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Pierre Soulages  "Polyptyque F"  (toile du fond à droite) 1986, Peinture à l’huile sur toile, polyptyque de 4 éléments de 81 x 362 cm, superposés  Musée Fabre, Montpellier

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Pierre Soulages  "Polyptyque F"  (toile du fond à droite) 1986, Peinture à l’huile sur toile, polyptyque de 4 éléments de 81 x 362 cm, superposés  Musée Fabre, Montpellier

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- https://www.pierre-soulages.com/
- https://musee-soulages-rodez.fr/collections/
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- https://www.connaissancedesarts.com/artistes/pierre-soulages/lart-est-la-seule-chose-qui-merite-quon-lui-consacre-sa-vie-soulages-le-noir-pour-origine-11177682/

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https://awarewomenartists.com/artiste/rita-ackermann/

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Rita Ackermann Biography, Artworks & Exhibitions

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Dossier pédagogique - Parcours Exposition

DADA
Du 5 octobre 2005 au 9 janvier 2006

Raoul Hausmann, ABCD, 1923-1924

Introduction
Provocation, anti-peinture, profanation
Paris et New York. Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray

Hasard et abstraction
Zürich. Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp

Le photomontage
Berlin. Raoul Hausmann, Hannah Höch

Le collage selon Max Ernst
Cologne. Un art de distance et d'ironie

Merz ou le principe d'assemblage d'objets et de matériauxHanovre. Kurt Schwitters
Bibliographie sélective
Introduction

Depuis 1966, aucune grande exposition n'avait été consacrée en France à Dada, l'un des mouvements les plus marquants de l'avant-garde historique.
A l'encontre de l'interprétation qui le caractérise comme un courant de destruction et de négation des anciennes valeurs, réduit au seul rôle de précurseur du Surréalisme, l'exposition, présentée par le Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, s'attache à montrer un Dada constructeur.
Plus de 1 000 œuvres de 50 artistes - peintures, sculptures, photographies, collages et photomontages, documents graphiques, enregistrements sonores et cinéma -, couvrant toute la période Dada de 1916 à 1924, en provenance de collections publiques et privées, montrent la radicalité de ce mouvement pluridisciplinaire.

Né en Suisse durant la Première Guerre mondiale autour d'un groupe d'artistes, d'écrivains, de musiciens cosmopolites réfractaires à la guerre et au système culturel et social qui y aboutit, le mouvement Dada proclame un mépris rageur pour les valeurs en place, y compris celle de l'art. Après avoir fait table rase de toutes les croyances, l'artiste dada découvre le principe de la liberté absolue en art.
L'esprit Dada, inextricablement lié au contexte historique où il apparaît, à la montée du nihilisme annoncée par Nietzsche, est une " force réactive ", un concentré d'énergies en action où toutes les grandes questions, même sous la forme de la bouffonnerie et de la provocation, entrent en jeu. Au-delà de la révolte et de la protestation, Dada repense à neuf la peinture, la poésie, la photographie, le cinéma. Il est à l'origine de l'art moderne et contemporain qui inscrit le non-art dans l'art, invitant à revoir les catégories esthétiques et le sens du beau.

En proposant un tour d'horizon des multiples expressions Dada telles qu'on les trouvait à Zürich, Berlin, Hanovre, Cologne, Paris et New York, ainsi qu'aux Pays-Bas, en Belgique, en Italie et au Japon, l'exposition met en scène de nombreuses figures du modernisme : Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, Hannah Höch, Raoul Hausmann, George Grosz, Johannes Baader, Hugo Ball, André Breton, Jean Crotti, Paul Éluard, Marcel Janco, Tristan Tzara, Hans Richter... C'est le foisonnement créatif de cette époque qui est souligné, en donnant une part aussi grande à l'écrit - livres, revues - qu'aux œuvres plastiques. Une place importante est réservée au cinéma avec la projection de films tels que Diagonal Symphony, 1921, de Viking Eggelins et Rhythmus 21 et 23 de Hans Richter.

Ce dossier, conçu à l'attention des enseignants, propose d'éclairer les moments forts de l'invention plastique :
- Profanation, provocation, anti-peinture, avec Duchamp, Picabia, Man Ray,
- Hasard et abstraction, avec Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp,
- Le photomontage berlinois, avec Raoul Hausmann et Hannah Höch,
- Le collage selon Max Ernst, un art de distance et d'ironie,
- Merz ou le principe d'assemblage d'objets et de matériaux, avec Kurt Schwitters.

Provocation, anti-peinture, profanation

Paris et New York. Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray
Le mot Dada, trouvé au hasard dans les pages d'un dictionnaire " ne signifie rien ", il agit dans toutes les langues comme un défaiseur de sens, il est la parole qui exprime au mieux l'essence du mouvement. Néanmoins, avant la découverte du mot et la création à Zürich du célèbre Cabaret Voltaire, où eurent lieu les principaux événements dada, " l'esprit dada ", comme le nomment les critiques, existait déjà à Paris et New York dans les activités de Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray ou du poète Jacques Vaché.
S'attaquant au rationalisme et aux valeurs du 19e siècle, reflet d'une culture bourgeoise qui conduit au grand carnage de la Première Guerre mondiale, Tristan Tzara, dans son Manifeste Dada 1918, prône le principe de contradiction, le paradoxe, le non sens, à l'enseigne du mouvement de la vie. Si Dada refuse la logique, ce n'est pas dans un simple cri de révolte qu'il s'exprime, mais par des œuvres d'art, même si elles se donnent comme anti-art.
" L'artiste nouveau proteste : il ne peint plus/ reproduction symbolique et illusionniste/ mais crée directement en pierre, bois, fer, étain, des rocs des organismeslocomotives pouvant être tournés de tous les côtés par le vent limpide de la sensation momentanée ", affirme Tzara dans son Manifeste qui, assumant la contradiction, se dit " contre les manifestes ".
Les Dadas libèrent l'art de la soumission à un sens préétabli, ils libèrent les matériaux, la langue et toutes les formes d'expression plastique et verbale.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Peintre à l'origine, Duchamp s'insurge contre les peintres qu'il appelle " les intoxiqués de la térébenthine " et contre " la bêtise rétinienne " liée à cet art. Il se réclame plus proche de l'expression de Léonard définissant la peinture comme une " chose mentale ". Son Nu descendant un escalier, 1912, fait scandale à New York et le rend célèbre. Au- delà du nu, il y recherche une méthode de démultiplication du mouvement dans l'espace. En 1913, il expose une " sculpture " appelée Roue de bicyclette. Deux objets quotidiens sont assemblés et collés l'un sur l'autre par l'artiste : une roue de bicyclette et un tabouret. Ici rien ne sort de la main de l'artiste qui réalise un collage tridimensionnel.

Les Ready-mades

Porte-bouteilles en fer galvanisé, 64,2 x 42 cm (diam.) Marcel Duchamp. Porte-bouteilles (Séchoir à bouteilles ou Hérisson), 1914 (1964)
Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, Paris
© Adagp, Paris

En 1914, avec le fameux Porte-bouteilles, acheté au Bazar de l'Hôtel-de-ville, Duchamp élabore le concept de ready-made : " objet usuel promu à la dignité d'œuvre d'art par le simple choix de l'artiste " (définition du Dictionnaire abrégé du Surréalisme, André Breton, 1938). La main de l'artiste n'intervient plus dans l'œuvre, tout savoir-faire ainsi que tout plaisir esthétique lié à la perception de l'œuvre s'annulent. La trace du créateur a disparu et se réduit au seul choix et à la nomination de l'objet. Le titre qui, d'abord, nomme le plus platement l'objet, Porte-bouteilles, prendra de plus en plus d'importance. L'objet sera rebaptisé plus tard Séchoir à bouteilles ou Hérisson.
Le choix de cet objet n'était pourtant pas anodin. Les verres et les bouteilles avaient envahi la peinture cubiste de laquelle Duchamp voulait sortir comme d'une " camisole de force ", disait-il. Aux bouteilles et aux verres se démultipliant en mille facettes transparentes du Cubisme analytique succède l'objet réel, opaque et en fer, qui les accueille, piquant comme un hérisson.

En 1915 Duchamp s'installe aux Etats-Unis. Poursuivant ses ready-mades il y ajoute des inscriptions comme, sur une pelle à neige, En prévision du bras cassé. La logique verbale seule transforme, par l'humour et les jeux de mots, l'objet usuel en autre chose que lui : une précipitation du futur probable. Duchamp insistera de plus en plus sur cette dimension verbale impliquant par des sous-entendus l'esprit du spectateur dans la perception de l'œuvre. A la délectation de l'œil succède celle de l'esprit.
De 1917 date son ready-made le plus connu, le célèbre urinoir retourné et rebaptisé Fontaine. Présenté au Salon des indépendants à New York sous un pseudonyme (R. Mutt), le jury dont il fait lui-même partie le refuse, scandale par lequel commencent l'épopée et le succès des ready-mades.
Les ready-mades originaux ont disparu, restent des répliques qui, comme le dit Duchamp, " transmettent le même message que l'original ". Pour lui, le seul critère esthétique ne suffit pas à définir ce qui est de l'art et ce qui ne l'est pas, et l'artiste est celui qui met en question, les poussant toujours de plus en plus loin, les limites de l'art. La disparition de la fonction d'usage de l'objet par son installation dans un milieu muséal, la nouvelle signification que lui confère son titre suffisent désormais à qualifier d'œuvre d'art ce qui a priori ne le serait pas.
Ce geste radical de Duchamp est à l'origine de la remise en cause du statut de l'art au 20e siècle.
Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q. (La Joconde aux moustaches), 1919

Collection particulière
© Succession Marcel Duchamp, Adagp, Paris
C'est à Paris, en 1919, que Duchamp réalise l'une de ses œuvres les plus provocantes en ajoutant au crayon, sur une reproduction en couleurs de La Joconde de Léonard de Vinci, une paire de moustaches et une barbe. S'attaquant à une image canonique de la peinture occidentale, Duchamp la tourne en dérision en la transformant en ce qu'il appelle un " ready-made assisté ", car, outre la barbe et les moustaches, il y appose l'inscription en apparence anodine, L.H.O.O.Q. En effet, une lecture rapide des lettres donne la phrase à connotation sexuelle : " Elle a chaud au cul ". Profanation subtile et grossière à la fois de la femme célébrée par le chef-d'œuvre de la Renaissance et allusion aussi à l'ambiguïté sexuelle de l'artiste, l'homosexualité de Léonard sur laquelle on a tellement écrit et qui se lit ici dans la transformation de la célèbre Mona Lisa en hermaphrodite.

Francis Picabia (1879-1953)

Peintre et écrivain français de père espagnol, Picabia est, avec Duchamp, un des pionniers du Dadaïsme et de l'art moderne. Traversant pendant des décennies les avant-gardes de son temps : Abstraction, Dadaïsme, Surréalisme, Picabia est un inventeur inépuisable de formes et de styles. L'iconoclasme de ses débuts, qui coïncide avec la période dadaïste, l'amène, comme Duchamp, vers une série de travaux inspirés de la machine et des dessins industriels. Ses œuvres sont accompagnées de titres ironiques qui ne les expliquent pas, mais tournent en dérision le sujet. Ainsi intitule-t-il un dessin industriel, vide de toute sentimentalité, Paroxysme de la douleur (1915) et une mécanique absurde reliée à des roues Parade amoureuse (1917), mettant en cause la représentation, le monde moderne et le sens de l'œuvre.

Carton, encre, ficelles, bois, 104,4 x 84,7 cm
Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, Paris
© Adagp, Paris Francis Picabia. Danse de Saint-Guy, (Tabac-Rat), 1919-1920 (1946, 1949)

Danse de Saint-Guy, réalisé à Paris et présenté au Salon des artistes indépendants en 1922, témoigne au plus haut point de l'esprit de provocation et de subversion qu'était celui de Dada. Picabia propose un " tableau " sans matière, où la toile a disparu et la peinture aussi, constitué de son seul cadre traversé de quelques ficelles où trois étiquettes présentent le titre et la signature du " peintre ". Peinture absurde, réduite à ses seuls attributs secondaires : cadre, ficelles d'emballage, cartels en carton.
Pour redoubler la dérision de la peinture, Picabia s'est fait photographier dans The Little Review, derrière l'œuvre, dans la position non pas de sujet du tableau, mais de quelqu'un qui regarde comme d'une fenêtre. Par ce procédé il insiste sur le vide de la peinture, sa transparence et le jeu qu'il instaure entre le regardeur/regardé. Cadre, ficelles, étiquettes font aussi de cette œuvre un appareillage conçu pour transporter un tableau inexistant, " tableau en voyage " et non pas figé dans les murs d'un musée. Les codes sacrés de la représentation classique sont ainsi retournés.

Man Ray (1890-1976)

Originaire de Philadelphie, Man Ray, peintre et photographe ami de Duchamp et de Picabia, anime avec ces derniers l'aventure Dada américaine avant de venir à Paris. Il se consacre à l'expérimentation de nouvelles techniques. Il exécute des peintures au pistolet qui lui permet d'obtenir une facture plus technique et anonyme, qu'il nomme aérographie. Ou crée des photographies à partir d'objets qu'il dépose sur un papier sensible pour les exposer à la lumière. L'artiste appelle ces œuvres des rayogrammes, jeu de mots avec son nom.
Ainsi, si la peinture est réalisée sans pinceau, la photographie, obtenue par solarisation, se passe de l'appareil.

Epreuve gélatino-argentique, 40,4 x 26,9 cm Man Ray.
Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, ParisThe coat-stand (Porte manteau), 1920

Comme il l'avait fait pour La Femme - un batteur d'œufs se change en femme par le biais du titre -, ici Man Ray se sert de la photographie non pas pour reproduire la réalité mais pour la transgresser. Ce renversement de l'ordre habituel des choses, cher à Dada, opère dans cette œuvre qui assemble, comme un collage, des parties du corps d'une femme nue et un curieux porte manteau, se commençant par un socle et se terminant par une tige où est placé le buste en carton de la femme.
La dérision s'attaque ici au nu féminin, moitié femme moitié pantin, posant debout en position instable, soulignée par le titre qui, renversant notre vision, appelle l'ensemble The coat-stand, littéralement, manteau debout.

Hasard et abstraction

L'intrusion du hasard dans la réalisation d'une œuvre est au cœur de l'esthétique dadaïste. " Il nous faut des œuvres fortes, droites, précises et à jamais incomprises ", clame Tzara dans son Manifeste, soulignant le sens nouveau et la liberté de l'acte créateur. Si Tzara compose des poèmes en prenant au hasard les mots découpés d'un article, Jean Arp se livre, dès 1916, à ses lois en laissant tomber sur des feuilles des bouts de papiers déchirés. Sophie Taeuber-Arp allie, quant à elle, ses jeux à la rigueur géométrique.
Zürich. Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp

Hasard et abstraction semblent aller de paire à Zürich dans les premières années Dada. L'abstraction proclame, alors, l'autonomie de l'œuvre littéraire et plastique. La peinture, affranchie des contraintes d'antan, crée avec des matériaux bruts ou des formes géométriques qui ne parlent que de lignes, surfaces, plans et couleurs, tandis que l'écriture, libérée de l'esclavage du sens, retourne à la matérialité même de la langue. Les mots, assemblés selon des lois qui ne visent pas la communication mais la fluide liberté d'associations d'images et de sons, s'organisent en poèmes. Déjà Serner, Tzara et Arp, qui est aussi poète, se livrent en allemand à une écriture automatique qui n'admet pas de corrections. La poésie phonétique de Raoul Hausmann ira encore plus loin dans la destruction de la langue, décomposant le mot même en éléments purement sonores, abstraits de tout sens et de toute représentation.

Jean Arp (1887-1966)

Comme grand nombre de dadaïstes, Arp n'est pas seulement plasticien mais aussi poète. Marqué à ses débuts par l' Expressionnisme et par le Kandinsky du Cavalier bleu, c'est, entre 1915 et 1920, à la poésie que semble aller sa préférence. Son recueil de poèmes, La pompe à nuages (écrit entre 1915 et 1920), est contemporain de ses collages abstraits et de ses reliefs dada, formes découpées dans des bois polychromes et assemblées de manière à créer des reliefs où transparaissent les traces de l'exécution manuelle. Entre biomorphisme et élaboration d'une plastique pure, son œuvre affectionne le jeu et le hasard à la recherche d'un autre rapport de l'artiste à la nature, l'artiste ne devant pas l'imiter, mais travailler comme elle.

Collage de papier sur carton jauni sur Pavatex, 25,30 x 12,50 cm Jean Arp, Rectangles selon les lois du hasard, 1916

Kunstsmusem Basel, Kupferstichkabinett
Schenkung Marguerite Arp-Hagenbach 1968
© Adagp, Paris

Seul ou en collaboration avec d'autres artistes, selon le principe de l'impersonnalité du geste créateur cher aux dadaïstes, Arp va réaliser, dans les années 1916-17, une série de collages où la composition et l'emplacement des formes sont laissés au rôle du hasard. Ainsi dans Rectangles selon les lois du hasard, chaque morceau de papier est tiré au sort et placé au hasard dans la surface rectangulaire.
Les formes géométriques - carrés et rectangles - se chevauchent et semblent tenir ensemble selon l'équilibre précaire d'un château de cartes que seule la colle empêche de tomber. La palette sobre des papiers collés semble refuser tout effet de séduction venant de la couleur. Comme le déclare Arp : " Ces tableaux sont des réalités en soi, sans signification ni intention cérébrale. Nous rejetions tout ce qui était copie ou description pour laisser l'Elémentaire et le spontané réagir en pleine liberté ".

Sophie Taeuber-Arp (1889-1943)

Danseuse, formée aux arts décoratifs, Sophie Taeuber-Arp réalise, avec Jean Arp, de nombreux collages, peintures et broderies à caractère géométrique. Grâce à elle l'expérience artistique du Dadaïsme s'enrichit de son expérimentation dans les arts de la scène (elle exécutera un théâtre de marionnettes pour une pièce de Carlo Gozzi, Le Roi–Cerf, en 1918), mais aussi dans le textile et dans la sculpture. Ses œuvres, où à la rigueur géométrique s'ajoutent les jeux du hasard et l'effacement de toute sensibilité personnelle, marquent la tendance du Dadaïsme zürichois proche du Constructivisme.

Bois tourné et peint, hauteur : 29,43 cm Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada, 1920

Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, Paris
© Adagp, Paris

Avec la série de huit Têtes polychromes, réalisées entre 1918 et 1920, Taeuber étend à la sculpture l'esthétique dadaïste. Tête Dada en est la pièce majeure. Impersonnelle, leur fabrication se fait au tour et, renversant les lois de la séparation des genres, la peinture se mêle à la sculpture.

Ici, en 1920, Sophie Taeuber inscrit le nom DADA en capitales. Elle marque ainsi, à une époque où les dadaïstes ont quitté Zürich pour d'autres scènes, son adhésion au Dadaïsme international. Au courant des derniers événements parisiens, la moustache peinte sur l'un des côtés de la tête rappelle celle que Duchamp vient d'ajouter sur une reproduction de la Joconde. Les motifs peints sont d'une rigueur constructiviste, les formes s'ordonnant selon l'axe horizontal-vertical, intégrant obliques, demi-cercles et rectangles.
Tête Dada témoigne de l'esthétique originale de l'artiste, mêlant les genres, toujours à la recherche de territoires nouveaux de l'art, alliant subtilement subversion dadaïste et jeu de formes que la peinture abstraite permet.

Le photomontage

Marqués par l'Expressionnisme, par leCubisme et par le Futurisme, les dadaïstes allemands n'en sont pas moins les inventeurs du photomontage. Si les constructivistes russes et les futuristes italiens l'ont déjà expérimenté, les dadaïstes en exploitent toutes les possibilités expressives.
Surnommé le Dadasophe, Raoul Hausmann est l'un des principaux photomonteurs de la capitale allemande. A ses côtés, Hannah Höch, Johan Heartfield, George Grosz donnent des versions singulières et diverses du photomontage, où prime néanmoins la dimension polémique.
Berlin. Raoul Hausmann, Hannah Höch

Réalisés à partir des découpes de photographies tirées de journaux, combinées aux éléments typographiques de coupures ou de manchettes de presse, les photomontages jouent sur l'effet dynamique de leur composition, où les notions de plan, d'échelle sont constamment remises en cause, et sur l'impact des lettres et des mots disséminés dans l'œuvre comme des slogans, des cris ou des ordres.
A l'enseigne non pas du beau tableau, mais du manifeste plastique, qui se veut polémique et percutant dans une société allemande bourgeoise et militariste que les dadaïstes allemands combattent, ces tableaux, faits entièrement de photos découpées et de lettres, sont de véritables cris. Récusant l'idée traditionnelle d'artiste pour se nommer " monteurs de photos ", certains d'entre eux (Heartfield et Grosz) se placent à côté des travailleurs et des monteurs prolétaires des usines.

Raoul Hausmann (1886-1971)

Peintre, théoricien, sculpteur, écrivain, Raoul Hausmann se revendique l'inventeur, avec Hannah Höch, du photomontage. Cette découverte remonterait à un séjour dans la Baltique où ils auraient constaté que, dans chaque famille d'un petit village nommé Heidebrink, " se trouvait accrochée au mur une lithographie en couleurs représentant sur fond de caserne l'image d'un grenadier. Pour rendre ce mémento militaire plus personnel, on avait collé à la place de la tête un portrait photographique du soldat. Ce fut comme un éclair, on pourrait, je le vis instantanément, faire des tableaux entièrement composés de photos découpées ".

Si le collage cubiste a permis une avancée nouvelle dans l'investigation de l'espace, le photomontage permet à Hausmann d' analyser l'image et son fonctionnement. " J'adoptais avec la découverte du photomontage une attitude supra-réaliste, qui permet de travailler avec une perspective à plusieurs centres et de superposer des objets et des surfaces ", écrit-il dans son texte Cinéma synthétique de la peinture. Une telle liberté permet à l'artiste d'obtenir des images complexes mêlant l'élément visuel, les lettres, les mots, réunissant souvent le monde organique, l'émotionnel et le mécanique.

Encre de Chine, reproduction de photographieet imprimés découpés, collés sur papier, 40,4 x 28,2 cm Raoul Hausmann, ABCD, 1923-1924

Centre Pompidou-Musée national d'art moderne, Paris
© Adagp, Paris

Réalisé vers 1923, quand Dada-Berlin n'existe plus, ABCD est le dernier photomontage dadaïste d'Hausmann. Néanmoins l'artiste restera fidèle à ce procédé, fondé sur la déconstruction et la recomposition des différentes sources de l'image, jusqu'aux années soixante.
Plus encore que dans tous ses autres photomontages, l'image est ici disloquée et sa perception constamment entravée par des ruptures de plans suggérant des sens contradictoires. Le motif central, son autoportrait photographique, tient comme serrées entre les dents les quatre lettres du début de l'alphabet. La langue que, déjà dans ses poèmes-affiches et dans ses poèmes phonétiques, Hausmann a détruite, hachée et privée de son sens, s'imposant par son impact visuel, joue avec l'image et les dessins.

