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La muerte en el arte

El concepto de la muerte es tan antiguo como el arte mismo. Todas las culturas, religiones y doctrinas abordan de muy diversas maneras el tema de la muerta. Una verdad absoluta en el mundo es que todos los seres humanos vamos a morir; sin embargo, las formas en que se ha buscado conocer y entender esto son multitudinarias. La eterna búsqueda por respuestas a partir de distintas comunidades ha dado lugar al nacimiento de obras maestras que logran plasmar esas mismas creencias.

El concepto al ser tan abstracto y teórico ha logrado cubrir un alto rango de estilos y formas para producir teorías e ideas. Por ejemplo, el renacimiento presenta dentro de cuadros hiperrealistas una aproximación evangélica llevado por un poder divino. Por otro lado, en el dadaísmo vemos aproximaciones más allá de lo estético y convencional tras la Primera Guerra Mundial que encarno el desencanto por la guerra y las vidas que arrebata.

Es decir, el acto de fallecer hace parte de la mente colectiva desde la misma existencia del ser humano desde conceptos sobre que es la muerte y qué sucede después. El arte permite elaborar un retrato de la propia muerte y lo que ocurre en el preciso momento al morir.

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arte prehistorico
2500 B.C.E.

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ARTE LEVANTINO

-          Combate de arqueros en una covacha de Morella, provincia de Castellón

Cita:

Tortosa, T., & Santos, J. (2003). ARQUEOLOGÍA E ICONOGRAFÍA. L'ERMA.

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Las manos rupestres aparecen plasmadas en la piedra acompañadas de demás ilustraciones y lo que podría interpretarse como símbolos iconográficos que podría representar ubicaciones, específicamente involucren ganado o alguna posibilidad de caza.(Ten cuidado con la extensión de tus oraciones. No es algo necesariamente malo que tengas oraciones compuestas desde que se encuentren bien redactadas. Aquí puedes mejorar la redacción) Por ejemplo, las líneas en zigzag podrían representar un rio cercano de una población de antílopes. No obstante, más allá de eso lo atractivo de este fragmento de arte conservada en fotografía son las manos repetidas. Hay una clara distinción entre las manos en tamaño, color y método de impresión en la piedra. Por ejemplo, hay dos claras categorías de impresión donde en una la pintura es rociada sobre la mano ya puesta en la piedra y queda con el interior de la mano en blanco, y en el otro caso la pintura es puesta directamente en la mano de la persona y se imprime en la pared. Esto podría significar algún simbolismo o representación de una distinción entre las personas que son escogidas para participar de este rito. Aquellas iluminadas (llenas) y las que no.

Por otro lado, aparecen tres colores repetidos en mayoría de las obras de esta categoría, rojo, negro y blanco. Según la historia, las personas mas reconocidas de participar en esta tradición eran los chamanes, por lo cual este gesto podría ser un intento de contacto con el mundo de los espíritus. Muchos casos en el arte prehistórico la ilustración se utiliza como intento de manifestación, este podría ser el caso. Donde el blanco simbolice el poder del chaman de ver más allá de los estados de la conciencia, el negro como un poder autoritario del chamán y el rojo una relación entre la vida y la muerte, al asemejar el color de la sangre.

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4,000 a.c - 400 d.c

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Anubis, el dios con cabeza de chacal, supervisando el peaje del corazón de un difunto, mientras, Tot, el dios-mensajero con cabeza de ibis, a la derecha anota el resultado, h. 1285 a.C.

Escena de El libro de los muertos egipcio, rollo de papiro pintado colocado en la tumba del difunto; 39,8 cm de altura; Museo Británico, Londres.

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La muerte es representada en un espectro amplio del arte egipcio. Desde las esculturas, murales, impresiones y pergaminos, el arte ilustra símbolos y escrituras que hablaban de poder divino y ascensión. Ensambles de ensalmos y hechizos son frecuentes en las piezas para ayudar a los difuntos faraones transitar a la otra vida. El concepto de muerte y vida es tan presente en cada una de estas ilustraciones que el autor de ellas era considerado como aquel que “mantiene la vida”.

