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4월 2일 14,5,7,3,10

4월 16일 13,21, 18,4, 24

4월 23일 비평문 작성 1

5월 7일 23, 28, 15, 19, 2

5월 14일 30, 8, 11, 31, 16

5월 21일 9, 17, 27, 26, 12, 20

5월 28일 25, 22, 6, 1, 29

6월 4일 비평문 보충 설명

6월 11일 비평문 작성

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작가조사내용첨부

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작품 내용 요약해서 첨부

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대표적인 입체주의 작가이다. 피카소의 그림에 나오는 인물들이나 사물들은 추상적으로도 보인다. 피카소는 어린 아이들이 가지고 있는 상상력과 창의성을 높게 평가한다. 새로운 기법을 막힘없이 적용시키는 도전적인 모습이 있다.

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Wake 는 2004년 Richard Serra가 제작한 풍화강철 조각품으로 워싱턴 시애틀의 올림픽 조각 공원에 설치되었다.

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바실리 바실리예비치 칸딘스키

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바실리 바실리예비치 칸딘스키

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칸딘스키는 초기 추상 미술의 주요 인물중 한 명으로, 30세에 그림 공부를 시작했다. 1896년에 독일 뮌헨에 정착해 사립학교와 미술 아카데미에서 공부하고 1922년에서 1933년까지 예술과 건축을 위한 학교인 바우하우스에서 학생들을 가르쳤다. 나치에 의해 바우하우스가 폐쇠된 뒤에는 프랑스에서 국적을 취득하고 여생을 보냈다. 칸딘스키는 음악을 매우 좋아하여 그림과 음악을 그림으로 표현한 작품들을 많이 그렸다.

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파블로 피카소는 대표적인 입체주의 작가이다. 주로 사물을 분해하여 재조합하는 방식의 작품을 만들었다. 그래서 그의 작품은 추상적으로 보이기도 한다. 어린이가 가지고 있는 상상력과 창의력을 높게 평가한다.

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 1869년 12월 31일생인 마티스는 프랑스에서 태어났다. 그는 태어난 이후로 제1차세계대전과 제2차세계대전을 차례로 겪었다. 제1차세계대전과 제2차세계대전을 모두 겪으며 그림을 그라고 표현하는데에 있어서 변화가 생겼다. 또한 그는 대표적인 야수주의 화가이다.

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이 작품은 러시아의 사업가이자 미술애호가, 이 작품의 화가 마티스의 후원자였던 슈흐킨의 요청으로 그려졌다.당시 프랑스에 성행했던 자연주의에 대항한 세력인 야수주의의 대표적인 화가로써, 그가 그린 춤에서 나타나는 기법에는 몇가지 쓰지 않은 색상과 심플한 그림이다. 이를 통해 신이 전달하고자 했던 뜻인 즐거움,Joy를 분명하게 전달하고자 했다.

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움베르토 보치오니(Umberto Boccioni, 1882년 10월 19일 ~ 1916년 8월 17일)는 이탈리아의 화가이자 조각가이고 20세기 초 이탈리아 미래주의 운동의 핵심 인물이다. 그는 역동성, 속도, 기술을 찬양하며 전통적인 예술 형식을 거부하고 새로운 시대의 미학을 표현하고자 했다.

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공간속에서의 연속성의 단일 형태들

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공간속에서의 연속성의 단일 형태들

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움베르토 보치오니의 대표작인 '공간 속에서의 연속성'은 미래주의 조각의 걸작으로 평가받는 작품이다. 이 작품은 움직임과 속도를 시각적으로 표현하려는 보치오니의 열망을 담고 있으며 이 작품은 현재 뉴욕 현대미술관(MoMA)에 소장되어 있다.

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칸딘스키가 음악적인 요소들을 그림으로 가장 잘 표현한 작품이다. 10개의 구성 시리즈중 8번째 작품이며, 불규칙적이고 난해한 다양한 요소들이 잘 조화되는것이 특징이다.

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이 작품은 피카소가 스페인 내전 중 발생한 끔찍한 비극인 게르니카 폭격을 다루고 있다. 전쟁의 참혹함을 보여주는 작품으로, 각 개체마다 형태가 입체적이고 어떤 개체는 비현실적으로도 보인다.

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폴 섹슨 폴록( Paul Jackson Pollock, 1912년 1월 28일 ~ 1956년 8월 11일)은 미국의 화가로 추상표현주의의 예술가이다. 부인은 추상화가 리 크래스너다. 와이오밍주에서 태어나 로스앤젤레스와 뉴욕에서 공부하였다. 1930년대부터 표현주의에서 초현실주의로 선회했다. 1947년 마루바닥에 편 화포 위에 공업용 페인트를 떨어뜨리는 기법을 창안해 유명해졌다. 이것은 작가의 행위를 직접 화포에 하는 기록이라고 하여 '액션 페인팅'이라 불렀다. 대표작으로 〈가을의 리듬〉이 있다.

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1898년 11월 21일에 벨기에에서 태어나 1967년 8월 15일에 사망하였다. 1920년대 까지는 입체주의 성향의 작품들을 만들었지만 그 이후로는 초현실주의 작품들을 만들었다. 그는 현대미술의 팝아트와 그래픽 디자인에 큰 영향을 주었다.

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칸딘스키가 그린 작품중 가장 복잡한 작품으로 꼽히는 작품이며, 음악을 형상화한 작품이다.

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돈독한 파트너십으로 창의력 있는 공동작품을 만들어낸 부부 미술가. 20세기 '앙파크타주' 또는 '패킹'이라 불리는 미술포장을 하나의 예술 형식으로 정립했다.

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파블로 피카소는 대표적인 입체주의 작가이다. 주로 사물을 분해하여 재조합하는 방식의 작품을 만들었다. 그래서 그의 작품은 추상적으로 보이기도 한다. 어린이가 가지고 있는 상상력과 창의력을 높게 평가한다.

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작가의 이름은 바바라 크루거이고, 194

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작가의 이름은 바바라 크루거이고, 1945년 출생

미국에서 자랐습니다.

