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Pablo Ruiz Picasso, né à Malaga, Espagne, le 25 octobre 1881 et mort le 8 avril 1973 (à 91 ans) à Mougins, France, est un peintre, dessinateur et sculpteur espagnol1 ayant passé l'essentiel de sa vie en France. Artiste utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque et un compagnon d'art du surréalisme. Il est l'un des plus importants artistes du XXe siècle, tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques. Il a produit près de 50 000 œuvres dont 1 885 tableaux, 1 228 sculptures, 2 880 céramiques, 7 089 dessins, 342 tapisseries, 150 carnets de croquis et 30 000 estampes (gravures, lithographies, etc.)

Picasso séjourne à Rome en 1917 afin de réaliser  les décors du ballet "Parade" de Diaghilev. Il y fait une rencontre, Olga Kokhlova, danseuse aux Ballets russes, et redécouvre la statuaire antique, l'art étrusque et la peinture des débuts de la Renaissance. Vont naître alors dans l'œuvre de ces années-là des formes humaines monumentales, géantes, archaïques.

Femme lisant, dont le modèle était Olga épousée en 1918, présente une figure hiératique, dans laquelle classicisme et cubisme sont juxtaposés avec virtuosité. Le visage et les mains aux chairs roses et gonflées ainsi que la position du doigt posé sur la tempe rappellent l'intérêt de Picasso pour le dessin et la déformation caractéristiques de l'art de Jean-Dominique Ingres, notamment le Portrait de Madame Moitessier peint par ce dernier en  1856. Le nez et l'arcade sourcilière évoquent la régularité des visages des statues antiques. Le buste et le vêtement aux plis aplatis, la palette aux camaïeux de gris et de bruns font quant à eux référence à la période de déconstruction analytique du cubisme (1910-12). La facture de la chevelure, faite de longs traits ondulants, apporte une note de liberté et renvoie à la technique de la taille. L'imposante figure vêtue de gris se détache à peine sur le fond d'un gris plus neutre, en un ton sur ton qui renforce l’effet des carnations. L’atmosphère de sérénité qui émane de cette scène est redevable tant au choix restreint des couleurs qu’à l’effet sculptural de la figure en pleine concentration.

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Jacopo Torriti est un peintre et mosaïste roman de lécole romaine de la fin du XIII e et du début du XIV e siècle.

On ne dispose que de peu de documents sur la vie de Jacopo Torriti :en 1291,il signe les registres pour des mosaïques de l'archibasilique Saint-Jean de Latran à Rome,des mosaïques de l'abside de Santa Maria Maggiore en 1295 (Couronnement de la Vierge par le Christ en médaillon, ornementé de fleurs, d'oiseaux et d'autres animaux ;y figurent saint Pierre, saint Paul et le pape Nicolas IV,saint Jean-Baptiste,saintJean,saint Antoine..., des scènes de la vie de la Vierge).

Sainte Lucie est le plus ancien tableau des collections italiennes du musée. L'œuvre est d'origine romaine, peinte a tempera par Jacopo Torriti ou un de ses élèves.
Mosaïste et peintre, Jacopo Torriti est un des premiers artistes du XIIIe siècle qui, par l'originalité de sa conception, tend à dégager l'art italien de l'influence byzantine. Ce panneau est l'élément central d'un triptyque provenant de l'Église Santa Lucia in Selci à Rome. Sainte Lucie, vierge et martyre morte à Syracuse, est représentée en pied, de face, tenant une lampe allumée dans la main droite. Le nom de la Sainte est inscrit sur un fond d'or. Ses vêtements sont inspirés des parures impériales byzantines. À partir du XIVe siècle elle est habituellement représentée tenant à la main un plateau avec ses yeux à la place de la lampe, illustrant ainsi un épisode de la légende attribuée à Lucie : elle se serait elle-même arrachée les yeux pour les envoyer à son prétendant et ceux-ci auraient été miraculeusement remis en place.
C'est sans aucun doute une œuvre votive commandée par Angela Cerroni qui est représentée sous l'angle inférieur gauche du panneau. Quoique le traitement frontal de la sainte soit encore archaïque, les ondoiements dans les plis du manteau et le traitement des anges annoncent les développements plastiques qui seront amorcés au début du XIVe siècle. Jacopo Torriti peut être considéré comme l'un des artistes qui ont préfiguré la vision de Giotto. L'œuvre, peinte a tempera, a été peu restaurée et possède son cadre d'origine.
Je pense que la dame dans ce tableau est belle.Elle est plantureuse un peu comme les femmes qui datent la dynastie Tang en Chine.