Autour de l'autoportrait, des papiers découpés dans des manuels médicaux, des éléments typographiques à chaque fois différents, des billets de banque tchèques, des allusions à une action Merz, réalisée aux côtés de Schwitters à Hanovre en décembre 1923 où il donna lecture de ses poèmes phonétiques, s'organisent selon plusieurs axes de composition. Mais de cette image, malgré le mot voce (voix en italien), aucun sens cohérent de lecture ne se dégage. Ce qui est à voir et ce qui est à lire ont la même importance dans ce photomontage où la notion de fond et de profondeur s'abolissent. Chaque motif se jouant à la surface de l'œuvre, dans l'immédiateté de l'ici et maintenant. Manifeste de l'esthétique du non-art, cri lancé en même temps à l'œil et à l'oreille du spectateur, ce montage où rien ne semble tenir en place proclame contre tout académisme l'insondable mouvement de la vie.

Hannah Höch (1889-1978)

Hannah Höch est la seule femme du Club Dada de Berlin. Malgré les réticences de Grosz et d'Heartfield, elle participe à la Première Foire Internationale Dada en 1920 grâce à Raoul Hausmann, son compagnon, qui estime son travail plastique. L'artiste y présente son célèbre collage (malheureusement absent de l'exposition), imposant de par ses dimensions (114 x 90 cm) et son contenu : Coupé au couteau de cuisine dans la dernière époque culturelle de l'Allemagne, celle de la grosse bedaine weimarienne de 1920.
La confusion, la violence et l'incohérence de l'époque se lisent dans ce photomontage où l'artiste passe en revue les faits marquants de l'année 1920 à Berlin. A côté du désordre politique qui y règne, représenté par l'image de l'empereur Guillaume II - qui avait abdiqué - et les représentants du nouveau pouvoir social-démocrate - eux aussi reconnaissables -, Höch s'y représente avec d'autres dadaïstes, tandis qu' un monde mécanique moderne se profile avec ses rouages et ses machines, ses locomotives et son mouvement vertigineux. Lisibles entre les images photographiques, les lettres, découpées dans des journaux, reprennent des slogans dadaïstes comme " Adhérez à Dada ! ", " Dada triomphe ! ".

Photomontage, 30 x 23 cm Hannah Höch. Da Dandy, 1919

Collection particulière
© Adagp, Paris

La virtuosité d'Hannah Höch dans le photomontage se révèle dans toute son étendue avec une autre œuvre au titre plus enjoué et léger, Da Dandy. Le titre, Da Dandy, se lit en lettres de journal découpées, dans le bas droit du tableau. L'artiste qui, toute sa vie, restera fidèle à la technique du photomontage et au collage pour exprimer, comme elle le déclarera en 1977, " ses critiques, ses sarcasmes, mais aussi ses malheurs et la beauté ", met ici habilement en image, à partir de différentes découpes photographiques, la relation d'Hausmann à la femme, une femme qui semble occuper la totalité de sa tête.
En effet, dissimulé et pourtant lisible derrière une multitude de visages féminins, le profil de Raoul Hausmann se lit au centre de la composition, où tout fait appel à l'œil et au regard. La complexité du photomontage, où les différents visages féminins s'imbriquent, est à l'image de la relation compliquée entre les deux artistes. Les jeunes rivales constituent la tête de l'amant écartelé entre sa femme et Hannah Höch, sa maîtresse. Et pourtant, malgré les affres qu'une telle relation implique, tout semble prendre une allure ludique et légère, comme la découpe photographique de deux pieds de femme élégamment chaussés et esquissant un pas de danse, de la main nonchalamment allongée, ou des perles rimant avec les sourires et les différents appâts féminins. La palette chromatique orchestre avec élégance les valeurs du noir et du blanc et la couleur, ainsi que les tonalités pastels de différents paysages qui se profilent au loin.

Hausmann, Höch et Baader représentent la tendance plus typiquement Dada à Berlin, anarchique, individualiste et artistique. Une seconde tendance, plus marquée politiquement et à gauche, compte le photomonteur Johan Heartfield et le peintre George Grosz. Ces deux artistes réalisent ensemble des photomontages comme par exemple Pays ensoleillé, 1919, qu'ils ne signent même pas, se contentant d'apposer sur le bord inférieur du collage le texte 'Grosz-Heartfield mont' (pour monté), en caractères d'imprimerie. Le qualificatif monteur leur semble plus approprié pour définir leur travail où le collage des divers éléments, lettres, découpes de journal, cartes postales, est plus proche de la production mécanique que des techniques artistiques traditionnelles. Heartfield, dénommé le " Dadamonteur ", réalise des œuvres d'une grande force polémique et restera toujours fidèle à l'esthétique du photomontage. Grosz, faisant dialoguer dessin, aquarelle et photomontage dans des œuvres d'un grand impact visuel, met à nu les valeurs bourgeoises instituées, comme celle du mariage, les rouages du capitalisme ou l'absurdité de la guerre.

Même s'ils ont prôné l'anti-art, c'est par des œuvres d'art que les dadaïstes ont clamé leur révolte contre des valeurs absurdes et immuablement instituées, y compris celles d'un art canonique. La découverte du photomontage a ouvert des voies nouvelles en art, questionnant l'image dans tout son pouvoir et son efficace.
Littéralement exorbitantes, ces œuvres, intégrant texte et image, interrogent sur le rapport entre le visuel et le textuel, l'image et le mot, le fragment d'image et l'émiettement de la langue.
En arts plastiques comme en français (au-delà même des nombreuses revues, tracts, manifestes et activités écrites que Dada a produits) ces œuvres pourront être le lieu d'un questionnement allant du poème visuel au tableau sonore, à l'intégration du texte écrit dans l'image. D'Apollinaire aux futuristes, aux dadaïstes, aux Nouveaux réalistes, mais aussi aux artistes du Pop art, ce lien névralgique texte et image serait à étudier en classe.

Le collage selon Max Ernst

Mouvement international aux ramifications multiples, Dada a aussi un foyer à Cologne, marqué par la personnalité de Max Ernst, qui va devenir un des plus grands artistes surréalistes, par Théodor Baargeld et par Jean Arp qui les rejoint en 1919. C'est en 1919 que Max Ernst, qui se révélera comme le grand magicien du collage, crée ses premiers collages dada. Fidèle à l'esprit dada s'insurgeant contre la notion d'artiste et de filiation de l'œuvre, il réalise des collages en duo avec Arp, intitulés Fatagaga (1920), ainsi qu'avec Baargeld.
Cologne. Un art de distance et d'ironie

Max Ernst (1891-1976)

Ernst fait de la technique du collage une utilisation singulière qui se différencie des papiers collés cubistes ainsi que des photomontages dadaïstes. Contrairement à Braque, Picasso ou aux autres dadaïstes qui n'effacent pas les traces de la facture de l'œuvre, emprunts d'images, colle, etc., Ernst trompe le regard du spectateur en gommant toute allusion à sa réalisation technique. L'image qu'il présente est donc uniforme, même si elle est absurde. Le renvoi à la réalité politique et sociale, qui chez Hausmann, Höch ou Heartfield est direct, devient chez lui allusion. L'image morcelée, chaotique et violente d'une époque que les Berlinois dénonçaient, s'éloigne dans un espace qui n'est pas réel mais mental. Ainsi, comme Ernst l'exprime dans une très belle formule : " Si ce sont les plumes qui font le plumage ce n'est pas la colle qui fait le collage ".

Chez lui, le collage naît de la rencontre entre des réalités différentes " sur un plan qui n'y semble pas approprié – et l'étincelle de poésie qui surgit du rapprochement de ces réalités ". De tels collages évoqueront de plus en plus l'activité mentale de libre association et le processus de figuration dans le rêve, dont Freud avait élucidé la logique inconsciente. Mais, avant de plonger dans la dimension de l'inconscient chère aux surréalistes, les collages dadaïstes de Max Ernst s'attachent à des thématiques comme la guerre ou la destruction, communes aux autres dadaïstes allemands, pour les traiter avec une esthétique qui lui a été toujours chère, celle de la distance et de l'ironie.

Photomontage, 12,2 x 8,8 cm Max Ernst. Le Rossignol chinois,1920

Musée de Grenoble
© Adagp, Paris

L'extraordinaire, l'inquiétant, l'incongru, l'humour sont les principaux sentiments que provoquent les collages de Max Ernst. Ainsi, dans le minuscule photomontage intitulé Le Rossignol chinois, la photographie d'une bombe aérienne utilisée pendant la guerre, placée au centre de la composition, est tellement remaniée qu'il est presque impossible de l'identifier. Par les éléments disparates dont l'artiste l'entoure, la bombe n'est plus qu'un hybride d'homme et d'animal, tandis que le titre, tiré d'un conte d'Andersen, désamorce toute idée de violence. Le photomontage a été ensuite photographié et agrandi par Ernst, de manière à effacer les traces de sa fabrication.
Max Ernst, qui avait été enrôlé pendant la guerre, et qui déplorait la presse glorifiant les performances techniques allemandes lors du premier grand conflit, tourne ici en dérision, de manière subtile, l'absurde machinerie militaire et ces mêmes revues d'où il a tiré l'élément central de sa composition.
L'éventail de l'effervescence créatrice qui a été celle de Dada, où le mot d'ordre liberté a produit des œuvres qui ont révolutionné l'art, la littérature, le cinéma, ne serait pas complet sans l'apport considérable de Kurt Schwitters.

Merz ou le principe d'assemblage d'objets et de matÉriaux

Kurt Schwitters (1887-1948)

S'exprimant par le moyen du collage dont il donne une nouvelle interprétation, sculpteur, poète interprétant ses poèmes et sonates de mots, réalisant tableaux-poèmes et poèmes optiques, Schwitters est l'artiste dadaïste complet. Plaçant l'art avant tout, Schwitters s'oppose à la coloration politique communiste que Dada prend au sein de certains cercles en Allemagne. Il est plus proche de l'indépendance radicale et de la méfiance envers la communauté proclamée par Tzara. Il reproche à Huelsenbeck ¹ et à ses écrits sa violence contre l'art, se réclamant encore une fois de Tzara quand il déclare que " Dada est à l'enseigne de l'abstraction ".
L'ensemble de ses activités dada et post-dada pourrait se regrouper autour d'un néologisme riche de sens : Merz, découpe verbale du mot Kommerz und Privat bank. Ce fragment de mot laisse entendre le commerce de l'art, la douleur : schmerz, en allemand, et en français une dimension scatologique.

Le fragment et son principe d'association et d'expansion sont au cœur de son travail plastique et poétique. Dans ses collages ou assemblages, Schwitters intègre, comme les cubistes, différents matériaux. Mais, poussant plus loin cette pratique, il travaille à partir de déchets qui envahissent les rues de Berlin ou de Hanovre après la guerre. " On peut crier avec des ordures et c'est ce que je fis, en les collant et les clouant ensemble ", écrit-il. Si le collage de l'objet prélevé du réel reste, dans le Cubisme, soumis à la peinture qui l'intègre à la composition plastique, chez Schwitters l'objet et le matériau étranger font de plus en plus, à eux seuls, l'œuvre.
Réalisant le rêve d'une œuvre qui mêle le plan de l'art et celui de la vie, Schwitters construira, par accumulation d'objets différents, une immense sculpture qui occupera l'espace vital de sa maison et qu'il nommera Merzbau, œuvre in progress et non vendable, conciliant peinture, sculpture et architecture. Elle sera détruite par les nazis en 1939.

Assemblage, huile sur miroir cloué à une toile, 28,50 x 11 cm Kurt Schwitters. Untitled (Assemblage on Hand Mirror), 1920-1922

Musée d'art moderne de la ville de Paris
© Adagp, Paris

Offert par l'artiste à Hannah Höch, ce collage a ensuite appartenu à Tzara, avant d'être donné par ses héritiers au Musée d'art moderne de la ville de Paris en 1988.
L'objet fait ici doublement irruption, d'abord par le support, le miroir à main réel dont la surface a remplacé la surface picturale, puis par sa présence fragmentaire à l'intérieur du collage.
Le miroir à main, détourné de sa fonction, présente autre chose au regard de celui ou celle qui voudrait s'y voir, un reflet de l'époque d'où ressort le mot CHOC. Découpe peut-être d'un autre mot comme l'indique la troncature irrégulière de l'élément collé. Comme un grand nombre de ses collages des années vingt, cette œuvre a été réalisée à partir de débris ramassés sur les ruines de la guerre. Sur les restes de maisons détruites, Schwitters a ramassé des fragments de matériaux présents dans des intérieurs domestiques : des boutons, morceaux de carton, bouts de bois, morceaux de carrelages, de métal, de verre, de liège, et une feuille d'arbre artificielle.
Ces détritus habilement agencés par l'artiste s'organisent selon une composition qui, malgré l'harmonie chromatique et l'équilibre des obliques, des courbes et des droites, n'a rien de décoratif. En effet, les mots qui se détachent attirent le regard du spectateur vers un questionnement, auquel la rude matérialité des objets collés donne une certaine résonance. La guerre, la destruction, la confusion de l'époque se lisent dans ce miroir opaque, au dos duquel l'artiste a tracé un cœur percé d'une flèche et une inscription : " Viel Liebe, Q .Witters " (Beaucoup d'amour, Q.Witters). Witters étant un déguisement de son nom.
Le grave et le frivole se donnent rendez-vous dans ce miroir féminin des années vingt en Allemagne. Les formes ovales, l'introduction de matériaux et de lettres rappellent les procédés chers aux cubistes, mais ici le matériau n'est pas intégré à la peinture et existe dans sa présente réalité. Le recours à des matériaux de rebuts renoue l'art avec le réel et les Nouveaux réalistes s'en inspireront.

Si la durée de Dada ne se limite qu'à quelques années, le mouvement a marqué en profondeur l'art et la pensée du 20 e siècle.
Il donnera lieu à une filiation allant du Néo-dadaïsme de Jasper Johns et de Robert Rauschenberg, avant-coureurs du Pop art, au mouvement Fluxus, au Nouveau Réalisme. Du point de vue de la pensée, le Situationnisme et l'œuvre de Guy Débord, analyste implacable de La Société du Spectacle (1967), s'y rattachent.
Expérience non répétable liée à un contexte culturel et historique, Dada est défini par Tzara comme une " poussée de relativisme qui n'est pas un dogme, ni une école, mais une constellation d'individus et de facettes libres. "
A l'enseigne de la liberté, du doute et de la remise en cause au sein de la pensée et de l'expérience créatrice qui ont caractérisé Dada, il serait fructueux, en philosophie comme en arts plastiques ou en français, de pousser la comparaison avec ces mouvements qui s'en revendiquent, pour observer ce qui les rapproche mais aussi l'irréductible différence qui sépare tout courant " néo-dada " de son premier avènement.

[1] Le poète allemand Richard Huelsenbeck, présent à Zürich en février 1916 aux côtés de Tristan Tzara, Hugo Ball, Marcel Janco, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber, et de tous les autres, lors de la fondation du Cabaret Voltaire

Bibliographie sÉlective

- William Rubin, L'art Dada et Surréaliste, Seghers, 1976.
- Marc Dachy, Dada et les dadaïsmes, Paris, Gallimard, 1994, (Coll.Folio).
- Laurent Le Bon (sous la dir. de), Dada, Catalogue de l'exposition du Centre Pompidou, Editions du Centre Pompidou, 2005.

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© Centre Pompidou, Direction de l'action éducative et des publics, octobre 2005
Texte : Margherita LEONI-FIGINI, professeur relais de l'Education nationale à la DAEP
Pour les œuvres : Adagp, Paris 2010
Maquette : Michel Fernandez
Dossier en ligne sur www.centrepompidou.fr/education/ rubrique 'Dossiers pédagogiques'
Mise à jour : 2010
Coordination : Marie-José Rodriguez, responsable éditoriale des dossiers pédagogiques

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Dossier pédagogique - Parcours Exposition DADA Du 5 octobre 2005 au 9 janvier 2006 Raoul Hausmann, ABCD , 1923-1924 Introduction Provocation, anti-peinture, profanation Paris et New York. Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray Hasard et abstraction Zürich. Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp Le photomontage Berlin. Raoul Hausmann, Hannah Höch Le collage selon Max Ernst Cologne.

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En bref

Le cubisme fut l'un des grands mouvements modernes du premier quart du XX e siècle. Élaboré, sous l'influence de Cézanne, par Pablo Picasso et Georges Braque en première ligne, le cubisme s'est construit de manière hermétique avant d'intéresser de nombreux peintres, tels que Juan Gris, Fernand Léger et Robert Delaunay. Le cubisme propose une déconstruction conceptuelle du réel, jamais abstraite, mais démultipliant les points de vue sur l'objet. Les sujets sont souvent empruntés au quotidien. Plusieurs peintres français, tels que André Lhote, Jean Metzinger et Roger de la Fresnaye, pratiquèrent un cubisme liant tradition académique et modernité. L'histoire du cubisme canonique s'éteint avec la Grande Guerre, qui marque une rupture dans le monde des avant-gardes. Des déclinaisons du cubisme existent également à l'international, et dans d'autres pratiques artistiques telles que la sculpture et l'architecture. Étape décisive de l'histoire de l'art, ce mouvement est l'une des voies qui ont conduit l'art moderne vers l'abstraction.

" Le cubisme est l'art de peindre des ensembles nouveaux avec des éléments empruntés non à la réalité de vision, mais à la réalité de conception. " Guillaume Apollinaire

Son histoire, ses idées clés

Le mot cubisme est prononcé pour la première fois par Henri Matisse au sujet d'une toile de Georges Braque datant de 1908. Sous l'influence de Cézanne qu'ils avaient découvert, Braque et Picasso ont en effet adopté une nouvelle perspective esthétique au cours de l'année 1907. Ils cherchent à représenter le réel non pas mimétiquement, mais en le géométrisant, sans jamais atteindre l'abstraction. Les formes se découpent en de multiples facettes, comme autant de " cubes ", montrant l'objet selon une perspective impossible dans la réalité. Les artistes ne cherchent plus la représentation en trois dimensions (illusionniste), mais en quatre dimensions, ce qui atteste de la nature conceptuelle de leur dessein esthétique.

En 1907, Picasso peint les Demoiselles d'Avignon dans son atelier parisien. L'œuvre est parfois présentée comme le manifeste de cette nouvelle esthétique, marquée par la découverte de la sculpture africaine, aux formes synthétiques. De nombreux artistes emboîtent le pas à Picasso, mais c'est Braque qui devient le premier compagnon de route de l'Espagnol. Ils collaborent étroitement, notamment en 1909, et élaborent un cubisme dit analytique, très hermétique, à la palette restreinte, aux effets de perspective complexes. À leurs côtés, d'autres artistes fondent aussi leur laboratoire, notamment le groupe dit de Puteaux (Albert Gleizes, Jean Metzinger, Francis Picabia, Fernand Léger...), réuni autour des frères Duchamp.

Dans les années 1910-1914, le cubisme évolue. Braque et Picasso égayent leur palette et font usage de nouvelles techniques, notamment le collage (on évoque à ce sujet la période synthétique). Mais les deux peintres, soutenus par le marchand Daniel-Henry Kahnweiler, n'exposent pas aux Salons. Le public d'amateurs a plutôt connaissance des recherches des artistes de Puteaux, notamment Gleizes et Metzinger, qui exposent, quant à eux, dans les Salons parisiens et dans un Salon dédié au cubisme : le Salon de la Section d'or. Ces autres cubistes proposent une approche moins radicale et utilisent ce style pour revisiter des thèmes classiques et modernes. La sculpture, également, n'est pas en reste. Des artistes tels que Lipchitz, Zadkine et Archipenko adhèrent au cubisme après Picasso, qui s'est, lui aussi, essayé à la sculpture au cours des années 1910.

L'histoire du cubisme dans les années 1910 est marquée par son affrontement avec le futurisme italien. Les deux avant-gardes sont en rivalité. Marcel Duchamp, qui appartient au groupe de Puteaux, fait les frais de cette dispute en exposant son célèbre Nu descendant un escalier au Salon des Indépendants de 1912. Avec cette figure dont le mouvement se décompose dans l'espace, les cubistes français lui reprochent d'être trop futuriste. L'artiste est mieux reçu à New York, où il présente ses œuvres à l'Armory Show en 1913.

La Grande Guerre représente une rupture dans l'histoire du cubisme, dont Picasso s'éloigne pour aborder un retour vers un style classique. Le cubisme fut d'ailleurs très mal perçu pendant cette période de repli nationaliste et fut accusé d'être une avant-garde trop ouverte aux vents de l'internationalisme.

Portraits cubistes
Juan Gris, Portrait de Pablo Picasso, 1912
Ce portrait de Picasso est l'œuvre de Juan Gris, l'autre Espagnol du cubisme. L'artiste est représenté la palette à la main, engoncé dans une large veste. La palette de Gris est claire, mais les teintes sont restreintes. Il apporte un important effet de luminosité. Il ne s'agit pas d'un portrait illusionniste, mais d'une œuvre qui donne à ressentir le volume du personnage, découpé en formes géométriques.
Pablo Picasso, Portrait de Georges Braque, 1909-1910 Pablo Picasso, Portrait de Guillaume Apollinaire, 1913 Jean Metzinger, Portrait d'Albert Gleizes, 1911
Braque et Picasso ont formé dans les années 1909-1911 une véritable " cordée " cubiste. Les deux peintres travaillaient en binôme, notamment lors de leur séjour à Céret en 1911. Ce portrait peint par Picasso dans le style analytique s'éloigne de toute tentation mimétique. Néanmoins, certains détails (tels que le chapeau, la pipe) se rattachent à la réalité sensible, nous rappelant que le cubisme n'est pas une quête d'abstraction.

Dans ce portrait cubiste, il est difficile de reconnaître le visage d'Apollinaire, le prince des poètes, qui fut aussi l'un des grands soutiens de Picasso. Apollinaire publia la première somme critique sur le cubisme ( Peintres cubistes. Méditations esthétiques, 1913). Ici, son visage est totalement déstructuré, uniquement travaillé en noir et blanc. Il rend hommage à la grande amitié qui lia le poète à son artiste de prédilection.

Jean Metzinger et Albert Gleizes furent les promoteurs d'un cubisme dit " français " dans les années d'avant-guerre. Ils rédigèrent un traité sur le cubisme publié en 1912 et exposèrent ensemble dans les Salons parisiens. Ces deux artistes avaient un goût prononcé pour la géométrie et les mathématiques appliqués à la peinture. Dans les années 1930, Albert Gleizes se tourna vers la peinture abstraite.

André Lhote est le cubiste français qui s'est le plus employé à marier la tradition académique à la modernité cubiste. Il fut à la fois un théoricien et un professeur qui forma de nombreux élèves dans une académie ouverte à son nom. Son goût pour le portrait et ses compositions témoignent toujours d'une grande rigueur académique. Ainsi, il livra plusieurs hommages aux grands maîtres du passé comme Antoine Watteau.

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Collage, géométrisation et simplification des formes sont autant de techniques qui ont déterminé l'un des mouvements fondateurs de l'art moderne. En une décennie, de Picasso à Braque, en passant par Léger, le cubisme a révolutionné le monde de l'art au début du XXe siècle.

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Bill VIOLA, « Les rêveurs », 2013, installation vidéo sonore, sept écrans plasma verticaux, quatre canaux stéréo, en continuVidéo 1’30

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Bill VIOLA, « Les rêveurs », 2013, installation vidéo sonore, sept écrans plasma verticaux, quatre canaux stéréo, en continuVidéo 1’30

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Jean-François Millet. "Les glaneuses"  1857 Huile sur toile, 83,5 × 110 cm, Musée d'Orsay, Paris

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Jean-François Millet. "Les glaneuses"  1857 Huile sur toile, 83,5 × 110 cm, Musée d'Orsay, Paris

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857)

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857), analyse avec de nombreuses illustrations.

