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La scultura greca_ alla ricerca del pathos

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L'antica Grecia ha dato un contributo significativo allo sviluppo della cultura mondiale. Il Scultura greca L'antica civiltà altamente sviluppata ha permesso di dimostrare una visione olistica e armoniosa del mondo da parte dei popoli antichi, per riflettere la perfezione morale e fisica di una persona in un modello tridimensionale.

La grande civiltà greca poi definita dagli storici come la civiltà ellenica nasce intorno all'VIII secolo a.C. dall'unione di alcuni popoli invasori come i Dori che, dopo barbare e violente battaglie, si insediarono definitivamente intorno al XII secolo a.C. nel territorio della la penisola greca e gli abitanti locali che via via incontrarono lungo il loro cammino.

Questa antica civiltà che si è formata nel tempo iniziò a crescere e svilupparsi in molti settori come quello navale, commerciale e sociale. Un grande impulso positivo è stato dato soprattutto dal campo artistico grazie al lavoro e al talento di artisti famosi e unici.

In campo artistico, una delle forme d'arte più utilizzate in cui gli artisti greci si sono davvero distinti fino alla perfezione è stata la scultura che insieme alle loro famose statue, fortunatamente arrivate ai giorni nostri, hanno portato nell'Olimpo la civiltà dell'antica Grecia dell'arte.

L'arte dell'antica Grecia divenne il pilastro e il fondamento su cui crebbe l'intera civiltà europea. La scultura dell'Antica Grecia è un soggetto speciale. Senza la scultura antica, non ci sarebbero capolavori geniali del Rinascimento ed è difficile immaginare l'ulteriore sviluppo di quest'arte.

Le statue in Grecia hanno svolto un ruolo importante nella vita delle persone. Erano collocati nei luoghi più significativi, servivano per decorare i templi, venivano eretti in onore dei vincitori dei Giochi Olimpici. Furono installati su tombe in memoria del defunto, servivano per decorare edifici pubblici. Queste sculture classiche ed ellenistiche hanno influenzato direttamente la scultura romana e persino la scultura occidentale di moda oggi.

L'antica Grecia, come altre culture, ha attraversato diversi periodi nel suo sviluppo. Ognuno di loro è stato caratterizzato da cambiamenti in tutti i tipi di arte, compresa la scultura. È possibile così ripercorrere le principali tappe della formazione di questa forma d'arte, descrivendo brevemente le caratteristiche della scultura greca antica nei vari periodi dello sviluppo storico di questo paese.

Una panoramica del lavoro scultoreo in tre periodi cardinali della storia dell'arte greca rivela il continuo miglioramento dello stile e della tecnica di produzione, dall'immobilità al movimento. È un modello ideale per gli scultori che vogliono orientarsi nella professione, prendendo lezioni dallo studio della visione del corpo umano da parte degli antichi maestri della scultura greca.

La maggior parte delle statue di marmo furono distrutte, quelle di bronzo furono fuse mentre i cristiani cercavano di ripulire la Grecia dal paganesimo. Quattro delle sette antiche meraviglie del mondo, la Statua di Zeus, il Tempio di Artemide, il Colosso di Rodi e il Faro di Alessandria erano monumenti greci. Oggi non esistono, non possiamo apprezzare la grandezza di queste opere d'arte. Ma molte sculture greche rimangono nelle famose gallerie di tutto il mondo.

Il periodo arcaico è il primo periodo nella storia dell'arte greca antica, a partire dal 700 a.C. C. e terminò nel 480 a. C. Il termine "arcaico" è un termine greco che significa "presto". È usato per descrivere molti eventi nell'arte che hanno avuto luogo nelle prime fasi della cultura greca. Pertanto, le sculture di questo periodo indicano le abilità iniziali che mostrarono gli scultori greci. Questa fase è una fase stazionaria in cui i pezzi sono stati creati senza movimento o flessibilità.

Le sue statue erano caratterizzate dalla simmetria e rigidità delle forme. Vengono evidenziate le caratteristiche importanti della figura umana. Le figure maschili erano nude, le sculture conosciute come figure di Kuros erano nude perché gli atleti erano nudi durante le Olimpiadi.

Avevano la gamba sinistra davanti. D'altra parte, le sculture femminili chiamate Korai (fanciulle) erano completamente vestite. Le pose per le sue figure scolpite includevano posizioni in piedi, in ginocchio e sedute. I greci scolpivano principalmente figure di dei e dee a somiglianza di uomini, donne e bambini. Gli scultori moderni usano raramente i tipi di scultura Kuros e Korai.

A causa della mancanza di sviluppo delle abilità, le sue figure scultoree non sono state ritratte in modo realistico. Nel loro desiderio di vedere sorrisi, i greci davano alle loro labbra un'espressione curva, che i critici d'arte chiamano il "sorriso arcaico". Era una forma di sorriso espresso artificialmente sul volto delle sculture a causa della mancanza di abilità scultorea.

La prima era della scultura storica greca fu influenzata dalla statua dell'antico Egitto. Le sculture greche tradizionali dell'epoca erano considerate innaturali e inflessibili. Il corpo della scultura di questo tempo è criticato per essere assemblato come se fosse composto da pezzi.