그녀는 페미니즘,권력에 대한 작품을 많이 만들었고

작품의 빨간 박스에 흰문구가 특징적으로 나타납니다

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척 클로스

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피티르 코넬리스 핏 몬드리안

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피티르 코넬리스 핏 몬드리안

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1872.3.7 출생

19942.1 사망

네덜란드 아메르스포그르트 출생

아마추어 화가였던 아버지와 화가였던 삼촌에게 그림을 배우기 시작했다

1911년 프랑스 파리로 가서 당시 혁신적인 미술 양식을 여럿 접했는데, 특히 미술계를 주도했던 피카소와 브라크의 입체주의에 상당한 자극을 받았다. 그때부터 그는 입체주의에 정통하겠다 마음먹었다 하지만

1914년 네덜란드에 머무는 동안 제1차 세계대전이 터져 이후 5년 동안 파리에 돌아가지 못했기 때문에 피카소와 브라크의 발전된 입체주의를 따라잡지못했다

그후 파리를 떠나 네덜란드에 머무르는 동안 그는 매우 중요한 전기를 맞는다. 그는 입체주의를 따라잡기 위해 전념하는 과정에서 모든 사물의 형태가 수직과 수평의 대립으로 요약될 수 있음을 깨닫는다.

이것은 그의 예술관을 완전히 바꾼다.

그래서 기하학적 형태와 선 색을 사용한 추상화로 유명 하게되었습니다

사조는 기하학적추상이다(기하학적인 형태(점,선,면)등으로 단순화하여 표현하는 추상주의의 한 종류이다)

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큰 자화상

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앤디워홀은 1928년 8월 6일 미국에서 태어났다. 그는 영화나 음악에서도 예술 활동을 하면서 현대미술의 새로운 가능성을 열어준 인물이다. 또 그는 그림에서 실크 스크린 기법을 주로 쓴다고 알려져 있다.

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이 작품은 팝아트 그림중 가장 유명한 그림중 하나이다. 1960년대 초 가로 51cm 세로 41cm의 캔버스 32개에 캠벨 수프를 그려냈다. 이 그림은 반자동 실크 스크린 기법인 판화로 그려져 32개의 통조림 캔을 보다 쉽게 그릴 수 있었다. 이 그림이 완성 되었을때 당시 텔레비전, 라디오, 잡지 등 다양한 대중 매체가 발달하면서 사람들은 상품 광고와 대중 문화에 쉽게 노출 되었었는데 이러한 상황 속에서 앤디 워홀은 '캠벨 수프 캔'과 같은 작품을 통해 대중 매체와 소비 문화에 대한 비판적 시각을 표현했다고 한다.

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박대혁 - 작품 조사 제출

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박대혁 - 작품 조사 제출 2

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박대혁 - 작품 조사 제출 3

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테오 얀센은 네덜란드 헤이그에 1948년 3월 14일에 태어났다. 그는 수백만 년에 걸쳐 진화해온 벌레의 모습에 영감을 받아 컴퓨터로 단순한 가상 생물체를 구상하다가 실제 살아 움직이는 기계 생물체를 만들어야겠다고 생각하게 되어서 1990년부터 예술 활동을 시작하였다. 테오 얀센의 작품은 키네틱 아트로 작품에 움직이는 부분이 포함되어 있거나 작품 자체가 움직이는 작품이다. 테오 얀센의 특이한 점으로는 그는 그의 작품을 생명체로 생각하며 자신의 작품이 탄생하고 죽는다고 생각한다.

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아니마리스 쿠렌스 벤토사

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아니마리스 쿠렌스 벤토사

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아니마리스 쿠렌스 벤토사는 1994년에 제작되었다. 이 작품은 테오 얀센이 열풍기, 튜브, 페트병으로 만들었고 48개의 다리와 등에 달린 2개의 날개로 풍력을 받아 스스로 움직일 수 있다. 그의 작품의 이름에서 아니마리스는 해양 동물이라는 뜻이고 테오 얀센은 그의 작품이 해변 모래 위에서 더욱 효율적으로 움직이게 하기 위해서 바퀴 대신 여러 개의 다리를 사용하여 움직일 수 있게 했다.

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앙리 마티스는 1869년 12월 31일~1954년 11월 3일까지 살아있었던 20세기 표현주의 화가로, 파블로 피카소와 함께 20세기 회화에 위대한 지침을 놓았다고 평가된다. 그는 야수파운동을 주동했으며 포스트인상주의와 초현실주의 운동을 거쳐 초대현실주의를 이끈 핵심 인물 중 한명이다.

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제작: 1946년

종류:콜라주

기법: 과슈를 칠한 색종이 콜라주

크기: 43.3cm×34.1cm

설명: 널리 알려졌다시피 미로에 갇힌 이카루스는 동굴을 빠져나와 깃털로 만들어진 날개를 밀랍으로 고정하여 탈출한다. 그러나 비행의 즐거움으로 과욕을 부렸고 높이 날아 태양 가까이에 간 이카루스는 결국 밀랍이 녹아 추락한다. 마티스는 이 추락하는 장면을 표현한 것이다. 이 작품의 파란색 배경은 하늘을, 사람의 형태를 한 검은색은 이카루스를, 가슴의 빨간 점은 동경심을 가진 인간의 심장을 표현되어 있다. 마지막으로 노란색 별 무늬는 날개의 깃털로 보인다.

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둘러싸인 섬은 마이애미의 11개의 섬을 포장한 작업이다 핫핑크 색깔의 천으로 섬주변을 둘러쌌다

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파블로 피카소는 스페인의 화가, 작가, 예술가, 조각가로 다양한 분야에서 활동한 예술가로 20세기를 대표하는 미술가 중 하나로 꼽히며 현대 미술의 거장으로 인정받고 있다.

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요셉 보이스는 독일의 예술가로서, 조각, 드로잉, 설치 미술, 행위 예술 등 다양한 작품 활동을 하였고, 교육가, 정치가로도 활동하였다. “모든 사람은 예술가이다”라고 주장하며 ‘사회 조각’이라는 확장된 예술 개념을 통해 사회의 치유와 변화를 꿈꾸었다

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지방의자

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작가 설명- 출생, 사망 1899년 2월 19일~1968년 9월 7일

이탈리아의 화가 및 조각가

폰타나는 아르헨티나에서 출생하여 밀라노에서 조각을 배웠다. 1939년부터 아르헨티나에서 전위 예술 운동을 조직하고 하얀 선언을 발표하였다. 회화의 평면 자체로 공간을 표현하고자 했던 공간주의(spatialism)의 창립자이고

공간주의 라는 자신만의 '공간 개념'을 주장했습니다.

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1949- <공간 환경> 공업사회 재료인 네온, 도자기, 콘크리트, 인광 물질 등의 재료를 사용하여 루치오 전통적인 예술 개념을 탈피하고 공간주의를 이용한 작품을 선보였다. 전통적인 캔버스를 넘어 빛, 색, 구조물, 공간 전체를 활용한 설치미술이며

단순히 보는 예술이 아닌, 관람자가 직접 공간 속을 걷고 체험하는 예술이다.

