convex areas, for example how the nose emerges gradually, or how the eye sockets go in, the cheekbones, the chin.... It's about forgetting about sight and focusing on the tactile. Then do the same with your sculpture's face, touch it with closed eyes, and see if the volumes and shape are different from your friend's face. Do the same thing several times until you find both similar. You will achieve much more realism this way. Then you can try to give expressiveness, even distorting the shapes to achieve the gesture you want.

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I wonder what are you creating..

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Con este libro he tratado de construir un vehículo útil con cuya ayuda
el artista del color pueda recorrer un largo trecho del camino iniciado. Mi vehículo no es una caravana para gente cómoda. El libro -un libro de texto- viene determinado por las leyes del color dadas por la naturaleza. Estas leyes brillan en el arcoíris y pueden deducirse de la esfera cromática transmitida de manera constructivista. En ella, los colores puros y sus mezclas se completan y se amplían hasta los polos negro y blanco.

Con su profunda oscuridad, el negro es necesario para que la luminosidad de las luces cromáticas adquiera su correcta dimensión. La claridad de la fuerza radiante del blanco es necesaria para dar a los colores su fuerza material. Entre el negro y el blanco late el mundo cromático de las sensaciones. Mientras los colores sean cautivos del mundo de los objetos, podemos percibirlos y reconocer su regularidad. Su esencia interna permanece oculta a nuestro entendimiento y solo puede concebirse de manera intuitiva. Por eso, las reglas y las leyes solo pueden ser tablas de orientación en el camino hacia la creación de una obra de arte cromática.

Ningún artista ha expuesto más reglas para la pintura que Leonardo da Vinci en su tratado sobre el tema, donde dijo: "Si para trabajar te dejas guiar por las reglas, nunca crearías nada y solo producirías confusión en tus obras". Con ello, Leonardo quitaba a sus lectores el peso del conocimiento y los animaba a seguir su propia intuición.

Lo decisivo en el arte no son los recursos de expresión y de representación, sino el individuo con su carácter y su humanidad. Primero vienen la educación y la formación del individuo, luego este ya puede construir.

El estudio serio de los colores es un recurso excelente para la formación del individuo, pues conduce a la plenitud de sus necesidades internas. Comprender estas necesidades significa vivir la ley eterna del desarrollo natural. Someterse a las necesidades significa renunciar a todo empeño y ser el servidor del Creador; es decir, ser un ser humano.

En mi libro he analizado un buen número de obras maestras y he tratado de interpretar su sentido oculto. Principalmente he tenido en consideración a los antiguos maestros porque probablemente muchos lectores conocen los originales. Las leyes cromáticas que demuestro con ellos son atemporales, tienen hoy la misma validez que antaño.

A quien en los cuadros de Piero della Francesca, Rembrandt, Pieter Brueghel, Paul Cézanne y muchos otros maestros solo ve lo objetivo y el contenido simbólico se le niega su fuerza artística y su belleza.

El sentido y la finalidad de todos los esfuerzos artísticos es liberar la esencia espiritual de la forma y el color, y soltarse de la prisión del mundo de los objetos. De un intento similar surgió el arte no figurativo.

El mundo en el que vivimos hoy es diferente al de las personas de 1560 o 1860. Nuestro mundo está conformado por inventores. Con-
struyen máquinas, cuyo sentido radica en su función. Pero las máqui-
nas no son símbolo de una idea, sino la realización de un pensamiento funcional.

Hoy en día tampoco un cuadro es un símbolo. Su existencia se justifica en sí mismo, en sus colores y formas. El pintor utiliza para sus creaciones superficies pictóricas y colores, las corrientes de fuerza fluyen de su propio interior. Da forma a sus sentimientos guiado por la intuición o la inspiración.

Sea como sea que evolucione la pintura, la fuerza expresiva de los colores será siempre un elemento esencial de la creación artística.