Si può notare che le statue sono state scolpite da un blocco rettangolare. Questi non erano ritratti, ma una rappresentazione simbolica di un dio. A volte fungeva anche da statua di una persona deceduta o da monumento ai vincitori dei giochi olimpici.

Un esempio lampante di figure femminili arcaiche sono la Dea con il melograno (580-570 aC) e la Dea con la lepre (circa 560 aC). Tra le immagini maschili spicca il gruppo scultoreo Cleobis e Biton, il cui creatore è il famoso scultore Polimede de Argo (alla fine del VII-VI secolo aC). Leggerezza, raffinatezza e giocosità contraddistinguono le opere degli antichi maestri ionici. L'esempio più famoso è considerato l'Apollo Ombra, creato nel 560-550 a.C

La scultura monumentale occupa un posto essenziale nell'arte del tempo. Era consuetudine esporre in rilievo i miti più curiosi e significativi dell'antica Grecia. L'attenta considerazione della composizione del frontone del Tempio di Artemide (circa 590 aC) consente di godere dello spettacolo della trama in rapido sviluppo ed emozionante del famoso mito di Medusa, della Gorgone e del glorioso Perseo.

Nel periodo classico (tra il V e il IV secolo aC) le immagini mostravano movimento controllato e armonia tra tensione e rilassamento. Per questo è stato utilizzato il contraposto: una posizione rilassata e naturale che porta il peso su una gamba in modo che l'anca opposta sia sollevata per produrre una curva rilassata nel corpo.

La schiena è leggermente curva in quella posizione. Ora venivano presi in considerazione diversi punti di vista: un'immagine poteva essere vista da tutti i lati, non era più pensata per essere vista solo da una posizione frontale. Durante questo periodo, l'arte greca raggiunse il suo apice. La scultura è stata notata per la sua flessibilità e lo studio completo della rappresentazione del movimento.

L'osservazione critica e lo studio dell'anatomia umana hanno portato alla creazione di figure scultoree in pieno realismo e nelle loro corrette proporzioni. Durante il periodo classico della scultura greca furono realizzate le opere antiche più note. Pietra e bronzo divennero scelte materiali popolari durante questo periodo. Gli antichi greci diedero a queste statue molte pose attive.

L'antica scultura greca del periodo classico potrebbe essersi concentrata sul movimento, ma i volti di queste statue erano in gran parte stoici. Si credeva che solo i barbari mostrassero le loro emozioni in pubblico. L'umanità è stata mostrata idealizzata nelle sculture d'arte greche antiche. I capolavori della Grecia classica si distinguono per l'armonia, le proporzioni ideali, che parlano di un'eccellente conoscenza dell'anatomia umana, nonché del contenuto interno e della dinamica.

Nell'era dei classici furono create sculture famose come Atena Parthenos, Zeus Olimpio, Discobolo, Doriforo e molti altri. La storia ha conservato per i posteri i nomi degli scultori più importanti dell'epoca: Policleto, Fidia, Mirone, Scopa, Prassitele e molti altri. Il periodo classico è caratterizzato dalla comparsa delle prime figure femminili nude (l'Amazzone ferita, l'Afrodite di Cnido), che danno un'idea dell'ideale della bellezza femminile nel periodo di massimo splendore dell'antichità.

I frontoni del Tempio di Atena Aphaia (500-480 a.C.), che consentono di tracciare il passaggio dall'arcaico (frontone occidentale) ai nuovi ideali (frontone orientale), sono riconosciuti come un esempio particolarmente impressionante di creazioni realizzate nei primi classici fase. L'armonico connubio tra l'energia del movimento e la maestosità della figura segna il momento in cui l'età dei grandi classici supera il periodo classico arcaico.

La pietra miliare più significativa di questo passaggio è la creazione della statua di Poseidone (intorno al 450 aC). Forse una delle sculture del periodo classico più conosciute e famose al mondo è quella del Discus Thrower di Myron, che è l'incarnazione perfetta del modello di atleta ideale immaginato dagli antichi greci.

Questa statua raffigura il giovane atleta in procinto di lanciare il disco. Puoi vedere la tensione di tutte le parti del corpo che precede lo scatto vero e proprio. Il perfetto equilibrio fisico deve rispecchiare il valore morale dell'atleta stesso, disposto ad andare oltre i propri limiti ed esaltare le proprie virtù.

Questo è il terzo e ultimo periodo nella storia della scultura greca antica, a partire dal 323 a.C. C. e terminò nel I secolo Il termine "ellenistico" si riferisce alle arti che si svilupparono sotto l'influenza della Grecia nei paesi mediterranei durante il regno di Alessandro Magno. All'interno dei centri culturali del mondo ellenistico sorsero numerose accademie che si occupavano di un'analisi seria di un'ampia gamma di campi, tra cui arte, letteratura e medicina.