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24번 이성민 피트 몬드리안

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24번 이성민 피트 몬드리안

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추상회화의 선구자 피트 몬드리안(Piet Mondrian, 1872~1944년)  제1차 세계대전의 혼란기 동안 몬드리안은 ‘자연이란 불쾌하고 무질서한 것이다’라는 결론을 내리며, 자연의 미술을 버리고 신조형주의라는 새로운 이론을 제창하였다.

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<붉은 나무>는 나무에 어두운 색과 붉은색을 첨가해 줄기를 더 힘차게 강조했다. 배경도 하늘의 색이 땅에도 내려올 만큼 파랑으로 전면을 거의 덮었다. 땅에는 붓자국을 같은 방향으로 되풀이해 가며 나무의 역동적 힘이 아래로 연결되도록 했다. 나무줄기 끝에는 마른 잎인지 울긋불긋한 작은 점들이 겨우 보인다.

몬드리안은 붉은 나무를 사용하여 거친 움직임과 조용한 고요함 사이의 복잡한 균형으로서의 자연과 현실에 대한 자신의 견해를 표현했습니다.이 그림은 비자연주의적인 색상과 빨간색과 파란색의 단순화된 톤을 보여줍니다.

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이 작품은 1918년에 제작된 것으로, 

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이 작품은 1918년에 제작된 것으로, 캔버스에 유채로 그려졌고 크기는 95.7 x 95.1cm이다.

가장 눈에 띄는 것은 가운데 큰 빨간색 사각형이며, 그 왼쪽에는 노란색과 회색 사각형, 아래에는 검은색, 회색, 파란색 사각형이 배치되어 있다.

색의 배치와 직선의 흐름은 몬드리안 특유의 기하학적 구성을 보여준다. 그는 자연을 그대로 그리지 않고, 그 안의 질서와 구조, 그리고 인간 정신의 순수성과 조화를 표현하고자 했다. 이 작품에서도 그런 철학이 잘 드러난다.

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이 작품은 1937년에 60cm*49cm의 크기로 제작된 작품으로 피카소의 연인이자 뮤즈였던 도라 마르를 모티브로 하여 그린 그림으로, 게르니카에 이어 스페인 내전에서의 파시스트들의 만행을 고발하는 작품으로 알려져있다. 통곡하는 여인의 얼굴을 창백하면서도 원색의 밝은 색감으로 대비하여 그녀가 느끼는 좌절감은 극대화되고, 날카로운 선과 찢긴 듯한 형태를 사용해 비극적 감정을 강조했으며, 큐비즘을 바탕으로 한 산산조각난 얼굴, 손을 뚫고 나오는 일그러진 입, 그리고 과장된 눈물 등의 이미지들이 서로 맞부딪히며 한없는 비애와 절망이 느껴진다. ‘슬픔’이라는 보편적 감정에 호소하는 해당 작품은 피카소의 대표작 중 하나로 손꼽히며 큐비즘을 상징하는 작품 중 하나로 평가된다.

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장포트리에는 파리에서 태어난 프랑스의 화가 중의 하나입니다.

그는 앵포르멜 미술의 중요한 확립자 중 하나이고 1940년대

초 대독 레지스탕스 운동에 투신한 경험을 바탕으로 작품을

제작해 나갔던 화가입니다.레지스탕스 운동 이후 1943년에

잠시 게슈타포에게 억류되있던 포트리에는 이후 파리 교외로

이주해 가명을 쓰며 숨어살았습니다. 그는 병원탑에서

그림을 그리곤 했습니다.그곳에서는 가까운 숲에서

나치 군대가 수감자들에게 쏘는 총소리가 들려오곤 했다고 합니다

장 포트리에는 실제로 본적은 없었던 이러한 비극을 바탕으로

그림을 그렸다.그전에는 꽤 전통적이었던 그림 양식이,

'앙드레 말로'가 <고통의 상형문자>라고 불렸던 양식으로

단순화 되었다.장 포트리에는 >인질> 시리즈로 일약

세상에 알려진 작가다.

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처음에는 거대한 붓작국을 남기며 윤곽선을 그리고,

그후에는 종이위에 주걱으로 흰석고 반죽을 두텁게 입혀

모양을 만드는 방식으로 진행했다.드로잉과 에칭, 조각에 이르기

까지 왕성한 제작활동을 한 포트리에는 전후에 앙포르멜 미술의 대가로 국제적인 지위를 얻었다.

드로잉과 에칭, 조각에 이르기 까지 왕성한 제작 활동을

한 장 포트리에는 전후에 앙포르멜 미술의 대가로 국제적인 지위를

얻었다. 앵포르멜이라고 하니 비숫한 작품들이 마구 떠오른다

나치치하에서 프랑스의  자존심을 지키고 동시에

미술계에서도 가장 강한 영향력을 남긴 화가로 평가받게 되었다.

타시즘의 대표작가로 질감이 있는 임파스토와 차분한 색상을

섞어 천싱과 물질의 경계를 이루는 추상적인 형태를 만들었

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처음에는 거대한 붓작국을 남기며 윤곽선을 그리고,

그후에는 종이위에 주걱으로 흰석고 반죽을 두텁게 입혀

모양을 만드는 방식으로 진행했다.드로잉과 에칭, 조각에 이르기

까지 왕성한 제작활동을 한 포트리에는 전후에 앙포르멜 미술의 대가로 국제적인 지위를 얻었다.

드로잉과 에칭, 조각에 이르기 까지 왕성한 제작 활동을

한 장 포트리에는 전후에 앙포르멜 미술의 대가로 국제적인 지위를

얻었다. 앵포르멜이라고 하니 비숫한 작품들이 마구 떠오른다

나치치하에서 프랑스의  자존심을 지키고 동시에

미술계에서도 가장 강한 영향력을 남긴 화가로 평가받게 되었다.

타시즘의 대표작가로 질감이 있는 임파스토와 차분한 색상을

섞어 천싱과 물질의 경계를 이루는 추상적인 형태를 만들었다.

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1.이름:마그리트

2.출생,사망:1898.11.21~1967.8.15

3.출생지:벨기에 에노 주 레신

4.특징: 어린시절부터 미술에 관심이 있었으며, 1916년부터 브뤼셀의 왕립 미술 아카데미에서 공부를 했다. 처음에는 미래주의와 입체주의의 영향을 받은 작품들을 그렸으나, 1922년에 시인 마르셀 르콤트가 그에게 자신의 작품을 보여준 것이 계기가 되어 초현실주의적인 작품을 제작하기 시작했다.

