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Juana Adcock es una poeta, traductora y ensayista nacida en México y radicada en Escocia. Su obra se caracteriza por la exploración del lenguaje, la migración, la identidad y el cuerpo como territorio afectivo y político. Es una escritora que juega con los significados y sonidos de las lenguas, atravesando temas como el desarraigo, el amor intercultural y la transformación del idioma como forma de resistencia.

En el poema “Del amor y las lenguas a punto de morir”, Adcock utiliza recursos como la invención de palabras (neologismos afectivos como kamilopardo o thalassa), la metáfora lingüística, la alteración de la sintaxis y la polifonía cultural. El poema es, en sí, una celebración del lenguaje íntimo que nace entre dos personas de diferentes culturas, pero también una elegía por ese lenguaje compartido cuando el amor se pierde o se distancia. Estas nuevas palabras no solo representan emociones complejas, sino que también encarnan la construcción de un espacio propio dentro de la migración y el desarraigo. La lengua se vuelve refugio, testigo y reliquia.

El poema "Del amor y las lenguas a punto de morir" trata temas como el amor, el exilio, la comunicación íntima, la pérdida y el dolor del alejamiento. También explora cómo los migrantes o las personas de distintas lenguas crean códigos propios para sobrevivir afectivamente en tierras ajenas. El lenguaje, en este caso, no es solo medio de comunicación: es hogar, puente, consuelo, y también duelo.

Mi impresión del poema fue profundamente conmovedora. Me pareció una obra delicada y poderosa, que refleja cómo el amor y el lenguaje se entrelazan en experiencias personales únicas. El poema me transmitió ternura, pero también una melancolía dulce, una sensación de pérdida que se siente aún más porque está escrita con belleza.

Mi parte favorita fue la invención de palabras como thalassa, que resume de manera poética e inasible emociones profundas e irrepetibles. Ese neologismo me hizo sentir que el lenguaje, cuando nace del afecto, puede ser más exacto que cualquier diccionario.

Este poema me hizo reflexionar sobre la manera en que nos comunicamos con los seres queridos, especialmente en contextos culturales distintos. Me recordó que incluso cuando todo se pierde, las palabras que se crean entre dos personas pueden seguir vivas, resonando en la memoria y el cuerpo.

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Este poema “Poema al Torito” es una muestra potente del estilo subversivo y mestizo de Gabriela Cabezón Cámara, una autora que entreteje lo culto y lo popular, lo literario y lo marginal, en un solo tejido poético. En “Poema al Torito”, se construye un homenaje y una denuncia. El Torito, personaje central, representa a los jóvenes de los márgenes sociales, los “guachos” de las villas, víctimas de una violencia estructural que los condena desde la cuna. La figura del Torito es trágica, pero también mítica, como un héroe plebeyo en una épica oscura.

El lenguaje es el protagonista: se mezcla lo culto (referencias a Petrarca, la Gioconda, Cleopatra, los Atridas) con lo popular (jerga villera, inglés mal hablado, referencias al champán afanado y a la morgue judicial). Esta hibridez lingüística es una crítica a los discursos dominantes: la poesía no es solo para los eruditos, sino también para contar la historia de los marginados, los desechados del sistema.

Cabezón Cámara utiliza el humor negro, el sarcasmo y la intertextualidad para crear un poema profundamente político. Aparecen frases en inglés que ironizan sobre el “sueño americano” (el fucking american dream que termina en la muerte del Torito en Miami), y se reescriben viejos cantares y formas épicas para narrar la violencia contemporánea. Hay una denuncia directa a la violencia policial y al clasismo: la muerte del Torito se convierte en símbolo de cómo los cuerpos pobres son descartables.

Mi impresión es que este poema es incómodo, provocador y brillante. No busca consolar, sino abrir heridas. Mi parte favorita fue: “la muerte es siempre temprana / y no perdona a ninguno”, porque aterriza toda la épica en la realidad brutal de los barrios marginados, donde la esperanza es fugaz y la vida es frágil.

Este poema me dejó con una mezcla de risa amarga y tristeza: me hizo pensar en la injusticia de un sistema que mata y luego convierte a sus víctimas en leyenda.

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Mónica Ojeda es una escritora ecuatoriana reconocida por su obra transgresora y visceral, que mezcla el horror, el deseo, la violencia de género y el cuerpo femenino como territorio de conflicto y creación. En su poesía y narrativa, Ojeda frecuentemente confronta las figuras del padre, la madre y la herencia patriarcal, abordando las tensiones entre lo que se espera de las mujeres y lo que realmente son.

El poema “Una hija es un ojo que muerde” es un texto poderoso y perturbador, cargado de símbolos que giran en torno a la figura del padre, la construcción de la masculinidad, y la hija que desafía ese orden. Se trata de un poema dividido en dos partes, ambas cargadas de una violencia simbólica y emocional muy fuerte. Desde el inicio se percibe una tensión entre lo que el padre quería —un hijo, un hombre— y lo que recibió: una hija con un cuerpo, una mente, una sensibilidad propias que no encajan en su molde.