“Anubis, el dios con cabeza de chacal, supervisando el peaje del corazón de un difunto, mientras, Tot, el dios-mensajero con cabeza de ibis, a la derecha anota el resultado” es una obra muy conocida y significativa ¿Por qué es conocida y significativa?. Como la muerte era un tema recurrente que se necesitaba de varios actores con sus respectivos labores y artefactos, por ejemplo, La balanza de la justicia que permitía juzgar el alma de los mortales. Se creería que esta era un símbolo de Maat, la diosa de la justicia egipcia, o de Osiris el dios de los difuntos; sin embargo, este era el artefacto principal de Anubis el dios del inframundo. El dios con cara de chacal pesaba los corazones de los difuntos para determinar si las almas merecían el paso al paraíso o ser devoradas por una bestia.

Parte de la riqueza de esta obra plasmada en papiro es la escenografía y todos los actores que participan de este ritual, esto demuestra la importancia de la creencia del castigo en muerte y no en vida. Entre los partícipes del dibujo, los más destacados son Anubis y Tot, el dios de la sabiduría. Esto demuestra la neutralidad y transparencia del juicio; es decir, mientras Anubis sostiene firmemente la mano del “Ba” está mirando y esperando el resultado de Tot. Nuevamente, aparece Anubis en una escala menor pesando la vasija que contiene el corazón con la pluma de la verdad, claramente representando que la palabra final es de Tot. Por último, está sentado sobre sus patas traseras el devorador con cabeza de caiman, más allá de identificar la deshumanización de este personaje es evidente que su cuerpo fue reemplazado por un león (un depredador conocido en el entorno natural de África).

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El Estandarte de Ur. De época sumeria, hacia el 2.500 a.c. Concha, arenisca y lapislázuli. Museo Británico, Londres.

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27 a.c - 475 d.c

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"Mosaico de Ulises" - siglo III Mosaico de Ulises y las Sirenas, relatando un episodio de la Odisea (Museo del Bardo) - mosaico en fresco

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"Mosaico de Ulises" - siglo III Mosaico de Ulises y las Sirenas, relatando un episodio de la Odisea (Museo del Bardo) - mosaico en fresco

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Relieve en mármol

(236 x 109 x 103 cm) , 220-240 d.c

Fuente:  Llull, J. (1970, January 1). El Sarcófago Romano del Alcázar de Córdoba. EL SARCÓFAGO ROMANO DEL ALCÁZAR DE CÓRDOBA. Retrieved September 2, 2022, from https://www.arteiconografia.com/2017/11/sarcofago-romano-del-alcazar-de-cordoba.html

Las puertas de hades” es un sarcófago digno de observar y analizar. El motivo principal es la puerta del más allá que aparece entreabierta. Esta obra de relieve de mármol se destaca por su singularidad entre varios pedazos de mármol tallados que representan el arte del hombre y sus gobernantes. Este conmemora un evento muy significativo en la cultura romana mas no la típica romana de mostrar batallas con sus respectivas victorias; esta pieza va más allá de la celebración. En primera instancia se puede ver que el protagonista de esta escena no es el hombre sino un objeto arquitectónico. Es común encontrar pedazos que revelan la construcción de la época ya que hacen parte de las escenas tanto como sus actores heroicos, y esto es evidentemente notado en “las puertas de Hades” por la ornamentación que lleva la puerta y el estilo dórico de las columnas que sostienen las escenas dentro de la obra juntas. Otra cosa que resaltar es la evidente simetría que otorga la presencia de la puerta. Adicionalmente, se destaca el trabajo del relieve naturalista de gran habilidad, que se muestra sobre las togas y en las cabezas. Sin embargo, las proporciones entre el rostro y el cuerpo de los actores de la obra están errados lo cual llama mucho la atención conociendo el trabajo perfeccionista e hiperrealista procedente de los griegos.

El tema principal es, lógicamente, la muerte y el rito de carácter funerario. El relieve este articulado en tres escenas enmarcadas dentro de marcos rectangulares. La escena central representa la puerta de Hades entreabierta que simboliza el viaje del alma al más allá, ese punto de encuentro donde la muerte toca el mundo mortal. Las hojas de la puerta están adornadas con cabezas de leones y ovejas, que son alegorías de la determinación y fuerza. Los rizos del pelaje de estos tienen una gran plasticidad. Por último, hay unos pavos reales en espejo que representan la inmortalidad del alma después de morir.

A los laterales de la escena hay dos grupos representados con una simetría compositiva e iconográfica. El grupo de la derecha muestra al pater acompañado de un filosofo (asignado por su apariencia de anciano) y a la izquierda está el difunto y la esposa acompañándolo con una paloma demostrando la pureza del cuidado del hogar.