1927년부터 파리에서 살면서 초현실주의 운동에 참여했으며, 여러화가들과 교류하였 으나 브레통과의 의견 차이로 인해 1930년에 파리를 떠나 벨기에로 돌아오게 된다. 그 후에도 그는 계속해서 초현실주의적인 작품들을 발표했으며, 1950년대에는 인상주의와 야수파의 영향을 받은 작품들도 제작하곤 했다.

이 작가의 다른 대표작으로는

영화 메트릭스의 모티브가 된 1953-겨울비

1964-사람의 아들 등이 있다.

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사조-초현실주의:비합리적 인식과 잠재인식의 세계를 추구하고 고정관념을 깨는 표현의 혁신을 꾀하며,문명의 구속으로부터 인간의 자유와 해방을 추구하는 전위적 사조이다

작품설명-이 작품의 이름은 피레네의 성으로,크기는 145×200cm이고 캔버스에 유화로 그렸다 현재 이스라엘 박물관에 소장되어있다.마그리트가 친구인 해리 토치너의 의뢰를 받아 제작했다. 그림에는 육중한 바위 위에 중세 양식의 성이 지어져있으며,작품은 정교하고 묘사가 잘 되있으나,그 내용은 상당히 비현실적이여서 대조되는 느낌을 준다.작품에 엉뚱한 위치에 사물을 위치하여 시각적 충격과 신비감을 불러일으키는 데페이즈망 기법을 사용하기도 했다.평소에 만날수 없는 사물들을 붙여놓는것을 통해 자신만의 예술세계를 구축한것 같다.이 작품은 현대미술의 팝아트에 큰 도움을 주었다고 한다.또한 하울의 움직이는성, 천공의 성 라퓨타의 모티브가 되기도 하였습니다.

사실적이고 정교한 드로잉 기법으로 그려진 사물들을 이상하고 역설적인 방식으로 배치하여 우리의 눈과 뇌를 혼란스럽게 만든다. 우리가 익숙하게 인식하고 있는 사물들을 새로운 관점에서 바라보게 하고, 그것들이 가진 숨겨진 의미나 가능성을 드러내려고 했 다. 또한 언어와 이미지의 관계를 탐구하고, 말과 그림이 어떻게 의미를 형성하고 전달하는지에 대해 질문을 던집니다.작품을 감상할때 오해나 모순이 생기는것 같다고 느껴 집니다.작가는 이작품을 통해 우리는 우리가 보고싶은것과 보고있는것의 차이를 인식하고 우리가 보고있는것이 우리가 보고있는것인지 맞는지 같은 철학적인 질문을 던지기도 하였습니다.

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미국 캘리포니아 출신의 미니멀리즘을 대표하는 조각가로, 거대한 철판을 이용한     설치 작품으로 유명하다.

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이름:앤디워홀

출생,사망:1928년 8월 6일~1987년 2월22일

출생지:미국 펜실베이니아주 피츠버그

특징:앤디워홀은 팝 아트의 대표적인 인물로, 대중문화와 상업적 이미지를 예술로 승화시킨 독창적인 작품을 남겼다.앤디워홀은 초기에는 광고 디자이너로 활동했으며, 이후 실크스크린 기법을 활용해 캠벨 수프,마를린 먼로 등 유명한 작품을 제작했다.그는 뉴욕에 "팩토리"라는 스튜디오를 운영하며 다양한 예술가들과 협업했고, 영화 제작과 음악 프로듀싱에도 참여하며 예술의 경계를 확장했다.

그의 작품은 단순한 미술을 넘어 소비문화와 대량생산의 개념을 탐구하며 현대 예술에 큰 영향을 미쳤다. 워홀은 "미래에는 누구나 15분 동안 유명해질 것이다"라는 유명한 말을 남기며, 현대 사회의 미디어와 명성의 속성을 예리하게 포착했다.

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사조-팝 아트: 1950~60년대에 등장한 예술 사조로, 대중문화와 상업적 이미지를 활용하여 기존의 순수미술 개념을 탈피하는 특징을 가진다.

작품설명-이 작품의 제목은 <마를린 먼로>이고, 크기는 91.4cm×91.4cm이다. 마를린 먼로는 1967년에 제작된 실크스크린 판화 작품으로,헐리우드 스타 마를린 먼로의 얼굴을 여러 색상으로 변형하여 반복적으로 표현한 것이 특징이다. 이 작품은 마를린 먼로가 사망한 후 제작되었으며, 그녀의 이미지를 대량생산된 아이콘으로 재해석했다.워홀의 '마를린 먼로'는 단순한 초상화가 아니라, 명성과 소비문화를 탐구하는 작품으로 평가받는다. 그는 마를린 먼로의 이미지를 반복적으로 변형하여, 현대 사회에서 유명인의 이미지가 어떻게 소비되는지를 보여주었다.그의 '마를린 먼로' 시리즈는 팝 아트의 본질을 보여주는 걸작으로, 시각적 강렬함과 깊은 사회적 메시지가 어우러져 있다. 이런 작품을 통해 예술이란 무엇인가, 소비문화는 어떻게 표현될 수 있는가에 대한 질문을 던졌다.

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로버트 라우센버그는 1925년 10월 22일, 텍사스주에서 출생하였다. 그는 해군에서 복무를 마치고 파리의 아카데미 쥐리앙에서 회화를 배웠다. 1948년 노스캐롤라이나의 조지프 앨버스가 경영하는 학교에서 공부를 했고 그 앨버스가 주창한 백 일의 회화, 즉 화이트 페인팅은 그에게 다대한 영향을 끼쳤다. 그는 이 화이트 페인팅에 금속·천·종이 또는 이미 만들어진 물질을 넣음으로써 실재의 세계를 보는 사람에게 강하고 선명하게 인상지으려고 하였다. 이것은 비에스테틱한 성격에 있어서는 제1차 세계대전 중에서 전후에 걸쳐 일어난 다다이슴 운동을 상기케 한다.

그는 사물을 이미지에 종속시키지 않고 반대로 사물을 화면에 도입함으로써 이미지를 파괴하고 혼란시켜서 때로는 넌센스, 또는 역설적으로 현실인식의 다른 길을 내보여 주었다.

로버트 라우센버그는 뉴욕시와 플로리다주 캡티바섬에서 거주하며 일하다가 2008년 5월 12일에 심장 질환으로 사망하였다.