I canoni sono stati progettati per giudicare la qualità della scultura. Ciò ha portato a un maggiore interesse per i sistemi proporzionali nella scultura. Le opere erano caratterizzate da realismo, emozioni estreme, gesti, muscoli e forme stravaganti. La dinamica del movimento è accurata, il vento che soffia attraverso le penne delle ali e le pieghe dell'abito possono essere viste con dettagli indescrivibili. Gli scultori hanno esplorato i movimenti tridimensionali.

Uno dei primi progressi della scultura in questo periodo fu il grande interesse per il ritratto. La somiglianza individuale era assente sia nella scultura arcaica che in quella classica, ma era dominante nella scultura greca ellenistica. Non tutti possono vedere le differenze tra l'antica scultura greca del periodo classico e le tradizionali sculture d'arte greca del periodo ellenistico.

La tarda antichità greca è caratterizzata da una forte influenza orientale in tutta l'arte in generale e nella scultura in particolare. Scorci complessi, drappeggi squisiti, appaiono nei suoi molti dettagli. L'emotività e il temperamento orientale penetrano nella calma e nella maestosità dei classici. Afrodite di Cirene, è piena di sensualità, anche qualche civetteria, una copia si può ammirare nei Musei Vaticani.

La composizione scultorea più famosa di epoca ellenistica è Laocoonte ei suoi figli di Agesander di Rodi (il capolavoro è conservato in uno dei musei vaticani). La composizione è piena di dramma, la trama stessa suggerisce forti emozioni. Precisione e realismo sorprendenti, nonché forti emozioni, impressionano e affascinano gli spettatori moderni.

Tutto ciò è volto a regalare opere di emozione e temperamento, del tutto inconsuete per l'arte dell'antica Grecia in epoche precedenti.Questa celebre scultura sembra aver toccato molto, a livello intimo, anche il grande Michelangelo Buonarroti in tempi più recenti.

Infatti la scultura del Laocoonte fu ritrovata a Roma durante gli scavi archeologici e il giovane Michelangelo rimase così affascinato dalla statua e dai suoi movimenti molto reali che trasmettono forti emozioni che si interessò alla scultura greca classica. E possiamo vedere queste influenze quando ammiriamo alcune opere del grande scultore.
Di seguito alcuni link di interesse:

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Storia della scultura greca e caratteristiche ▷➡️ Postposmo

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L'antica Grecia ha dato un contributo significativo allo sviluppo della cultura mondiale. Il Scultura greca L'antica civiltà altamente sviluppata ha permesso di dimostrare una visione olistica e armoniosa del mondo da parte dei popoli antichi, per riflettere la perfezione morale e fisica di una persona in un modello tridimensionale.

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"Lacoonte": il pathos delle rappresentazioni teatrali

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"Lacoonte": il pathos delle rappresentazioni teatrali

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l Pathos infatti corrisponde alla parte irrazionale dell'animo. Esso può avere sia connotazione positiva, sia negativa a seconda del contesto. Può indicare, quindi, sia il sentimento come affezione dell'animo, sia un effetto-mezzo utilizzato per creare la partecipazione empatica del pubblico. Nell'Italiano moderno può assumere il significato di carica emotiva e di commozione derivati dalle rappresentazioni teatrali e delle arti figurative in genere, il sentimento insito in un'opera. In epica, quando si parla di pathos, si intendono quelle sequenze della vicenda più cariche di emozioni, come quando si descrive qualcosa di triste, una sofferenza.

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Il teatro è una forma d'arte antica e molto varia, ricca di caratteristiche distintive, importanti e significative. Diversi sono gli stili, i generi che commediografi e registi hanno utilizzato nel tempo e continuano ad utilizzare per realizzare spettacoli che vadano incontro alle esigenze e ai gusti del pubblico, nei diversi contesti, culture e periodi storici. Come detto i generi sono molti e spesso non si escludono a vicenda; la ricchezza e l'unicità del teatro sta proprio nel fatto che è possibile prendere in prestito elementi di ogni stile per mettere in scena lavori dove la combinazione è il tratto distintivo della rappresentazione stessa.

La tragedia, che deriva dalla ricca tradizione poetica e religiosa dell'Antica Grecia, rappresenta una delle forme più antiche di teatro. Il dramma messo in scena è solitamente serio e di elevato significato, si tratta spesso di temi mitologici o storici, infatti è generalmente ambientata fra Dei o alla corte di un Re, dove un personaggio eroico affronta gli eventi; la tragedia si conclude solitamente con la morte dei protagonisti o con una descrizione della loro pena. In epoca classica è solito che venisse descritto e raccontato un fatto noto al pubblico.

L'origine del nome Tragedia è avvolto in un alone di mistero. Secondo Aristotele la tragedia discende dal dramma satiresco; egli la definisce come imitazione di un'azione seria e compiuta in se stessa. La paternità di questo antico genere teatrale è sempre stata rivendicata da Atene, senza mai preoccuparsi del fatto che la lingua in cui il coro era solito esprimersi era dorica.