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siglo V y XIII

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“Pantocrator”en San Vital de Rávena, uno de los mejores ejemplos de pintura bizantina. Crédito: Depositphotos.

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“Pantocrator”en San Vital de Rávena, uno de los mejores ejemplos de pintura bizantina. Crédito: Depositphotos.

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Título: The Dormition of the VirginCreador: Alessandro Buono (attributed)Fecha de creación: ca. 1505Técnica artística: oil on panel

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Título: The Dormition of the VirginCreador: Alessandro Buono (attributed)Fecha de creación: ca. 1505Técnica artística: oil on panel

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La pintura “Dormition the Virgin” o su sueño de tres días antes de su transición al cielo – es la obra destacada del pintor El Greco. Es arte del periodo post-bizantino centrado en la religión y teología traducida en forma artística. La virgen María es el foco central, yace adormecida hasta que su alma y su cuerpo se reúnan nuevamente y ascendían al cielo. El planteamiento de la escena vertical de la composición es apreciado por la figura de Cristo sobre María. En los extremos están dos apóstoles creando un plano horizontal, junto a un plano secundario compuesto por el resto de los obispos y apóstoles.

En la obra el artista utilizó tonos cálidos y dorados, que evidencia la clara influencia italiana en su arte temprano. Los tonos cálidos se ven detenidos por las prendas y togas rojas proveniente de ocre y arcilla. El color mas destacado de esta pintura se utiliza en la aureola sobre la cabeza de la virgen, un claro simbolismo de divinidad y santidad. Los colores más claros también son utilizados en la formación de ángeles que asemeja la forma de nubes, esto para representar la ascensión del cuerpo y el alma de María como uno al reino de Dios. Los colores más oscuros aun están subrayados por trazados dorados que confieren a las formas un aspecto casi estatuario.

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Siglo II al VIII

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Chinese Lions (Karajishi)
Eitoku Kano
Pantalla de seis pliegues; color, tinta y pan de oro sobre papel.
Eitoku, K. (n.d.). Retrieved from https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Kano_Eitoku_002.jpgKin

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Bestia alada, h. 523. Tumba de Xaio Ling. Escultura en piedra

Gombrich, E. H. (1992). 7. In Historia del Arte. essay, Alianza Editorial.

La bestia alada puesta sobre la tumba de Xiao Ling se encuentra dentro del Valle de las Treces Tumbas. Este lugar esta flanqueado por dos colinas, la del tigre y la del dragón, dos animales sagrados que tienen la labor de proteger las tumbas. En la china imperial, el sitio escogido para las tumbas se elegía con sumo cuidado para garantizar la satisfacción del alma y los espíritus que lo reciben. La labor de encontrar un lugar apto que cumpla con todos los requisitos fue encargada a los especialistas en Feng Shui.

Ya enfocándonos en la increíble escultura se puede apreciar una bestia alada, parecida a los leones Fu en las obras de tinta sobre rollo y esculturas, sin embargo, esta es de un rango mayor destinado a emperador. Esta bestia alada hace es una criatura hibrida de la mitología china, con el nombre Bi Xie que traduce literalmente a: `que evita malos espíritus`.

La hibridación de esta criatura revela asimismo como los chinos adoptaron costumbres funerarias similares a los egipcios, esto puede que no se vea reflejado en la representación, pero fijándonos en la simbología y semántica que conforma el Bi Xia se revelan las semejanzas dentro de los valores y ritos de ambas culturas.

Descomponiendo los rasgos de esta bestia se encuentra en general una bestia feroz de dientes afilados para ahuyentar los espíritus malignos.  Su cuerpo de león proyecta una postura de firmeza, elegancia y nobleza, pero sus piernas son las de un Quilín, una criatura que aparece con la llegada de un sabio o persona ilustrada que a pesar de su apariencia es un ser benevolente que solo castiga a los que son malos en vida.

Este conjunto de piezas para armar la bestia que protegerá al emperador Xiao Ling por el resto de los tiempos recuerda a las piezas que conforman el rito egipcio de la balanza de Anubis dentro del cual se encuentra la misma bestia (también un león) devorador de almas y un representante de la sabiduría y justicia.