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The Frame - Frida Kahlo | Un podcast, une œuvre

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Bienvenue dans Un podcast, une œuvre, le podcast du Centre Pompidou qui explore les œuvres à la lumière de questions de société.
Frida Kahlo est devenue une icône pop de la liberté. Peintre prolifique, elle brille dans l'histoire par sa créativité, sa force de caractère et sa façon de bousculer les codes. Découvrez dans son autoportrait les multiples facettes d'une artiste révolutionnaire qui a fait de sa vie un combat.

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Écriture et réalisation : Elsa Daynac

Lectures : Pauline Caupenne, Hélène Bressiant

Habillage musical : Nawel Ben Kraiem et Nassim Kouti

Extraits musicaux : Barbara, Inti-Illimani, Juliette Greco et Catherine Delasalle

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The Frame - Frida Kahlo | Un podcast, une œuvre

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Écouter The Frame - Frida Kahlo de Un podcast, une œuvre. Bienvenue dans Un podcast, une œuvre, le podcast du Centre Pompidou qui explore les œuvres à la lumière de questions de société. Frida Kahlo est devenue une icône pop de la liberté.

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Guy Devienne 27 avril - 04 mai 2024     

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Guy Devienne 27 avril - 04 mai 2024     

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Hans Hartung et la griffure comme geste pictural

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Hans Hartung et la griffure comme geste pictural

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https://www.beauxarts.com/grand-format/hans-hartung-en-2-minutes/

https://www.mam.paris.fr/sites/default/files/documents/dp_hanshartung_legende.pdf

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Précurseur de l'abstraction lyrique, Hans Hartung (1904-1989) n'a appartenu à aucun mouvement. En 2019, le musée d'Art moderne de Paris retraçait le parcours de cet artiste prolifique, invalide de guerre, qui fit de la libération du geste sa marque de fabrique.

"  Hartung ? Vous faites encore des taches ! " se lamentait le maître d'école. Et Hartung de se confier dans son Autoportrait (1976) : "  J'avais la réputation de faire des taches. Je me cachais derrière mon pupitre. " Alors qu'à la déclaration de la guerre, son père médecin-chimiste décide de quitter Bâle pour Leipzig, Hans Hartung est âgé de 10 ans. Dans sa classe, en promenade, sur son lit, il peint déjà. Il peint la nature et la guerre et macule les pages de ses cahiers d'école d'éclairs d'orage qu'il observe dans un ciel zébré aussi parle passage des obus des belligérants. Il écrira : "  Aujourd'hui, les éclairs, dans mon œuvre, ça revient tout le temps. C'est dans la vitesse dans le côté aigu du trait. " Âgé de dix-sept ans, sa vocation se précise : il sera peintre. Découvrez 6 chefs-d'œuvre qui retracent la carrière de cet artiste prolifique, inventeur de la peinture gestuelle.

1. Expérimentations abstraites

" Si les aquarelles avaient été connues en 1922, elles seraient restées incomprises tant elles étaient en avance sur son temps ", écrit l'historien de l'art allemand Will Grohmann qu'Hans Hartung rencontre en 1931. En effet, Jaune, Rouge et Bleu s'inscrit dans une série d'une soixantaine d'aquarelles réalisées en 1922. Toutes témoignent d'une démarche spontanée. Ici, des taches libres, colorées et lumineuses semblent surgir du fond se mélangeant, se confondant, dans une dilution aquatique ou céleste : une diagonale tracée dans un geste ample crée un mouvement ascensionnel tandis que des bleus violacés naissent au bas de l'œuvre contrastant avec les taches jaunes, radieuses, éclairant l'ensemble.

2. Compositions expressionnistes

À la surface de cette œuvre (reproduite dès 1936 dans la revue américaine Axis) se meuvent des tracés noirs à l'épaisseur variable, tantôt indécis, tantôt sûrs. Ce sont des substrats des cernes expressionnistes. Des lacets verts aux formes serpentines rythment nerveusement l'ensemble. À partir de 1932, Hartung travaille selon le procédé de l'agrandissement avec mise au carreau. C'est pourquoi dans le titre, l'on retrouve le chiffre 2 : c'est la deuxième version sur toile de cette composition. Le titre, comprenant la lettre T et la date de sa réalisation permet au spectateur de se détacher d'une lecture narrative ou figurative.

3. Inspirations picassiennes

Démobilisé en octobre 1940 de la Légion étrangère, Hartung rejoint la famille du sculpteur et peintre Julio González, installée à Las bouygues dans le Lot. Il produit alors plus de trente têtes anonymes inspirées des masques de Montserrat de Julio González, mais aussi du célèbre Guernica de Picasso, œuvres symboles de l'effroi des civils impuissants subissant les horreurs la guerre. Accentuant graphiquement le nez, la bouche hurlante, la langue tirée, la joue violemment coupée d'une masse sombre, cette série exprime le désarroi et la colère. Après la guerre, Hartung minorera l'importance de ces œuvres et les exposera peu. Par leur utilisation du triangle, du croissant et de la grille, ces gouaches annoncent pourtant son travail d'après 1945.

4. Noire modernité

Cette peinture structurée par de larges formes de croissants aux bords arrondis se détachant sur des masses vivement colorées, elles-mêmes superposées à un fond sombre, témoigne de la prédilection de Hartung pour le noir. Le peintre obtient des effets de contraste entre les vigoureux éléments graphiques et le fond en jouant sur des effets de transparence de la couleur, soulignant le tissage de la toile. Réalisée selon le procédé du report, cette peinture abstraite comporte une dimension illusionniste puisqu'elle imite trait pour trait le tracé du pinceau. Son caractère très graphique lui confère une dimension décorative qui n'est pas sans liens avec les formes noires et biomorphiques du design de l'époque. La peinture de Hartung, à l'instar des célèbres créations design d'Arne Jacobsen ou de Charles Eames, incarne la modernité retrouvée des années 1950.

5. La tête dans les nuages

Cette œuvre réalisée au vinylique, une peinture industrielle qui sèche rapidement, appartient à la phase dite des " nuages ", développée par Hartung entre 1965et 1967. Une vaste surface sombre et vaporeuse forme comme un écran opaque, percé par un fond lumineux et rayonnant. Depuis le début des années 1960,Hartung a substitué au pinceau une nouvelle panoplie d'outils variés. Le pistolet à air comprimé qu'il utilise ici détourné de son usage premier, lui permet d'obtenir des effets atmosphériques grâce aux minuscules gouttelettes qui se déposent sur la toile, sans contact direct avec celle-ci. Cette technique n'est pas sans rappeler la démarche d'un Jackson Pollock pratiquant le dripping avec des boîtes de conserve percées, laissant s'écouler la peinture sur la toile sans employer de pinceau.

6. Synthèses

Cette pièce immense, acquise par la Tate en 1997, constitue l'un des plus grands formats réalisés par Hartung dans les années 1980. Témoignant d'un équilibre sensible entre force et énergie maîtrisée, elle opère la synthèse entre différentes techniques parvenues à leur quintessence : d'une part, la pulvérisation mécanique de jets de peinture qui vient maculer les bords verticaux de l'œuvre d'un contraste de bleus et jaunes créant ainsi un fond nébuleux aux allures crépusculaires. Et, d'autre part, l'utilisation du balai de genêts imprégné de peinture noire, qui, par son action violente lorsqu'il s'abat sur la toile, écorche, érafle et lacère la zone centrale de couleur brune.

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Hans Hartung en 6 chefs-d'œuvres de l'abstraction

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" Hartung ? Vous faites encore des taches ! " se lamentait le maître d'école. Et Hartung de se confier dans son Autoportrait (1976) : " J'avais la

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Le Blog d'Histoire de l'Art des ES2

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La machine à dessiner est un dispositif qui a été créé vers 1955 et qui permet aux spectateurs d'avoir un rôle autre que la simple observation dans une oeuvre d'art. La machine à dessiner est donc une oeuvre d'art qui elle-même en produit grâce au hasard. Ce système fait donc parti des oeuvres d'arts interactives.

L'objectif de cet article est donc de découvrir qu'est-ce que la machine à dessiner représente pour les artistes qui en ont créé.

L'un des pionniers de ce thème est Jean Tinguely. Il est l'un des premiers à réaliser des machines à dessiner dès 1955 et les expose en 1959. Il a réalisé 20 machines qu'il a nommé les "Meta-Matics". A l'époque, les oeuvres ont créé un débat sur l'art contemporain.

Ses machines sont formées d'une roue motrice reliée par des courroies à une ou plusieurs roues, qui en tournant, entraînent une tige à réaliser un mouvement irrégulier.

Dans ce dispositif, le rôle du spectateur est de venir placer à l'extrémité de la tige un médium (tel qu'un crayon, un feutre ou une craie) afin de griffonner la feuille de papier. Grâce à ses oeuvres, Jean Tinguely cherche à prouver qu'une oeuvre d'art n'est pas définie ni achevée puisque ses machines ne produisent jamais deux dessins identiques à cause de la différence de pression, de la fluidité du colorant et de la qualité du papier. Cependant il a toujours refusé de donner de la valeur au résultat aléatoire des dessins.

En cliquant sur ce lien: https://youtu.be/GOo5uq2fH6g, vous pourrez voir une démonstration d'une des machines de Tinguely en action. Voici également un des dessins exécutés par Tinguely avec l'une des Méta-Matics.

Ainsi, la machine, le constructeur et l'utilisateur participent à parts égales à l'œuvre, à la fois sculpture, happening et dessin.

Certains artistes ont travaillé la machine à dessiner comme un outil que l'on porte sur nous. C'est-à-dire que l'homme agirait grâce à son corps dans la réalisation du dessin. Cela se rapproche donc davantage d'une performance mais permet pourtant de créer des dessins uniques.

Yves Klein est une figure majeure de la démocratisation dans l'art qui comme Tinguely parvient à porter atteinte au mythe de l'oeuvre d'art unique.

Cependant à la différence de Tinguely, il crée des dessins aléatoires en utilisant le corps humain comme une machine à peindre et en maintenant sa particularité à n'utiliser qu'une seule couleur. En effet, selon lui la monochromie est quelque chose d'absolu et reproductible à l'infini.

Devenir une machine à peindre est une tentation moderniste pour son époque et grâce à ses oeuvres, il montre que nous suffisons à nous-même pour réaliser un dessin, notre simple corps suffit à créer un tableau. Chez Yves Klein, le fait d'utiliser une seule couleur ne pose pas de problème puisqu'en exploitant les parties du corps de différentes personnes, il est possible de réaliser une infinité de dessins aléatoires.

Toujours dans l'utilisation du corps ou d'une partie du corps dans la conception de la machine à dessiner, Rebecca Horn a réalisé plusieurs machines dont l'une appelée "Masque aux crayons" que l'artiste dispose sur son visage. Il s'agit d'un masque de bandes noires qui pressent son visage comme une armure et sur lequel sont fixés des crayons. Elle bouge la tête de plus en plus vite et cela crée un dessin sur le support qui l'entoure. Rebecca Horn est une artiste qui cherche à montrer les extensions corporelles.

En réalisant cette oeuvre, elle nous montre l'extension de notre tête, la capacité que nous avons à la bouger plus ou moins vite ainsi que la capacité à créer des choses, des dessins aléatoires tous différents les uns des autres. C'est finalement un manière de transformer le réel.

Enfin, Stelarc est un artiste australien et pionnier de l'hybridation entre corps et technologie. Il considère le corps humain comme étant obsolète et exploite donc les nouvelles technologies pour interroger la société.

L'arrivée des nouvelles technologies tels que les avatars, les corps augmentés ou encore la chirurgie esthétique permet à l'homme de réaliser des fantasmes de corps idéal dans une société où le physique et l'apparence sont très, peut-être trop importants. Avec son légendaire goût pour la provocation, Stelarc travaille sur la prothétisation du corps ainsi que sur l'augmentation de ses capacités avec un système technologique.

Il réalise ainsi des machines à dessiner représentant un bras articulé qu'il additionne avec ses bras et qui finalement l'aide à réaliser non pas avec deux mais avec trois ou quatre mains, un dessin totalement aléatoire. L'utilisation de la technologie dans ses oeuvres interroge sur les peurs existentielles de l'homme sur le devenir et la pérennisation de notre espèce. L'artiste souhaite ainsi faire prendre conscience à la fois de l'importance mais aussi de l'envahissement des nouvelles technologies dans notre façon de vivre.

Dans cet article, il est principalement cité des artistes qui ont fortement détourné la machine à dessiner pour dénoncer ou faire passer un message en permettant à l'homme d'avoir un rôle dans l'obtention de dessins aléatoires. Que ce soit l'artiste lui-même qui se mette en scène avec son dispositif ou que ce soit une machine qui incite les spectateurs à l'utiliser pour eux-même créer un dessin aléatoire, ces artistes ont aidé à démocratiser l'art dans la société.

Voici pour conclure cet article, une petite série de photos représentant d'autres machines à dessiner, peut-être plus classiques et plus accessibles de différents artistes du XXème siècle.

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Emeline ROUXEL, ES2, 2017-2018

Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007, consulté le 13/11/2017, https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/cAnpg6p/rKxB6dK

Art et Machines, une imposture ?, mars 2008, Bernard Blum, consulté le 13/11/2017, https://www.exporevue.com/magazine/fr/musee_tinguely2.html

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La machine à dessiner ou l’art aléatoire

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La machine à dessiner est un dispositif qui a été créé vers 1955 et qui permet aux spectateurs d'avoir un rôle autre que la simple observation dans une oeuvre d'art. La machine à dessiner est donc une oeuvre d'art qui elle-même en produit grâce au hasard.

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Le corps du spectateur comme co-auteur du dessin « VENEZ créer VOUS-MÊME avec fougue, fureur, ou élégance, VOTRE peinture avec LES MÉTA-MATICS de TINGUELY LES SCULPTURES QUI PEIGNENT. » J. Tinguelly

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Jean Tinguely (1925, Suisse - 1991, Suisse) "Méta-matic n° 1, 1959", Métal, papier, crayon feutre, moteur, 96 x 85 x 44 cm

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Jean Tinguely (1925, Suisse - 1991, Suisse) "Méta-matic n° 1, 1959", Métal, papier, crayon feutre, moteur, 96 x 85 x 44 cm

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https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/8B27uIo

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" Vera Molnár. Parler à l'œil " : découvrez notre nouvelle exposition consacrée à la pionnière de l'art numérique à partir du 28 février ! 💻 Disparue le 7 décembre 2023 à l'âge de 99 ans, Vera...

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27 avril - 4 mai 2024  Hôtel de Tahiti(ex Hilton)
          PHILIPPE DUBOIS

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27 avril - 4 mai 2024  Hôtel de Tahiti(ex Hilton)
          PHILIPPE DUBOIS

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MA NOUVELLE EXPOSITION AURA LIEU DU 27 AVRIL AU 4 MAI 2024 A L'HÔTEL HILTON DE TAHITI. VOUS POUVEZ DEJA VOIR QUELQUES TOILES SUR LE SITE GALERIE DES TROPIQUES ART NOMADE SHOW. AMICALEMENT A BIENTÔT...

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Exposition: Vanaa | Maison de la Culture de Tahiti – Te Fare Tauhiti Nui

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Maison de la Culture de Tahiti - Te Fare Tauhiti Nui

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Exposition: Vanaa | Maison de la Culture de Tahiti – Te Fare Tauhiti Nui

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La thématique tourne toujours autour de l’écriture, sa fonction identitaire et culturelle, quand elle est universaliste, au point d’outre passer les frontières et les clivages…

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https://www.facebook.com/galerie.winkler

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Chronologie XXème siècle d'après les oeuvres de la collection du musée d'art moderne du Centre Pompidou, Paris

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Chronologie XXème siècle d'après les oeuvres de la collection du musée d'art moderne du Centre Pompidou, Paris

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LES PRINCIPAUX COURANTS ET MOUVEMENTS ARTISTIQUES

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LES PRINCIPAUX COURANTS ET MOUVEMENTS ARTISTIQUES

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Le mouvement artistique est une notion théorique dans l'histoire de l'art, mais tout à fait primordiale. Elle rend possible une reconstitution de l'évolution chronologique des œuvres.

En réaction à des institutions comme l'Académie, les artistes se sont constitués en mouvements concurrents, souvent conçus comme révolutionnaires ; d'où l'attribution du terme d'avant-garde.

Réalisme, impressionnisme, ou encore cubisme... Ces noms vous sont familiers, mais vous ne savez pas exactement ce à quoi ils renvoient  ? Comment distinguer un mouvement artistique d'un autre ?

Vous trouverez dans cet article toutes les clés pour être incollable sur les mouvements reconnus comme incontournables en histoire de l'art ! N'hésitez pas à cliquer que les liens afin d'en savoir plus sur un courant en particulier.

Plan de l'article :

1. Qu'est-ce qu'un mouvement artistique ?

2. Les grands courants artistiques par période :

Qu'est-ce qu'un mouvement ou courant artistique ?

Un classement à partir de critères objectifs

Un courant artistique est un élément caractéristique d'une période historique et artistique. Il s'inscrit dans une certaine temporalité, il a donc nécessairement un début et une fin.

Le terme désigne un groupe d'artistes, qui ont en commun des pratiques techniques, des principes théoriques, et un style singulier.

Ce mode de classement se veut le plus objectif possible. Établi par des historiens de l'art et des experts, il fait autorité.

Quelques notions clés pour comprendre ce qu'est un mouvement artistique

Fait connu de tous : l'art ne connait aucune frontière ! Nombreux sont les artistes qui vivent une période d'itinérance dans leur vie (si ce n'est plusieurs !). Les voyages et la découverte de cultures nouvelles sont autant de sources d'inspiration ; raison pour laquelle rares sont les mouvements artistiques qui se limitent à un seul pays.

L'art navigue aussi bien entre les frontières qu'entre les genres. Un mouvement artistique peut réunir peinture, littérature, musique, sculpture, architecture et arts décoratifs ; à tel point que, parfois, les artistes pensent abolir toute distinction, de sorte à promouvoir un art total !

EN BREF

On se sert de cette terminologie pour :

Replacer une œuvre dans son contexte pour mieux l'appréhender et établir des rapprochements entre différents mouvements pour avoir une vision synthétique et complète de l'histoire de l'art.

Bon à savoir : comme pour de nombreux courants du XXe Siècle, le fauvisme s'est vu attribuer ce nom par la critique d'art. Au Salon d'Automne de 1905, on parle alors de " cage aux fauves " et Matisse était même considéré comme " le roi des fauves ".

Mais alors, quels sont les courants artistiques qui ont construit l'histoire de l'art ?

Difficile de s'y retrouver, tant le monde de l'art s'est enrichi en mouvements majeurs au fil des siècles !

Vous trouverez ci-dessous une liste non exhaustive de certains courants artistiques (classés par période - de la Renaissance à nos jours) qui ont bouleversé leur temps.

Peinture de la RENAISSANCE

Le nom même de la période traduit l'aspiration au renouveau, la volonté de faire renaître le monde antique. Les aspirations intellectuelles des élites encouragent la floraison des arts ; ils deviennent des commanditaires privilégiés des artistes de la Renaissance.

Humanisme (XVe siècle)

Courant intellectuel et artistique d'origine italienne du XIVe-XVe siècle. Les artistes humanistes replacent l'homme au centre de la création, sous l'influence d'une redécouverte littéraire et artistique de l'Antiquité.

Maniérisme (1520-1600)

De l'Italien " maniera ", à savoir la notion de style. Les maniéristes prônent la licence artistique ; c'est-à-dire des inventions extravagantes, dont au mouvement de torsion, souvent très prononcé, voire exagéré. Il est indissociable d'une culture de cour raffinée. C'est un art intellectuel, qui s'adresse avant tout à un public avisé.

Naturalisme (XVIe siècle)

Par opposition avec le maniérisme, ce courant vise une représentation fidèle, dénuée d'idéalisation. Les naturalistes mettent à l'honneur les scènes de la vie courante (on parle alors de scènes de genre).

Peinture du XVIIe Siècle

L'Europe est le théâtre d'affrontements sanglants entre catholicisme et protestantisme ; les élites aristocratiques romaine, française et espagnole cherchent à promouvoir un art religieux et politique plus proche du fidèle. Dans le même temps, l'artiste se fait défenseur du retour à l'ordre, qui se traduit par un intérêt renouvelé pour l'Antiquité.

Baroque (XVIIe)

La production de ce courant est essentiellement religieuse. L'artiste baroque recherche le pouvoir de séduction de l'œuvre d'art, qui doit émouvoir.

Classicisme (XVIIe)

L'Antiquité classique est érigée au rang de modèle de perfection, dans la quête d'une représentation de la beauté idéale. Le mouvement du classicisme marque le triomphe de l'ordre et la perfection, par opposition avec le déséquilibre et la difformité.

Peinture des LUMIÈRES

Le XVIIIe Siècle est le temps de la contestation progressive de l'ordre établi ; la noblesse multiplie les divertissements, tandis que les artistes s'interrogent sur les rapports entre art et pouvoir. Pour tous, la question de l'indépendance vis-à-vis du pouvoir monarchique se pose.

Rocaille (1715-1770)

En réaction au classicisme du règne de Louis XIV, le mouvement rocaille promeut une certaine libération des formes et du style trop rigides. En peinture, en sculpture ou en ébénisterie, ce style ornemental consacre les lignes courbes, dans le cadre de l'enrichissement des intérieurs aristocratiques.

Bon à savoir : le terme " rococo " présente une connotation péjorative

Pittoresque (1750-1800)

La peinture pittoresque représente la nature dans sa variété. Elle est souvent associée à des ruines antiques. La mise en scène du paysage est toujours dramatique. Le peintre tente d'établir une proximité avec la sensibilité humaine.

Néoclassicisme (1750-1830)

Ce mouvement s'épanouit dans le cadre du Grand Tour (le voyage de formation pour l'aristocratie, dans les principales villes européennes). L' artiste néo-classique consacre un nouveau culte de la beauté idéale classique, fondée sur une reproduction exacte du modèle grec ou romain.

Peinture du XIXe Siècle

Dans la continuité du XVIIIe siècle, le XIXe siècle entretient un rapport critique avec le pouvoir ; l'instabilité des régimes trouve écho dans les arts, où se succède un plus grand nombre de mouvements qu'auparavant, jusqu'à la naissance des avant-gardes.

Style Empire (1805-1830)

Plus présent dans le mobilier, le style Empire marque la domination politique de Napoléon Bonaparte à travers les arts. En rupture avec la sobriété néoclassique, il remet au goût du jour l'ostentation. Il s'associe à l'égyptolomanie, dans le sillage des campagnes militaires.

Romantisme (1790-1848)

L'évasion artistique proposée par l'artiste romantique est émotive et fantastique, ce qui implique la liberté de la créativité. Il s'agit de retranscrire mélancolie, nostalgie, sentiment du sublime et souffrance, par opposition avec la supériorité de la raison humaine prônée par les Lumières.

Académisme (XIXe)

L'art classique est érigé au rang de perfection insurpassable ; l'académisme prend pour modèle la beauté idéalisée. L'artiste doit respecter l'équilibre des formes, et choisit des sujets savants mythologiques ou historiques.

Orientalisme (XVIIIe et XIXe)

Chez l'artiste orientaliste, l'atmosphère fabuleuse du conte ou du rêve domine. Le désir d'évasion et de connaissance s'associe au fantasme du monde musulman.

Réalisme (1840-1880)

Le refus de l'artiste des conventions le pousse à s'intéresser aux aspects indignes et vulgaires de la vie. Il entend représenter le monde contemporain.