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Michelle- Momie d'une prophétesse Antinoopolis

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Michelle- Momie d'une prophétesse Antinoopolis

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Apres Lyon, le Louvre, Dijon et Marseilles, la musée de Grenoble on la 5ieme plus grand collection des Antiquités Égyptienne.

L`archéologue: Albert Gayet

Albert Gayet, né à Dijon le 17 septembre 1856 - mort à Paris le9 mai 1916, est un égyptologue français, directeur des fouilles d'Antinoé de1895 à 1911.

Pendant quinze ans, Albert Gayet fouille dans la région, dégageant le temple de Ramsès II en 1896, et mettant au jour des nécropoles coptes, tandis que Jean Clédat, un autre élève de Maspero, découvre les monastères Saint-Jean, à Saqqarah, et de Baouit, en Moyenne-Égypte. Les deux savants redécouvrent ainsi l'art copte dont les plus beaux objets sont partagés entre le musée du Caire et le Louvre.

<<Momie d'une prophétesse Antinoopolis, fouilles A. Gayet, campagne 1906-1907, IIe siècle - IIIe siècle

Découverte en 1907 par l'archéologue Albert Gayet dans une nécropole copte de  Moyenne Egypte, la Prophétesse d'Antinoé est accompagnée d'un remarquable mobilier funéraire. Elle reposait dans un cercueil de bois, dont il subsiste la planche de dessous, enterrée dans un caveau de brique. Les conditions d'hygrométrie et de température ont favorisé sa conservation. L'analyse d'un fragment d'os au radiocarbone a permis de la dater entre 520 et 610 après J.-C. Vêtue de textiles à décors particulièrement bien conservés, la défunte est entourée d'un luth, de quatre vases et d'une statuette d'Isis-Déméter en terre cuite polychromée, de deux flacons en verre et d'une paire de sandales. Une équipe scientifique pluridisciplinaire a étudié le corps de la "momie", ses vêtements et les objets découverts auprès d'elle, spécialement un luth. Cet instrument de musique est remarquable par sa rareté et son très bon état de conservation. Il fait partie de la série des sept luths coptes connus à ce jour, datés entre le Ve et le VIIe siècle. À propos de cette défunte, Albert Gayet parlait de la "Prophétesse" ou "Prêtresse des images d'Osiris Antinoüs… chargée de rendre l'oracle au nom du dieu". Cette fonction semble néanmoins improbable à une époque où le christianisme était largement répandu en Egypte. Compte tenu de la qualité de ses vêtements et des objets qui l'entourent, on peut néanmoins affirmer sans conteste que cette femme occupait une place importante ou influente dans la société de son temps.>>

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Tianyi -Saint Grégoire pape, entouré de saints et de saintes

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Tianyi -Saint Grégoire pape, entouré de saints et de saintes