La Tragedia nella Storia

Come detto, la tragedia nasce nella Grecia Antica, ma i romani adattarono la adattarono al loro tempo e alla loro cultura nelle "fabulae praetextae", descrivibile come dramma storico nazionale, in netta opposizione alla fabula cothurnata, la tragedia di argomento greco, introdotta da Ennio e Nevio. La tragedia riprende vigore con Seneca, anche se caratteristiche come il gusto dell'orrido, l'alto numero di personaggi, sono decisamente poco adatte al teatro tragico dell'epoca, portando a ritenere che fossero destinate alla declamazione più che alla rappresentazione scenica. Nel era cristiana viene ripresa la modulistica tragica classica declinata su argomenti biblici e sacri, pensata per fini apologetici e di conversione, la tragedia usata come dottrina. Anche il Medioevo è caratterizzato da rappresentazioni a sfondo sacro, dove però risulta più complesso scorgere un legame o una parentela con la tragedia classica.

La tragedia rinasce e risorge in tempi moderni, recuperando tematiche di epoche precedenti trasformate in forme nuove, come i temi mitologici. La tragedia confluisce nell' Opera lirica, ovvero la tragedia cantata intesa come prosecuzione della tragedia greca. Passati i temi mitologici, gli argomenti rimangono ugualmente eroici, aulici e distanti dal quaotidiano, avvicinandosi però ai temi cari ai cantori. Questi accade già in epoca rinascimentale e post - rinascimentale, con autori tipo Shakespeare che rappresentano la tragedia, sia sulla scena, basata su modelli e temi originali, ma anche in forma letteraria, conservando un legame più o meno forte con la rappresentazione teatrale.

Negli ultimi secoli il cammino della tragedia si diversifica: c'è quella che mantiene uno stretto legame con la scena, tipo l'opera di Brecht, quella che si fa genere letterario, quella che confluisce completamente nell'Opera lirica, Mozart o Strauss insegnano, quella che al contrario riafferma un forte e indissolubile legame con la poesia più pura, come mostrano Manzoni e Wilde, quella che reinterpreta miti greci o rappresenta le tragedie sociali del presente, come insegna Mirbeau, esponente dell'impressionismo e dell'espressionismo.

Il Tempo della Tragedia

Il presente assoluto, il classico "hic et nunc" che agisce nella realtà alternativa che è il teatro, rappresenta il tempo ideale della tragedia. Lo spettatore vive una realtà diversa da quella quotidiana ma che è ugualmente reale. L'eroe tragico, interpretato dall'attore, non perde mai la sua facoltà di autodeterminazione: nei testi la volontà dell'uomo è elemento distintivo; il protagonista ha sempre di fronte delle alternative e una scelta da compiere.
Nella tragedia vive una contraddizione, interna all'illusione teatrale, quella tra presente scenico e il passato del mito. Al suo interno prende sempre forma il paradosso della coesistenza di differenti universi temporali. Il percorso obbligato del mito, costituisce il destino dell'eroe tragico, che lo porta a riflettere sul contrasto tra necessità e libertà; una riflessione con la quale anche il mondo contemporaneo si confronta.

Per Eschilo la tragedia rappresenta la giustizia divina; Per Sofocle è dolore e infelicità dell'uomo che non accetta compromessi; Invece Euripide mette in evidenza il ruolo dell'irrazionale, della passione e dei sentimenti.

La Struttura della Tragedia

La tragedia greca è strutturata secondo un rigido schema definibile con precisione. La tragedia inizia con un prologo, il discorso preliminare, che ha la funzione di introdurre il dramma; segue la parodo, che consiste nell'entrata in scena del coro attraverso i corridoi laterali; il coro composto da dodici e successivamente quindici persone, aveva l'importante compito di cantare le parti ad esso dedicate, più note come stasimi, e interagire con gli attori durante le parti recitate, i cosiddetti episodi, vera e propria azione scenica. Solitamente tre o più, gli episodi sono intervallati dagli stasimi, intermezzi nei quali il coro commenta, illustra e analizza la scena.
La tragedia si conclude con l'esodo, ovvero con l'uscita di scena del coro. Spesso però, nel finale, viene fatto uso del deus ex machina, ovvero un personaggio divino che viene fatto calare sulla scena per risolvere la vicenda visto che i personaggi sono bloccati in una situazione d'impasse.

Se inizialmente il coro ricopriva il ruolo principale, nel tempo furono gli attori stessi ad acquisire sempre maggiore importanza. Il coro, al contrario, vide sempre più ridotti i suoi interventi e le interazioni con gli attori, divenuti via via sempre più centrali nello sviluppo stesso dello spettacolo.

Per concludere...

Secondo Steiner, saggista e scrittore francese docente di letteratura comparata, non esistono oggi molte possibilità per la tragedia come forma d'arte, a meno di ricercare il tragico in qualcosa di estraneo all'arte stessa; l'uomo di oggi è saturato da catastrofi e da atrocità di fronte alle quali reagisce spesso con indifferenza.

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Il teatro è una forma d'arte antica e molto varia, ricca di caratteristiche distintive, importanti e significative. Diversi sono gli stili, i generi che commediografi e registi hanno utilizzato nel tempo e continuano ad utilizzare per realizzare spettacoli che vadano incontro alle esigenze e ai gusti del pubblico, nei diversi contesti, culture e periodi storici.