LES DÉBUTS DE L'ART MODERNE

Le tournant du XIXe au XXe siècle marque une révolution sans précédent dans l'histoire de l'art ; on ne peint plus ce qu'on voit, mais ce qu'on ressent.

Un seul maître mot ; le progrès artistique !

Impressionnisme(1874-1886)

L'impressionnisme repose sur la volonté de capter la lumière naturelle à différents instants. Les artistes ne cherchent pas nécessairement à produire une représentation fidèle d'un paysage ou d'une scène, mais plutôt à saisir sur le vif. L'impression est esquissée, inachevée, afin de rendre la fugacité de la vie moderne.

Pointillisme (1886-1900)

Les artistes pointillistes pratiquent la pose de couleur pure en petits points, afin de figurer la décomposition de la lumière.

Post-impressionnisme (1895-1910)

Le post-impressionnisme réunit une multitude de styles, et englobe des artistes difficiles à catégoriser, comme Paul Cézanne, Vincent Van Gogh et Henri Toulouse-Lautrec. Mais tous entendent échapper au réalisme descriptif.

ART MODERNE

De la veille de la Première Guerre mondiale à l'entre-deux-guerres, les artistes expérimentent de nouvelles techniques figuratives, parfois poussées jusqu'à l'abstraction. Petit à petit, on se détache du réel. Pour autant, les artistes n'oublient pas leur époque, marquée par la guerre et la précarité. Leur peinture se fait réaction.

Fauvisme (1904-1908)

Les artistes fauves réalisent des toiles aux couleurs tape-à-l'œil et à la spontanéité crue. Leur émancipation se fonde sur une vision plus personnelle de l'art.

Expressionnisme (1905-1920)

Les émotions subjectives des artistes expressionnistes priment sur l'observation des faits. L'usage de la couleur devient émotionnel et symbolique.

Cubisme (1908-1913)

L' artiste cubiste préfère le cube pour fragmenter ses compositions jusqu'à l'abstraction. Il multiplie les points de vue, afin de forcer le spectateur à reconstruire les formes lui-même.

Futurisme (1909-1930)

La passion de l' artiste futuriste pour la vitesse et le progrès technique place au cœur de son œuvre la représentation du dynamisme des grandes villes.

Constructivisme (1913-1930)

L'artiste constructiviste russe utilise des formes géométriques abstraites. Sa fascination pour l'espace tridimensionnel le pousse à privilégier la sculpture.

Dada (1916-1922)

Ce courant artistique réunit des artistes qui expriment leur rage envers la guerre. L'artiste dadaïste remet en cause l'ordre établi.

Nouvelle Objectivité (1924-1933)

Les artistes de ce courant réaliste de l'art allemand adoptent un style réaliste, et revendiquent un engagement social. La Nouvelle Objectivité se fixe pour but de critiquer les horreurs de la guerre, la corruption politique, et la montée du nazisme.

Surréalisme (1924-1959)

L' artiste surréaliste refuse la logique et la raison, et préfère libérer son inconscient ; ses phobies, ses désirs, ses rêves réprimés.

Réalisme social (1930-1940)

Les artistes américains réalistes et socialistes proposent un art populaire, à contenu social ; ils archivent ainsi les conditions de vie des zones rurales appauvries.

DESIGN & ARTS DÉCORATIFS

Avec l'essor de l'industrie, les artisans comme les architectes réfléchissent aux conditions techniques et artistiques de la production de masse ; le raffinement n'est pas oublié pour autant, mais devient inséparable de la notion de confort. On innove certes, mais on s'adapte à la vie quotidienne.

Art Nouveau (1890-1915)

L' Art Nouveau s'affirme internationalement, du Sezessionstil autrichien au Modernisme catalan. La dimension végétale et organique prime, par refus de la référence aux styles historiques passés. En rupture avec l'industrialisation grandissante, le mouvement promeut un art total, unique et novateur.

Bauhaus (1919-1933)

L'artiste, le designer ou l'architecte formé dans l'école allemande du Bauhaus produit un design fonctionnel de qualité, dans le but d'améliorer la société.

Art Déco (1920-1940)

L' Art Déco se définit comme un art luxueux et décoratif, encouragé par les compagnies de transport ; il célèbre la vitesse, le voyage et le luxe.

Bon à savoir : on retient aussi le terme " style paquebot ", qui fait référence à la présence abondante de mobilier de ce courant à bord des paquebots transatlantiques de croisière.

ART CONTEMPORAIN

La Deuxième Guerre mondiale marque pour plusieurs décennies l'imaginaire des artistes. Peu à peu, afin de répondre à une quête existentielle (comment renouveler la tradition artistique ?), ils abandonnent la peinture, médium traditionnel dominant.

La dématérialisation de l'art, sous l'influence de l'installation éphémère, constitue au milieu du XXe siècle la nouvelle norme ; à tel point que les dernières décennies de l'époque contemporaine sont marquées par un retour à la tradition (notamment picturale), conçu comme une nouvelle réaction.

Abstraction organique (années 1940 - années 1950)

L'artiste choisit des formes arrondies et abstraites observées dans la nature. L'abstraction organique influence ainsi les designers américains et scandinaves.

Art Brut (1945)

L'artiste revendique son absence de formation dans une école. L'Art Brut, en tant qu'art populaire et autodidacte définit des œuvres produites hors du système traditionnel.

Expressionnisme abstrait (1945-1950)

Les artistes américains de l'expressionnisme abstrait mettent en avant l'investissement de leur corps dans la peinture, ou l'action artistique. Ils prennent pour sujet les émotions humaines, dans un monde jugé absurde et irrationnel.

CoBrA (1948-1951)

Les artistes du mouvement Cobra promeuvent un art expressionniste et populaire. Ils sont à la recherche d'une innocence perdue, qu'il retrouvent dans l'art enfantin, comme dans les graffitis ou l'art préhistorique.

Pop Art (1956-1970)

Le Pop Art puise son inspiration dans la publicité, les médias, le design. Les artistes pop s'intéressent à la culture populaire de masse.

Nouveau Réalisme (1960-1970)

Les nouveaux réalistes incorporent des objets quotidiens dans leurs œuvres, par goût pour la fabrication.

Minimalisme (1965 - années 1970)

Les artistes minimalistes utilisent des structures simples et géométriques. Ils mettent en scène une expérience visuelle.

Art conceptuel (1965)

Les artistes conceptuels réduisent l'œuvre d'art à un moyen pour exprimer une idée ou un concept. L'œuvre ne présente ainsi aucun intérêt visuel.

Hyper-réalisme (1965)

Les hyper-réalistes optent pour une peinture et une sculpture descriptive et figurative ; ils copient les photographies et effectuent des moulages corporels.

Arte povera (1967)

Les artistes de l'Arte Povera choisissent des matériaux humbles et pauvres ; ils recyclent leurs assemblages et leurs installations.

Postmodernisme (1970)

Initié par des architectes, ce mouvement célèbre les références à des types passés, les emprunts aux autres cultures. Les artistes postmodernistes font un usage exubérant des couleurs vives.

Néo-pop (1980)

Les artistes du courant Néo-pop reprennent des matériaux et des images du Pop art, mais de manière ironique et humoristique.

Street Art (1990)

Le street art est un courant artistique contemporain qui rassemble des artistes autour de la pratique de l'art urbain (à l'origine un art éphémère né dans la rue). Les artistes français et internationaux manient à la perfection la communication 2.0 et les réseaux sociaux.

Bon à savoir : les Space Invaders sont des réalisations en mosaïque de carrelages ou de tesselles, posées sur les murs des plus grandes métropoles internationales.

Parmi les mouvements ultra-contemporains, on retrouve le domaine numérique et les NFT.

Si vous souhaitez en savoir plus sur un mouvement, attribuer une œuvre, ou simplement réaliser une expertise, nos spécialistes se tiennent à votre disposition via notre formulaire en ligne.

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Principaux Mouvements artistiques : Définitions & Exemples

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Réalisme, impressionnisme, ou encore cubisme ...  de quoi s'agit-il exactement ? Comment distinguer un mouvement artistique d'un autre ?

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FRISE CHRONOLOGIQUE DES COURANTS ARTISTIQUES CONTEMPORAINS

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FRISE CHRONOLOGIQUE DES COURANTS ARTISTIQUES CONTEMPORAINS

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FRISE CHRONOLOGIQUE DES ARTS CONTEMPORAINS 1960 2018 1950 1970 1910 1945 1980 ART ABSTRAIT 1910 ART ABSTRAIT C'est un mouvement qui défend la peinture qui ne représente rien : c'est un jeu de couleurs et de formes agencées selon la sensibilité de l'artiste. Les oeuvres abstraites

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"Pioniers-pionneres", web-série du Centre Pompidou Paris

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"Pioniers-pionneres", web-série du Centre Pompidou Paris

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vous invite à découvrir les artistes de la collection du Centre Pompidou qui ont inventé de nouvelles manières de créer des œuvres. Deux minutes pour plonger dans les créations audacieuses de dix femmes et hommes qui ont marqué l’art du 20e siècle !
Série en 10 épisodes

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Dans son tableau Le Bal Bullier, Sonia Delaunay représente les danseurs vêtus de vêtements simultanés c’est à dire qui sont tout à la fois et en même temps lumière, mouvement, forme et couleur. Le format du tableau, tout en longueur, contribue à en faire une œuvre pionnière d’un art cinétique qui in…

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Edukely,  Site éducatif destiné aux élèves, aux parents et aux collègues Cycles 2 et 3

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Edukely,  Site éducatif destiné aux élèves, aux parents et aux collègues Cycles 2 et 3

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Vous êtes ici : Accueil > histoire de toile

Comment faire découvrir des œuvres d'arts de la peinture et se prendre au jeu de l'interprétation ? Une célèbre toile est proposée à un petit groupe d'élèves. Les enfants analysent l'œuvre de l'artiste, imaginent les dialogues des différents personnages et jouent de façon théàtrale une histoire plausible.

Cliquez sur la toile pour écouter l'histoire.

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Edukely : Site éducatif destiné aux élèves, aux parents et aux collègues.

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Edukely : Site éducatif destiné aux élèves, aux parents et aux collègues.

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https://www.petitsmo.fr/les-oeuvres/femmes-au-puits-paul-signac-0

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Signac adepte du néo- impressionnisme impressionnisme L'impressionnisme est un mouvement artistique qui apparaît à partir de 1850. Les artistes cherchent à peindre un moment éphémère comme la lumière, le vent, l'eau et les mouvements. Ils peignent par petites touches de couleurs. Parmi eux, tu retrouveras Auguste Renoir, Claude Monet, Gustave Caillebotte, Berthe Morisot ou Edgar Degas. ne mélange pas les couleurs sur la palette ou sur la toile. Il juxtapose des points colorés. C'est dans notre oeil que se fait le mélange ; on appelle cela le "mélange optique".

Observe le tableau en t'éloignant puis en t'approchant.
Vois-tu que les masses colorées sont obtenues par le rapprochement de couleurs pures (qui n'ont pas été mélangées) ?

Cela donne beaucoup d'intensité à la couleur. Signac renforce encore cela par le contraste entre couleurs complémentaires, comme le violet de la jupe (bleu + rouge) face au jaune du sol.

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Signac adepte du néo- impressionnisme impressionnisme L'impressionnisme est un mouvement artistique qui apparaît à partir de 1850. Les artistes cherchent à peindre un moment éphémère comme la lumière, le vent, l'eau et les mouvements. Ils peignent par petites touches de couleurs. Parmi eux, tu retrouveras Auguste Renoir, Claude Monet, Gustave Caillebotte, Berthe Morisot ou Edgar Degas.

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François Pompon "Ours blanc" 1923,  Sculpture Pierre, 163 x 251, Musée d'Orsay Paris

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François Pompon "Ours blanc" 1923,  Sculpture Pierre, 163 x 251, Musée d'Orsay Paris

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Ressource pédagogique du Musée d'Orsay de la série les petits M'O

https://www.petitsmo.fr/les-oeuvres/ours-blanc-francois-pompon

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Ours blanc - François Pompon | Musée d’Orsay

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DELACROIX "Lion et lionne dans les montagnes" 1847 Pastels sur papier

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DELACROIX "Lion et lionne dans les montagnes" 1847 Pastels sur papier

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Ressources pédagogiques sur les tableaux de l'artiste représentant des félins : "8 histoires de lionnes", série réalisée par Stéphane Bouron . " lion lionne dans les montagne est l 8ème et dernier épisode de la série" https://www.youtube.com/@stephanebouron/search?query=huit%20istoire%20de%20lionne

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Nuances Eugène DELACROIX Lion et lionne dans les montagnes 1847 Pastels sur papier

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Andreas Dettloff : une expo originale, déjantée et provocatrice

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Artistes.pf - Les artistes de Tahiti et ses Îles

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Vashee, Tafe et Heretu, trois artistes polynésiens ont décidé de nous faire plaisir en cette fin d'année, en regroupant leurs dernières créations dans un même lieu, salle Muriāvai. Convergence, le nom de l'exposition nous invite donc à explorer le point de confluence entre ces trois univers artistiques...
Une convergence est définie comme le fait de tendre vers un même but ; elle peut aussi être définie comme le fait de présenter des analogies et des points communs. C'est sur ce thème que les trois artistes s'expriment, chacun à sa façon pour qu'au croisement de leurs différences naisse comme une évidence. Un lien. Un trait d'union. La valorisation du patrimoine iconographique polynésien. Avant que leurs œuvres ne fusionnent à la Maison de la culture, chacun, nous explique son projet.

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Vashee, Tafe et Heretu Présentent " Convergence " Salle Muriavai du 4 au 9 décembre

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Vashee, Tafe et Heretu, trois artistes polynésiens ont décidé de nous faire plaisir en cette fin d'année, en regroupant leurs dernières créations dans un même lieu, salle Muriāvai. Convergence, le nom de l'exposition nous invite donc à explorer le point de confluence entre ces trois univers artistiques...

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[... - Musée du quai Branly - Jacques Chirac

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14 nov. 2023  26 mai 2024 Visions chamaniques

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14 nov. 2023  26 mai 2024 Visions chamaniques

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[... - Musée du quai Branly - Jacques Chirac

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[ #VisionsChamaniques ]

👏 L’exposition  “Visions chamaniques. Arts de l’ayahuasca en Amazonie péruvienne” a ouvert ses portes depuis 1 semaine...

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25 novembre - 02 décembre 2023  Moana van der Maesen

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25 novembre - 02 décembre 2023  Moana van der Maesen

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Event by Moana Van der Maesen on Saturday, November 25 2023 with 114 people interested.

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https://bibliotheque.upf.pf/cms/articleview/id/256

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https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=pfbid0K2Aoitm6KdyhCD88PaN4ao7CkBiPvgystMa4n8fLiajgDcctG5FR1yxL1unSGEQYl&id=100024924978294

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Walk of Arts - 💛🧡ALERTE EXPO GOTZ 2023 🩵💙

23 nouvelles...

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Gotz 04-14 novembre à Walk of Arts-Papeete 

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Gotz 04-14 novembre à Walk of Arts-Papeete 

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Walk of Arts - 💛🧡ALERTE EXPO GOTZ 2023 🩵💙

23 nouvelles...

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💛🧡ALERTE EXPO GOTZ 2023 🩵💙

23 nouvelles toiles inédites sur nos cimaises…
23 histoires de silence qui racontent l’ivresse de la vie…
Samedi prochain,...

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4 facettes d'artistes polynésiens qui reflètent autant de talents bruts - Polynésie la 1ère

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4 artistes, 4 univers. Evrard Chaussoy, Orama Nigou, Jonathan Mencarelli et Cédric (Vahaeinui) Doom alias Vashee. Lauréats du concours "Résidence d'artistes" en avril dernier, ils sont en résidence à la cité internationale des Arts à Paris et exposent quelques unes de leurs oeuvres respectives à la délégation polynésienne. Le vernissage a eu lieu ce jeudi 12 octobre.

ET/K. Weishaupt Tahi/Outremer la 1ère *

Son univers est à la croisée des cultures et des époques, et c'est sur les murs de la Délégation polynésienne de Paris qu'il en fait la démonstration. "L'idée, c'est vraiment de s'accaparer l'espace d'ici, de rajouter ma marque en fait sur un élément", explique l'artiste Cédric Vahaeinui Doom dit Vashee.

Comme lui, la jeune Orama Nigou met en perspective ses origines polynésiennes et le rapport au divin. Dans son regard et entre ses mains, les matières, les textiles principalement, mais surtout les plumes. "La plume est un matériau qui est directement lié au divin, si on considère les époques des anciens. Enormément d'objets de prestige, d'objets sacrés contiennent de la plume, ou y font référence d'une certaine manière", dit la jeune femme, "et à côté de ça les oiseaux étaient considérés comme les messagers des dieux. Suite à mes recherches dans le patrimoine polynésien, je découvre aussi un savoir-faire technique associé à ce matériau qui est absolument incroyable".

Ce sont les pierres que Jonathan Mencarelli aime travailler, transformer et assembler. Tout un symbole qui se lit sur son oeuvre Maramarama, un assemblage sculpté avec des éléments trouvés au fil des balades à Paris. "Ce sont des matériaux de Paris, la grande pierre en dessous c'est du granit, qui symbolise tout le parcours qu'on a au sol, tout le pavage qu'il y a dans la capitale. A l'intérieur c'est du silex, qui fait partie des sous-sols de Paris. Et le côté polynésien avec le tatouage marquisien traditionnel. Cela a toujours été mon travail de mélanger des cultures, des époques différentes, des artistes différents, des visions différentes et de les mettre dans un seul et même objet", détaille l'artiste.

Et puis il y a les tableaux du peintre sculpteur, Evrard Chaussoy. Il y a ses peintures mêlant art polynésien et nature, mais parfois c'est dans le tableau naturel que l'artiste plonge son public. "C'est un récif artificiel qui a été immergé dans le lagon de Tahaa, et qui est un message de préservation de l'environnement. Le concept c'est que la tortue est une sculpture creuse avec beaucoup d'aspérités qui permettent aux poissons de s'y abriter, et sur la carapace on a bouturé des bouts de coraux. En fait c'est une sculpture vivante parce que lorsque les coraux vont grandir, elle va prendre de plus en plus vie", précise l'artiste de Raiatea.

Les 4 artistes polynésiens sont les heureux lauréats d'un concours qui les a conduits jusqu'à la cité internationale des arts à Paris. Un long voyage qui touche bientôt à sa fin.

Le reportage d'Outremer la 1ère :

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4 facettes d'artistes polynésiens qui reflètent autant de talents bruts - Polynésie la 1ère

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4 artistes, 4 univers. Evrard Chaussoy, Orama Nigou, Jonathan Mencarelli et Cédric (Vahaeinui) Doom alias Vashee. Lauréats du concours "Résidence d'artistes" en avril dernier, ils sont en résidence à la cité internationale des Arts à Paris et exposent quelques unes de leurs oeuvres respectives à la délégation polynésienne.

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" Exploration(s) " : Quatre artistes polynésiens exposent à Paris

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https://www.citedesartsparis.net/

http://mobile.outremers360.com/page/article/undefined/exploration-s-quatre-artistes-polynesiens-en-residence-a-paris-exposent-a-la-delegation-de-la-polynesie.html

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Quatre artistes du fenua, actuellement en résidence à la Cité internationale des Arts à Paris, exposent du 13 au 20 octobre à la Délégation de la Polynésie française. La présentation des artistes avec notre partenaire Outremers360.
Avis aux polynésiens et autres amoureux du fenua résidant en région parisienne : Evrard Chaussoy, Orama Nigou, Jonathan Mencarelli et Vahaeinui Doom exposent à partir de ce vendredi à la Délégation de la Polynésie française, dans le 5 e arrondissement de la Capitale. Actuellement en résidence à la Cité internationale des Arts, avec la photographe et réalisatrice Marie-Hélène Villierme, les quatre artistes présenteront leurs œuvres originales (installation, peinture, performance et sculpture), sous le thème " Exploration(s) ".

Originaire de Raiatea, Orama Nigou est artiste designer passionnée par le textile, en particulier la plume. Elle explore des matériaux étonnants et valorise le patrimoine culturel polynésien à travers ses créations et performances artistiques. Originaire de Raiatea également, Evrard Chaussoy est un artiste peintre autodidacte qui explore la vie quotidienne des Polynésiens et les contrastes entre tradition et modernité. Ses œuvres réalistes mêlent des aplats de couleurs audacieux et des contrastes de lumière pour révéler la beauté d'un monde qu'on ne veut pas voir disparaître.
" Mon travail en peinture s'émancipe du figuratif pour une forme plus conceptuelle et surtout plus engagée. Je pars d'un procédé technique ancestral polynésien pour finir sur une liberté gestuelle plus contemporaine. J'explore sur toile les méthodes traditionnelles de peinture sur paréo, faites d'estampe à partir de gravure sur bois, pour ensuite altérer, effacer ou recouvrir ces empreintes, ne laissant subsister qu'une trace. Je réinterprète les formes des arts premiers polynésiens, les déconstruis progressivement, pour n'en laisser que le témoignage d'une existence passée. Au cœur de ma démarche, la notion de culture s'entrelace étroitement avec celle de la nature. Ces notions sont menacées par un monde en constante mutation. Ainsi, mes créations s'ancrent dans une temporalité à la fois passée et présente, invitant l'observateur à s'interroger sur leur devenir et sur le rôle qu'il peut jouer dans ce monde en évolution perpétuelle ".
De son côté, Jonathan Mencarelli est sculpteur spécialisé dans la taille directe sur pierre. Cet artiste travaille principalement le basalte et la phonolite sur Moorea. Ses créations résultent d'une réflexion sur le patrimoine culturel polynésien et son interprétation contemporaine. Enfin Vahaieinui Doom dit Vashee est originaire des Australes. Cet illustrateur et peintre s'inspire fortement de la mythologie mā'ohi. Son style mélange les influences du manga et de l'art pictural ancestral polynésien.

L'exposition sera ouverte au public du vendredi 13 au vendredi 20 octobre, de 9h à 17h30, à l'exception du dimanche. Elle se visite librement dans les locaux de la Délégation de la Polynésie française, situés au 28 boulevard Saint-Germain.

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" Exploration(s) " : Quatre artistes polynésiens exposent à Paris

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Quatre artistes du fenua, actuellement en résidence à la Cité internationale des Arts à Paris, exposent du 13 au 20 octobre à la Délégation de la Polynésie française. La présentation des artistes avec notre partenaire Outremers360.

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Refik Anadol - Machine Hallucinations. Rêves de nature - Centre Pompidou-Metz

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Refik Anadol,   "Machine Hallucinations - Rêves de nature" Installation immersive. Eté 2022. Centre Pompidou-Metz.

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Refik Anadol,   "Machine Hallucinations - Rêves de nature" Installation immersive. Eté 2022. Centre Pompidou-Metz.

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Refik Anadol - Machine Hallucinations. Rêves de nature - Centre Pompidou-Metz

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L’artiste Refik Anadol présente Machine Hallucinations. Rêves de nature, une installation immersive monumentale. Cette œuvre spectaculaire est une sculpture de plus de deux cents millions d’images liées à la nature qui, par le prisme d’algorithmes, s’afficheront en mouvement permanent sur une toile numérique de 100 m2.