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프랭크 스텔라는 미국의 화가, 조각가, 판화 제작자였으며 미니멀리즘과 후기 회화 추상화 분야의 작업으로 유명했다. 그는 스튜디오를 뉴욕의 록타번(Rock Tavern)으로 옮기기 전까지 경력의 대부분을 뉴욕에서 거주하며 일했다. 스텔라의 작품은 1950년대 후반 미니멀리스트 운동을 촉진했다. 그는 1950년대 후반에 뉴욕으로 이주하여 사물로서의 그림을 강조하는 작품을 만들었다. 이는 프란츠 클라인(Franz Kline)과 잭슨 폴록(Jackson Pollock)과 같은 예술가들의 추상 표현주의 작품의 영향을 받았다. 자신의 예술에 대한 환원주의적 접근 방식을 발전시켰으며, 자신에게 있어서 모든 그림은 "페인트가 칠해진 평평한 표면일 뿐"이라는 점을 보여주고 싶었고, 예술이 감정을 표현하는 수단이라는 개념을 부인했다. 그는 1959년 뉴욕 근대미술관에서 네 점의 검은색 핀스트라이프 그림을 전시하면서 뉴욕 미술계의 주목을 받았다. 스텔라(Stella)는 2009년 국가 예술 메달(National Medal of Arts)을, 2011년 국제 조각 센터(International Sculpture Center)로부터 현대 조각 부문 평생 공로상을 수상했습니다

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리처드세라는 장소별 풍경,도시 및 건축 환경을 위해 제작된 대규모 추상조각으로 유명한 미국 예술가로, 그의 작품은 주로 포스트 미니멀리즘과 관련되어왔다. 세라는 자신의 작품의 물질적 특성을 강조하고 관객, 작품, 현장 간의 관계를 탐구하는 것으로 유명해졌다. 그의 유명작품으로는 기울어진호, 시간의 문제, 웨이크 등이 있다.

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리처드세라는 장소별 풍경,도시 및 건축 환경을 위해 제작된 대규모 추상조각으로 유명한 미국 예술가로, 그의 작품은 주로 포스트 미니멀리즘과 관련되어왔다. 세라는 자신의 작품의 물질적 특성을 강조하고 관객, 작품, 현장 간의 관계를 탐구하는 것으로 유명해졌다. 그의 유명작품으로는 기울어진호, 시간의 문제, 웨이크 등이 있다.

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리처드세라의 시간의 문제는 1994년부터 2005년까지 걸쳐 완성이 되었고 녹슨철판 8개의 대형 조각 작품이 하나의 공간에 설치되어 있다. 시간의문제는 미니멀리즘 조각의 핵심요쇼들을 가지고있다. 미니멀리즘은 불필요한 장식이나 감정을 덜어내고 형태, 색, 재료 자체에 집중해 최소한의 것으로 최대의 효과를 추구하는 예술 스타일이다. 이작품은 복잡한 장식없이 곡선형태, 나선형 , 타원형등 단순한 기하학 구조로 이루어져있다. 작품은 녹슨철판 이라는 하나의 재료만으로 만들어졌고 재료의 질감과 색변화 자체가 표현의 일부이다. 이작품을 감상하는데 가장 중요한 요소는 시간이다. 거대한 철판사이를 걸어다니는데 걸리는 시간, 그리고 관객의 머릿속의 이미지가 하나로 합쳐져 큰이미지를 이루면서 작품을 감상할수있다.

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리처드세라의 시간의 문제는 1994년부터 2005년까지 걸쳐 완성이 되었고 녹슨철판 8개의 대형 조각 작품이 하나의 공간에 설치되어 있다. 시간의문제는 미니멀리즘 조각의 핵심요쇼들을 가지고있다. 미니멀리즘은 불필요한 장식이나 감정을 덜어내고 형태, 색, 재료 자체에 집중해 최소한의 것으로 최대의 효과를 추구하는 예술 스타일이다. 이작품은 복잡한 장식없이 곡선형태, 나선형 , 타원형등 단순한 기하학 구조로 이루어져있다. 작품은 녹슨철판 이라는 하나의 재료만으로 만들어졌고 재료의 질감과 색변화 자체가 표현의 일부이다. 이작품을 감상하는데 가장 중요한 요소는 시간이다. 거대한 철판사이를 걸어다니는데 걸리는 시간, 그리고 관객의 머릿속의 이미지가 하나로 합쳐져 큰이미지를 이루면서 작품을 감상할수있다.

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아마벨이 작품은 수백개의 스테인레스 스틸 피스로 제작한 9미터 입방체 크기의 거대한 조각으로 무게가 30톤에 달한다. 작은 부재를 공수해 와 현장에서 짜맞춰 작품을 완성했다 프랭크 스텔라는 미국 필립스 아카데미에서 회화를, 프린스턴 대학에서 역사를 배웠으며 첫 직업은 페인트공으로 처음에는 추상표현주의 그림을 그렸으나 1958년 뉴욕에 정착하면서 크고 간결한 디자인을 특징으로 하는 새로운 회화를 선보여 단시간에 화단의 주목을 받았다.그는 주로 시리즈 작품을 만들었으며 마티스처럼 한가지 소재나 주제를 계속해서 변형하는 실험을 계속하면서 일생동안 회화의 특성에 대해 고민한 화가로 조형에 가까운 작품조차도 회화로 규정하였다.비행기 잔해물로 만든 ‘아마벨’은 1997년 말 도시 미관을 해친다는 이유로 철거, 또는 국립현대미술관에 기증하는 논의가 팽배했으나 작가의 반발과 반대 여론에 밀려 원래 있던 곳에 서게 됐다. 아마벨의 원래 이름은 '꽃이 피는 구조물이다작가는 파편화된 인간성의 회복이 현대사회의 여러 문제를 해결할 수 있다는 메시지를 ‘피는 꽃’이란 희망의 상징으로 전하고 있습니다

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(1955년, 75×31cm)

'침대'는 로버트 라우센버그의 콤바인 시리즈 중 하나로, 콤바인은 회화와 조각의 경계를 허무는 비법입니다. 이 작품에서 라우센버그는 실제 침대 시트와 이불을 사용하여 회화와 결합하였습니다.

우선 이 작품은 실제 침대 시트와 배게, 그리고 퀼트로 구성되어 있습니다. 라우센버그는 침대 시트와 이불 위에 여러가지 색의 물감을 붓고, 흘리고, 문지르는 등의 다양한 기법을 사용해 색채를 표현했습니다. 작품의 상단 부분에는 다양한 색상의 페인트가 섞여있어 매우 다채롭고 역동적인 느낌을 줍니다. 하단의 퀼트 부분은 상대적으로 단조로운 색상으로 구성되어 있어 상단의 화려한 색채와 대비를 이룹니다. 또, 페인트의 두께, 브러시 스트로크, 드리핑된 페인트 등이 다양한 질감을 만들어냅니다. 이는 작품에 시각적 뿐만 아니라 촉각적인 요소도 더해줍니다. 이로 인해 작품은 다채로운 색감과 독특한 질감을 가지게 되었습니다.