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Je choisis ce peinture parce que J'aime bien des œuvre de Rubens. Cette œuvre majeure de la collection flamande est un témoignage éblouissant de la première période de Rubens, avant son retour d'Italie fin 1608. Commandé en 1606 par les Oratoriens pour la Chiesa Nuova de Santa-Maria-in-Valicella à Rome, Saint Grégoire fut refusé par ces derniers et trouva finalement place jusqu'au XVIIIe siècle dans la chapelle funéraire de l'artiste à Anvers. Saint Grégoire, pape de 590 à 604, accompagné de la colombe du Saint-Esprit, est au centre de la composition. À droite, Sainte Domitille apparaît dans une toilette luxueuse, devant Saint Achille et Saint Nérée. À gauche, Saint Maurice présenté en soldat romain côtoie Saint  Papien  appuyé sur un bâton. Une image de la Vierge à l'Enfant bénissant, entourée d'angelots et portée par un arc monumental, complète la scène, qui illustre parfaitement l'esprit de la Contre-Réforme triomphante.
La composition se caractérise par une succession de diagonales conduisant jusqu'au portrait de la Vierge, image dans l'image. Si l'étonnant raffinement du vêtement de Saint Grégoire rappelle les origines flamandes du peintre, les influences italiennes, notamment vénitiennes dominent. Des composantes baroques annoncent pourtant le futur Rubens : mise en scène des personnages, mouvement tournoyant des drapés, jeu des regards.
Des recherches menées depuis plusieurs années sur la genèse complexe de cette peinture  donneront lieu à une publication abondamment illustrée qui sera accompagnée d'un audiovisuel retraçant toute l'histoire de ce chef-d'œuvre.

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One Figure (Juan Munoz) - Camila et Marina

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One Figure (Juan Munoz) - Camila et Marina

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Juan Munoz est un sculpteur espagnol célebre né le 16 juin 1953 à Madrid et mort le 28 août 2001 à Ibiza. Il a étudie l'architecture à l'Université Polytechnique de Madrid puis la sculpture et la gravure à l'Université au Royame-Uni. En 1982, il s'est installé aux États-Unis pour étudier à New York et en 1984 il a réalisé sa première exposition à Madrid. Il est devenu connu dans les années 80 grâce à sa stratégie esthétique qui montre la stricte démarcation existant entre spectateur et créateur et entre la sculpture et l'installation.        Ses sculptures humaines sont dramatiques et se placent en environnements spécifiques. Cet ensemble donne aux spectateurs une sensation de tension entre le réel et l'illusoire et contraste les actions de voir et recevoir, ça veut dire que les sculptures sont comme personnages étranges et familiers, au même temps, et que roulent une scène mystérieuse.

L'artist invite le spectateur à entrer en contact avec les sculptures en créant un sentiment d'isolement et d'introspection individuelle. Il nous fait réfléchir sur nous mêmes en s'identifiant avec les sculptures.        L'artiste utilise souvent des miroirs dans ses ouvres ce qui donne la démarcation entre réel et illusoire et nous fait reconnaître nos perturbations personnelles face à des personnages qui regardent leur propre intérieur.        Ses sculptures, qui possèdent une telle présence, sont à l'image de l'auteur: complexes, paradoxales, énigmatiques et théâtrales. Grâce à sa façon unique d'interagir avec les spectateurs Juan Munoz est consacré comme l'un des artistes majeurs de la sculpture européenne du XX siècle.

Juan Munoz a construit la sculpture "One Figure" en 2000, 1 ans avant sa mort. La sculpture est composer d'un homme et un miroir.L'homme est édifier avec résine polyester . Le miroir apparaît entier: il y a la surface qui reflète l'homme et l'autre partie qui est ouvrer sur un espace inconnu. Le personnage penché est une métaphore, il est un questionnement du visible et de l'invisible, du réel et de l'imaginaire. Le miroir dédouble les apparences, telles sont les issues ouvertes par le miroir comme autant de pièges. La curiosité c'est que le personnage a les yeux fermés, alors il ne regarde pas son reflet mais l'intérieur de lui-même.Cette oeuvre on permet d'interagir, parce qu'on peut nous voir à travers le miroir et comme le personnage, on peut réflexif de nous-mêmes.