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I due principali generi teatrali: tragedia e commedia

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Attribuisci correttamente gli elementi al genere della tragedia o quello della commedia.

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Struttura del teatro greco - Tratti generali

Il teatro come oggi lo conosciamo è un luogo che si è sviluppato nel corso del tempo. Alle radici, sia ideologiche sia architettoniche, del teatro occidentale possiamo, seguendo uno schema cronologico, collocare il teatro greco, il teatro della Grecia antica.

In senso architettonico il teatro è il luogo del theàomai, dello stare a guardare. Pertanto, ha bisogno di due parti, una per lo svolgimento dello spettacolo e una per lo spettatore. Da uno spazio allestito in maniera occasionale, si passò all'uso di strutture lignee mobili, fino ad arrivare, durante il V secolo a.C., a uno spazio creato ad hoc, con strutture fisse in pietra. Il teatro greco era scavato nella roccia e pertanto era collocato presso un pendio. Uno spazio semicircolare (in greco kòilon, in latino cavea) era occupato dagli spettatori, al centro l'orchestra, il luogo del coro, e dalla parte opposta a essa la skenè, o edifico scenico, il luogo dove gli attori si cambiavano. All'orchestra si accedeva attraverso due accessi scoperti, le pàrodoi, che separavano l'edificio scenico dalla cavea. Davanti alla skène, il proskènion, ovvero il palcoscenico dove gli attori si esibivano.

Nel corso del tempo il teatro come è stato sintatticamente descritto ha subito molteplici mutamenti. Per esempio, nel corso del III secolo, la skenè assunse dimensioni maggiori, fino a divenire una monumentale facciata a più piani, con varie porte da cui entravano e uscivano gli attori, mentre il palcoscenico tendeva a invadere l'orchestra, la cui importanza diminuiva insieme all'importanza che al coro veniva data.

Funzionamento del teatro - Come e quando si andava a teatro

Una struttura quella del teatro greco che prevedeva un funzionamento assai diverso da come noi oggi siamo abituati a vivere e pensare il teatro. Quello teatrale era anzitutto un agone, una gara tra drammaturghi scelti, una competizione che si svolgeva in un arco di tempo circoscritto e in un luogo ben preciso: Atene. Infatti, quando parliamo di teatro nella Grecia antica, parliamo soprattutto delle rappresentazioni teatrali ad Atene poiché è qui che il teatro è nato ed è qui che si è sviluppato.

L'agone drammatico si svolgeva durante le Grandi Dionisie, o Dionisie cittadine, celebrate in onore di Dioniso alla metà del mese di Elafebolione (marzo-aprile). La festa vera e propria era preceduta da una processione, durante la quale la statua del dio veniva portata in un tempio fuori città e successivamente condotta nel teatro. Nei giorni precedenti si svolgeva il , momento in cui i poeti presentavano le opere che avrebbero messo in scena. Nei giorni successivi si svolgevano gli agoni ditirambici, gli agoni tragici - tre giorni consecutivi durante i quali tre poeti rappresentavano ciascuno una tetralogia (tre tragedie e un dramma satiresco) nel corso di un'unica giornata - e gli agoni comici (a partire dal 486 a.C.), in cui venivano messe in scena cinque commedie di autori diversi nello spazio di una sola giornata. La giuria che doveva proclamare il vincitore era formata sorteggiando un membro per ognuna delle tribù in cui era suddivisa l'Attica, secondo una procedura complessa volta a garantire il massimo dell'imparzialità. Un gran numero di cittadini era impegnato sia nel periodo che precedeva la festa, sia durante la festa, nell'allestimento dei rituali e della processione preliminare, nella selezione della giuria, nelle rappresentazioni vere e proprie.

Abbiamo notizia dalle fonti antiche di altre feste come le Dionisie "rurali" che si svolgevano nei demi periferici di Atene, di solito nel mese di Posideone (dicembre-gennaio), meno fastose. C'erano le Lenee nel mese di Gamelione (gennaio-febbraio), agoni drammatici destinati prevalentemente alla rappresentazione delle commedie.

Per il cittadino ateniese andare a teatro significava assistere a uno spettacolo osmotico alla comunità di cui era parte. Poiché Atene non possedeva un vero e proprio sistema interno di tassazione, a seconda dei momenti storici lo sforzo necessario a muovere la macchina economica dello spettacolo poteva essere sostenuto dalla città stessa, dalle sue istituzioni o da privati cittadini e famiglie altolocate. Ad esempio spesso i cittadini più ricchi finanziavano la coregia (l'allestimento di un coro tragico), una sorta di "imposta" che prevedeva, tra l'altro, la retribuzione del musico e il mantenimento dei coreuti, e garantiva a colui che se ne addossava l'onere la gratitudine e la riconoscenza da parte della comunità. Inutile dire che l'incarico di corego fu ricoperto da molti uomini politici di spicco come Temistocle, Pericle, Alcibiade. Era l'arconte eponimo (figura istituzionale di riferimento anche per l'organizzazione dell'agone teatrale) che sceglieva tre dei cittadini più ricchi ai quali affidare la coregia. L'intervento del singolo cittadino rientrava nell'ambito della polis, che si preoccupava della selezione dei poeti e dei giurati, dell'organizzazione dello spettacolo e dell'elargizione del theorikón, un sussidio statale, concesso ai cittadini che si recavano ad assistere alle rappresentazioni e che per far questo dovevamo lasciare il loro lavoro quotidiano.