'침대'는 라우센버그가 일상적인 물건들을 예술 작품으로 변모시키는 능력을 보여줍니다. 그는 예술과 삶의 경계를 흐리게 만들었으며, 이 작품을 통해 친숙한 물건을 새로운 시각으로 보게 하였습니다.

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백남준(1932–2006)은 비디오 아트의 창시자로 널리 알려진 한국 출신의 세계적인 예술가입니다. 그는 기술과 예술의 경계를 허물며, 미디어를 활용한 새로운 소통 방식과 예술적 가능성을 탐구한 혁신적인 인물입니다 .

백남준은 1932년 서울에서 태어나, 1947년 15세 때 서양 현대음악의 아방가르드였던 아놀드 쇤베르크의 작품에 심취하며 예술에 대한 관심을 키웠습니다. 이후 도쿄대학교 미학과에서 현대 음악을 공부하며 졸업 논문으로 쇤베르크 연구를 작성했습니다 .

1956년에는 독일 뮌헨대학교 철학과에서 음악학과 미술사를 공부하던 중 프라이부르크 음대로 옮겼습니다. 이 시기 그는 피아노를 부수는 퍼포먼스를 통해 음악과 예술의 경계를 실험하며 독창적인 예술 세계를 구축하기 시작했습니다 .

1960년대 초반, 백남준은 독일에서 플럭서스(Fluxus) 운동(플럭서스(Fluxus) 운동은 1960년대 초반에 시작된 국제적인 예술 운동으로, 전통적인 예술 형식과 개념을 거부하고, 일상성과 참여, 우연성을 강조한 전위예술(아방가르드)의 흐름입니다.)에 참여하며 퍼포먼스와 비디오 아트, 설치 작업을 통해 기술과 인간, 정보와 예술의 새로운 관계를 탐구했습니다.

그는 텔레비전 브라운관을 작품의 매체로 활용하여 음악과 비디오를 결합한 새로운 비디오 아트를 개척했습니다 .

1964년 뉴욕으로 이주한 후, 그는 ’다다익선’과 같은 대형 설치 작품을 통해 세계적인 명성을 얻었습니다. 이로서 그는 비디오아트의 창시자가 되었습니다.

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TV 부처 (TV Buddha)는 백남준의 대표적인 미디어 아트 작품 중 하나로, 불교의 전통과 현대 기술의 충돌과 조화를 시각적으로 보여주는 철학적인 설치 작품입니다. TV부처는 1974년에 불상, cctv카메라, TV모니터로 이루어진 작품으로 작품크기는 부처 조각상의크기는 75cm x 36cm x 36cm, TV모니터의 크기는 32cm x 32cm x32cm 입니다. 이작품에는 여러 의미들과 철학이 담겨있는데요.

첫째로, 자기응시입니다. 불상이 텔레비전 화면에 비친 자신을 응시하는 구조는, 관찰자이자 피관찰자인 자기 성찰의 행위를 상징합니다. 이는 불교의 자기 인식과 내면 탐구와도 일맥상통합니다.

둘째로, 예술, 감시, 미디어입니다. CCTV와 TV는 현대 사회에서 감시와 통제, 정보 전달의 상징입니다. 불상이 스스로를 감시하는 형태는 현대인의 미디어 소비, 그리고 감시사회에 대한 묵직한 메시지를 전해줍니다.

셋째로, 시간과 실존입니다. TV는 실시간 정보를 제공하지만, 불상은 고요한 무시간성의 상징합니다.

이 대비는 현대의 속도와 전통의 정적함 사이의 철학적 긴장을 보여줍니다.

그리고 이작품에서는 플럭서스 철학이 나타나는데요.

이는 “흐름”, “변화”를 의미하며, 장르 파괴, 삶과 예술의 통합을 지향하는 철학이었습니다.

《TV 부처》는 플럭서스의 대표 철학이자 다음 요소들을 체현합니다.

첫째로, 우연성입니다. 부처의 모습은 실시간으로 나타나며, 조명•관객의 위치에따라 모습이 달라집니다.

두번째로, 유희입니다. 고요한부처가 TV를 본다는것 자체가 유머이자 풍자입니다.

셋째로, 실험성입니다. TV와 불상의 결합이라는 전대미문의 재료구성이 나타납니다.

이작품은 미디어아트에 큰 영향을 끼쳤는데 ‘영상 장비도 조각이다라는 관점을 열었고 종교적 상징과 현대기술의 융합 가능성을 열어주었습니다. 그리고 관객의 참여 없이도 자기와 가기자신의 상호작용이라는 새로운 개념을 창출하였습니다.

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크리스토와 잔 클로드 부부

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크리스토와 잔 클로드 부부

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크리스토 : 1935년 ~ 2020년

잔 클로드 : 1935년 ~ 2009년

1935년 불가리아 태생. 크리스토는 오스트리아 빈의 예술아카데미에서 공부했고, 1958년 장 클로드를 만나 함께 작업하기 시작했다.

1962년 독일 베를린 장벽에 대한 저항의 표현으로 204개의 휘발유통을 쌓아 거리를 막으면서 유명세를 타기 시작했다.

본격적인 ‘포장’ 프로젝트로는 1969년 오스트레일리아 시드니 근처의 해안지대 2.4㎞를 천으로 씌운 것을 비롯해 1985년의 파리 퐁네프 프로젝트, 1991년 일본 사토 강 계곡의 우산 설치작업, 1995년 베를린 제국의회를 은색 천으로 뒤덮은 작업 등이 대표적이다. 2005년에는 뉴욕 센트럴파크에 오렌지색 천으로 감싼 철문 7,503개를 설치해 전 세계적 관심을 끌었다.지난 2016년 이탈리아 이세오 호수에 인공 부유물들을 띄우는 ‘떠 있는 부두’를 선보여 27만명의 관람객을 끌어들였다. 2018년에는 영국 런던 서펜타인 호수에 7,000개 이상의 석유드럼통을 설치해 만든 ‘런던 마스타바’를 선보였다.

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둘러싸인섬 (1980~83, 분홍색 폴리프로필렌 원단, 넓이 603,849㎡, )은 80년에 시작된 플로리다 마이애미 11개 섬을 분홍색 천으로 둘러싸는 작업인데 이것은 83년 5월에 완성되었다.