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Amedeo MODIGLIANI

Femme au col blanc, 1917

De 1909 à 1913, sous l'influence de Brancusi et de l'art nègre qu'il découvre simultanément, Modigliani s'adonne à la sculpture. Pendant la guerre, il revient à la peinture, exécute des portraits de commande et d'amis et commence également une série de nus.
Ce portrait est celui de Lunia Czekowska, jeune polonaise réfugiée à Paris et dont Modigliani fit la connaissance en 1916 par l'intermédiaire de son marchand, Léopold Zborowski. Celle-ci a raconté comment l'artiste avait besoin de connaître ses modèles pour les peindre, d'en saisir le caractère pour le fixer sur son œuvre. L'analyse que Modigliani fait de Lunia est restituée par l'attitude, l'expression et l'habillement qu'il lui prête, mais surtout par la ligne et la couleur. Le métier caractéristique du peintre se lit dans ce portrait exécuté en une séance, avec sûreté et maîtrise. Le visage d'un ovale presque parfait, les yeux opaques, le cou long et flexible, la coiffure d'une extrême simplicité correspondent au modèle pour lequel Modigliani avait une prédilection. La tache claire du visage, légèrement incliné, fait pendant à celle des mains posées avec délicatesse sur les genoux. Ces zones de lumière auxquelles s'ajoutent le blanc du col et celui du drap, se détachent admirablement sur le fond sombre de la robe, du mur et des rares objets qui meublent la pièce. Dans ce décor d'un dépouillement extrême, aucun détail ni accessoire ne vient troubler la vision paisible de cette femme qui semble absente, retirée dans quelque méditation.

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Jair - Eifersucht (Laszlo Moholy-Nagy, 1927)

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Jair - Eifersucht (Laszlo Moholy-Nagy, 1927)

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Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946) a été un designer, photographe et peindre hongrois. Sa carrière artistique a commencé en 1917 comme peindre, influencé par l'artiste constructiviste russe Malévitch et ensuite par le mouvement dadaïste. A partir des années 1920, il passe à habiter en Allemagne. Là-bas, il travail comme professeur à la Bauhaus, la première école de design du monde. Dans la décennie suivante, comme des autres artistes, il parts aux Etats-Unis en fuyant de la menace naziste en Europe.

L'oeuvre Eifersucht (Jalousie, en français) est composé de photographies collées et d'éléments dessinés à l'encre de Chine. L'oeuvre montre à l'arrière-plan un cliché en négatif de l'artiste et au premier-plan est placé la figure d'une nageuse. Son ombre, dessinée à l'encre de Chine, se projete sur le sol et sur un panneau en évoquant une cible d'entraînement au tir. A l'interieur de l'ombre il y a la silhouette de l'artiste accueillant une petite image d'une femme acrouppie qui avec un fusil vise le coeur de la nageuse.

L'absence de symetrie dans la disposition des éléments de l'oeuvre, le très sophistiqué dialogue entre les personnages, le jeu de positifs et négatifs et les elements photographiées et dessinés présentent extraordinairement la "nouvelle vision" qui recherchait Moholy-Nagy.

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Jimmy / Idylle de Francis Picabia

artiste-dada-surréaliste-graphiste-écrivain.

** Un couple au bord de l'eau **

Picabia est né le 22 janvier 1879 à Paris et est mort le 30 novembre 1953 dans la même ville, et est peintre, graphiste et écrivain, proche des mouvements Dada et surréaliste. Il est également graphiste et écrivain. Il subit l’influence des impressionnistes avant d’orienter ses recherches vers l’imaginaire et le travail des formes. On retient de lui son besoin de liberté, son plaisir d’inventer et son attrait pour les femmes, les belles voitures et les bateaux.

Idylle est peinte en 1927. Entre 1924 et 1928, il fait des peintures représentants des couples d’amoureux exprimant leurs sentiments. La i suivante est celle des Transparences.

je décrirais dans un premier temps l'œuvre puis je définirai en quoi ce tableau, du premier regard, évoque un amour idyllique, et enfin je montrerai en quoi cette idylle est en réalité une parodie du couple amoureux, la présence de l'ironie. Idylle est un tableau qu'on ne peut contourner du regard.

La première chose qu’on observe sur le tableau c’est la couleur; ses couleurs, ses formes, tout prête à ce que le spectateur soit attiré par cette peinture: le bleu. Elle saute aux yeux. Mais de ce bleu, le peintre à ajouté d’autre couleurs, majoritairement du rouge, du vert et un peu de jaune. ses couleurs dissonantes : le bleu cyan est associé avec le vert bouteille, rose pourpre, ocre jaune, le tout brossé en petites touches hâtives.

