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Official website of Chiharu Shiota 塩田千春 - Confronting fundamental human concerns such as life, death and relationships, Shiota explores human existence throughout various dimensions by creating an existence in the absence either in her large-scale thread installations that include a variety of commo

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Pierre Soulages (1919 Rodez - 2022 Nîmes)

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Pierre Soulages (1919 Rodez - 2022 Nîmes)

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À l'occasion du centenaire de Pierre Soulages, le musée du Louvre a fait place nette dans le prestigieux salon Carré où sont d'habitude exposés les primitifs italiens pour y présenter une rétrospective du travail de l'artiste à travers une vingtaine d'œuvres. Noir versus blanc ou couleur, noir fluide ou matiéré, noir-reflet, noir-lumière, outrenoir... Près de trois quarts de siècle de peinture, de jeu avec le noir et de patient apprivoisement de ce qui, pour Soulages, est tout sauf une non-couleur.

1. Brou de noir

Comment se libérer de la tradition classique ? Après guerre, Soulages, installé à Courbevoie, délaisse momentanément l'huile pour expérimenter le brou de noix, un jus utilisé par les ébénistes. Les matériaux et les outils des artisans le fascinent depuis son enfance à Rodez. " L 'immédiateté d'une technique beaucoup plus sommaire m'intéressait ", confie-t-il.

La fluidité de cette matière, sa teinte foncée qui exalte, par contraste, le blanc du papier annoncent déjà la quête de lumière de l'artiste, ses noirs et blancs épurés. Mêlé parfois à l'huile (ici au milieu et au bas de la feuille), le brou s'éclaire aussi de transparences aléatoires. Armé d'une large brosse, Soulages l'utilise pour dresser des sortes d'idéogrammes chinois ou plutôt des constructions élancées, solides et hiératiques.
L'autorité de ce jeune peintre fera impression jusqu'en Allemagne, alors en ruine, où l'un des brous de noix sur papier fera l'affiche de l'exposition " Französische abstrakte Malerei ", qui présente en 1948 et 1949 la peinture abstraite française dans sept villes du pays.

2. Goudron

En prenant le train de Montpellier à Paris après la guerre, Soulages raconte avoir été bouleversé par des taches de goudron sur la verrière de la gare de Lyon. Cette matière bitumeuse avait été utilisée pour réparer les vitres fendues par les tirs de la DCA durant la Libération. Le verre lisse et lumineux marié au goudron grumeleux et opaque, d'un noir profond, le frappe par son puissant contraste.

En 1948, l'artiste cherche à retrouver cette émotion dans quatre œuvres très singulières, peintes sur des verres de serre récupérés, plus ou moins cassés. Avec un pinceau " queue-de-morue " emprunté aux peintres en bâtiment, il y épand du goudron utilisé pour étanchéifier des toitures, dilué dans du white-spirit. Cette petite œuvre, à la fois blessée et charpentée en trois poutres solides, plus une tronquée à droite, rappelle les brous de noix peints à la même époque. Plus troublant : sa construction semble une réminiscence de La Descente de Croix de Campaña (musée Fabre de Montpellier), admirée par Soulages dans sa jeunesse...

3. Noir et blanc

Acquis dès 1953 par le musée Guggenheim de New York, à l'occasion de son exposition " Younger European Painters ", ce grand tableau témoigne du succès précoce de Soulages aux États-Unis. Une autre toile de la même série fut acquise simultanément par la Tate Gallery de Londres, sur les conseils de Henry Moore et Graham Sutherland. Celle-ci reprend fidèlement la structure d'une petite gouache de 1948, noire sur papier blanc, que Soulages décline dans plusieurs peintures, à la façon de variations musicales.