Dopo la fine della seconda guerra persiana, grazie ai contributi della Lega e alla grandi ricchezze accumulate nel tempo, Atene poté permettersi di finanziare maggiormente la dimensione artistica e sociale della propria comunità.

Protagonisti sulla scena - Attori e drammaturghi

In scena a teatro vi erano gli attori e i coreuti. L'origine dello spettacolo teatrale è legata al dialogo che il capo coro, il coreuta, istituiva con l'attore. È proprio questo dialogo, che si affianca e alterna al canto e alle danze del coro, la condizione tecnica perché esistano la tragedia e la commedia. All'unico attore presente sulla scena nei primi anni di vita della rappresentazione teatrale, all'epoca di Tespi, se ne aggiunge con Eschilo un secondo; con Sofocle la scena arriva a ospitare un massimo di tre attori attivi contemporaneamente in scena. Il fatto che non sia mai stato superato questo numero è dovuto probabilmente alla necessità di uno svolgimento lineare dell'azione che evitasse confusioni e sovrapposizioni del parlato.

Gli attori erano tutti uomini che recitavano indossando maschere, diverse a seconda del sesso del personaggio (le maschere femminili erano più chiare) e della tipologia di spettacolo. Le maschere degli attori comici presentavano nasi prominenti, barbe arruffate, tratti caricaturali, mentre gli attori tragici si servivano di maschere piuttosto realistiche. In generale le maschere avevano anche una funzione pratica, dovevano far sentire chiaramente la voce del personaggio, le sue battute, oltreché permettere la sua identificazione.

Molti sono i nomi dei drammaturghi che la tradizione ci ha lasciato, ma pochissime sono le opere complete giunteci, tutte legate ai nomi di Eschilo, Sofocle ed Euripide, gli autori che la tradizione ha meglio conservato e che finiscono per apparirci come la summa del teatro greco antico. Meglio, è un eufemismo: di Euripide sappiamo che compose 92 drammi, eppure noi oggi abbiamo solo 19 opere sue di cui una, il Reso, è considerata spuria. Sette sono le tragedie di Sofocle che ci sono rimaste e altrettante sono le tragedie che possediamo di Eschilo. Un numero non troppo ampio di frammenti, unito alle commedie superstiti di Aristofane e a quelle di Menandro, finisce per essere quasi tutto il materiale in nostro possesso, materiale che copre un arco cronologico di più o meno due secoli: Eschilo nasce nel 525 a.C. e Menandro muore nel 291 a.C.

Il teatro nella e della polis

La vita del teatro ha avuto alle sue spalle un contesto storico politico cangiante, sicché il significato dello spettacolo e le tematiche messe in scena mutavano sensibilmente con il passare del tempo: la tragedia di Eschilo non è quella di Euripide, la commedia di Aristofane non è quella di Menandro. Inoltre, il percorso di un singolo autore presenta mutamenti determinati da quel che succede intorno a lui, così che le prime commedie di Aristofane si differenziano dalle sue più recenti produzioni conservatesi. Ancora, va detto che i primi sessant'anni della storia dell'agone drammatico sono per noi scarsamente documentati.

Sappiamo che negli anni della 61a Olimpiade (536/535-533/532 a.C.) sono stati istituiti agoni durante i quali veniva allestito uno spettacolo drammatico - opera di Tespi, il primo poeta tragico secondo la tradizione - della cui forma originaria poco sappiamo. Nel corso di alcuni decenni lo spettacolo si precisa nei contenuti e nella struttura, assumendo quelle caratteristiche che saranno proprie della tragedia, e viene affiancato da altre rappresentazioni (commedia e dramma satiresco).

Quando noi parliamo di significato politico dell'esperienza teatrale siamo soliti riferirci al teatro dell'Atene classica (ca. V secolo a.C.), teatro che vuole configurarsi, secondo una delle molteplici letture che di esso si sono date, come una grande esperienza pedagogica collettiva, un momento in cui il drammaturgo, con la sua tetralogia, vuole invitare il pubblico a riflettere sui temi caldi dell'attualità, per poi offrire un momento di distensione con il dramma satiresco.

Il racconto sulla scena attinge alle vicende del mito, un repertorio di vicende comuni tra il drammaturgo e il suo pubblico. Pertanto è la variazione del mito che contribuisce a far l'opera. Il mito acquista una nuova funzionalità nell'azione drammaturgica e può essere riutilizzato in modo diverso innumerevoli volte. " La tragedia nasce quando si comincia a guardare il mito con gli occhi del cittadino" ( Walter Nestle). La tradizionale valenza formativa del mito viene piegata alla realtà della polis che ha bisogno di spazi in cui formare i cittadini e discutere le questioni che possano interessarli, modificando continuamente l'approccio delle vicende messe in scena. Aggiornandosi continuamente, il mito nel dramma diviene espressione della problematizzata polis.