Sur cette toile sont représentés, sur un fond bleu méditerranéen, un homme enlaçant une femme. Au loin sur l'eau, un bateau à voiles blanc. En haut, une branche fleurie. Dans la tête de l'homme, nous remarquons la curieuse présence de ce village. Celui-ci donne une impression de miroir entre les deux personnes.

Les deux amoureux s’enlacent. La femme, a des gants peints en verts et rouge alors que l’homme à les mains nues. Et sur sont visage on voit les couleurs verte et rose.

Mais la très nette particularité de cette femme est ses doubles yeux et sa double bouche. Il y une paire d’yeux, qui regardent tout les deux dans un sens alors que les deux autres regardent à des endroits différents, ils louchent. On voit aussi derrière la femme, un bateau blanc, qui se reflète presque sur sont épaule, et se détache du reste du tableau. Sur son buste, on observe aussi quelques petits voiliersau loin naviguant vers le coucher du soleil.

Finalement l’homme, tient sa compagne étroitement, il lui tien la main et sa tête. Dans sa tête, se reflète aussi un village. Un village avec quelques maisons, et un coucher de soleil.

Idylle est entré en 1931 dans les collections du musée de Grenoble grâce au don de Jacques Doucet, couturier et grand collectionneur. Son cadre est l’œuvre de Pierre Legrain, décorateur renommé de l’époque.

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Yago - Nature morte de fiançailles - Henri FANTIN-LATOUR

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Yago - Nature morte de fiançailles - Henri FANTIN-LATOUR

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Henri Fantin-Latour né à Grenoble le 14 janvier 1836. Il a étudié à l'école des beaux-arts et a été membre du groupe dit << de 1863>> d'où a surgi l’Impressionnisme. Ce mouvement pictural est notamment caractérisé par des tableaux de petit format, des traits de pinceau visibles, la composition ouverte, l'utilisation d'angles de vue inhabituels, une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes climatiques et lumineux, plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses, et à les reporter directement sur la toile. La Nature morte de fiançailles n'est pas seulement plus un dans les centaines de tableaux de fleur peints par Henri, comme on peux voir dans le sous-titre il y a une relation avec son épouse parce que c'est le dernier cadeau que il aura lui offert. Ce travail traduit bien les compétences d'Henri, la fidélité gourmande à la réalité, la délicatesse et l'émotion. J'ai choisi cette peinture parce que Flatin-Latour a peinturé plus de 800 tableaux de fleurs, mais cette œuvre d'art apportée vraiment une belle histoire.

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Artiste:

Le sculpteur est inconnu, mais on estime qu'il appartient à la Renaissance italienne.

On avait longtemps pensé que Jacob Richter était l'artiste, mais lorsque la restauration en 1990 à cause d'une chute accidentelle, on devrait le remettre en cause. En effet, on trouvait que ni monogramme, ni modelé, ni composition sont typique pour ce artiste. Aujourd'hui, on croit qu'il a seulement intégré la sculpture à l'ensemble d'une fontaine au jardin d'Hercule dans le parc du Château de Vizile. Jacob Richter a réalisé beaucoup d'oeuvres à et autour de Grenoble.

En 1719 la sculpture a été achetée par le consul de Grenoble et installée au "jardin de bocage", qui est aujourd'hui le jardin de ville. Elle y a resté deux siècles et demi. C'est pourquoi on a fabriqué deux copies, qui sont installées au parc du Château et au jardin de ville maintenant.

Hercule, qui est un des héros de la mythologie antique, est montré dans une posture fréquente de la statuaire grecque et romaine, le contraposto. La massue qu'il porte symbolise sa force et le dépouille du lion est celui du lion de Némée, qu'il a tué d'après la mythologie. Dans la main gauche il tient une pomme du jardin des Hespérides. Ces derniers objets représentent deux des douze travails imposés par Juno.