Ici, sur le fond immaculé, un noir dilué inédit apparaît aux quatre angles, les trois rectangles centraux se colorant d'un brun sonore, dans le concert serré des droites. L'ensemble crée " une profondeur illusionniste à quatre plans, totalement maîtrisée ", observe Pierre Encrevé dans le catalogue raisonné de l'artiste. Les éclats de blanc semblent sourdre d'un espace lointain. On songe aux clairs-obscurs de Rembrandt mais aussi à l'art du vitrail, avec ces barlotières puissantes dont les obliques guident et dynamisent notre regard vers les trouées de lumière.

4. All over

Peinte en mai 1968, durant les manifestations qui enflamment le Quartier latin, au pied de l'atelier parisien de Soulages, cette toile impressionne par sa force et sa massivité, la rangée de formes dressées, accolées, occupant presque tout l'espace... C'est une peinture debout pour des hommes debout. Un défilé robuste qui rappelle également les statues-menhirs, ces pierres levées de son Rouergue natal. L'artiste n'est pas indifférent au mouvement de révolte qui déchire alors son pays. Le 23 mai, il réalise une affiche pour la Journée des intellectuels pour le Vietnam, comme Picasso et Masson. En juin, il se rend en délégation au ministère de l'Intérieur pour protester contre l'expulsion du territoire de cinq artistes étrangers.

Mais il ne faut pas s'y méprendre. Les enjeux de sa peinture sont tout autres, loin de l'illustration ou du slogan. Depuis 1964, Soulages explore des compositions plus compactes, en nappes. Fidèle à son goût pour fabriquer ses propres outils, il en est même venu, un temps, à utiliser une gouttière, récupérée après une réfection de la toiture, pour épandre sa couleur fluide. Puis, en 1968, la couleur disparaît, ce dont témoigne cette peinture. L'artiste a opéré ce choix un an après avoir bénéficié d'une première rétrospective au Musée national d'art moderne. " J'ai commencé à faire une série de peintures en noir sur blanc, retournant à un ascétisme cistercien. J'ai senti personnellement le besoin profond, l'exigence de ce retour ", expliquera-t-il. Or l'attrait du noir est tel chez Soulages qu'il menace déjà de tout envahir. Il flirte ici avec les limites de la toile dont le blanc résiste, en éclats aussi brefs qu'intenses. Autre innovation notable : les formes ordonnées et répétées, comme une écriture horizontale, à lire de gauche à droite. Par ce rythme, cette scansion musicale, l'artiste introduit dans son œuvre la dimension du temps. Dès 1969, cette toile est acquise par le Musée national d'art moderne. Mais il faudra attendre encore une décennie pour que l'art de Soulages bascule dans l'outrenoir.

5. Outrenoir

Ce tétraptyque presque carré, superposant de manière originale quatre panneaux horizontaux, souligne le goût de Soulages pour les formats qui découlent de formules mathématiques. L'artiste a souvent raconté ce jour de janvier 1979 où, comme Alice passant de l'autre côté du miroir, il s'est aventuré au pays de l'outrenoir. " Je peignais et la couleur noire avait envahi la toile. Cela me paraissait sans issue, sans espoir [...]. J'étais perdu dans un marécage, j'y pataugeais. " Jusqu'à ce qu'il décide d'aller dormir, épuisé après des heures de tâtonnements. Et découvre à son retour qu'il avait créé " une peinture autre ". Une peinture monopigmentaire semblable à celle-ci, dont le noir d'ivoire crée la lumière non plus par contraste avec une autre couleur, mais par sa matérialité même. Une peinture émettrice de clarté, comme jadis les icônes rayonnantes à fond d'or.

Ce n'est sans doute pas un hasard si l'année de l'invention de l'outrenoir, Soulages s'est mis à créer simultanément des polyptyques, un dispositif emprunté à la peinture religieuse et aux retables. Une manière de souligner l'expérience très particulière à laquelle est invité le regardeur pris dans la lumière de ces peintures, jaillissant au-devant de la toile. Une lumière qui varie au gré de nos déplacements et de l'écoulement du jour, se colore d'argent, de feu ou de bleu pâle, dans un jeu d'apparitions et de disparitions successives. Ici, l'artiste a recouvert ses fonds striés horizontalement à la brosse de hautes bandes en aplat tracées avec une lame, plus ou moins appuyée à droite, laissant parfois sourdre le dessous. L'inclinaison légère de ces bandes sur ce même côté donne une direction au regard, qui parcourt le tableau de gauche à droite. L'œuvre s'offre ainsi comme une riche partition, tissée de forts accents sonores et de silences vibratiles. Une page d'écriture dont les lignes horizontales des quatre toiles assemblées renforcent encore la majesté.