Entre los recursos literarios que destacan se encuentran la metáfora corporal (como “una planta que crece hacia adentro” o “una mandíbula de leche”), el símbolo de la caza y la pesca como aprendizajes masculinos que se intentan imponer sobre la hija, y el uso de la anáfora (“me llevas”, “porque”, “una hija”) que da ritmo, énfasis y violencia contenida al discurso. También se emplea la imagen del cuerpo femenino como campo de batalla —útero, leche, sangre, dedos— en contraposición a una masculinidad aprendida a través del matar.

El poema trata temas como la identidad de género, la relación padre-hija, el cuerpo femenino, el patriarcado, la violencia simbólica y el dolor de nacer mujer en un mundo que no lo valora. Es un poema que denuncia pero también reconstruye, que no teme mostrar la crudeza de la formación de una identidad en conflicto.

Mi impresión sobre este poema fue de impacto profundo. Me pareció brutal, pero bellamente escrito. Ojeda no suaviza nada: dice lo que debe decir con imágenes afiladas y vívidas. Mi parte favorita fue la frase “una hija es un ojo que muerde”, porque condensa todo el sentido del poema: la hija como algo que observa, que piensa, que duele, que desafía. Esa imagen me pareció profundamente original y potente.

El poema me hizo sentir rabia, tristeza, pero también fuerza. Hay dolor en la construcción de la identidad femenina, pero también resistencia y transformación. Ojeda nos recuerda que escribir, pensar y sentir desde el cuerpo de mujer es una forma de lucha.

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Sara Uribe es una escritora y poeta mexicana nacida en 1978, reconocida por su compromiso con la memoria, la justicia social y los derechos humanos. Su obra Antígona González se basa en la tragedia clásica de Sófocles, pero la reescribe desde el contexto contemporáneo mexicano marcado por la violencia, las desapariciones forzadas y la impunidad. En este libro, la figura mítica de Antígona —que lucha por enterrar a su hermano— es retomada por una joven tamaulipeca que busca el cuerpo desaparecido de su hermano en medio del horror de la guerra contra el narcotráfico.

En el poema “Instrucciones para contar muertos”, la autora utiliza un lenguaje sobrio y directo, casi como una guía o un protocolo. El recurso de la enumeración (“Uno”, “Dos”, “Tres”) da al texto una estructura fría y sistemática, en contraste con el profundo dolor humano que describe. Este recurso refleja el intento de ordenar el caos de la violencia y dar un sentido a la pérdida.

Se emplean también anáforas (“contar”, “nombrar”), que insisten en la urgencia de recordar, de no borrar a las víctimas. El poema apela a la empatía radical, al afirmar: “este cuerpo podría ser el mío”, recordando que la violencia no es ajena, sino que nos atraviesa a todos. El verso final, “busco entre los muertos el cadáver de mi hermano”, vincula directamente a la voz poética con la tragedia personal y colectiva.

Este poema trata de la memoria, la violencia, la desaparición forzada y la responsabilidad ética de no olvidar. Nos habla del duelo sin cuerpo, del dolor que se convierte en acción política a través de la palabra.

Mi impresión fue de dolor e indignación. Es un poema breve pero muy poderoso, que pone rostro y nombre a los desaparecidos en México. Me impactó la forma en que lo íntimo (buscar a un hermano) se convierte en símbolo de una tragedia nacional. Mi parte favorita fue: “nombrarlos a todos para decir: este cuerpo podría ser el mío”, porque muestra que la poesía puede ser una forma de resistencia y solidaridad.

Este poema me hizo sentir tristeza y responsabilidad: la necesidad de no ser indiferente, de escuchar a las Antígonas de hoy y darles espacio en la memoria colectiva.

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“Imagen al amanecer” de Coral Bracho nos transporta a un instante de calma suspendido en el tiempo. Es un poema que se despliega como una pintura impresionista: cada línea es una pincelada de luz, humedad, aroma o movimiento. Desde los primeros versos, la imagen del agua del aspersor funciona como un hilo conductor que enlaza todos los sentidos. El agua no solo riega el jardín, sino que transforma la realidad: la vuelve niebla, flama, seda.

Bracho construye la escena con un lenguaje pausado y musical. Usa versos largos combinados con frases entrecortadas, creando un ritmo que imita el pulso ritual y cadencioso del aspersor. Las metáforas son complejas y delicadas, como “lluvia de cuarzo” o “enjambre estelar”, que aportan densidad a la experiencia poética. No hay una historia lineal, sino una expansión sensorial que abraza la totalidad del instante.

El poema se centra en la transformación del paisaje con la luz del amanecer: los troncos se inclinan, las sombras cambian de peso, el arco de agua resplandece. Lo estático se vuelve dinámico. El mundo despierta no con estruendo, sino con una danza silenciosa de elementos. Hay también una especie de misterio o reverencia hacia ese instante: “una llama reciente nubla la escena, / un olor de magnolias / y rocas húmedas.”

Lo que más resalta es la manera en que Bracho fusiona naturaleza y percepción, hasta que lo exterior se vuelve casi interior: un “asombrado corazón” que palpita con el mundo. Esta forma de mirar es muy suya: más que describir, Bracho interpreta lo que la materia siente.

Lo que más me gustó del poema fue cómo logra mostrar lo sagrado en lo cotidiano, sin grandes discursos, solo con luz, agua y palabras suaves. Es un poema para leer despacio, con los ojos cerrados y los sentidos abiertos.