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Coin de l'étang à Giverny (Monet) - Gabriela

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Coin de l'étang à Giverny (Monet) - Gabriela

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Oscar-Claude Monet est un peintre français très connu, l’un des fondateurs de l'impressionnisme, peintre de paysages et de portraits. Il était né à Paris le 14 novembre 1840 et mort le 5 décembre 1926 (à 86 ans) à Giverny.

Au débout de sa carrière Monet a été influencié pas des peintres comme Boudin, Johan Barthold Jongkind et Charles Gleyre. Le groupe des impressionnistes constitué de Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley Camille Pissarro et Édouard Manet s'influencent mutuellement. Lors de son voyage à Londres, les œuvres de Turner et John Constable l'ont certainement marquées. La peinture de Monet était aussi influencée par l'art japonais.

Aprés le demenagemment de Monet à Giverny, il a crée un jardin qui lui inspirait de nombreuses peitures, cette oeuvre inclute. Elle date de 1917 et elle appartient à une série de quatre tableaux. On peut voir à l'arrière-plan un rideau de saules pleureurs qui ferme l'espace comme une tapisserie.J'ai choisi cette oeuvre car elle est d'un peintre français que je trouve très important et connu. C'est possible de identifier qu'elle est une oeuvre impressionniste grâce à son style et couleurs mélangés, qui forment une image compréhensible si on la regarde avec une certaine distance.

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Henri Matisse - Intérieur aux aubergines (Sabrina)

Henri Matisse, un artiste-peintre, dessinateur et sculpteur francais, est né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis (Nord) et mort le 3 novembre 1954 à Nice.

Pour faire plaisir à ses parents, il a commencé à travailler comme clerc de maître Derieux à Saint-Quentin à l'âge de 20 ans.

Mais comme il était intéressé par la peinture, il essayait d'entrer à l'École des Beaux-Arts à Paris ce qu'il a enfin réussi. Le maître de Matisse était Gustave Moreau.

En été 1905, Matisse a passé quelques semaines à Collioure avec des amis (dont André Derain). Ci-après, ces jeunes hommes ont sorti un style qui s'appelle <<fauvisme>>. Aujourd'hui, Matisse est concerné comme le chef de file du fauvisme qui s'oppose à l'impressionnisme.

Les marques distinctives du fauvisme visibles dans la toile <<L'intérieur aux aubergines>> sont le manque du contraste entre l'ombre et la lumière autant que l'absence de la distinction entre l'intérieur et l'extérieur. Chaque endroit de l'oeuvre est aussi important qu'un autre.

La peinture de l'année 1911, qui se trouve depuis 1922 dans la Musée de Grenoble, est considérée comme une des plus décoratives jamais réalisée par Matisse. Elle représente l'atelier de Matisse à Collioure et appartient à l'ensemble des Intérieurs Symphoniques exécutés en 1911.

Au milieu de la toile, qui est peint en détrempe, une table se situe. Sur cette table trois aubergines, une assiette avec deux poires, une vase et une statue sont allongés. Tous les objets sur la table apparaissent dans une position stable, sauf que les aubergines qui semblent glisser vers le sol.

Presque toute la peinture est décorée avec des motifs. Un motif floral à cinq pétales couvre le tapis et les murs. Sur la nappe et le paravent se répandent des arabesques en courbes et contre-courbes.

La fenêtre de l'atélier est ouverte et montre un paysage qui a les couleurs identiques que l'intérieur. Comme cela, la fenêtre ressemble à un tableau. L'égalité des couleurs unie donc l'extérieur et l'intérieur.

A la gauche, un miroir reflète des objets de la table transformés, simplifiés et réduits à l'état des signes plastiques. Les objets de la nature morte ont perdu tout volume, certains ont même disparu.

En plus, un carton à dessin vert, qui est entrouvert au miroir, et des cadres vides se trouvent dans la chambre.

Toute la toile est empreinte du manque des volumes. La tridimensionnalité réaliste est remplacée par la bi-dimensionnalité décorative.

Matisse, qui était peindre, sculpteur et dessinateur, nous fait découvrir tous ces talents dans cette oeuvre.