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Siglo XII-Siglo XIII

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Aunque la época gótica solo se da unas décadas de románico, esta conllevó una transformación radical que mostraba una forma de representación e ilustración de la religión cristiana completamente distinta a la que dejó el legado del imperio romano. Más allá de sus obras y representación artística, el cambio más evidente fue demostrado en la arquitectura, específicamente en la tipología de las iglesias.

Para comparar el cambio en la tipología y las características en las iglesias de estos dos periodos históricos representativos del cristianismo, se van a analizar dos iglesias de ambos tiempos y comparar. Para el periodo románico se va a evaluar la iglesia de Nuestra Señora de la Anunciada en Urueña, un edificio que una vez fue un monasterio de San Pedro de Cubillas, ahora restaurado en un templo joya del románico catalán del siglo XII. Esta construcción es una evidente reliquia del legado de la iglesia militante, en su estructura maciza y estereotómica, donde se puede ver el claro esfuerzo de las cargas transmitidas desde las cúpulas y múltiples cubiertas hasta una superficie amplia sobre el terreno. Asimismo, se ve en los marcos de las ventanas y puertas el grosor exagerado de los muros con el fin de crear una fortaleza y evitar su posible destrucción. Por estos requisitos ya mencionados, la arquitectura se simplificó a usar como material fundamental la piedra. Otra condición es que revela la multiplicidad de cubiertas, son los posibles cuartos abovedados en el interior de esta fortaleza, esto se puede razonar como un método de protección contra incendios en los techos con subestructura de madera de esa época ocurría con cierta frecuencia. Por último, cabe resaltar el elemento arquitectónico más memorable de los romanos, el arco. En esta iglesia, los arcos arrancan directamente de los pilares sin necesidad de capitel alguno, haciendo que sea de medio punto los perpiaños de la nave central.

Por otro lado, La Sainte-Chapelle de París es un tempo católico de estilo gótico que se encuentra en este momento restaurado e intacta en el centro de la capital francesa. El nacimiento de esta obra arquitectónica mantiene el mismo objetivo de proteger como la romana; sin embargo, en este caso ya no se presenta de forma material en forma de una fortaleza, sino de forma más simbólica. La santa capilla se realizó con el propósito de crear una iglesia que guarde las sagradas reliquias, como la sangre de cristo y la esponja de vinagre que se le ofreció a Jesús en la cruz cuando tuvo sed. La capilla en su totalidad se volvió con relicario mismo de cristal. Por esta misma razón, la iglesia debía demostrar la importancia de su contenido en su apariencia, su altura y ornamentación. Hoy en día es una de las iglesias considerada la muestra más bella del gótico radiante. Su estructura tectónica permite su diseño sencillo, y estructuralmente se aprovecha de los pilares y contrafuertes que sostienen la capilla para crear espacios libres para rellenarlos con enormes vidrieras que permiten una entrada de luz alta y selectiva. A diferencia de la románica, el tempo se forma de una sola nave con un ábside de 7 paneles donde se ubica el altar con las reliquias. Al igual que la románica, la nave central está abovedada, sin embargo, la tipología de bóveda en este tiempo cambio a una bóveda de crucería, esto para crear una estructura más eficiente con la altura del edificio y generar una apariencia más esbelta y ligera.

Bibliografía

Panofsky, E. (2007). La Arquitectura gótica y la escolástica. Siruela.

Sainte-Chapelle de Paris. Arquitectura y Cristianismo. Arte y Fe. Liturgia, Iglesias, Catedrales, Historia... (2015, September 25). Retrieved from https://arquitecturaycristianismo.com/2014/12/03/sainte-chapelle-de-paris/

Focillon, H., Lajo, R., Frigola María Victoria, & Sureda, J. (2014). Capitulo VI. In La Escultura Románica: Investigaciones sobre la historia de las formas. essay, Akal.

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siglos XIV y XV

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titulo: Expulsión del paraíso, MasaccioArtista: Masaccio fecha: (1401 -1428)medio: Al frescoubicación: Capilla Brancacci, iglesia santa maria del carimen en

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Expulsión del Paraíso, masaccio. La guía de Historia del Arte. (n.d.). Retrieved October 16, 2022, from https://arte.laguia2000.com/pintura/explsion-del-paraiso-masaccio#:~:text=La%20expulsi%C3%B3n%20de%20Ad%C3%A1n%20y,Mar%C3%ADa%20del%20Carmine%20en%20Florencia.