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L'HISTOIRE DE LA PHOTOGRAPHIE EN 5 MINUTES

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La première photographie a presque 190 ans ! Médium incontournable de la création contemporaine, la photo d'art soulève des problématiques complexes qui lui sont propres : rapport avec le réel, avec la technologie, fonction documentaire, photomontage ...
Comment comprendre la photo contemporaine sans se pencher sur son histoire ? Tour d'horizon en moins de 5 minutes.

Gustave LE GRAY (1820-1884), Flotte française en rade de Cherbourg, 5 août 1858 (détail)
Tirage sur papier albuminé d'après négatif verre au collodion (vente Rouillac, 18 juin 2011)

LES ENJEUX TECHNIQUES

Le développement de la photographie s'apparente à la course aux étoiles : le procédé qui a marqué les mémoires est le " daguerréotype ", mais les inventions sont innombrables et présentent chacune des " recettes " différentes : calotype (1er négatif sur papier), tirages à l'albumine, au collodion, films en celluloïd, " autochrome " en 3 couleurs des Frères Lumière... l'histoire de l'art photographique est indissociable de ses aspects technologiques et ce sont sensiblement les mêmes questions qui sont réapparues aux débuts du numérique.

UNE CRISE EXISTENTIELLE

On mesure mal aujourd'hui la polémique qui a accompagné la naissance de la photographie. Les grands artistes ont tous pris part au débat et nombreux sont ceux qui ont dénigré le mimétisme de la reproduction photographique. La fonction de l'artiste n'est-elle pas de recomposer la réalité ? Deux tendances vont ainsi se distinguer : les " pictoralistes " qui composent et retravaillent l'image et le mouvement de la " straight photography " qui se concentre sur les spécificités du médium, réalisme et instantanéité.

Alexandre Rodtchenko, L'Escalier, 1930 (détail)

Épreuve gélatino-argentique © ADAGP/ Centre Pompidou/ RMN

LES TOURNANTS AVANT-GARDISTES

À mesure qu'elle s'impose comme discipline artistique à part entière, les avant-gardistes adaptent leurs expérimentations plastiques aux particularités techniques de la photographie. Les constructivistes développent de nouveaux angles de vue (contre-plongée, diagonales dynamiques...), tandis que les cubistes - puis plus tard les surréalistes - piègent le spectateur en détournant la réalité photographiée.

L'ÈRE DU PHOTOJOURNALISME

Dès son apparition, la photographie a attiré la presse par son apparente objectivité. Les innovations techniques permettent son apparition dans les journaux des années 30 et l'après-guerre voit naître des agences où s'agrègent les photographes-reporters. Ils abolissent la frontière qui séparait journalisme et Beaux Arts et interrogent les liens entre l'art et le documentaire, entre le sujet et sa restitution par l'artiste.

Andreas Gursky, Rhein II, 1999 (détail)
Impression couleur chromogène sur verre acrylique, 190×360 cm
(épreuve adjugée 4,3 millions de $ en 2011, record historique pour un photographie)

LES APPLICATIONS CONCEPTUELLES

La démocratisation de la photo amène les artistes des 60's à s'interroger sur son intérêt. Trois approches conceptuelles se dégagent alors : une démarche documentaire qui vient sublimer ou critiquer une réalité crue, une démarche narrative où la photographie n'intervient qu'à titre de témoignage d'une action, ou encore une démarche picturale qui réduit la photo au rang de simple matériau.

LE RETOUR DE LA PICTURALITÉ

Préfigurée par le pop art et encouragée par l'apparition du numérique, la photographie de la fin du XXe siècle s'empare des codes publicitaires et les détourne dans de grands formats colorés. Alors que le public témoigne d'un intérêt nouveau pour la photographie, le médium évolue vers une perfection des formes. Les démarches artistiques sont variées, mais elles sollicitent plus que jamais l'interprétation du spectateur.

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L'HISTOIRE DE LA PHOTOGRAPHIE EN 5 MINUTES

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La photographie d'art soulève des problématiques complexes qui lui sont propres : rapport avec le réel, la technologie, fonction documentaire, photomontage ... Tour d'horizon historique en moins de 5 minutes.

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Collection de l'Art Brut - Qu'est-ce que l'Art Brut?

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Les œuvres d'Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d'esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d'autrui. Sans besoin de reconnaissance ni d'approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage. Leurs travaux, réalisés à l'aide de moyens et de matériaux généralement inédits, sont indemnes d'influences issues de la tradition artistique et mettent en application des modes de figuration singuliers.

C'est au peintre français Jean Dubuffet que l'on doit le concept d'Art Brut. Il constitue dès 1945 une collection d'objets créés par des pensionnaires d'hôpitaux psychiatriques, des détenus, des originaux, des solitaires ou des réprouvés. Il perçoit dans cette création marginale une " opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l'entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions ". La notion d'Art Brut repose ainsi sur des caractéristiques sociales et des particularités esthétiques.

Définition de l'Art Brut par Jean Dubuffet

" Nous entendons par là [Art Brut] des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistiques, dans lesquels donc le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, ait peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythmes, façons d'écritures, etc.) de leur propre fond et non pas des poncifs de l'art classique ou de l'art à la mode. Nous y assistons à l'opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l'entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions. De l'art donc où se manifeste la seule fonction de l'invention, et non celles, constantes dans l'art culturel, du caméléon et du singe".

Jean Dubuffet, tiré de L'Art Brut préféré aux arts culturels, Paris, Galerie René Drouin, 1949.
Bibliographie sur l'Art Brut - Une sélection proposé par la Collection de l'Art Brut.

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Collection de l'Art Brut - Qu'est-ce que l'Art Brut?

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Les œuvres d'Art Brut sont réalisées par des créateurs autodidactes, des marginaux retranchés dans une position d'esprit rebelle ou imperméables aux normes et valeurs collectives, qui créent sans se préoccuper ni de la critique du public ni du regard d'autrui. Sans besoin de reconnaissance ni d'approbation, ils conçoivent un univers à leur propre usage.

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Lexique
chaînes de Markov

La technologie partage les progrès de la science sous forme de machines, produits et processus de l'industrie humaine. L'art, lui, communique des idées, des émotions, qui nourrissent notre société et nos conversations. Art et technologie ont de tout temps été liés : le médium est le message (Marshall McLuhan). Le cadre technique dans lequel nous vivons formate notre créativité.

Or ce cadre évolue, car les idées exprimées via un code informatique prennent de plus en plus de place dans notre quotidien. Cette numérisation en cours de nos sociétés construit pour l'art un nouveau terrain de jeu, avec ses mondes virtuels et ses nouvelles façons de commercer. Elle en change aussi les règles du jeu, au point de bousculer la notion même d'artiste à l'ère des réseaux.

Création et hybridation artistique à l'heure d'Internet

L'essor d'Internet et des technologies du Web a eu un impact profond sur la création artistique, qui est devenue beaucoup plus collaborative, appropriative et participative.

Dans les années 1990, l'essor d'Internet donne naissance au Net art, terme désignant des œuvres conçues " par, pour et avec Internet ". Les Net artistes utilisent le "réseau des réseaux" à la fois comme un support de diffusion, un outil de production artistique et un espace de vie des œuvres. Ils s'inspirent de ses caractéristiques propres pour échafauder des œuvres inédites, mais aussi pour expérimenter de nouveaux processus de création.

L'impact d'Internet sur l'art va aujourd'hui bien au-delà de la communauté Net art. Ses différentes évolutions technologiques façonnent de nouvelles générations d'artistes, tandis que la culture et les valeurs qui ont présidé à sa création continuent de transformer les modes de création et de bouleverser les relations entre artistes, œuvres et public.
Culture du libre et collaboration artistique
L'histoire d'Internet est étroitement liée à la culture informatique libre, fondée sur l'ouverture et le partage du code source des logiciels et sur la contribution volontaire de chercheurs et de programmeurs venant d'horizons variés. La plupart des briques de base d'Internet reposent sur des logiciels libres ou open source (les deux termes, bien que différents, renvoient à la notion d'ouverture du code) : tout le monde peut accéder à leur code source, l'utiliser, le copier, le modifier et le redistribuer.

Par exemple, en 1993, le logiciel du World Wide Web, qui venait d'être inventé par Tim Berners-Lee et Robert Cailliau, a été placé dans le domaine public, puis sous licence libre, ce qui a permis sa diffusion massive et rapide.

Pour les artistes qui utilisent le code informatique comme un instrument, l'open source représente à la fois un moyen de s'émanciper des logiciels propriétaires, souvent coûteux et peu flexibles, et un nouveau mode de création, plus ouvert et collaboratif.

Comme l'explique un journaliste de "VICE Magazine", les principes d'ouverture, de partage et de collaboration de l'open source tranchent clairement avec la culture du secret qui règne dans le monde de l'art traditionnel (où les artistes sont peu enclins à partager leur manière de faire) et avec l'image du génie solitaire.

Les artistes qui travaillent avec des logiciels à code source ouvert forment une communauté d'utilisateurs qui s'entraident pour résoudre des problèmes techniques et artistiques. Ils se retrouvent sur des forums de discussion et sur GitHub (service d'hébergement et de développement de logiciels offrant des fonctionnalités de réseaux sociaux) pour partager leurs travaux, échanger sur leur processus créatif et sur les dispositifs techniques qu'ils utilisent. Certains contribuent également activement à l'amélioration d'outils de création communs, parmi lesquels on peut citer Processing ou openFrameworks, deux environnements de développement conçus par des artistes-codeurs pour les arts visuels.

De ce fait, les œuvres produites, nourries de contributions multiples, résultent d'un effort collectif. Certaines font elles-mêmes l'objet de licences libres (comme les licences Creative Commons ou la Licence Art Libre). Par exemple, il est prévu que le film d'animation 2D "ZeMarmot", réalisé entièrement avec des logiciels libres (GIMP, Blender, Ardour, etc.), soit diffusé sous licence libre. Son scénariste, Jehan, est un des contributeurs principaux du logiciel de graphisme GIMP depuis 2012.

Mashup : l' appropriation artistique à l' heure d' Internet

Le mashup est un art composite qui consiste à réutiliser des sons, des images, des vidéos ou des textes existants pour obtenir une nouvelle création. Ce processus ajoute généralement très peu d'éléments originaux à l'œuvre finale, juste assez pour combiner de façon harmonieuse les différents composants. Un exemple de mashup connu est "The Grey Album", du musicien Danger Mouse, qui reprend les morceaux "a cappella" de "The Black Album" du rappeur Jay-Z en les mettant sur des samples (des extraits sonores préexistants) du "White Album" des Beatles. Qu'ils visent la parodie, l'hommage ou la répétition d'un motif, de nombreux "mashupeurs" parviennent à transcender le matériau original pour lui donner un nouveau sens et trouver une expression créative qui leur est propre.

Si le mashup puise ses origines bien avant l'essor d'Internet, notamment dans l'appropriation artistique et le sampling musical, il se développe véritablement en tant que forme d'expression artistique avec l'évolution des technologies Internet. Les plateformes d'hébergement de fichiers numériques ou d'échange pair-à-pair fournissent aux internautes une abondance de matériel source et YouTube est devenu une source intarissable d'extraits de musiques et de films venant de toutes les époques et de tous les pays. La diffusion de nouveaux outils (logiciels de montage ou de mixage) facilite quant à elle le travail sur cette matière première.

Mais le mashup ne s'inscrit pas seulement dans un contexte technologique, il s'inscrit également dans un contexte culturel propre à Internet, qui stipule un accès libre - et souvent gratuit - à l'information, et par extension aux contenus culturels, qui circulent sur le réseau.

Ainsi, le mashup musical s'est popularisé sous l'action combinée de l'invention du format MP3, qui a permis une réduction importante de la taille des données audio, facilitant leur transfert et leur stockage ; de l'idée fondamentale d'échange libre et gratuit de fichiers en ligne ; et des pratiques qui se développent à la fin des années 1990 sur les plateformes de partage de données en pair-à-pair comme Napster.

Le Web 2.0 et l' art participatif

En 2013, les artistes contemporains Ai Weiwei et Olafur Eliasson inaugurent leur projet commun Moon. Moon est un espace virtuel collaboratif qui se présente sous la forme d'une lune divisée en plusieurs milliers de parcelles vierges, sur lesquelles chacun est invité à laisser sa marque. Ce projet, qui a rassemblé plus de 80.000 contributions entre 2013 et 2017 et a transcendé les frontières et les différences culturelles, est un bel exemple d'expérience artistique participative.

Tout comme l'informatique et Internet, l'avènement du Web 2.0 et des réseaux sociaux, en tant que technologies et en tant que culture, a eu un impact profond sur la création artistique. Offrant aux artistes de nouveaux moyens matériels pour inclure davantage le public dans la vie des œuvres, le Web 2.0 se caractérise par sa dimension participative - d'où son nom de "Web participatif". Il permet aux internautes d'interagir et de produire des contenus beaucoup plus facilement qu'auparavant.

L'art interactif, par définition participatif, tirait déjà parti des nouvelles technologies pour permettre au public d'explorer et d'influer sur une œuvre. Capteurs, interfaces et algorithmes assurent le rôle d'intermédiaires entre le public et l'œuvre, permettant au public d'agir et à l'œuvre de réagir, et ce, en temps réel.

Le Web 2.0 permet aux artistes d'aller plus loin et de développer des degrés d'interactivité plus élevés avec ce que le chercheur français Jean-Paul Fourmentraux appelle des "dispositifs à contribution".

Ces dispositifs permettent aux internautes d'intervenir sur une installation, virtuelle ou physique, en la transformant ou en apportant de nouvelles données (dans le cas de Moon, il s'agissait de dessins et de textes). Ils participent en suivant des règles prédéfinies ou non, en temps différé ou en temps réel, à l'émergence d'une œuvre collective, dont ils deviennent les coauteurs.

Grâce au Web, le public contribue également à la vie de l'œuvre par le biais du financement participatif, ou "crowdfunding", qui facilite la mise en relation de porteurs de projet - artistes, institutions, etc. - avec des mécènes d'un genre nouveau au moyen de plateformes en ligne (généralistes, comme KissKissBankBank et Ulule, ou spécialisée comme Proarti).

Depuis une dizaine d'années, de nombreux projets artistiques et culturels ont vu le jour grâce à ce nouveau mode de financement. Et si le cinéma et la musique ont été les premiers domaines à en bénéficier, tous les champs de la création sont aujourd'hui concernés : des arts visuels au spectacle vivant, en passant par la littérature.

Quand l'art inspire la recherche technologique

Les innovations technologiques ont influencé la créativité et l'expression artistique. Mais cette relation n'est pas à sens unique. Chercheurs et ingénieurs se tournent aussi vers l'art pour tenter de résoudre des problèmes scientifiques et technologiques.

Quel est le rapport entre la littérature russe du XIX e siècle et la théorie des probabilités ? En 1913, le mathématicien russe Andreï Markov, qui a consacré l'essentiel de ses travaux à l'étude des phénomènes caractérisés par le hasard, décide d'analyser la succession des caractères cyrilliques du roman en vers "Eugène Onéguine" d'Alexandre Pouchkine. Il remarque que l'apparition d'une lettre dépend, avec une certaine distribution de probabilité, de la lettre qui la précède.

De cette observation naîtront les chaînes de Markov , un processus aléatoire décrivant une séquence d'événements dans laquelle la probabilité de chaque événement futur ne dépend que de l'état de l'événement présent. À la base de nombreux algorithmes, utilisés par exemple en météorologie, dans la modélisation des réseaux de télécommunications ou la prévision de trafic, la mise au point des chaînes de Markov est un exemple parmi d'autres montrant que la relation entre art et technologie n'est pas à sens unique.
Le cyberpunk et la recherche en réalité virtuelle
De nombreux auteurs se sont intéressés aux liens entre science-fiction (SF) et technologie, et plus spécifiquement à l'influence de la première sur la seconde. Dans un article de référence sur le sujet, l'écrivain scientifique anglais Jon Turney explique notamment que la recherche technologique implique toujours une mise en récit. "Chaque technologie prend naissance dans l'imagination et nécessite une description de ce qu'elle pourra accomplir [...]. Chaque brevet raconte une histoire. Fabriquez ce dispositif, ou suivez ce processus, et certaines choses seront possibles - des choses jamais vues auparavant."

L'anticipation peut fournir ce "storytelling", ce qui fut par exemple le cas du roman "La Destruction libératrice". Écrit par H. G. Wells en 1913, il fut envoyé par le physicien Leó Szilárd, concepteur de la réaction en chaîne nucléaire et contributeur au projet Manhattan, à des investisseurs potentiels pour les aider à visualiser son idée. Pour sa part, Jeremy Bailenson, chercheur en psychologie à l'université américaine de Stanford, soutient que de nombreuses questions soulevées dans la littérature cyberpunk des années 1980 sont devenues des thèmes de recherche en réalité virtuelle.

Le cyberpunk est un genre de la SF mettant en scène une société technologiquement avancée, où la technologie a pénétré tous les domaines de la vie et colonisé le corps humain. S elon Bailenson, l'univers des chercheurs en réalité virtuelle a toujours été intimement lié à celui des auteurs cyberpunks.

Il y a deux raisons à cela : premièrement, les deux groupes collaborent, comme le montre la relation entre Jaron Lanier, l'un des pionniers de la réalité virtuelle, et William Gibson, auteur de "Neuromancien", le roman emblématique du genre. Deuxièmement, les œuvres cyberpunks sont considérées comme des sources sérieuses dans les cours sur la réalité virtuelle et les interactions digitales. Il en résulte que ces œuvres de SF façonnent la manière dont les chercheurs en réalité virtuelle appréhendent certains concepts, tels que l'avatar, la présence ou les interactions sociales à l'intérieur des mondes virtuels.

Si cette théorie ne fait pas l'unanimité, force est de constater que la différence entre SF et prospective (science visant à prévoir l'évolution future des sociétés) est parfois ténue. En témoigne l'initiative Red Team, équipe composée d'auteurs de SF constituée par le ministère français des Armées ayant pour mission d'imaginer les conflits de demain.
L'improvisation jazz et la communication homme-machine
Le projet MUSICA (MUSical Interactive Collaborative Agent) vise à développer une intelligence artificielle (IA) capable de jouer du jazz et d'improviser aux côtés de musiciens humains. Le système est entraîné à partir d'une base de données réunissant des milliers de transcriptions de performances musicales réalisées par de grands noms du jazz à l'aide de techniques d'apprentissage automatique. Cela lui permet d'analyser ces transcriptions pour identifier des modèles musicaux, puis d'utiliser ces connaissances pour composer et jouer de la musique en direct.

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, MUSICA n'est pas financé par une major ou par une start-up de musique assistée par ordinateur, mais par la DARPA, l'agence du département de la Défense américaine chargée de la recherche et développement de technologies militaires, dans le cadre d'un programme plus large intitulé " Communicating with Computers " (communiquer avec les ordinateurs).

La finalité de MUSICA n'est pas de développer un robot joueur de jazz, mais de faire progresser le domaine du traitement automatique de la langue naturelle. Ces travaux suggèrent que la modélisation informatique de morceaux de jazz improvisés peut permettre d'améliorer la capacité des robots à communiquer et collaborer avec les humains.

"L'implication claire est que l'improvisation jazz est si paradigmatiquement représentative de modes plus généraux d'interaction humaine que sa réplication technologique aurait une sorte de valeur militaire allant au-delà de sa signification intellectuelle ou esthétique", écrit Brian A. Miller, chercheur en musique à l'université américaine de Yale.

L'improvisation et la conversation présentent de nombreuses similitudes. Elles reposent toutes les deux sur la compréhension d'une multitude de signes (signes linguistiques, gestes, expressions faciales, etc.), sur un mélange de créativité (permettant d'adapter ses actions aux réactions de ses partenaires) et de règles, ou encore sur l'expérience. Quasiment toutes les conversations comportent une part d'improvisation, tandis que l'improvisation en jazz résulte toujours d'une conversation entre les musiciens, comprenant à la fois des éléments de communication verbale et des éléments de communication non verbale.
Le domaine émergent de la chorégraphie robotique
Alors que les robots mobiles font leur apparition dans notre vie quotidienne, humains et robots seront de plus en plus amenés à partager le même espace physique. Il est donc essentiel que ces derniers soient capables de naviguer dans des environnements humains de manière sûre, efficace et socialement acceptable. En effet, les robots livreurs et autres robots de service devront non seulement pouvoir suivre un itinéraire et éviter les collisions avec des obstacles et des personnes, mais aussi respecter un certain nombre de conventions sociales : ne pas empiéter sur l'espace personnel, ne pas interrompre une conversation de groupe, se déplacer sans perturber les piétons, etc. On parle de "navigation socialement consciente".

De nombreux spécialistes en robotique pensent que la chorégraphie, l'art d'écrire la danse, peut les aider à programmer des robots "avec une conscience sociale". Cette idée a donné naissance au domaine de la chorégraphie robotique ("choreorobotics"). "A priori", les deux univers sont assez éloignés. La chorégraphie consiste à inventer des mouvements et des gestes avec une intention artistique, en cherchant généralement à maximiser la valeur esthétique. En robotique, la planification de mouvements vise à calculer des trajectoires et à permettre à un système autonome de se déplacer d'un point à un autre de façon optimale et en évitant les obstacles.

Toutefois, les deux disciplines s'intéressent aux mouvements du corps dans un environnement donné. "Malgré le fossé historique [entre la danse et la robotique], il n'est peut-être pas exagéré de considérer les roboticiens comme un genre de chorégraphes spécialisés, et de penser que l'intégration de la chorégraphie et de la robotique pourrait profiter aux deux domaines", écrit un journaliste de "Wired".

De fait, des collaborations entre roboticiens et chorégraphes existent depuis longtemps. Certains chercheurs se situent même à l'intersection des deux domaines, comme Catie Cuan, danseuse et chorégraphe professionnelle, et candidate au doctorat en génie mécanique à l'université de Stanford.

Dans un article rédigé pour la revue "Scientific American", celle-ci explique que la compréhension et la prédiction des mouvements humains sont un défi difficile en navigation sociale. Or le rôle des chorégraphes est précisément de donner des directives aux danseurs, qui les appliquent en fonction de facteurs liés à l'espace et aux autres personnes qui les entourent. "Les chorégraphes ne se contentent pas de composer des séquences de mouvements, ils placent les mouvements de différents agents dans un contexte [...]." Pour ce faire, ils utilisent un certain nombre de techniques, qui pourraient inspirer la programmation robotique dans des environnements complexes.

On oppose souvent art et science. Pourtant, l'art cherche aussi à décrire le monde et la science comporte une part de créativité et d'imagination. L'art sous toutes ses formes insuffle de nouvelles idées, qui inspirent les chercheurs et les ingénieurs. Cinéma, littérature, musique, etc. donnent à voir de nouvelles possibilités, tant du point de vue des technologies elles-mêmes que de leurs usages et de leurs impacts sur la société, et recèlent parfois des solutions pour résoudre des problèmes d'ingénierie très concrets.

Quand la science-fiction prédit les technologies de demain

À travers la littérature ou le cinéma, la science-fiction a depuis longtemps fait rêver. Certains esprits comme Jules Verne, par exemple, en étaient d'ailleurs des précurseurs et imaginaient déjà à leur époque les technologies et usages de demain, poussant les scientifiques à passer de l'imaginaire à la réalité. Tour d'horizon des technologies imaginées par l'Art.

Les algorithmes-artistes bousculent notre conception de la créativité

Les algorithmes sont désormais capables de créer des œuvres d'art inédites en s'inspirant de milliers d'images et d'inventer de nouveaux styles artistiques. Tour d'horizon de ces "algorithmes-artistes" qui bousculent le monde de l'art et interrogent notre conception de la créativité.