Extra - Ad uso e consumo del lettore

Infine, un piccolo spazio per qualche romantica osservazione sparsa. Di tutto quel che è stato detto, oggi cosa resta? Cosa rimane del teatro greco? Un rudere ad Atene, un bel luogo che a Epidauro i turisti si divertono a visitare, una cartolina da Siracusa. Un discorso, quello sull'eredità del teatro greco, che è meglio qui non affrontare. Troppo lungo, troppo complesso. Eppure, a un problema spinoso, si può dare una riposta che possiede un buon grado di ragionevolezza. Come la variazione sul mito ha fatto parte del processo drammaturgico in antico, anche per noi la variazione su quel bagaglio culturale diviene un modo per confrontarci con questa eredità, riutilizzandola. Pensando a qualche opera sparsa, viene in mente La vedova Socrate di Franca Valeri: Santippe, la vedova dell'illustre filosofo, mette in scena nel suo monologo tutti i massimi personaggi della Grecia antica, drammaturghi compresi, per divenire lo specchio del nostro tempo, guardando al suo. In Mai di sabato, signora Lisistrata (regia di Vito Molinari), versione televisiva della commedia Un trapezio per Lisistrata, la trama di una commedia di Aristofane ( Lisistrata) diviene il mezzo per parlare della Guerra Fredda. E per la regia di Tullio Solenghi è andata in scena a Siracusa nel 2019 un'incredibile Lisistrata che (forse) avrebbe trovato il plauso dello stesso Aristofane, viste le soluzioni comiche adottate. Gli esempi si sprecano e questi sono solo alcuni dei molti possibili. Vogliono segnare l'inizio di mille e mille percorsi percorribili che dall'esperienza ateniese del V secolo si snodano e si possono snodare ancora oggi sotto i nostri occhi.

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Andando indietro - Il teatro greco antico: struttura e funzionamento

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Struttura del teatro greco - Tratti generali Il teatro come oggi lo conosciamo è un luogo che si è sviluppato nel corso del tempo. Alle radici, sia ideologiche sia architettoniche, del teatro occidentale possiamo, seguendo uno schema cronologico, collocare il teatro greco, il teatro della Grecia antica.

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Il bello ideale della Grecia classica - storia dell'arte in pillole

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osserva il video con i vari passaggi della realizzazione della maschera

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La maschera di Agamennone civiltà micenea

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Voki, materiale occorrente per realizzare la nostra maschera

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Il teatro greco spiegato ai ragazzi - Google Search

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Please click here if you are not redirected within a few seconds. Nov 30, 2020 · Carissimi! In questo momento difficilissimo nel quale la modalità di somministrazione delle ...Duration: 3:14 Posted: Nov 30, 2020 Nov 6, 2020 · Your browser can't play this video. Learn more.

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Il filosofo Giuseppe Girgenti racconta la tragedia Agamennone, la prima della trilogia dell'Orestea, che comprende e Le Eumenidi, messa in scena per la prima volta nel 458 a.C. durante le Grandi Dionisie.

Agamennone, re di Argo, alla vigilia della guerra di Troia, avendo venti sfavorevoli che gli impedivano la partenza, viene indotto dall'indovino Calcante a sacrificare la figlia Ifigenia, per propiziarsi gli dei e riuscire a partire. Ma la moglie Clitennestra decide di vendicare il sacrificio della figlia e al ritono del re acheo dalla guerra, insieme al suo amante Egisto, lo uccide. Questo delitto sarà a sua volta vendicato da Oreste, figlio di Agamennone, che per vendicare il padre ucciderà la madre e il suo amante.

La trilogia di Eschilo che compone l'Orestea ha una chiara soluzione politica: per interrompere la catena dei delitti di sangue tipici del familismo arcaico, Oreste sarà giudicato dal tribunale, l'Areopago di Atene, garantito dalla dea Atena, l'unico che può assolvere Oreste dall'accusa di matricidio.

Nell'Agamennone c'è anche un'altra via di uscita, un topos della tragedia greca, che pur non eliminando il dolore riesce però a dargli un senso: attraverso l'esperienza del dolore noi acquisiamo conoscenza, quanto più abbiamo sofferto tanto più abbiamo acquisito esperienza.

Le immagini sono tratte dall'Agamennone del 1966, diretta da Marco Ferrero, nella traduzione di Manara Valgimigli, con Sarah Ferrati nel ruolo di Clitennestra.