Johanes Itten
Escrito para la edición completa de El arte del color
PRÓLOGO
En 1960, cuando en la imprenta de Otto Maier en Ravensburg se iban a imprimir las láminas de colores del gran libro Kunst der Farbe [El arte del color], Johannes Itten insistió en supervisar él mismo la impresión. Durante dos semanas se comentaron una y otra vez las pruebas de imprenta, y se cambiaron y mejoraron las mezclas de color. En las horas muertas Itten trabajaba en la maqueta de otro libro, recortando y estructurando el proyecto de una "breve teoría de los colores", pues era su deseo transmitir su conocimiento sobre las normas y las posibilidades de los colores a un círculo de interesados más amplio de lo que sería posible con El arte del color, y llegar ante todo también a colegiales y estudiantes. Esta idea de una breve teoría del color es la que subyace a la presente publicación, y se ha vuelto tanto más apremiante cuanto que la importancia de los colores en los últimos años en el arte, en la fotografía, en la ropa, en la casa -es decir, en el entorno cotidiano- está siendo cada vez mayor.

La edición completa de Kunst der Farbe [El arte del color], publicada
por primera vez en 1961, representa, en realidad, un resumen del tra-
bajo con el color que Johannes Itten llevó a cabo a lo largo de toda su
vida; una "suma" de las impresiones y las experiencias de un pintor y un
profesor de arte en su trato con los colores. En 1913, el entonces pintor
de 25años conocióen Stuttgart a AdolfHölzel y se familiarizó con su
teoría cromática. Al mismo tiempo estudió las teorías de los colores de
Johann Wolfgang von Goethe, Philipp Otto Runge, Wilhelm von Bezold
y Michel Eugène Chevreul. Estimulado por estas lecturas, Itten inició
enseguida sus propios estudios de los colores. Le interesaron sobre
todo las relaciones entre música y color. Las investigaciones sobre la
resonancia de los colores le indujeron a realizar composiciones de carácter abstracto. Ya en Stuttgart, pero sobre todo en su propia Escuela de
Viena (1916-1919) y mientras fue maestro en la Bauhaus de Weimar (1918-1923), transmitió a sus alumnos todo su saber. Desarrolló la estrella cromática de 12 partes, que publicó en 1921 junto con una escala de fases de la luz en la revista Utopia de Weimar.

Durante sus clases en su propia escuela de arte en Berlín (1926-1934), Itten se fijó en los "colores subjetivos" de sus alumnos. Pudo promover sus diferentes inclinaciones hacia el color apelando a las normas objetivas y a los siete contrastes de colores de su teoría. La teoría de Itten se convirtió en parte fundamental de la docencia en la Textilien Flächenkunst-
Schule de Krefeld, pues la tintura de los diseños de las telas, el trabajo con los colores modelo y las fichas cromáticas exigían un conocimiento amplio de los colores y sus leyes. En Krefeld fue donde nació su primer manuscrito con una teoría de los colores propia.

Siendo director de la Kunstgewerbeschule (1938-1954) y de la
Textilfachschule de Zúrich (1943-1960), Itten concedió mucha importancia a impartir él mismo la clase de teoría de los colores y las formas. Al margen de sus funciones administrativas, este trabajo le ofreció la posibilidad de mantener contacto personal con cada uno de sus alumnos. En 1944, Itten organizó la exposición Die Farbe [El color] en el Kunstgewerbemuseum de Zúrich, lo que le permitió presentar su propia teoría de los colores con sus siete contrastes, con un análisis de los colores y ejemplos de colores subjetivos en una secuencia de 80láminas realizadas por sus alumnos. Esta parte sistemática de la exposición se exhibiódespués en diferentes ciudades de Suiza y Alemania, donde el propio
Itten pronunció conferencias sobre su teoría y sobre pedagogía artística.