L'un des premiers exemples d'art algorithmique - d'art généré par des algorithmes - remonte à 1973, lorsque le peintre anglais Harold Cohen écrit un programme informatique, baptisé AARON, capable de produire des dessins originaux. L'artiste américain Jean-Pierre Hébert précise les contours de ce courant artistique vingt ans plus tard et invente le terme d'"algoriste". Un artiste est un algoriste lorsqu'il crée un objet d'art à partir d'un algorithme qu'il a lui-même conçu. L'acte de création se trouve dans l'écriture du code, qui devient partie intégrante de l'œuvre finale.

Les progrès réalisés en intelligence artificielle (IA) remettent en question cette définition et font émerger une nouvelle génération de modèles. Grâce à l'apprentissage automatique, les algorithmes ne se contentent plus de suivre un ensemble de règles prédéfinies par l'artiste-programmeur. Alimentés par une grande quantité de données, ils assimilent les propriétés esthétiques de corpus artistiques et acquièrent de plus en plus d'autonomie dans la production de contenus. Depuis les années 2010, de nombreuses familles d'algorithmes ont été utilisées pour explorer de nouvelles pratiques et repousser toujours plus loin les limites de la "créativité artificielle".
Les compositeurs s'emparent des chaînes de Markov
Les musiciens font figure de précurseurs en matière d'art algorithmique. Ils s'intéressent très tôt à l'utilisation de programmes informatiques pour composer de la musique. Déjà en 1957, deux Américains, le compositeur Lejaren Hiller et le mathématicien Leonard Isaacson, programmaient le superordinateur ILLIAC I pour générer des suites de musique à l'aide de chaînes de Markov .

Aujourd'hui, des modèles markoviens sont entraînés par apprentissage automatique, à partir de morceaux de musique existants. Ils analysent les caractéristiques musicales (rythme, tempo, mélodie, etc.) et les séquences de notes pour déterminer la probabilité qu'une note en suive une autre. Ils peuvent ensuite générer de nouveaux morceaux de musique dans le même style que le corpus original. Les chaînes de Markov ont par exemple été utilisées pour l'improvisation en jazz.
Les GAN deviennent la figure de proue des algorithmes créateurs
Avec la vente aux enchères très médiatisée du "Portrait d'Edmond de Belamy" chez Christie's en 2018, les modèles génératifs deviennent la figure de proue de l'art algorithmique. En effet, cette œuvre du collectif Obvious a été générée par un réseau antagoniste génératif (GAN, pour "Generative Adversarial Network").

Introduits par le chercheur en apprentissage automatique américain Ian J. Goodfellow en 2014, les GAN sont une classe d'algorithmes d'apprentissage non supervisés où deux réseaux de neurones artificiels s'affrontent : le générateur et le discriminateur. Le système est alimenté par une banque de données composée d'œuvres d'art, par exemple des milliers d'images de peintures cubistes du début du xxᵉ siècle. Le générateur doit produire de nouvelles peintures en imitant le style cubiste. Le discriminateur doit quant à lui essayer de faire la différence entre les œuvres authentiques et celles générées par son adversaire. En fonction du résultat, le générateur propose de nouvelles images de plus en plus convaincantes, et cela jusqu'à ce que le discriminateur ne puisse plus distinguer le vrai du faux.

L'artiste joue un rôle plus ou moins actif dans ce processus. À défaut de construire l'algorithme génératif (ce ne fut pas le cas des membres d'Obvious, qui ont emprunté le code à un autre artiste-programmeur), il le sélectionne, le modifie pour obtenir le résultat désiré et l'exécute. Il collecte les données d'entrée (à l'aide d'un outil de "scraping", une technique d'extraction automatique des données de sites Web), les sélectionne (pré-curation), puis trie les contenus générés par la machine (post-curation). Dans " Fall of the House of Usher II "(2017), l'artiste anglaise Anna Ridler a choisi de créer sa propre banque de données en réalisant plus de 200 dessins.

De ce fait, artiste et machine collaborent pour cocréer un objet d'art.
Les CAN inventent de nouveaux styles artistiques
En 2017, des chercheurs du laboratoire d'Art et d'Intelligence artificielle de l'université Rutgers, aux États-Unis, proposent une nouvelle méthode pour générer de l'art inédit et inventent des GAN créatifs, les CAN (Creative Adversarial Networks).

Partant du postulat que les GAN sont limités dans leur créativité en raison même de la façon dont ils sont conçus (leur objectif étant d'imiter le mieux possible des œuvres d'art existantes, appartenant à un courant donné), ils modifient le processus pour les rendre capables de générer de l'art créatif en maximisant la déviation du système par rapport aux styles établis.

Les CAN poursuivent trois objectifs. Ils doivent générer des œuvres nouvelles (1), sans toutefois l'être trop, c'est-à-dire qu'elles s'éloignent trop des données d'entrée, pour ne pas susciter l'aversion (2). L'œuvre générée doit également augmenter l'ambiguïté stylistique, c'est-à-dire être difficilement classable dans un style (3). Comme les GAN, les CAN comportent deux réseaux adverses. Le discriminateur utilise un large ensemble d'œuvres étiquetées pour apprendre à différencier les styles (Renaissance, baroque, impressionnisme, expressionnisme, etc.). Le générateur produit une œuvre à partir d'une entrée aléatoire. Mais, contrairement aux GAN, il reçoit deux signaux. Le premier lui indique si le discriminateur pense que l'œuvre qui lui est présentée est de l'art ou pas, et le second si le discriminateur a été capable de classer cette œuvre dans un style établi.

Ces deux signaux agissent comme des forces contradictoires, car le premier pousse le générateur à émuler l'art, tandis que le second le pénalise si le discriminateur parvient à classer son style. Cela pousse le générateur à explorer l'espace créatif et à créer des œuvres qui, selon les chercheurs de l'université Rutgers, ont non seulement trompé des humains, mais ont aussi été mieux notées que les œuvres d'origine.
Les algorithmes évolutionnistes imitent la pensée créative
Moins médiatisés, les algorithmes évolutionnistes sont aussi utilisés pour générer des objets d'art crédibles. Inspirés de la théorie de Charles Darwin sur l'évolution des espèces, ils reposent sur les trois principes fondamentaux de la sélection naturelle. Selon ces principes, il existe des différences entre les individus de la même espèce (principe de variation). Certains traits sont plus avantageux que d'autres et permettent à ceux qui les possèdent de mieux survivre et de se reproduire que leurs congénères (principe d'adaptation). Ces traits se transmettent d'une génération à l'autre (principe d'hérédité). L'idée des algorithmes évolutionnistes créatifs est de reproduire la démarche intellectuelle de l'artiste, qui imagine, teste et sélectionne de nouvelles idées. Il s'agit de modifier de façon aléatoire et d'une multitude de manières des données d'entrée, de sélectionner la ou les variantes les plus adaptées et de répéter ce processus jusqu'à ce qu'une idée satisfaisante en émerge. Lors de ce processus itératif, l'artiste intervient pour choisir les variations les plus esthétiques d'une génération, mais il est également possible d' automatiser cette étape.

Si l'évolution des algorithmes créateurs s'est faite dans un sens allant vers plus d'autonomie dans la production d'œuvres, sont-ils pour autant devenus créatifs ? Sont-ils amenés à remplacer les artistes ou resteront-ils cantonnés au rôle d'outils au service de la créativité augmentée ? Ces questions font l'objet de débats. Une chose est certaine, la transmission aux machines de la créativité, notion intrinsèquement liée à la nature humaine, est un défi de taille pour l'apprentissage automatique !

Théorie, pratique : le numérique démocratise l'art

Expériences muséales inédites grâce aux technologies immersives, vulgarisation artistique via les médias sociaux, émergence de nouveaux modes de production avec les outils de création numériques... Les nouvelles technologies contribuent à la diffusion de l'art et de la culture auprès d'un public toujours plus large.

Début des années 2000, les arts numériques font leur entrée au musée et les institutions culturelles commencent à explorer l'utilisation des nouvelles technologies pour repenser la mise en valeur de leurs collections. L'enjeu : accroître la fréquentation des musées et galeries d'art - des lieux encore trop souvent perçus comme étant réservés à une poignée d'initiés - et étendre leur action au-delà de l'espace feutré des salles d'exposition, jusqu'au Web.

Parallèlement, la démocratisation des outils de création numériques conduit à l'émergence de nouvelles pratiques chez les amateurs et à de nouveaux modes de production artistique, contribuant aussi à rendre l'art accessible au plus grand nombre.
Réinventer la médiation culturelle : visites virtuelles et technologies immersives
Le numérique abolit la distance géographique. Les musées et les expositions se visitent désormais à distance, depuis le confort de sa maison. Lancé en 2011 en partenariat avec dix-sept organisations culturelles, comme le MoMA de New York ou la Tate Britain de Londres, Google Arts & Culture offre aux internautes la possibilité de parcourir différents musées et sites du patrimoine mondial, et de visualiser des dizaines de milliers d'œuvres en haute définition grâce à la technologie Street View.

Si la plateforme de Google rassemble aujourd'hui la plus grande collection d'art au monde, de nombreux musées ont suivi son exemple et proposent leurs propres expositions en ligne et visites à 360°.

La démocratisation de l'art passe aussi par une réinvention de la muséographie et de la mise en relation entre les visiteurs et les œuvres. Pour attirer un public plus large - et plus jeune -, plusieurs institutions culturelles n'hésitent plus à s'emparer des technologies pour expérimenter de nouvelles formes de médiation.

Il ne suffit plus d'exposer des œuvres sur un mur, œuvres que les visiteurs contempleront passivement. Il faut offrir de nouvelles expériences leur permettant d'interagir avec ces œuvres, de les vivre de l'intérieur et de se les approprier dans une attitude active.

Se plonger au cœur d'une toile pour en explorer les moindres détails, visiter l'atelier d'un sculpteur, flâner dans des lieux depuis longtemps disparus ou découvrir une scène vivante de la vie d'autrefois... Ces nouvelles expériences sont permises par la combinaison de plusieurs technologies interactives et immersives telles que le mapping vidéo, la réalité augmentée (AR), la réalité virtuelle (VR), les interfaces multisensorielles ou les hologrammes. Les nouvelles générations de réseau mobile qui multiplient les débits et réduisent la latence, comme la 5G, les rendent accessibles depuis un smartphone ou une tablette.

Par exemple, à Paris, le Grand Palais a proposé d'explorer en AR et VR la Maison au Jardin de Pompéi, avant l'éruption du Vésuve et dans le présent, grâce à des reconstitutions 3D et à des prises de vue en très haute résolution du site. L'Imperial War Museum de Londres va, lui, programmer une exposition holographique, que les visiteurs pourront découvrir depuis chez eux, sans équipement coûteux, grâce à la technologie Desktop AR. Développé par la start-up Perception, ce système d'AR transforme un écran d'ordinateur ordinaire en un affichage volumétrique faisant apparaître des objets 3D devant l'écran, simplement à l'aide d'une webcam et de lunettes anaglyphes (utilisant un filtre de couleur différent pour chaque œil) standard.

Orange et la société de production Amacilio proposent quant à eux une visite en réalité virtuelle de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Cette expérience très immersive permet de découvrir l'histoire de ce monument emblématique et d'y déambuler librement comme si on y était.
Vulgariser l'art : MOOC et réseaux sociaux
D'importants efforts sont également menés pour démocratiser la connaissance des arts. Le numérique est utilisé comme support pour partager des contenus de vulgarisation artistique, mettant l'art à la portée de tous.

Le Louvre, le Centre Pompidou, le Grand Palais et une multitude d'autres établissements, culturels ou universitaires, en France et à l'étranger, produisent de plus en plus de podcasts et de MOOC (Massive Open Online Course, ou formations en ligne ouvertes à tous). C'est aussi le cas de la Fondation Orange, qui offre des MOOC culturels en relation avec les expositions qui se tiennent en France.

Ces cours à la carte, proposant souvent différentes activités ludiques, sont dispensés en ligne sur des plateformes spécialisées, telles que France université numérique ou Coursera.

Les réseaux sociaux ont eu un profond impact sur la démocratisation de l'art. Sur YouTube ou Instagram, de nombreux créateurs - étudiants en art, experts ou simples passionnés - proposent des contenus originaux, pédagogiques et engageants. Ils partagent un regard moins académique et plus personnel sur les différentes disciplines artistiques. Ils dépoussièrent l'histoire de l'art, décodent des sujets complexes ou des œuvres populaires, les mettant parfois en résonance avec des thématiques actuelles qui intéressent leur audience.

Bien conscientes de cette tendance, les institutions culturelles misent de plus en plus sur les réseaux sociaux en produisant des contenus spécifiquement pour ces canaux de diffusion et en collaborant avec des influenceurs. Par exemple, beaucoup d'entre elles ont répondu en décembre 2020 à l'invitation de TikTok, qui organisait une opération spéciale en France.
Faciliter la pratique artistique : l'exemple de la musique et des DAW
En parallèle, les innovations en matière d'outils de création numériques ont ouvert la formation et la production artistiques à un public plus large.

Par exemple, l'évolution de la puissance des ordinateurs, couplée à la multiplication des logiciels "grand public", ergonomiques, faciles à utiliser et regorgeant de toujours plus de fonctionnalités, ont contribué à rendre la pratique musicale plus accessible. De la composition au mastering (qui vise à perfectionner la qualité du signal sonore sur tous les appareils) et à la diffusion des œuvres, en passant par la formation musicale et la pratique d'instruments, toute la chaîne de création est concernée.

Comme le synthétiseur numérique avant eux, les logiciels de création musicale "tout-en-un", les DAW (Digital Audio Workstation, ou station audionumérique), ont donné naissance à une nouvelle génération d'artistes en leur ouvrant des possibilités auparavant réservées à des spécialistes. En effet, des logiciels comme GarageBand, Ableton ou Logic Pro permettent d'enregistrer ou de produire des sons, de leur appliquer différents effets et de les mixer relativement facilement et avec peu de moyens.

Construit autour de ces DAW, auxquels peuvent s'ajouter des équipements logiciels ou matériels, le home studio - studio d'enregistrement à la maison - a levé les barrières à l'entrée de la production musicale (accès aux studios d'enregistrement classiques, nécessité de signer avec une maison de disques, etc.) et favorisé l'émergence de l'autoproduction.

Au fil du temps, les différentes briques du home studio sont devenues plus simples à utiliser et moins coûteuses. Aujourd'hui, de nombreux musiciens amateurs ou souhaitant démarrer une carrière professionnelle, équipés seulement d'un ordinateur, composent et arrangent leurs morceaux chez eux, puis les partagent sur des plateformes de diffusion audio, comme SoundCloud.

De manière générale, l'irruption de l'intelligence artificielle et de l'apprentissage automatique dans le paysage des outils de création devrait pousser la démocratisation des pratiques artistiques à son paroxysme. La promesse? Aider des amateurs, sans formation préalable en art ni même connaissance de la programmation informatique, à produire des images, des sons et des textes à partir de l'analyse d'immenses banques de données. Ces artistes amateurs pourront-ils rivaliser avec des artistes professionnels ? Si l'IA permet d'imiter des styles et des compositions artistiques, même complexes, se pose la question de l'originalité, de la sensibilité, de la vision artistique... Des facultés que seuls les humains possèdent et qui se cultivent par l'expérience.

Au-delà de l'effet de mode, les NFT stimulent le marché de l'art

Mis sur le devant de la scène artistique en 2021, les NFT ("non-fungible tokens", jetons non fongibles) font l'objet d'un engouement de la part des marchands d'art, des collectionneurs et même des musées. Cette technologie, fondée sur la blockchain, transforme le marché de l'art et ouvre des perspectives pour les artistes.

En mars 2021, un collectif du nom de Burnt Banksy brûle en direct sur Twitter une gravure originale de Bansky, ensuite " réincarnée" en œuvre numérique associée à un jeton non fongible (NFT). Sacrilège pour certains, révolutionnaire pour d'autres, cette action propulse le monde de l'art dans un nouvel univers, celui du crypto art.

Le terme "crypto art" désigne des œuvres d ' art, le plus souvent numériques, accompagnées de NFT, qui peuvent par ailleurs être associés à tout type d'objet digital (cartes à collectionner virtuelles, objets de jeux vidéo, fichiers musicaux, etc.). Un NFT est un type de jeton cryptographique unique, c ' est-à-dire qui n ' est pas interchangeable (contrairement à une cryptomonnaie), stocké dans une blockchain. Il pointe vers un fichier numérique représentant une œuvre d'art et contenant un certain nombre d'informations à destination des acheteurs potentiels : son titre, sa date de création, le nom de l'auteur, une description ou encore un historique de propriété.

Ruée vers l'or du crypto art

Les NFT dopent l'art numérique

Grâce aux propriétés de la blockchain , les NFT agissent comme des certificats d ' authenticité numériques infalsifiables, rédigés et signés par les artistes. Ces technologies confèrent un caractère unique aux fichiers numériques qui sont, par définition, reproductibles à l ' infini.

Elles garantissent aux acheteurs de posséder à la fois une œuvre numérique authentique et un "tirage" original - ce qui était impossible auparavant. Ces deux paramètres essentiels pour les collectionneurs donnent une valeur financière à l'œuvre d'art et lui permettent d'être achetée et (re)vendue comme un objet d'art traditionnel.

De ce fait, les arts numériques - qui peinaient encore à trouver leur place sur le marché de l ' art, notamment en raison de la difficulté à monétiser les œuvres - attirent désormais l'attention des marchands d ' art. À la suite de la vente très médiatisée du collage de Beeple, de nombreuses galeries d'art privées et maisons de ventes aux enchères ont commencé à intégrer des œuvres de crypto art à leurs catalogues.

Les musées, eux aussi, s ' intéressent aux NFT, qui constituent potentiellement pour eux une source de revenus supplémentaire. Fin 2021, à Londres, le British Museum mettait en vente, en partenariat avec la start-up française LaCollection, plus de 200 reproductions numériques des estampes emblématiques du peintre japonais Hokusai lors d ' une exposition consacrée à l ' artiste.

Tendance de fond ou mode passagère ?

Il est trop tôt pour savoir si les NFT seront amenés à durer et si les institutions culturelles sont véritablement convaincues de leur pertinence. Faute de maturité technologique, ils présentent encore des failles peu compatibles avec les exigences spécifiques des acteurs du monde de l'art.

Au cours des derniers mois, plusieurs fraudes sont apparues avec la vente d'œuvres contrefaites ou volées par des individus se faisant passer pour des artistes reconnus , ou ayant récupéré et "tokenisé" (c'est-à-dire transformé en NFT) des œuvres sans l'autorisation de leurs auteurs.

En outre, les œuvres de crypto art sont stockées hors chaîne (off-chain), ce qui les rend vulnérables au phénomène de pourrissement des liens, qui invalide des liens hypertextes. Seul le NFT est stocké dans la blockchain. Le fichier numérique de l'œuvre d ' art, bien trop volumineux, est consultable sur une page Web traditionnelle, accessible grâce à une URL.

Une chance pour les artistes ?

"A priori", l ' irruption des NFT dans le marché de l ' art offre de nombreux avantages pour les artistes. En leur permettant de monétiser plus facilement leurs créations, ils peuvent leur offrir un moyen de mieux vivre de leur travail.

De fait, les plateformes de crypto art permettent à tout un chacun de posséder des œuvres virtuelles. Jusqu'à présent, elles ont surtout incité de nouveaux acheteurs (figures de la tech ou de la finance, jeunes célébrités, détenteurs de longue date de cryptomonnaies, etc.) à entrer dans le marché de l'art.

Toutefois, les NFT font l'objet de vives critiques, notamment de la part des artistes, qui sont nombreux à refuser de les utiliser en raison de leur empreinte environnementale ou du fait qu'ils contribuent selon eux à une financiarisation de l'art.

Certains estiment également que, loin de protéger leurs créations, le marché du crypto art et les appétits qu'il attise les rendent plus vulnérables au vol et à l'appropriation. Plusieurs œuvres publiées sous licence libre ont ainsi été récupérées et transformées en NFT sans l'autorisation de leur auteur. Ce procédé, légal lorsque la licence prévoit un usage commercial, peut violer le droit moral des artistes.

Enfin, la création et la vente de NFT étant associées à de nombreux frais (frais de frappe, frais de mise en vente, frais de retrait, pourcentage du prix de vente demandé par les plateformes, etc.), l'opération peut s'avérer désavantageuse pour les artistes.

La technologie aide à protéger les chefs-d'œuvre

Scanner laser 3D, IA, Big Data, robotique, impression 3D... Les technologies numériques augmentent les moyens à disposition des professionnels engagés dans la préservation du patrimoine culturel.

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Nouvelles technologies : repousser les frontières de l'Art

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Les nouvelles technologies construisent pour l'art un nouveau terrain de jeu, avec ses mondes virtuels et ses nouvelles façons de commercer.

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Jean-François Millet. "Les glaneuses"  1857 Huile sur toile, 83,5 × 110 cm, Musée d'Orsay, Paris

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Jean-François Millet. "Les glaneuses"  1857 Huile sur toile, 83,5 × 110 cm, Musée d'Orsay, Paris

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857)

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Jean-François Millet, Les glaneuses (1857), analyse avec de nombreuses illustrations.

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Auguste Renoir "Bal du moulin de la Galette "1876 Huile sur toileH. 131,5 ; L. 176,5 cm. Musée d’Orsay, Grand Palais 

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Auguste Renoir "Bal du moulin de la Galette "1876 Huile sur toileH. 131,5 ; L. 176,5 cm. Musée d’Orsay, Grand Palais 

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Cathédrale "Notre-Dame" de Paris, 1160-1240, Architecture, France, Paris

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Cathédrale "Notre-Dame" de Paris, 1160-1240, Architecture, France, Paris

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Ogive : L'ogive est un type d'arc brisé. Dans l'art gothique, les ogives sont disposées en diagonale et se croisent pour renforcer une voûte. On parle alors de croisée d'ogives.

Gothique : Style qui se développe à partir du milieu du XIIe siècle jusqu'au début du XVIe siècle dans l'Occident chrétien.

Sainte-Chapelle : Chapelle du Palais de l'île de la Cité à Paris, construite à l'initiative de saint Louis (Louis IX) et consacrée en 1348, afin d'abriter les reliques de la Passion du Christ.

Flèche : Élément supérieur d'un toit ou d'un clocher, dont la forme pointue rappelle un fer de flèche.

Arc-boutant : Ouvrage de maçonnerie en forme d'arc destiné à étayer extérieurement les murs qui soutiennent la voûte de l'édifice.

Arc brisé : En architecture, arc dont le profil présente à son sommet un angle plus ou moins aigu.

Suger : (1080/1081-1151) Conseiller de Louis VI et de Louis VII, abbé de Saint-Denis. Il est considéré comme l'initiateur du style gothique en France avec la rénovation de la basilique de Saint-Denis.

Sanctuaire : Lieu ou édifice consacré à un culte. Le terme peut correspondre à différentes réalités selon les religions. Dans le monde grec antique, c'est un espace délimité, parfois très vaste, dédié à une divinité et comprenant l'autel pour les sacrifices, le temple et les offrandes. Dans le christianisme, il désigne plus particulièrement la partie de l'église située autour du maître-autel.

Jugement dernier : Dans la religion chrétienne, jugement prononcé par Dieu à la fin du monde sur les vivants et sur les morts ressuscités.