Giuseppe Girgenti (Palermo, 1967) si è formato presso l'Università Cattolica di Milano, ove si è laureato in filosofia nel 1989 sotto la direzione di Giovanni Reale, con una tesi dal titolo Platonismo e Cristianesimo in San Giustino Martire. I suoi studi si sono indirizzati sin da subito alla storia del platonismo pagano e cristiano, in un terreno di confine tra Antichità e Medioevo, tra filosofia e teologia. Nel 1990 ha vinto un dottorato di ricerca in filosofia, che lo ha portato a studiare in Germania, presso la Ludwig-Maximillians Universität di Monaco di Baviera, ove è stato allievo di Werner Beierwaltes (di cui ha tradotto in italiano gli studi su Agostino); poi si è trasferito in Francia, presso il Collège de France di Parigi, ove è stato allievo di Pierre Hadot (di cui ha tradotto in italiano lo studio su Porfirio e Mario Vittorino). Nel 1994 ha conseguito il titolo di dottore di ricerca con una dissertazione dal titolo Porfirio tra henologia e ontologia.
Negli anni 1994-1996, con una borsa di studio post-dottorale, ha lavorato presso il Centro di Ricerche di Metafisica dell'Università Cattolica di Milano, come segretario delle collane "Temi metafisici e problemi del pensiero antico" e "Platonismo e filosofia patristica" dell'editore Vita e Pensiero, e "Testi a fronte" dell'editore Rusconi.
Negli anni 1997-2000 è stato professore a contratto di Storia della Filosofia presso l'Accademia Internazionale di Filosofia nel Principato del Liechtenstein. In questo triennio ha allargato i suoi interessi alla fenomenologia realista, traducendo in italiano opere di Jan Patocka, di Karol Wojtyla, di Adolf Reinach e di Josef Seifert. In parallelo, ha cercato di combinare l'approccio teoretico dei fenomenologi con l'approccio storico-ermeneutico di Hans-Georg Gadamer, che ha frequentato personalmente nell'ultima parte della sua vita (dal 1996 al 2002).
Ha partecipato a numerosi convegni nazionali e internazionali e ha tenuto corsi anche in Sicilia, a Monreale (Palermo) presso il Liceo Classico Basile, e a Siracusa presso l'Istituto Universitario di Studi Universitari. A Siracusa ha organizzato numerosi eventi filosofici a cui hanno preso parte fra gli altri Hans-Georg Gadamer, Gianni Vattimo, Giovanni Reale, Imre Toth, Massimo Cacciari e Hans Küng. È segretario delle collane di filosofia "Il Pensiero occidentale" e "Testi a fronte" dell'editore Bompiani di Milano, nonché membro del comitato scientifico della collana "Studi Bompiani. Filosofia" del medesimo editore. È stato chiamato a insegnare alla Facoltà di Filosofia dell'Università Vita-Salute San Raffaele di Milano fin dalla sua fondazione nel 2002.

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L'Agamennone di Eschilo - Filosofia - Rai Cultura

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Il filosofo Giuseppe Girgenti racconta la tragedia Agamennone , la prima della trilogia dell'Orestea , che comprende e Le Eumenidi , messa in scena per la prima volta nel 458 a.C. durante le Grandi Dionisie.

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La tragedia con gli occhi del contemporaneo

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La tragedia con gli occhi del contemporaneo

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La 57esima stagione dell'Inda, Istituto Nazionale del Dramma Antico, che ospita a Siracusa, nella cavea del millenario teatro greco tornato a capienza piena, tre importanti tragedie del V sec. a.C.: Agamennone di Eschilo (458 a.C.) per la regia di David Livermore, Edipo Re di Sofocle (415 a.C.) per la regia del canadese Robert Carsen, e Ifigenia in Tauride di Euripide (414 a.C.), messa in scena da Jacopo Gassman.

Si tratta di tre testi fondamentali per l'origine della storia del teatro e della coscienza umana - chiamata a fronteggiare i temi dell'identità, dell'inaspettato e della ricerca della verità - introdotti dal sovrintendente Antonio Calbi e dall'interpretazione critica della storica Caterina Carpinato. Le racconta "Visioni", il programma di Rai Cultura.

È anche grazie all'imponente messa in scena, possibile soltanto in teatri antichi come quello di Siracusa, che il pubblico può far parte della tragedia: è risucchiato nel destino di Agamennone, attraverso un muro di specchi che coinvolge la platea; perso nelle risposte sulla propria identità, nella monumentale scala voluta per Edipo re; e spettatore di una speranza, nei video proiettati sulla scena di Ifigenia, sacerdotessa destinata all'esilio in Tauride, l'odierna Crimea.

"Visioni", inoltre, entra nel teatro, dietro alle quinte, dove le maestranze siciliane costruiscono, assemblano, dipingono e creano le scene e i meccanismi teatrali che rendono possibili gli spettacoli in una delle culle più antiche e prestigiose della cultura italiana.

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Il Festival del Teatro Greco Siracusa 2022 - Teatro e Danza - Rai Cultura

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La 57esima stagione dell'Inda, Istituto Nazionale del Dramma Antico, che ospita a Siracusa, nella cavea del millenario teatro greco tornato a capienza piena, tre importanti tragedie del V sec. a.C.: Agamennone di Eschilo (458 a.C.) per la regia di David Livermore, Edipo Re di Sofocle (415 a.C.)