En 1955, liberado de las obligaciones del cargo, Itten empezó a exponer a modo de compendio todo su saber sobre los colores, sus observaciones, sus conocimientos y sus experiencias como pintor y profesor de arte. En 1961 se publicóla gran obraKunst der Farbe [El arte del color], que fue rápidamente traducida al inglés, japonés, italiano y francés,
y hoy se ha difundido ya por todo el mundo.

Cuando se fraguó la idea de presentar en una exposición itinerante el trabajo de la Bauhaus, Itten empezó a darle vueltas a la cuestión de cómo podría exponer también su teoría de los colores junto con su "Curso introductorio" (publicado en forma de libro bajo el título Gestaltungs- und Formenlehre. Vorkurs am Bauhaus und später, Otto Maier Verlag, Ravensburg, 1975). Las láminas de la exposición de los colores de 1944, estropeadas y carentes de valor por los cambios que se habían producido en los colores, apenas servían al efecto.

Cuando tras la muerte de Johannes Itten en 1967 me pidieron que presentara en 12láminas la esencia de su teoría de los colores para la exposición de la Bauhaus que iba a recorrer diversos países durante dos años, me vi ante el dilema de tener que elegir y copiar las más adecuadas entre las 80 que se hicieron para la exposición sobre el color de 1944. No obstante, me di cuenta de que la compleja exposición de la problemática del color no permitía una selección que ofreciera un panorama más o menos representativo de la teoría de los colores de Itten. Así que decidí preparar e incluso pintar yo misma nuevas láminas a partir de las láminas originales, así como de los ejemplos mostrados en el gran libro de
El arte del color. Al haber sido alumna de Itten en Krefeld, había conocido su teoría, la había estudiado a fondo, la había enseñado una y otra vez en mis clases y la había aplicado con éxito en mi propio trabajo para la industria textil. Además, había colaborado de manera activa en el gran volumen de El arte del color.

Las nuevas láminas preparadas para la exposición de la Bauhaus
conforman la base de las que se incluyen en esta "breve teoría del color".
Así que, en correspondencia con las dimensiones limitadas de este libro,
el texto de Itten solo ha podido seguirse en lo relativo a los ejemplos se-
leccionados o a aquello que resulta comprensible sin ejemplos gráficos.
En estrecha colaboración con la editorial, me esforcé en elegir para esta
edición abreviada lo que representa tanto la teoríaconstructivista como
las ideas básicas sobre la teoría de la impresión y la expresión de los co-
lores, para combinarlas de tal modo que pueda afirmar con convicción
que este librito contiene las ideas esenciales de la teoría de los colores
de Itten.

En marzo de 1967, Johannes Itten escribió en su diario: "De igual modo que una palabra adquiere su significado completo en relación con otras palabras, también los colores aislados adquieren su expresión propia y su sentido exacto en relación con otros colores". Ya en 1964 había escrito en el prefacio a la edición japonesa de la gran edición de El arte del color: "Quien quiera llegar a ser un maestro del color tendrá que ver, sentir y experimentar cada uno de los colores por sí solo y en sus infinitas combinaciones con todos los demás". En esta edición abreviada se muestran las vías que pueden llevarnos a vivir el milagro del color.

Anneliese Itten
Zúrich, septiembre de 1970

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La teoría del color de Johannes Itten puede considerarse una referencia universal para todas aquellas personas -artistas, diseñadores, historiadores del arte, estudiantes- interesadas en el color y sus complejidades. No hay libro o curso de introducción al color que de forma directa o indirecta no haga referencia a las aportaciones teóricas y pedagógicas de Itten.

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Colour Psychology is a very interesting topic to focus the project on. Leaving the theoretial research aside, what have you created?

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Very sincere approach and involvement, both in the research and the creation part. Very interesting comments on the creative process of the collages, which show fresh variety of ideas. I wonder how many more you have done and if there is a large format piece (I hope so). Good job so far, Amaia!