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Title: Salome with the Head of Saint John the BaptistArtist: Andrea Solario (Italian, Milan ca. 1465–1524 Milan)Date: ca. 1507–9Medium: Oil on woodDimension

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Salome with the Head of Saint John the Baptist. Metmuseum.org. (n.d.). Retrieved October 16, 2022, from https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437699

Analisis comparativo
Si bien el renacimiento italiano es conocido por sus avances en el detalle naturalista y anatómico, y mantener dentro de sus obras la iconografía religiosa; el movimiento del norte se celebra por retratos y retablos realistas, pinceladas generosas y popularización de impresiones. Para demostrar estos aspectos más a fondo se va a realizar un análisis visual comparativo de: La expulsión del paraíso del artista italiano Masaccio y de: Salomé con la cabeza de San Juan Bautista de Andrea Solario.

La expulsión del paraíso es una obra pictórica realizada al fresco para decorar la capilla Brancacci de una escena famosa del relato bíblico de Génesis, aunque esto ya muy típico del modelo antiguo clásico, el artista decide realizar algunas modificaciones más personales que le añaden dramatismo y vigor. Por ejemplo, representar a Adán y Eva completamente desnudos (al menos Adán) y expulsados por un ángel. La fortísima iluminación de la escena proyecta colores con matices y gradaciones, contrastando con los colores planos del gótico. La figura de Eva aparece cubriéndose el pecho y el sexo para revelar su rostro en agonía, mientras que Adán lleva sus manos al rostro, revelando por completo su desnudez plena y con una profunda inspiración en su vientre que demuestra el mismo dolor agonizante. Sobre ellos un ángel vestido de rojo y con una espada que indica la salida del paraíso.

Dentro de esta escena se ve una composición equilibrada y plana, no hay una profundidad espacial. No obstante, se admira el detalle naturalista y compresión de la anatomía en los cuerpos desterrados. La fácil lectura de los sentimientos de los protagonistas le presenta a la audiencia de la iglesia, las consecuencias de no seguir la doctrina cristiana. Esta escena es concisa, más revela mucho respecto el aspecto de la vida después de la muerte en la religión. Los rayos que salen del arco dan una noción que los actores fueron desterrados de un sitio iluminado y paradisiaco, sin embargo, este no puede ser pintado porque hace parte de la creencia de que solo dignos serán capaz de apreciar el cielo.

Por otro lado, está la obra Salomé con la cabeza de San Juan Bautista que fue pintada sobre madera. Esto ya revela signos de un movimiento distinto al italiano, ya que en este caso las pinturas ya no se limitan a frescos sobre muros de catedrales, en vez nacen distintos medios que pueden ser usados para vender. Esto hace parte de la revolución de las artes y del saber que surgió de Italia y de la revelación y enseñanzas de Martin Lutero. En esta pintura no hay simbolismo o iconografía religiosa explicita como sucedió en Italia, esto es un resultado del debate que surgió en la época sobre los principios básicos de la fe cristiana que dejó secuelas en el arte nórdico. Se han abandonado las emotivas escenas destinadas a la devoción y se adoptan temas más cotidianos y no religiosos, como retratos o temas mitológicos.

La obra tiene un increíble detalle y manejo del color, al igual que las sombras. Lo que resalta y se diferencia más que la obra anterior, es el uso de perspectiva y profundidad dentro de la escena. La pintura es tan realista que el artista ha abandonado cualquier uso de expresión exagerada para demostrar los sentimientos o actitudes de los actores presentes. Se puede apreciar la alta variedad de colores dentro de la paleta que el artista empleo, en la ornamentación de Salomé y también en el tono de la cabeza de san juan. Más allá de ver que hay una cabeza decapitada en el cuadro, es evidente la presencia de muerte en el tono amarillento y decrépito de San Juan, al igual que las delicadas y sutiles gotas de sangre que caen.