마이애미 11개 섬을 둘러싼 핑크빛 천은 짙은 녹색의 열대식물들과 마이애미의 푸른 하늘빛, 비스케인만의 에메랄드빛 바닷물과 너무나 잘 어울려 마치 회화를 보는 듯 하다. 핑크색은 마이애미 인구의 30%가 쿠바인이라서 라틴적 특성을 살려서 선택한 색깔이다. 또 이 핑크색 천은 기존의 합성섬유가 물아래로 가라앉거나 태양과 소금물의 부식작용 때문에 24시간 만에 색이 바래는 단점을 보완하여 서독 아돌프 회사에 특수 주문제작했다.

크리스토가 이 프로젝트를 착수하기 전에 이 섬들은 쓰레기로 덮여 있었다. 실제로 그는 냉장고문, 타이어, 주방싱크대, 매트리스, 버려진 보트 같은 다양한 쓰레기를 40t가량이나 사비를 들여서 처리했다. 환경을 훼손하지 않기 위해 그가 기울인 노력은 이뿐이 아니었다. 물새들이 둥우리를 틀고 군생하는 4개의 섬은 동물보호를 위해 최초의 계획에서 제외시키기까지 했다.

쓰레기가 덮일 정도로 사람들에게 외면당했던 섬이 반짝이는 핑크빛 천으로 둘러싸이자 사람들은 마이애미 섬의 아름다움을 새삼스럽게 재발견하고 경탄을 금치 못했다.

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1940.7.5~2021.8.19

척 클로스는 1940년 워싱턴 태생의 미국 작가이다. 그는 어려서부터 선천적으로 건강이 좋지 않았고 난독증이 있었기에 학습장애로 학교생활은 힘들었다. 그럼에도 꾸준한 노력으로 미술에서 능력을 발휘하기 시작한다. 선생님의 추천으로 지방전문대학에 진학한 그는 피땀나는 노력으로 1960년 워싱턴 대학에 진학하고 이를 계기로 본격적인 화가의 길을 걷게된다.

극사실주의의 대표작가로 소개되는 그지만 막상 그의 초기작업은 정반대의 추상작품이었다. 당시 그가 추상표현주의 작가인 윌렘 드 쿠닝의 영향을 받았기 때문이다. 그러나 예일대학교에 진학하게 되면서 척 클로스는 변화를 겪게 된다. 당시 예일대학교의 교육목표는 스스로가 광범위한 생각과 창조적인 선택을 할 수 있도록 하는데 있었다고 한다. 이에 척 클로스는 뛰어난 소묘 능력과 색채감을 가지고 있었음에도 자신의 재능에 대한 불안감에 휩싸여 익숙함보단 새로움을 갈구하며 끊임없이 새로운 목표를 설정하고 좌절하며 그 속에서 진보를 이루어냈다고 한다. 이후에 그가 그의 처음이자 대표작 '큰 자화상'을 만든 후 한 말이다 "나는 더 이상 추상적인 그림을 그리기를 원하지 않는다. 그래서 나는 가능한 한 모든 방법으로 이전과 대조되는 어떤 것을 만득었다. 칼라는 흑백이고, 비대칭이 아닌 이미지이고, 두꺼움은 얇다.

이후로 그는 극도의 사실감을 지닌 그 자신만의 자화상들을 그려내며 생존해 있는 극사실주의의 최고의 대가가 되었다.

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<큰 자화상> (1967~1968)

큰 자화상은 척 클로스의 대표작이자 첫 극사실주의 작품이다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그려냈다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화를 완성했다. 이 작품의 판화 작업은 피사체를 촬영하고, 사진 이미지를 체계적인 그리드 기반의 루비를 통해 캔버스에 있는 대형 유화로 전송한다. 그림이 진행됨에 따라 일련의 색들이 세포에 집중적으로 삽입되어 우리가 전체적인 색을 인식하는 방법을 바꾸는 조합을 만든다. 이 작품을 계기로 척 클로스는 81살에 사망하기까지 이러한 정교한 초상화들로 큰 성공을 거두었다.

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나는 쇼핑한다,고로 존재한다

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나는 쇼핑한다,고로 존재한다

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바바라 크루거의 작품 [나는 쇼핑한다,고로 존재한다]를 패러디 한것이다.

이 작품은 데카르트는 인간이 '쇼핑'이 라는 행위를 통해 존재가치를 확인하고 정의하려는 세태를 날카롭게 꼬집습니다.

이 작품은 손모양의 이미지를 차용하고 그위에 텍스트를 오버레이를한 콜라주 기법이 사용되었다.흑백이미지와 대비되는 붉은색 글자는 시각적으로 즉각적인 효과와 광고처럼 메시지를 관객한테 전달합니다.

이작품은 바바라 크루거가 그래픽 디자이너로서의 경험을 바탕으로 광고의 형식을 빌려 예술작품을 만드는 전형적인 형식이다.

크루거는 이작품을 통해 소비주의 사회에 대해 비판합니다.

현대인은 단순히 필요한 물건을 구매하는 것을 넘어 쇼핑을 통해 자신의 신분,가치,심지어 자아를 규정할려고 합니다.명품을 구매하거나 특정 브랜드 제품을 소유함으로써 자신의 사회적 지위를 과시하고 유행을 따라가면서 '자신이 존재한 다'라는 착각에 빠진다.

폐미니즘 관점으로는 사회적으로 강요된 미의 기준이나 역할에 맞춰 자신을 꾸미고 소비함으로써'완벽한 여여정이라는 이미지를 만들려하는 행동을 비판하는 것으로도 해석됩니다.

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<큰 자화상> (1967-1968)

1960년대 추상표현주의의 대칭점에 서고자 한 척 클로스는 그의 가장 유명한 작품 '큰 자화상'을 제작했다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그렸다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화이다. 에어브러쉬를 이용한 흑백 작업은 흑백사진과도 같이 완벽한 마감처리가 되어있다. 큰 자화상은 정말 손으로 그린 것이 맞는지 의심스러울 정도로 손의 흔적은 드러나지 않았다. 인간의 눈과 유사하다는 160mm 렌즈가 아닌 190mm 렌즈로 더 깊은 시야의 사진을 찍어내고 이를 토대로 모눈종이처럼 무수하게 쪼갠 그리드를 이용하여 완벽한 형태를 잡아냈다. 그리고 그 위에 색을 쌓아가고 벗겨내는 과정을 반복하여 작품을 완성해갔다. 이는 수개월이 걸렸던 인내가 요구되는 싸움이었다.