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- Recycled glass jars
- Shells from the beach
- Unpainted and painted stones
- Water
- Earth
- Plants grown from seeds I have obtained at home
- Dried pine nuts
- Moss
- Tweezers and spoon
- Cotton

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Nothing to follow up

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https://medium.datadriveninvestor.com/ignore-these-7-habits-and-live-life-on-your-terms-678efb6f19d9

Society wants us all to follow certain roles, to be as similar as possible, many people are afraid of being different or being singled out because we have been taught that being different is bad. Who hasn't heard, don't shave your hair, you're a girl, don't wear that, you'll be looked down on, if you get tattoos you won't get accepted at work, how can you go to work dressed like that?

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I really enjoy this Instagram page. @showko_ artwork

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Bruno Capalongo works

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Oct 24, 2021 - “El mal es incapaz de realizar un sacrificio, su victoria está con aquel que puede sacrificar” - Carl Jung (libro Rojo) Escribo desde mi más absoluta ignorancia intelectual respecto al tema político. Escribo solo como ciudadana con libertad de pensamiento que al fin de cuentas es lo ú…

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Relating the two themes, I would like to do something in this style by merging the faces of my brothers and making reference to this Japanese technique.

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La práctica japonesa de reparar fracturas de la cerámica con resina de oro nos habla directamente a todos: a veces los defectos son las más grandes virtudes. "No hay una belleza realmente excelsa que no tenga una anomalía en sus proporciones." -Francis Bacon
Entre la afanosa muchedumbre de metáforas que relacionamos con la vida, la de la cicatriz es una que nos atañe a todos. El mundo se encarga de agrietarnos, de llenarnos de fisuras, y es allí donde reside para nosotros un crisol de posibilidades; la cicatriz se convierte en una ocasión para enfrentarnos al mundo. Mas nadie ha planteado esta metáfora con tanta belleza, con tanta claridad, como los japoneses en el arte kintsugi (o kintsukuroi).

El kintsugi es la práctica de reparar fracturas de la cerámica con barniz o resina espolvoreada con oro. Plantea que las roturas y reparaciones forman parte de la historia de un objeto y deben mostrarse en lugar de ocultarse. Así, al poner de manifiesto su transformación, las cicatrices hiembellecen el objeto.

El poeta Rumi decía que "la herida es el lugar por donde entra la luz".

En esta filosofía hay algo casi diametralmente opuesto a la manera occidental de ver la fractura, tanto anímica como material. En lugar de que un objeto roto deje de servir y lo desechemos, su función se transforma en otra: en un mensaje activo. El objeto roto pasa de ser una cosa a ser un gesto gráfico que nos incita a emular su poderosa transformación, y, metafóricamente, la herida pasa de ser un trazo de oscuridad a ser una ventana de luz.

El kintsugi es silencioso y manifiesto. Solo el trazar un incidente doloroso con polvo de oro es aceptarlo como una alhaja, como una raya luminosa en la piel del tigre.
"Hay una grieta en todo, así es como entra la luz."
― Leonard Cohen
El wabi-sabi es una belleza comedida que existe en lo modesto, rústico, imperfecto o incluso lo decaído, una sensibilidad estética que encuentra una belleza melancólica en la impermanencia de las cosas.

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El arte del Kintsugi o la belleza de las cicatrices - Cultura Inquieta

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La práctica japonesa de reparar fracturas de la cerámica con resina de oro nos habla directamente a todos: a veces los defectos son las más grandes virtudes. "No hay una belleza realmente excelsa que no tenga una anomalía en sus proporciones."

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Arte japones que repara lo dañado enalteciendo las imperfecciones

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Mar 23, 2021 - Arte japones que repara lo dañado enalteciendo las imperfecciones

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Because of this, I came across the art of wound repair, or Kintsugi in Japanese. This idea of repair gave rise to relate this term to resilience or the capacity of human beings to adapt positively to adverse situations. I liked it very much and I inquired about the tradition and its uses.

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lol I said I was going to be inactive but I’m uploading art what