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Siglo XVI

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Artista Tiziano
Año 1575-1576
Técnica Óleo sobre lienzo
Dimensiones 389 cm × 351 cm (153 in × 138 in)
Ubicación Gallerie dell'Accademia, Venecia
Analisis visual
La singularidad de Tiziano reside en su uso casi místico del color para eliminar el contorno tan marcado de los objetos y fundir sus colores los puntos iluminados de la escena. Mientras que otros maestros italianos como Sebastian del Piombo regían sus obras en el dibujo de las figuras y formas presentes, Tiziano demuestra una composición mas libre. Pinceladas más gruesas y ricas en textura obtenida al pintar sobre un lienzo de sarga rugosa. Tiziano es de alguna forma un científico que experimenta con las relaciones cromáticas de los colores y revela una extraña comprensión con la luz. Esto está muy presente en su ultima obra La Piedad, en ella el maestro puso a prueba la luminosidad de los colores por medio de pigmentos os curso y profundos. La oscuridad y frialdad de la obra no fue solo una experimentación cualquiera, La Piedad surgió durante la época que Venecia estuvo desolada por la peste, y en alguna forma la pintura refleja esa misma sensación a través de la escena de la muerte de Jesús. Se podría decir que es una forma de oración de Tiziano para librarse de la peste, lo cual no fue exitoso ya que a finales del siglo XVI murió de fiebre.

La obra tiene un nivel de detalle muy particular que no se enfoca en el ropaje ni ornamentación, pero en la luz. El artista logra un efecto que sumerge la luz en la oscuridad casi haciendo perceptible el momento en que la luz desaparece, marcando el hilo de la vida de Jesús desvaneciéndose. Los destellos plateados de las antorchas y de la luna reflejan sobre el dosel, las estatuas y sobre todo en la carne brillante y pálida de Jesús, esto para acentuar la penumbra. El uso de oro es muy sutil y aunque representa lo celestial de la imagen cristiana de redención no tranquiliza al espectador. En teoría, las circunstancias por las que se realizó la obra y la escena bíblica que representa abogan por la salvación, sin embargo, la ambientación evoca el miedo y terror a la cercanía de la muerte.

Fuente:
Tiziano, & Pallucchini, R. (1965). Tiziano. Fabbri.

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Santa teresa de Jesús

Título: Santa Teresa de Jesús

Creador: Vicente Berdusán

Fecha: 1665

Dimensiones físicas: 126 x 184 cm

Tipo: Pintura

Enlace externo: CERES MCU

Derechos: Gobierno de Aragón

Técnica artística: Óleo sobre lienzo

Fotografía: Fernando Alvira Lizano

Contexto cultural: Edad Moderna / Barroco

Fuente:
https://artsandculture.google.com/asset/santa-teresa-de-jess/6AEtybqieJDqkQ

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This piece from 1665 comes from a convent in Huesca that disappeared following the Spanish government's seizure of church property in the desamortización, or Spanish confiscation, in the late 19th century. It came to the Huesca Museum via the Provincial Monuments Commission (Comisión Provincial de Monumentos), which is responsible for these confiscated collections. It was traditionally thought to be the work of the Baroque painter Vicente Berdusán, but art critics no longer believe this to be true. Religious ecstasy was very important in Baroque religious painting in Spain. It was always treated with the propriety the Counter-Reformation demanded of devotional images. Saint Teresa of Jesus (Santa Teresa de Jesús) is an example of this. Also known as Teresa of Ávila, she was a 16th-century Spanish mystic who founded the reformed Order of the Discalced Carmelites and was canonized in 1622.

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Saint Teresa of Jesus - Vicente Berdusán - Google Arts & Culture

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This piece from 1665 comes from a convent in Huesca that disappeared following the Spanish government's seizure of church property in the desamortización, or Spanish confiscation, in the late 19th century. It came to the Huesca Museum via the Provincial Monuments Commission (Comisión Provincial de Monumentos), which is responsible for these confiscated collections.

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Artista: Rembrandt (1606-69)

Técnica: Óleo

Género: Pintura de historia

Movimiento: Barroco holandés

Lugar: Instituto de Arte de Minneapolis, EE.UU.

Fuente: Rembrandt, & Erpel, F. (1977). Rembrandt. Henschelverl.

El Suicidio de Lucrecia es sin duda, uno de los mejores cuadros de Rembrandt que compuso en sus últimos años. Esta dolorosa y trágica escena ilustra la conmovedora muerte de Lucrecia, la esposa de Lucius Tarquinius Superbus, que condujo a una revolución que derrocó a la monarquía. Según el libro I de la Historia de Roma de Livio, el matrimonio de Lucrecia fue la mayor tragedia de su vida. Fue advertida por el hijo del rey actual, que si no se casaba con el rey la mataría y dañaría su reputación haciendo parecer que tuvo un amorio con un sirviente. Por el miedo al escándalo que ocasionaría a su familia accedió al matrimonio; sin embargo, juró venganza y eso hizo cuando se apuñaló. Esto, aunque sonara como una tragedia griega es una clara ilustración de la vida cotidiana de una mujer en el siglo XVII. Holanda hacia parte de las naciones que se distanciaron del catolicismo y eso es reflejado en los cuadros realizados por los maestros ilustrando la vida cotidiana y pasajera. A diferencia del medievo y el renacimiento, los maestros protestantes debían depender de realizar los cuadros sin ser encargados para poder generar ingresos y al mismo tiempo, estar pendientes de la moda e interés común de la población para atraer ventas.