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<큰 자화상> (1967-1968)

1960년대 추상표현주의의 대칭점에 서고자 한 척 클로스는 그의 가장 유명한 작품 '큰 자화상'을 제작했다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그렸다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화이다. 에어브러쉬를 이용한 흑백 작업은 흑백사진과도 같이 완벽한 마감처리가 되어있다. 큰 자화상은 정말 손으로 그린 것이 맞는지 의심스러울 정도로 손의 흔적은 드러나지 않았다. 인간의 눈과 유사하다는 160mm 렌즈가 아닌 190mm 렌즈로 더 깊은 시야의 사진을 찍어내고 이를 토대로 모눈종이처럼 무수하게 쪼갠 그리드를 이용하여 완벽한 형태를 잡아냈다. 그리고 그 위에 색을 쌓아가고 벗겨내는 과정을 반복하여 작품을 완성해갔다. 이는 수개월이 걸렸던 인내가 요구되는 싸움이었다.

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<큰 자화상> (1967-1968)

1960년대 추상표현주의의 대칭점에 서고자 한 척 클로스는 그의 가장 유명한 작품 '큰 자화상'을 제작했다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그렸다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화이다. 에어브러쉬를 이용한 흑백 작업은 흑백사진과도 같이 완벽한 마감처리가 되어있다. 큰 자화상은 정말 손으로 그린 것이 맞는지 의심스러울 정도로 손의 흔적은 드러나지 않았다. 인간의 눈과 유사하다는 160mm 렌즈가 아닌 190mm 렌즈로 더 깊은 시야의 사진을 찍어내고 이를 토대로 모눈종이처럼 무수하게 쪼갠 그리드를 이용하여 완벽한 형태를 잡아냈다. 그리고 그 위에 색을 쌓아가고 벗겨내는 과정을 반복하여 작품을 완성해갔다. 이는 수개월이 걸렸던 인내가 요구되는 싸움이었다.

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<큰 자화상> (1967-1968)

1960년대 추상표현주의의 대칭점에 서고자 한 척 클로스는 그의 가장 유명한 작품 '큰 자화상'을 제작했다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그렸다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화이다. 에어브러쉬를 이용한 흑백 작업은 흑백사진과도 같이 완벽한 마감처리가 되어있다. 큰 자화상은 정말 손으로 그린 것이 맞는지 의심스러울 정도로 손의 흔적은 드러나지 않았다. 인간의 눈과 유사하다는 160mm 렌즈가 아닌 190mm 렌즈로 더 깊은 시야의 사진을 찍어내고 이를 토대로 모눈종이처럼 무수하게 쪼갠 그리드를 이용하여 완벽한 형태를 잡아냈다. 그리고 그 위에 색을 쌓아가고 벗겨내는 과정을 반복하여 작품을 완성해갔다. 이는 수개월이 걸렸던 인내가 요구되는 싸움이었다.

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<큰 자화상> (1967-1968)

1960년대 추상표현주의의 대칭점에 서고자 한 척 클로스는 그의 가장 유명한 작품 '큰 자화상'을 제작했다. 롱아일랜드 뉴욕 롱비치에 있는 그의 집에서 척 클로스의 모습을 놀라울만치 기념비적이고 기괴하게 인상적인 존재로 그렸다. 가까운 거리에서, 그 그림들은 모든 머리카락, 모공, 주름, 그리고 잡티가 크게 확대된, 얼굴 세부 사항의 풍경과 같은 분야로 변한다. 마치 인간의 얼굴풍경을 보는듯한 초대형 초상화이다. 에어브러쉬를 이용한 흑백 작업은 흑백사진과도 같이 완벽한 마감처리가 되어있다. 큰 자화상은 정말 손으로 그린 것이 맞는지 의심스러울 정도로 손의 흔적은 드러나지 않았다. 인간의 눈과 유사하다는 160mm 렌즈가 아닌 190mm 렌즈로 더 깊은 시야의 사진을 찍어내고 이를 토대로 모눈종이처럼 무수하게 쪼갠 그리드를 이용하여 완벽한 형태를 잡아냈다. 그리고 그 위에 색을 쌓아가고 벗겨내는 과정을 반복하여 작품을 완성해갔다. 이는 수개월이 걸렸던 인내가 요구되는 싸움이었다.

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1921년 5월 12일, 독일 크레펠트에서 태어난 요셉 하인리히 보이스. 그는 뒤셀도르프 미술 아카데미 교수로 재직하며, 예술 교육과 사회 참여를 강조하였습니다.‘사회 조각(Social Sculpture)’ 이론을 통해 예술이 사회 변혁의 도구가 될 수 있음을 주장하였습니다.

‘동물당(Party for Animals)’과 ‘직접 민주주의 조직(Organisation for Direct Democracy)’ 등을 창립하여 정치적 참여를 실천하였고 플럭서스(Fluxus) 운동의 일원으로 활동하며, 퍼포먼스 아트의 선구자로 평가됩니다.

제2차 세계대전 중 전투기 조종사로 참전, 추락 후 타타르 부족에게 치료받았다고 주장하며, 이후 ‘펠트’와 ‘동물성 지방’ 등 특수한 재료를 작품에 사용하였고. 자신의 예술적 경험과 이론을 신화적 언어로 풀어내며, 예술과 삶의 경계를 허물려고 하였습니다.

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죽은 토끼에게 어떻게 그림을 설명할 것인가

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죽은 토끼에게 어떻게 그림을 설명할 것인가

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자신의 얼굴을 꿀과 금박으로 덮고 팔에 철덩이를 감은채로 죽은 토끼를 안아서 그림을 하나 하나 설명하였습니다.

실제 말을 하며 설명하기보다는 상징적 몸짓과 의식적 동작을 통해 전달하였고. 토끼는 아무것도 이해할 수 없는 존재이지만, 보이스는 진심으로 설명을 계속하였습니다. 그는 관람객이 아니라 ‘죽은 토끼’에게 그림을 설명함으로써, 예술이 인간 언어로 쉽게 이해될 수 없는 영역이라는 점을 강조하였습니다.

관객이 실제로는 아무것도 ‘듣지 못하는’ 죽은 토끼와 다르지 않다는 풍자를 내포하기도 합니다.

그는 예술을 단순한 시각적 경험이 아닌 정신적 , 신화적 경험으로 승화시키고자 했습니다. 퍼포먼스 자체가 하나의 의식(ritual) 이며, 예술가의 역할은 제사장에 가깝습니다.