Période classique : Période englobant les Ve et IVe siècles av. J.-C., qui voit naître en Grèce des innovations décisives dans les arts. En sculpture, de grands artistes comme Polyclète, Praxitèle ou Lysippe travaillent sur la représentation du corps en mouvement dans l'espace. Leurs œuvres seront des modèles suivis durant la période hellénistique et dans l'art romain.

Iconographie : Ensemble des images correspondant à un même sujet. On parle de programme iconographique lorsqu'un décor en plusieurs parties regroupe de manière cohérente différents sujets autour d'un même thème.

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Notre-Dame de Paris par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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Notre-Dame de Paris par - œuvre d'art analysée en images | Panorama de l'art

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Vénus de Willendorf, petite statuette, Calcaire, environ 30 000 ans avant notre ère

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Vénus de Willendorf, petite statuette, Calcaire, environ 30 000 ans avant notre ère

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La Vénus de Willendorf, petite statuette en calcaire du Paléolithique supérieur (environ 30 000 ans avant notre ère), fait parler d'elle depuis longtemps. Des chercheurs autrichiens ont révélé lundi la provenance de son matériau : le nord de l'Italie. C'est la première fois que les origines géologiques de l'objet sont confirmées avec une telle spécificité.

Tout le monde s'entend pour reconnaître qu'elle est l'un des exemples les plus importants d'art ancien en Europe. Mais son origine minérale était jusque-là méconnue. La Vénus de Willendorf, petite figurine haute de près de 11 cm, révèle son grand mystère. Depuis sa découverte en 1908 à Willendorf, en Autriche, elle est conservée au Naturhistorisches Museum de Vienne ( Musée d'histoire naturelle). Lundi 28 février, une équipe de chercheurs dirigée par l'anthropologue Gerhard Weber de l'Université de Vienne, les deux géologues Alexander Lukeneder et Mathias Harzhauser, ainsi que la préhistorienne Walpurga Antl-Weiser du Naturhistorisches Museum, ont découvert, à l'aide d'images tomographiques à haute résolution, que le matériau dans lequel la Vénus a été sculptée provient probablement du nord de l'Italie. Cette donnée nous éclaire sur les phénomènes de mobilité et de migration des hommes du Gravattien, près de 30 000 ans avant notre ère.

Un mystère historique

Nous savions que la Vénus avait été réalisée en oolithe, calcaire formé de grains sphériques, mais elle n'avait encore jamais dévoilé la provenance de son matériau. Les calcaires oolithiques sont par ailleurs absents à Willendorf et dans ses environs : c'est pourquoi Josef Szombathy, préhistorien autrichien qui a mené les fouilles qui ont conduit à la découverte de la Vénus de Willendorf en 1908, soupçonnait que la matière première de la Vénus avait été recueillie ailleurs. Les recherches récentes engagées par Gerhard Weber et ses équipes ont répondu aux interrogations de la communauté archéologique.

Une exploration de la statue de l'intérieur

Avec sa poitrine et son ventre voluptueux, la Vénus se présente, dans des proportions étonnantes, tout en épaisseur et en formes généreuses. Longtemps, chercheurs et visiteurs se sont arrêtés sur l'originalité de son apparence. Mais il a fallu aller plus loin pour percer ses mystères, enfouis dans sa matière même. C'est ainsi que l'anthropologue Gerhard Weber, de l' université de Vienne, a utilisé une nouvelle méthode pour examiner son intérieur, grâce à un procédé de tomographie micro-informatique, technique d'imagerie très utilisée en géophysique et en mécanique des matériaux. Les images observées ont interpellé l'anthropologue, qui explique : " Vénus n'a pas du tout l'air uniforme à l'intérieur. Il y aurait une propriété particulière qui pourrait être utilisée pour déterminer son origine ".

Les géologues qui l'ont accompagné dans sa recherche ont alors comparé des échantillons de roche de différentes régions d'Europe (France, Ukraine, Allemagne, Sicile), pour déterminer le lieu de production des minéraux oolithiques qui constituent la statue. Il s'agirait du nord de l'Italie, à des centaines de kilomètres de son lieu de découverte. Ces expériences ont également permis d'attribuer chronologiquement la pierre oolithique de la Vénus à l'ère mésozoïque, ère géologique qui s'étend de 252,2 à 66 millions d'années avant J.-C. Les scientifiques ont également identifié, à l'intérieur de la sculpture, un minuscule vestige de coquille, de seulement 2,5 millimètres de long, et l'ont daté de la période jurassique (de 201,3 à 145 millions d'années avant notre ère).

Une histoire des mobilités humaines à l'ère paléolithique

" Nous avons trouvé une correspondance étonnamment proche pour la distribution de la taille des grains près du Lac de Garde dans les Alpes du Sud (Italie). Cela pourrait indiquer une mobilité considérable des Gravettiens et un transport de longue date d'artefacts du sud vers le nord par des groupes humains modernes avant le dernier maximum glaciaire ", affirme Gerhard Weber dans un communiqué. Il remarque ainsi la remarquable mobilité des hommes, acheminant minéraux d'une région à l'autre, à l'époque du Gravettien, culture préhistorique connue pour son industrie lithique, à l'origine des figurines de Vénus. Le nord de l'Italie apparaît donc comme le lieu le plus probable de provenance des minéraux, mais une autre hypothèse stipule que la pierre proviendrait d'une région de l'actuelle Ukraine, à environ 1 000 km à l'est de Willendorf. Cette piste semble cependant peu probable selon les chercheurs. Ces résultats sont remarquables car ils signifient que la Vénus (ou du moins ses matériaux) a entamé un voyage du sud des Alpes jusqu'au Danube, au nord de la chaîne de montagnes. Cela confirme le mode de vie nomade que menaient les hommes du Gravattien, qui se déplaçaient en fonction du climat et de la disponibilité des proies. Comme le note Gerhard Weber, " ils se déplaçaient surtout le long des rivières. Un tel voyage pouvait prendre des générations ".

" Nous voulons utiliser ces résultats de Vénus et notre nouveau réseau de recherche viennois "Évolution humaine et sciences archéologiques", en coopération avec l'anthropologie, l'archéologie et d'autres disciplines, pour clarifier davantage l'histoire précoce dans la région alpine ", conclut M. Weber. Dans 11 centimètres peuvent parfois se cacher des centaines de kilomètres de marche et des millénaires d'histoire...

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Le mystère de l'origine de la Vénus de Willendorf enfin résolu | Connaissance des Arts

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Tout le monde s'entend pour reconnaître qu'elle est l'un des exemples les plus importants d'art ancien en Europe. Mais son origine minérale était

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Auteur inconnu, "Tapisserie de Bayeux",  Entre 1066 et 1082,  50 × 6 830 cm sur 70 mètre de long

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Auteur inconnu, "Tapisserie de Bayeux",  Entre 1066 et 1082,  50 × 6 830 cm sur 70 mètre de long

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Tapisserie de Bayeux 2028 : une agence d'architecture britannique sélectionnée pour le projet du futur musée

Lauréate du concours de maîtrise d'œuvre pour le projet du futur musée de la Tapisserie de Bayeux, l'agence d'architecture britannique RSHP a été choisie à l'unanimité parmi quatre candidats...

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Tapisserie de Bayeux - Visite de la tapisserie de Bayeux - Bayeux Museum

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La Tapisserie de Bayeux, l'un des 3 musées de Bayeux Museum, se visite en Normandie et raconte la conquête de l'Angleterre par Guillaume le Conquérant en 1066. Elle est classée au registre Mémoire du Monde de l'Unesco.

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https://www.pierre-soulages.com/

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Touchant à une esthétique de la disparition, les œuvres de Léa Belooussovitch nous interrogent sur notre rapport à la violence, notamment des images, liées aux faits de société et mettent en lumière la vulnérabilité d'un moment précis, rendant compte d'une forte humanité. Le dessin reprend l'image journalistique nette, aux couleurs vives capturant sur le champ et sans aucun détour la souffrance extrême des individus. L'information visuelle provenant du médium photographique est ainsi rendue plus tolérable par le biais de sa transcription manuelle.

L'image apparait comme évanescente, tel un fantôme, devenant l'empreinte de sa source dans nos mémoires. Son pouvoir est pourtant là, dans cette retranscription intime d'un récit d'une brutalité telle qu'elle empêcherait le regard de s'attarder. C'est justement cet écart entre le référent et le référé que met en avant le travail, cette distance qui nous en éloigne tout en étant proche physiquement de l'œuvre.

Née à Paris en 1989, Léa Belooussovitch vit et travaille à Bruxelles. Après l'obtention d'un master en dessin à l'ENSAV La Cambre en 2014, elle est nommée pour l'édition 2016 du Prix Révélations Emerige. Elle est lauréate 2018 du prix Jeunes Artistes du parlement de la Fédération Wallonie-Bruxelles. En 2020, elle est lauréate du Prix des Partenaires du Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métrople.

Née en 1989 à Paris.
Vit et travaille à Bruxelles.
FORMATION
2009-2014
ENSAV La Cambre, Bachelor and Master's degree: Drawing, Bruxelles, Belgique
2008-2009
Classe préparatoire option Arts, Atelier de Sèvres, Paris, France
2007-2008
École supérieure Estienne, MANAA, Paris, France
EXPOSITIONS PERSONNELLES
2022
Le Chant des Cygnes, PARIS-B, Paris, France

2021
Feelings on Felt, Musée d'Art Moderne et Contemporain Saint-Étienne, Saint-Étienne, France

2019

EIDÔLON "Before my gaze thy soul's eidolon stands", Galerie Paris-Beijing, Paris, France
Purple Blanket, IMAGE/IMATGE Centre d'art, Orthez, France
Perp walk, Le Botanique, Bruxelles, Belgique
Percepts, Esther Verhaeghe Art Concepts, Place du Châtelain, Bruxelles, Belgique

2018
Sous l'image, Galerie Les Drapiers, Liège, Belgique

2017
Rémanences, galerie Paris-Beijing, PBProject, Paris, France
FACEPALM, Maac-Maison d'art actuel des chartreux, Bruxelles, Belgique

2015
Léa Belooussovitch : Public View, Solo Show, Platform 102, curator Odie R.Cash, Bruxelles, Belgique
EXPOSITIONS COLLECTIVES
2022
Le Promontoire du Songe, Frac Auvergne, Commissaire: Jean-Charles Vergne, Clemont-Ferrand, France
The Derwent Art Prize, exhibition with the selected artists, 24.2 - 6.3, OXO Tower, London, Royaume-Uni
Décors & Paysages, Council of the European Union, commissaire: Lola Meotti
La vie matérielle, commissariat Carine Fol & Marina Dacci, CENTRALE for contemporary art, Bruxelles, Belgique

2021
Etat Pictural, organisée par Claude Lorent, Belgian Gallery, Namur, Belgique
Bye Bye His-story, organisée par Emmanuel Lambion, Centre de la gravure et de l'image imprimée, La Louvière, Belgique

2020
What you've missed, Galerie Paris-Beijing, Paris, France
Young Belgium - Opus 1 - Ineffable, La Patinoire Royale, Bruxelles, Belgique
Art cares covid, organisée par Maelle Delaplanche, Musée Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles, Belgique

2019
Women Underexposed, Belfius Art Collection, Bruxelles, Belgique
Prix Médiatine 15#1 Manifeste pour une création visuelle actuelle, Centre Wallonie-Bruxelles, Paris, France
Le réel dispose de son invention, Centre d'Art Contemporain Les Tanneries, Amilly, France

2018
Sans tambour ni trompette, Curated by Julie Crenn, Centre d'art Faux Mouvement, Metz, France
Summer group show, Galerie Paris-Beijing, Paris, France

2017
Tremblements, galerie Valérie Delaunay, Paris, France
Session#6 : Système, Galerie Paris- Beijing, Paris, France
The birth of tragedy, group show, Frederic Collier/contemporary, Bruxelles, Belgique
Friche, le hangar de la Senne, Bruxelles, Belgique
Mediatine Prize, exhibition with the laureates, La Médiatine, Bruxelles, Belgique
L'art pour l' Accueil, exhibition & charity event, H18, Bruxelles, Belgique

2016
Une inconnue d'avance, Bourse Révélations Emerige, group show curated by Gaël Charbau, Villa Emerige, Paris
Déformation Professionnelle, group show, galerie Paris-Beijing, Paris
Collecting, 5 ans de soutien à la création, Maison des Arts Anderlecht, Bruxelles, Belgique
De la lumière, group show, Francis Carrette gallery, Brussels
S.Balleux, L.Belooussovitch, S.Bonin, H.Prinz, group show, D+T Project gallery, Bruxelles, Belgique
Garden Party & Auctions, Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Belgique
Learning how to see again, WYA's European Arts Forum, Bruxelles, Belgique
5/5, end of residency show, Fondation privée du Carrefour des Arts, Brussels
Paperworks, group show, Antena gallery, curator Odie R.Cash, Chicago, USA
Somewhere over the rainbow, group show, HD gallery, Bruxelles, Belgique
Friche, group show, PIAS Anderlecht, Bruxelles, Belgique
Spatial Sublation, 4 solos shows project, curator Jana Haeckel, WIELS, Bruxelles, Belgique
Nevertheless, a two-part project with João Freitas, Musumeci Contemporary, Bruxelles, Belgique

2015
The Waste Land, group show, galerie Nadine Feront, Bruxelles, Belgique
Contemporary Multiples and editions, Platform 102, Bruxelles, Belgique
Not an opening...just a peek, Fondation Moonens, Bruxelles, Belgique
Friche, group show, LaVallée, Bruxelles, Belgique

2014
Autrement dit, Trade Mart, Bruxelles, Belgique
Friche, open house à Anderlecht, Bruxelles, Belgique
Carte de visite, group show, Vanderborght building, Bruxelles, Belgique

2013
Not ordinary view, group show, Galerie Artecontemporanea, Bruxelles, Belgique
Color rooms , group show, Galerie Starter, Neuilly-sur-Seine, France
Désorienté(s), group sh ow, ISELP, Bruxelles, Belgique

2012
L'inquiétante étrangeté, group show, Galerie Oberkampf, Paris
Emergences Numériques, group show, Festival Transnumériques, Bruxelles

2011
Museomix, projet collectif avec la Mosquito Agency, Musée des Arts Décoratifs, Paris
Zapping, in-situ installation de dessins, RTBF, Bruxelles, Belgique
RECOMPENSES
2017 - 2021
Bourses annuelles d'aide à la création de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Belgique

2020
Laureate du Prix des Partenaires, Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Etienne Métropole, France

2018
Laureate du Prix du Parlement de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Belgique

2017
Laureate of Prix COCOF, La Médiatine, Bruxelles, Belgique
Laureate of Bourse COCOF Maac 2017, Belgique

2016
Nominee Bourse Revelations EMERIGE, Paris

2014
Laureate of the MOONENS prize 2014, Belgium
RESIDENCES
2017
Residency at MAAC : Maison d'Art Actuel des Chartreux, Brussels

2015-2016
Residency at Fondation Carrefour des Arts, Brussels

2014-2015
Residency at Fondation Moonens, Brussels
PUBLICATIONS
2020
" Léa Belooussovitch - Sédation du mal ", par Constantin Chariot
" Léa Belooussovitch: On Feelings & Felt ", par D. Joyce-Ahearne

2019
" Léa Belooussovitch, Le carême des images ", par Gaël Charbau
" Purple Blanket ", entretien, Centre d'Art Contemporain Image/Imatge

2018
" Sous L'Image ", par Emmanuel D'Autreppe

2017
" Rémanences ", par Sandra Caltagirone in L'Art Même
Group show " Newwwar. It's just a game ? ", Bandjoun Station par Marion Zilio,
Group show, " Tremblements " par Julie Crenn
Solo show at Maac Brussels, " Facepalm ", par Catherine Henkinet
" Portrait : Léa Belooussovitch ", Focus Le Vif June, par Michel Verlinden

2016
" Léa Belooussovitch ", Bourse Révélations Emerige 2016 par Marine Relinger
" Reframing reality ", Bruzz n°1540 / p.46, par Kurt Snoekx
" Haunting images, imagined truth : On the work of Léa Belooussovitch ", Spatial Sublation show, Wiels, par Jana Haeckel
" Nevertheless " a project with Joao Freitas, par Rosa Anna Musumeci

2015
" Léa Belooussovitch : Public View ", Solo Show at Platform 102, Brussels, par Odie Rynell Cash

2014
" Notes "
COLLECTIONS
Collection du Musée d'Ixelles, Belgique
Collection du Parlement de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Belgique
Collection du Musée d'Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne Métropole, France
Collection Frédéric de Goldschmidt, Bruxelles, Belgique
Frac Auvergne, France
Fond d'investissement mécénal d'art contemporain - FIMAC, Lille, France
Le Bel Ordinaire, Pau, France
Belfius Art Collection, Belgique
Thalie Lab Foundation, Belgique
Collection d'entreprise Picard Vins & Spiritueux, France
Collection Ömer Mehmet Koç, Turquie
Collection Dassault, France
Fondation Privée du Carrefour des Arts, Belgique

Rencontre avec Léa Belooussovith | MAMC Saint-Étienne

Léa Belooussovitch, Le carême des images
- ParGaël Charbau, avril 2019
Lors d'une conversation récente, Léa Belooussovitch me confiait que le public lui réclamait souvent de voir les photographies originales dont sont tirés ses dessins sur feutre. C'est une demande qu'elle a toujours refusée et pour cause, puisque cette série consiste justement à présenter une image par l'intermédiaire d'un travail artistique pensé à l'inverse de l'esthétique de ces clichés qui nous assaillent quotidiennement. Rappelons-en le principe : à partir d'une image particulièrement violente -ou, devrait-on peut-être plutôt dire, correspondant à la violence quotidienne à laquelle nous nous sommes habitués- trouvée dans les médias et issue de l'actualité, Léa Belooussovitch en fabrique une copie, un double, une alternative. Elle fait subir à cette image une série de transformations qui la déconstruisent définitivement. Tout d'abord, elle la recadre en ne se concentrant que sur un détail dont elle modifiera inévitablement l'échelle dans son format final. Ensuite, plutôt que de verser dans un hyperréalisme revenu dans l'air du temps, elle produit cette nouvelle image sur un support inattendu : le feutre. Loin de l'aspect glacé des magazines ou lissé de nos écrans, ce matériau fibreux exploité depuis l'antiquité convoque immédiatement une sensualité, une " corporéité par défaut " pourrait-on dire, puisqu'il sert avant tout à protéger du froid . Enfin, ce support se dégrade naturellement sous l'effet des coups de crayons dont l'artiste couvre sa surface. Aux impressions nettes et piquées de l'image originale, le rendu devient ici duveteux, velouteux, presque poudreux, formant des nuages de couleurs se fondant les uns dans les autres, à tel point que sans en connaître l'origine, on jurerait regarder une image purement abstraite. Ces trois opérations, recadrage, changement de support et " rematérialisation ", arrachent non seulement les images à leur contexte médiatique, mais aussi à leur destination. C'est un peu comme si Léa Belooussovitch se muait en une sorte de ravisseur, et il faudrait l'entendre dans les deux sens que l'on pourrait prêter à ce terme : capturer, mais aussi pourquoi pas ravir, dans le sens d' enchanter.

Ces clichés d'actualités, crus et jetés à nos regards -scènes de guerre, images de réfugiés, attentats- l'artiste les sélectionne la plupart du temps parce qu'elles exposent des victimes saisies, malgré elles, sur le vif. Ce que crée l'œil mécanique ou numérique dans les mains du photographe, c'est un théâtre, une scène qui intègre à l'avance notre réaction évidemment pleine d'émotion, dans le temps figé d'un instantané. A l'inverse, le temps long que l'artiste consacre à ses activités, celui où d'abord elle épluche les médias pour trouver ces images, puis celui de leur métamorphose en œuvres dessinées, pourrait correspondre à une entreprise de réparation. Comme si le temps de l'atelier devenait celui de la guérison, un pas en arrière du trop-visible, une forme d'économie et pourquoi pas, d' écologie du regard.

La nouvelle série " Executed Offenders " (2019) procède d'une même logique de gestes, où le déplacement du point de vue tout comme le temps que l'artiste consacre à la réalisation de l'œuvre semblent offrir comme un dépaysement -comme on le dit des affaires judiciaires- de notre jugement. Léa Belooussovitch reproduit dans cette série les dernières paroles de condamnés à mort de l'Etat du Texas, recueillies avant le début de la procédure. Ces derniers mots sont recensés, sobrement et administrativement depuis plusieurs années sur le site internet du Texas Department of Criminal Justice. Dans ce crépuscule du langage, les détenus y crient leur innocence, demandent pardon ou adressent leurs dernières pensées à leur famille... Sur des grandes feuilles de papier, l'artiste recopie soigneusement à l'aide d'un pochoir, lettre par lettre et au stylo à bille, les quelques phrases prononcées. Cette technique manuelle et fastidieuse provoque de légers écarts d'interlettrage, de subtils décalages d'alignement des caractères apparaissent. La typographie choisie par l'artiste est linéale, proche du caractère Helvetica tandis que les textes sont présentés sur des grandes feuilles blanches sans recherche particulière de mise en page. Aucun effet n'est visible, mis à part ces petits accidents d'approche qui trahissent une exécution artisanale Or, c'est justement dans l'extrême réduction de la proposition que l'artiste parvient à concentrer cette émotion que nulle image ne pourrait rendre, dans ces mots parfois naïfs ou difficiles à comprendre, et grâce auxquels on se figure par défaut le visage d'un condamné jugé pour des atrocités commises : une empathie par delà le bien et le mal.

La série Facepalm (2017) présente quant à elle six portraits de femmes tirés des archives numériques du Chicago Tribune et datant de l'époque de la prohibition aux États-Unis. L'artiste a recadré les clichés pour ne présenter que le visage de ces " femmes de bandits ", saisies au moment du " Perp walk " . A nouveau, Léa Belooussovitch a escamoté le contexte qui nous permettrait de situer l'image dans son histoire et son environnement : de la scène originale, il ne reste que le visage noir et blanc en gros plan d'une personne qui essaie d'échapper aux regards et aux objectifs, dissimulant sa honte dans ses mains, par ce geste nommé " facepalm " et dont Masaccio a peut-être peint le plus célèbre exemple en 1425 dans " Adam et Eve chassés du Paradis ". En dissimulant ainsi le visage d'Adam derrière ses deux mains, le peintre Florentin trouvait une solution formelle pour nous obliger à projeter, dans ce que nous ne pouvons voir, la violence du déchirement ressenti. Cacher, pour mieux incarner. L'intensité de cet instant terrible semble se renforcer dans l'œuvre de Léa Belooussovitch par le support sur lequel l'artiste a choisi de reproduire l'image : il s'agit d'un textile satiné, flottant légèrement au devant de la cimaise, suspendu à une fine baguette. A la violence de ce regard traqué s'oppose la fragilité d'une surface qu'un courant d'air pourrait balayer. Et une fois encore dans un dispositif où la sensibilité, la fragilité, la gracilité s'affirment comme par résistance à la scène telle qu'elle fût fixée sur la pellicule.

Sans ériger une quelconque morale, les œuvres de Léa Belooussovitch empruntent ainsi une sorte d'esthétique de la rédemption, comme si son travail consistait à délivrer les clichés ou les documents qu'elle collectionne des pulsions de voyeurisme qui ont façonnées notre relation aux images. Plutôt que de crier plus fort, plutôt que de surjouer les codes de la communication visuelle, elle fait comme régresser l'image, elle la replie dans une approche mentale, tenant à distance les démons de l'immédiateté et du sensationnel pour nous installer dans le temps plus long, plus responsable de la contemplation, sans rien sacrifier à ce mystère de montrer et de voir, qui est le propre de notre humanité.