La vida de Rembrandt fue en otro nivel, también trágica. Tuvo una serie de altos y bajos y al final de su vida casi tocando la ruina, la impotencia e imparable muerte de Lucrecia se asemeja al final cercano de Rembrandt, trágico e imparable.

En Términos de composición y estilo, el cuadro ilustra el uso magistral del caloroscuro por parte del artista, que realza la tridimensionalidad de la forma y rostro de la mujer, muy similar al estilo oscuro introducido por Caravaggio. Es notable es esfuerzo de Rembrandt por expresar los sentimientos oscuros y profundos transcurriendo por la mente de Lucrecia – la virtud, el honor de la familia y el deber como mujer -a través de sus ojos y expresión facial. Para captar lo que consideraba la esencia de la pintura, el artista se centra exclusivamente en sus aspectos psicológicos y elimina cualquier objeto distractor en le fondo. Así, a diferencia de la mayoría de los cuadros que también retratan a lucrecia en los que aparece sin ropa (lo que confiere a un matiz erótico inevitable), Rembrandt la pinta vestida completamente con ropas finas para retratas a la mujer fina y noble que era. El fondo es oscuro con sombras profundas para transmitir el estado mental de ella. Por último, un detalle muy importante es como Lucrecia se agarra de la cuerda de una cortina para estabilizarse, esto un claro simbolismo de la constante oscuridad y sombra en su vida.

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Neoclasicismo y Romanticismo en el siglo XIX

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Neoclasicismo y Romanticismo en el siglo XIX

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Nombre: La muerte de Marat (1793) (Marat Assassiné)
Artista: Jacques-Louis David (1748-1825)
Técnica: Óleo sobre lienzo
Género: Pintura de historia
Estilo: Arte neoclásico
Lugar: Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas
Fuente: http://www.visual-arts-cork.com/famous-paintings/death-of-marat.htm#:~:text=The%20Death%20of%20Marat%20immortalized,or%20scenes%20of%20Christian%20martyrdom.

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Artista: Théodore Géricault

Técnica: Óleo

Dimenisones: 193 1/2 × 282 1/10 in | 491.5 × 716.5 cm

Movimiento: Romanticismo

Lugar: Paris, museé du Louvre

Fuente: https://www.artsy.net/artwork/theodore-gericault-the-raft-of-the-medusa

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El romanticismo y el neoclasicismo son dos movimientos que surgieron alrededor del mismo periodo histórico. Alrededor de la época que surgió la revolución francesa y la separación entre Europa del norte y Europa del sur, ambos movimientos artísticos y culturales tomaron lugar como una forma de protesta y oposición. En el caso del neoclasicismo, este se dio como una fuerza que se opuso a los estilos ya agotados del barroco y rococó. Por otro lado, el romanticismo surgió como la reacción al mismo neoclasicismo.

El neoclasicismo busca volver a la misma expresión original de los grandes maestros de la antigüedad, los trazos nítidos y perfectos, la belleza pura y racionalidad. En cambio, el romanticismo que se le oponía era un arte de sentimiento arrebatado y lleno de libertad y fuerza. Los artistas buscaban protestar mediante la libre creación, sin someterse a formas rígidas y exactas. Estas dos formas de expresión pueden ser reflejadas en las obras de arte: La muerte de Marat y la balsa de Medusa.