Texte extrait du catalogue d'exposition collective " Newwwar. It's Just a Game? "
- ParMarion Zilio, novembre 2017
À l'image de l'artiste Joseph Beuys, dont la mythologie personnelle dit qu'il fut recueilli et soigné par de la graisse et du feutre à la suite du crash de l'avion qu'il pilotait, l'usage du feutre chez Léa Belooussovitch porte l'empreinte d'une action thérapeutique. Si le feutre mène à la guérison ou protège les meubles lors d'un déménagement, il atténue aussi les sons. Chez Léa, il absorbe les cris de douleurs et la violence des images, mais dans le même temps, il isole du bruit des informations : du relais tant attendu de ceux pour qui le crime est devenu un spectacle. Le mitraillage de l'information, non content de nous hypnotiser et de nous maintenir dans un état de peur quotidien, a le double effet d'amplifier la présence terroriste et de starifier les protagonistes, à défaut des victimes.

Les dessins réalisés par Léa Beloousssovitch proviennent des images postées sur internet du double attentat suicide qui eut lieu à Maroua, dans l'extrême nord du pays en juillet 2015. Parce qu'elle abrite le commandement des opérations de l'armée camerounaise, cette région régulièrement ciblée par les insurgés nigérians de Boko Haram est devenue le théâtre d'affrontements sanguinaires. Sur ces images, non soutenables, Léa pose un voile de pudeur et choisit celles dont un fond d'humanité transperce et nous empêche d'accepter la fatalité. Car c'est la seule image que les consciences endeuillées doivent retenir. Dans l'impossible résilience, ses images aux formes floues et duveteuses exercent sur celui qui les regarde une attraction qui le plonge dans la couleur et la douceur de la matière. Sorte de régression réconfortante, Léa inverse le processus d'hypnose, ce n'est plus l'image atroce qui s'imprime en boucle dans les cerveaux, mais une brume dont on espère qu'il ne sera plus qu'un lointain souvenir.
Exposition collective " Newwwar. It's Just a Game? ", Bandjoun Station, Cameroun, 17 novembre 2017 - 30 juin 2018. Sous le commissariat de Marion Zilio, commissaire d'exposition et critique d'art.

Texte extrait du dossier de presse de l'exposition collective " Sans tambour ni trompette "
- ParJulie Crenn, septembre 2017
Le feutre blanc, matériau isolant et protecteur, est le support des dessins de Léa Belooussovitch. L'artiste travaille à partir d'images prélevées sur Internet. Elles témoignent d'évènements extrêmement violents, des images de guerres et/ou d'attentats dont les victimes sont au premier plan. Elle recadre les images, se concentre sur un visage, une situation d'extrême urgence. Aux victimes, l'artiste souhaite leur rendre une forme d'anonymat et une part de dignité. Munie de crayons de couleur, elle frotte avec vigueur le feutre. Les images devenues floues vont peu à peu se perdre dans la matière duveteuse. L'image originale est méconnaissable, le sujet est abstrait, on y devine à peine les figures. L'œuvre réclame un effort pour établir une mise au point qui s'avère impossible.

Exposition collective " Sans tambour ni trompette ", Musée Massey - Musée International des Hussards, Tarbes, Septembre 2017. Sous le commissariat de Julie Crenn, critique d'art et commissaire d'exposition.

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Touchant à une esthétique de la disparition, les œuvres de Léa Belooussovitch nous interrogent sur notre rapport à la violence, notamment des images, liées aux faits de société et mettent en lumière la vulnérabilité d'un moment précis, rendant compte d'une forte humanité.

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https://youtu.be/SyAeMp1_920?si=Lq816T25Shpvs6DU

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https://youtu.be/cay_THsjTNM?si=gv8eKVKgtfqlllgG

https://wp.unil.ch/techno-mondes/leutenegger/interview/

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Née en 1983, Catherine Leutenegger est titulaire d'un diplôme d'études postgrades en Photographie obtenu en 2007 à l'Ecole cantonale d'art de Lausanne (ECAL).

Elle travaille en tant qu'artiste photographe et enseignante. Son oeuvre a fait l'objet de nombreuses récompenses, dont le Prix Manor, le Prix culturel Photographie de la Fondation Vaudoise pour la Culture et les Bourses fédérales de Design. Ces distinctions lui ont notamment valu une exposition individuelle au Musée de l'Elysée et la publication d'un livre monographique intitulé Horschamp, ainsi qu'un séjour en résidence d'artistes à New-York. Durant celui-ci, elle s'est immergée à Rochester, surnommée Kodak City, où l'entreprise Kodak fut fondée en 1881. Son livre éponyme constitue l'enregistrement d'un tournant singulier dans l'histoire de la photographie.

Depuis 2014, Catherine Leutenegger s'ouvre sur une pratique artistique pluridisciplinaire en jouant sur la transversalité des médiums, le rapport d'échelle, la spatialité et l'ambiguïté des formes. Avec une posture d'archéologue et d'anthropologue, elle soulève de nouvelles réflexions sur l'omniprésence numérique et la matérialisation du virtuel. Son oeuvre a été présentée et publiée sur le plan international. Son travail fait partie de plusieurs collections publiques et privées dont celles de la Fondation MAST, du Musée Nicéphore Niepce et du Musée de l'Elysée à Lausanne.

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Regards sur l'EPFL: Science. "Catherine Leutenegger nous invite à pénétrer les coulisses de la recherche scientifique de l'EPFL"

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https://www.sheilahicks.com/

https://awarewomenartists.com/artiste/sheila-hicks/

https://corderievallois.fr/fr/expositions/sheila-hicks-le-fil-conducteur

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L'imprimerie secrète de l'artiste JR - École d'art MJM - Paris - Bordeaux - Lille - Nantes - Rennes - Strasbourg - Toulouse

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L'imprimerie secrète de l'artiste JR - École d'art MJM - Paris - Bordeaux - Lille - Nantes - Rennes - Strasbourg - Toulouse

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Hokusai, l'homme de la Vague | Maître de l’estampe japonaise, découvrez dix choses à savoir sur Katsushika Hokusai. | By Culture Prime | Facebook

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Hokusai, l'homme de la Vague | Maître de l’estampe japonaise, découvrez dix choses à savoir sur Katsushika Hokusai. | By Culture Prime | Facebook

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Maître de l’estampe japonaise, découvrez dix choses à savoir sur Katsushika Hokusai.

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La technique de la peinture à l'huile - Musée du Louvre [EN/ES subtitles]

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La technique de la gravure au burin - Musée du Louvre [FR/EN/ES subtitles available]

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EXPOSITION PASTELS DE MILLET A REDON - Entretien avec la commissaire - FR/EN | Musée d'Orsay

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En bref

Célèbre pour ses danseuses, Edgar Degas (1834-1917) est souvent considéré comme l'un des maîtres de l'impressionnisme, une classification qu'il réfuta ; le peintre se définissait en effet comme un réaliste et un indépendant. Féru de l'étude du mouvement, il s'attacha à tous les motifs qui représentaient la vie : la danse, certes, mais aussi les courses hippiques. Comme son ami Manet, Degas fut l'un des grands peintres de la vie moderne, des scènes de café, des maisons closes, des modistes, des blanchisseuses... L'œuvre de cet artiste parisien et bourgeois, très cultivé et collectionneur, est marquée par sa connaissance des grands maîtres, et d'Ingres en particulier, dont il fut considéré comme l'un des héritiers par la qualité de son trait.

Il a dit

" Aucun art n'est aussi peu spontané que le mien. Ce que je fais est le résultat de la réflexion et de l'étude des grands maîtres. "

Sa vie

Né à Paris en 1834, Edgar Degas vient d'un milieu bourgeois. Il est porteur d'une triple culture : italienne par son père, américaine par sa mère et parisienne par sa naissance. Degas fait ses études au lycée Louis-le-Grand, dont il sort bachelier en 1853.

Doué pour les arts, dessinateur prolifique, il arrête ses études de droit et intègre l'atelier d'un élève d'Ingres, Louis Lamothe. La première partie de son œuvre est marquée par la tradition classique : Degas expose d'abord des tableaux d'Histoire au Salon, avant de rejoindre des cercles indépendants et de participer à toutes les expositions impressionnistes entre 1874 et 1886 (excepté en 1882), avec des sujets inspirés de la vie contemporaine. Bien qu'ayant voyagé en Louisiane et en Italie, il reste très attaché à Paris.

Dès les années 1870, Degas s'intéresse au monde de l'Opéra et de la danse, qui constitue un thème majeur dans son œuvre picturale, mais aussi sculpturale. Évoluant dans un milieu mondain où la musique joue un rôle capital (chez les Lerolle, les Rouart), ami de Ludovic Halévy (le librettiste du Carmen de Bizet), il s'introduit dans les coulisses de l'Opéra de Paris. Degas peint quelques scènes d'orchestre, des portraits de musiciens, mais surtout les classes de danse que fréquentent les petits rats. L'artiste révèle la cruauté d'un monde qu'il capte dans toute sa complexité sociologique : les messieurs qui attendent les danseuses (parfois assimilées à des prostituées), les rivalités, la hiérarchie ; rien n'est oublié.

Entre 1895 et 1896, l'artiste expérimente le médium photographique en réalisant des portraits et des nus en lumière artificielle. La dernière partie de la vie de Degas est assombrie par une cécité qui le prive progressivement de son art : l'artiste aurait cessé de peindre en 1912. Il se consacre au pastel et au monotype (une technique d'impression sans gravure appréciée des impressionnistes), produisant des œuvres d'une grande modernité, longtemps négligées.

Après sa mort en 1917, la même année que Rodin, les ventes de son atelier et de sa sublime collection de maîtres (Ingres, Delacroix...) marquent l'année 1918.

Ses œuvres clés
La Famille Bellelli, 1858-1867
De passage en Italie où il achève sa formation d'artiste, Degas visite sa famille napolitaine, dont il dresse ici un portrait digne des maîtres flamands. L'œuvre se caractérise par sa grande structure et sa sévérité, une profusion de détails et une palette sobre. Degas parvient à saisir la psychologie de ses modèles. Il s'agit d'une œuvre majeure de la jeunesse du peintre.
Chevaux de course devant les tribunes, vers 1866-1868
Le champ de courses est un loisir bourgeois du temps de Degas. Fasciné par ce milieu à la mode, le peintre est en outre attiré par l'étude du mouvement que lui offre le sujet équestre. Les purs-sangs sont nerveux avant le départ de la course. Dominée par la ligne diagonale, la composition est dynamique. Degas accorde une importance capitale au rôle de la lumière, aux contrastes et aux ombres, qui semblent dédoubler la toile et donner accès à une autre réalité.
La Classe de danse, entre 1873 et 1876
Introduit dans les coulisses de l'Opéra de la rue Le Peletier, Degas s'intéresse au petit monde des danseuses. Il s'agit d'une classe de danse, où les ballerines sont à l'exercice sous l'œil vigilant du professeur de ballet, seule présence masculine. La tension et la promiscuité sont palpables. Certaines exécutent les mouvements, tandis que d'autres semblent lasses, voire exténuées. Le peintre, en abordant la composition en diagonale, ménage l'intrusion de l'extérieur dans cet univers clos par le biais du miroir.

Petite danseuse de 14 ans, entre 1865 et 1881

À l'exposition impressionniste de 1881, Degas présenta dans une cage de verre une sculpture en cire représentant une jeune danseuse. L'œuvre fit scandale. Par son visage aux traits simiesques, elle incarnait pour certains une figure de la perversion (l'Opéra était souvent perçu comme l'une des antichambres de la prostitution bourgeoise). Manifeste du naturalisme en sculpture, cette œuvre est par ailleurs un véritable assemblage puisque Degas a habillé sa danseuse d'un tutu et de chaussons, qui montrent son obsession à saisir la réalité de son temps.

À lire aussi : L'Opéra, fabuleux laboratoire d'Edgar Degas

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La vie et l'œuvre d'Edgar Degas en 2 minutes. Acteur incontournable de la modernité, il se passionnait aussi pour la photographie, la danse et les chevaux.

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____ ARTISTES____

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Paul Sérusier "Le Talisman, Paysage au Bois d'Amour" 1888 Huile sur bois H. 27 ; L. 21,5 cm; L. 31,3 cm Musée d’Orsay, Paris ---> aplats de couleurs pures

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Paul Sérusier "Le Talisman, Paysage au Bois d'Amour" 1888 Huile sur bois H. 27 ; L. 21,5 cm; L. 31,3 cm Musée d’Orsay, Paris ---> aplats de couleurs pures

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https://panoramadelart.com/analyse/le-talisman

Ecole de Pont Aven, vidéo:
https://www.youtube.com/watch?v=G0zMFWtLr0I&t=209s

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Paul Gauguin "Paysannes bretonnes" 1894 Peinture, huile sur toile, H. 66 cm ; L. 92,5 cm, Musée Orsay, Paris ---> formes simplifiées mais nettement délimitées par des traits sombres, détails négligés.

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Paul Gauguin "Paysannes bretonnes" 1894 Peinture, huile sur toile, H. 66 cm ; L. 92,5 cm, Musée Orsay, Paris ---> formes simplifiées mais nettement délimitées par des traits sombres, détails négligés.

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https://panoramadelart.com/analyse/paysannes-bretonnes

Ecole de Pont Aven, Vidéo https://www.youtube.com/watch?v=G0zMFWtLr0I&t=209s

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Arte povera, Mouvement d’avant-garde apparu en Italie dans les années 1960

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Arte povera, Mouvement d’avant-garde apparu en Italie dans les années 1960

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https://www.beauxarts.com/grand-format/larte-povera-en-2-minutes/

https://www.radiofrance.fr/franceculture/comprendre-la-richesse-de-l-arte-povera-en-quelques-oeuvres-9179304

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En bref

Mouvement d'avant-garde apparu en Italie dans les années 1960, l' arte povera incarne une défiance vis-à-vis de la société de consommation (notamment celle de l'impérialisme américain), privilégiant l'usage de matériaux simples, souvent des éléments naturels ou de récupération. C'est une forme d'art dans laquelle prédominent la dimension conceptuelle et celle du nomadisme. L'arte povera fut une attitude politiquement contestatrice, symbolisant l'esprit de la décroissance avant l'heure, et qui s'employa à décloisonner les pratiques artistiques.

Action des artistes du mouvement de l'arte povera (Emilio Vedova au premier plan) sur la place Saint-Marc à Venise, face à la police.

© Archivio Cameraphoto Epoche / akg-images

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Par Claire Maingon * le 25 novembre 2019

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La décroissance, le retour à l'essence des choses et à la nature, le nomadisme... Déjà dans les années 1960, le mouvement italien de l'arte povera prônait ces concepts en réaction à la société de consommation.

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Giotto di Bondone, Scènes de la vie de Joachim : rencontre à la Porte d’Or [détail], 1304–1306
, Fresque 185 × 200 cm, Chapelle Scrovegni, Padoue, Italie---> représenter le caractère humain, les sentiments, recherche de réalisme au XIVe siècle

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Giotto di Bondone, Scènes de la vie de Joachim : rencontre à la Porte d’Or [détail], 1304–1306
, Fresque 185 × 200 cm, Chapelle Scrovegni, Padoue, Italie---> représenter le caractère humain, les sentiments, recherche de réalisme au XIVe siècle

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https://www.beauxarts.com/grand-format/giotto-en-2-minutes/

https://www.beauxarts.com/grand-format/la-chapelle-des-scrovegni-peinte-par-giotto-une-plongee-dans-le-grand-bleu/

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Giotto, fresques de la Chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie

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Giotto, fresques de la Chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie

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https://www.proantic.com/magazine/la-chapelle-des-scrovegni/

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Renaissance italienne , apparu en Italie au XIVè siècle

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Renaissance italienne , apparu en Italie au XIVè siècle

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https://www.beauxarts.com/grand-format/la-renaissance-italienne-en-3-minutes/
https://www.universalis.fr/encyclopedie/piero-della-francesca/

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Piero della Francesca "Le songe de Constantin" (Série La légende de la Vraie Croix) 1452-1459, fresque, 329 x 190 cm, Arezzo, San Francesco

Piero

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Piero della Francesca "Le songe de Constantin" (Série La légende de la Vraie Croix) 1452-1459, fresque, 329 x 190 cm, Arezzo, San Francesco

Piero

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https://museiarezzo.it/fr/fresques-de-piero-della-francesca/

https://museiarezzo.it/wp-content/uploads/2023/05/guide-fresques-FR.pdf

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"Le Voyageur contemplant une mer de nuages" Caspar David Friedrich 1818 95 cm x 75 cm  Pienture à l'huile, Kunsthalle de Hambourg

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"Le Voyageur contemplant une mer de nuages" Caspar David Friedrich 1818 95 cm x 75 cm  Pienture à l'huile, Kunsthalle de Hambourg

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https://www.museumtv.art/artnews/oeuvres/le-voyageur-contemplant-une-mer-de-nuage/

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Analyse - Le voyageur contemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich - Museum TV

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Aujourd'hui Museum TV vous propose d'analyser Le voyageur contemplant une mer de nuages peint par Caspar David Friedrich en 1818.

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Le Jardin, fresque du tombeau de Nébamoun, Date de création : vers 1380 av. J.-C.

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Le Jardin, fresque du tombeau de Nébamoun, Date de création : vers 1380 av. J.-C.

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Peinture égyptienne, vers 1390-1350 av., Scène de chasse représente  un marais, ses papyrus, et ses animaux. British Museum

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Peinture égyptienne, vers 1390-1350 av., Scène de chasse représente  un marais, ses papyrus, et ses animaux. British Museum

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Musée du Louvre : Zendaya en Victoire de Samothrace pour une collaboration inédite avec Lancôme | Connaissance des Arts

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Dialogue entre les chefs d'œuvres antiques et muses d'aujourd'hui 

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Dialogue entre les chefs d'œuvres antiques et muses d'aujourd'hui 

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Musée du Louvre : Zendaya en Victoire de Samothrace pour une collaboration inédite avec Lancôme | Connaissance des Arts

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« L’art est le plus ancien langage sur la beauté dont on dispose. » Dans cette citation, Françoise Lehmann, directrice générale de Lancôme international,

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Avec plus de 2000 films par an, l'industrie cinématographique indienne est la plus importante au monde. Depuis les premiers films muets des années 1920 inspirés de récits hindous, jusqu'aux blockbusters contemporains portés par leurs superstars, les cinémas indiens suscitent une ferveur populaire inégalée.

Pour retracer ce siècle d'histoire, l'exposition met en dialogue œuvres d'arts, objets historiques et projections sur grand écran à travers une scénographie immersive. Le parcours rappelle d'abord la filiation du premier cinéma avec les arts populaires du spectacle. À la manière des représentations de théâtres d'ombres, de lanternes magiques et des conteurs itinérants, les premiers films sont projetés dans des salles ambulantes et réadaptent des récits mythologiques millénaires. Dans le contexte de construction nationale et de l'indépendance indienne, les dieux et les grands monarques inspirent les premiers blockbusters capables de fédérer un vaste public, au-delà des clivages régionaux et linguistiques du sous-continent. L'exposition se termine avec les acteurs et le phénomène du " star system " indien. Acteurs et actrices sont des icônes qui perpétuent aujourd'hui toute la magie du premier cinéma.

L'exposition " Bollywood Superstars : histoire d'un cinéma indien " a été présentée au Louvre Abu Dhabi du 25 janvier au 4 juin 2023 dans le cadre du partenariat entre le Louvre Abu Dhabi, France Muséums et le musée du quai Branly-Jacques Chirac.

Avec plus de 2000 films par an, l'industrie cinématographique indienne est la plus importante au monde. Depuis les premiers films muets des années 1920 inspirés de récits hindous, jusqu'aux blockbusters contemporains portés par leurs superstars, les cinémas indiens suscitent une ferveur populaire inégalée.

Pour retracer ce siècle d'histoire, l'exposition met en dialogue œuvres d'arts, objets historiques et projections sur grand écran à travers une scénographie immersive. Le parcours rappelle d'abord la filiation du premier cinéma avec les arts populaires du spectacle. À la manière des représentations de théâtres d'ombres, de lanternes magiques et des conteurs itinérants, les premiers films sont projetés dans des salles ambulantes et réadaptent des récits mythologiques millénaires. Dans le contexte de construction nationale et de l'indépendance indienne, les dieux et les grands monarques inspirent les premiers blockbusters capables de fédérer un vaste public, au-delà des clivages régionaux et linguistiques du sous-continent. L'exposition se termine avec les acteurs et le phénomène du " star system " indien. Acteurs et actrices sont des icônes qui perpétuent aujourd'hui toute la magie du premier cinéma.

L'exposition " Bollywood Superstars : histoire d'un cinéma indien " a été présentée au Louvre Abu Dhabi du 25 janvier au 4 juin 2023 dans le cadre du partenariat entre le Louvre Abu Dhabi, France Muséums et le musée du quai Branly-Jacques Chirac.

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Avec plus de 2000 films par an, l'industrie cinématographique indienne est la plus importante au monde. Depuis les premiers films muets des années 1920 inspirés de récits hindous, jusqu'aux blockbusters contemporains portés par leurs superstars, les cinémas indiens suscitent une ferveur populaire inégalée.

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https://www.donatienjumel.art/catalogue-exposition-peinture-2023-jumel-week-end-a-tahiti?fbclid=IwAR3Z0DwApA3nV_eMCsVqs5ZF2n_QOvVu28aagveeKYefodo7LppduSpWgto

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Boats and boating--Equipment and supplies

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Jessie Tehina - 🔜⚠️ J - 10 avant la nouvelle exposition...

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Jessie Tehina - 🔜⚠️ J - 10 avant la nouvelle exposition...

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🔜⚠️ J - 10 avant la nouvelle exposition TEHINA 2023 ‼️🤩
Tout en douceur 💜
 À partir du Jeudi 07 Septembre à la Galerie Winkler 😍
#tehina_artist_painter...

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Yiling Changues attrape d’autres artistes dans ses branches - Radio1 Tahiti

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Radio1 Tahiti - La première FM de Tahiti - radio1.pf l'info web à Tahiti

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Yiling Changues attrape d’autres artistes dans ses branches - Radio1 Tahiti

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Avec Ramifications, la jeune graphiste revient à la galerie Winkler, mais pas toute seule. Elle a amené dans son univers végétal et féminin une douzaine d’autres artistes polynésiens avec qui elle forme “la forêt” de la jeune scène locale. À découvrir à partir du 24 août. “Nous sommes des arbres, ch…

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Il dessine les montagnes | Ses œuvres, vous ne les verrez jamais dans les musées... Cet artiste peint sur la montagne 👇 Un résultat époustoufflant... | By TF1 INFO | Facebook

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Il dessine les montagnes | Ses œuvres, vous ne les verrez jamais dans les musées... Cet artiste peint sur la montagne 👇 Un résultat époustoufflant... | By TF1 INFO | Facebook

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Ses œuvres, vous ne les verrez jamais dans les musées... Cet artiste peint sur la montagne 👇 Un résultat époustoufflant...

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Pour ce nouveau rendez-vous, Benilde Menghini présente “toutes les couleurs de l’arc-en-ciel, beaucoup de fleurs, de nature, de feuillages”. Son exposition est “festive”. Elle est à découvrir...