Como fue mencionado previamente, el neoclasicismo se presenta como una arte innovador al antiguo, sereno y equilibrado ante el agotamiento del Barroco. Sus postulados son la pureza, luminosidad, exactitud y fidelidad a el estilo clásico. En la obra La muerte de Marat del pintor Jaques-lous David, fue un intento de convertir a un fanático y amigo en un héroe que fue martirizador por la causa revolucionaria. La obra es el epicentro de una polémica política que nutre la violencia y furia de los revolucionarios e induce lo que seria el Reino del Terror. La obra es extremadamente exitosa en sus intenciones como catalizador de la guerra gracias a David. Este logró inmortalizar a Maraat como mártir aprovechando todos los rasgos habituales en las pinturas religiosas de la lamentación de Cristo. Por un lado, se elimina todo rastro de ornamentación del sitio y se crea una especia de decorado teatral austero con un vacío oscuro como fondo. Su rostro se inclina hacia atrás y queda bañado por una luz tenue. Se puede sentir en la obra como Maraat suelta su último aliento entre una sonrisa dulce y gentil, humanizándolo. Su postura en general asemeja a muchas de Jesús después de ser crucificado. Muy parecido a la composición de la Piedad (mirar en la entrada del padlet Pietá). David logra transformar una escena caótica y desordenada en un tipo de ascendencia de un icono martirio.

Por otro lado, 3 décadas después, Theodore Gericault creó una de las obras maestras mas emblemáticas del romanticismo francés: la balsa de la Medusa. Buscando una respuesta brusca y atrevida contra el neoclasicismo Gericault retrata de forma explicita y expresiva la escena de un naufragio basada en un suceso contemporáneo en que el capitán había abandonado a la tripulación dejándolos morir. El cuadro retrata con contrastes fuertes de luz y tonos saturados una escena de tragedia y desesperación. Esta alude a la negligencia y a la corrupción del gobierno. La iluminación de la obra se caracteriza como del movimiento caravaggista, dado a la clara yuxtaposición extrema entre luces y sombras. La representación del agua en la trágica escena es tenue, con tonos fríos y oscuros que son yuxtapuestos con los tonos de la balsa y su tripulación. Una luz brillante emana de la región más lejana de la embarcación de rescate, iluminando un terreno que de otro modo sería marrón oscuro.

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Siglo XIX

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Título original: Le Suicidé

Artista: Edouard Manet

Fecha: 1877-1881

Museo: Whitworth Art Gallery, Manchester (Reino Unido)

Técnica: Óleo (38 cm × 46 cm.)

El suicidio de Édouard Manet es una obra que en su época no resulta tan transcendental dentro del repertorio visual del artista, mas si es una obra que despertó una discusión tabú sobre la muerte en ese tiempo. Ha sido muy poco estudiada por expertos y críticos debido a su naturaleza violenta. Manet hizo parte de la gran transición del movimiento del realismo hacia el impresionismo, sin embargo, dentro de estos dos estilos (especialmente el impresionismo) son pocas las obras que se hicieron en alusión a la violencia y esta obra muestran un acto incluso mas impactante, la violencia contra uno mismo. No obstante, la obra y su composición artística demuestran su evidente estilo impresionista del gran artista que pasaría a ser un gran maestro del arte moderno en Francia.

La escena ilustra a un hombre de vestimenta formal que yace fallecido, acostado en una cama con un tipo de revolver aun en su mano, sin expresión y con el pecho ensangrentado. Asimismo, se ve un sutil charco de sangre al lado de los pies en una habitación pequeña y sencilla. Respecto a los gestos y composición se observa una economía en los movimientos del cuerpo. La fuerza de tensión normalmente visible en cuerpos en movimiento es casi inexistente. Se puede casi confirmar que más allá de la vestimenta no hay nada. Es decir que, a diferencia de técnicas del arte histórico, no hay capas yuxtapuestas para llegar a la mezcla de color deseado, incluso no hay casi ninguna intención en los trazos definidos de mezclar y suavizar los colores brillantes. Esto se puede demostrar en el tono del rostro y la mano hay una diferencia solo un tenue apagado.

Pareciera que la intención del artista es plasmar el momento final de un hombre que su identidad es imposible conocer. Esto con posible intención de generar en la audiencia una dosis de angustia, espanto y tristeza ante el acto de autoinfligir la muerte. El enfoque intencional de esta pintura tan disruptiva en su tiempo parece representar su deseo continuo de romper con los dogmas tradicionales de la academia, que relega el tema tabú del suicidio a obras de realismo clásico, donde el suicidio era un acto propio de sacrificios y heroicidad. Sin embargo, en este caso no hay espacio para ninguna de las dos, solo la empatía hacia un hombre derrotado en sus últimos momentos.

Fuente:
Manet Édouard, & Armiraglio, F. (2006). Manet. Rizzoli.

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