6. Sombre/clair

Ce diptyque monumental, qui par ses dimensions enveloppe littéralement le spectateur et l'aspire dans son lumineux trou noir, est construit sur une dialectique. Voici d'abord des surfaces étales coupées par une brusque entaille. À la caresse première de lents recouvrements répond la violente saignée d'une lame, comme un coup d'épée dans la peinture! Cette première opposition se double d'une autre : celle du brillant et du mat. Une surface très réfléchissante se confronte à une autre plus calme, plus secrète, d'une lumière assourdie.

Chaque panneau, dans son sein blessé, offre ce contraste qui se répète à l'échelle du diptyque. Sur la toile brillante à gauche, l'entaille en diagonale participe au caractère mouvant et dynamique. Tandis que sur le panneau mat de droite, l'entaille luisante horizontale confirme la sensation d'apaisement. Elle tire une ligne d'horizon sur une mer étale.
Cette œuvre s'inscrit dans ce que Pierre Encrevé appelle la " seconde période de l'outrenoir ", inaugurée en 2004 avec l'abandon définitif de la peinture à l'huile au profit de l'acrylique. C'est ce médium, plus prompt à sécher, moins sujet aux craquelures, qui permet à Soulages d'oser une épaisseur de matière inédite. Le peintre va en jouer pour imprimer dans ses œuvres toutes sortes de scarifications, de frappes percussives. Des gestes dont l'autorité implacable refoule parfois un peu de matière sur les bords, comme ici au bas de l'entaille, sur le panneau de droite. C'est encore l'acrylique qui permet à Soulages ces variations du mat jusqu'au brillant, à partir d'un seul et même pigment, le noir d'ivoire, dont il modifie juste les liants. Ce contraste entre deux nuances d'outrenoir se substitue progressivement à celui du noir lisse ou strié qui dominait dans ses tableaux auparavant. La résolution finale de cette dialectique s'opère dans notre regard même. Il embrasse dans ce diptyque la nuit et la lumière, l'immuable et le mouvant, la paix et la violence.

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Soulages : noir désir en 6 chefs-d'œuvre | Connaissance des Arts

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À l'occasion du centenaire de Pierre Soulages, le musée du Louvre a fait place nette dans le prestigieux salon Carré où sont d'habitude exposés les primitifs italiens pour y présenter une rétrospective du travail de l'artiste à travers une vingtaine d'œuvres. Noir versus blanc ou couleur, noir fluide ou matiéré, noir-reflet, noir-lumière, outrenoir...

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Visitez le MAMAC et découvrez sur deux étages et près de 2.500 mètres carré, une sélection de plus de 200 œuvres de la collection.
Tous les ans le MAMAC renouvelle en profondeur le parcours du dernier étage et propose de nouvelles expériences de ses salles phare dédiées à Niki de Saint Phalle, Yves Klein et au POP international.
La collection est en mouvement pour le plaisir de la découverte et des nouveaux dialogues.

Yves Klein, ANT 84, 1960, collection MAMAC, Nice ; Monochrome bleu sans titre (IKB Godet), 1958, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice, Rocket pneumatique (maquette de Tallon-Technès), 1962, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris ; Photo François Fernandez

L'aventure monochrome

Yves Klein, né en 1928 à Nice, avait pour première vocation d'être judoka. En 1954, il se tourne définitivement vers l'art et entame son " Aventure monochrome ". Il invente le bleu outremer, auquel il donne son nom " IKB " (International Klein Blue), le 19 mai 1960. Il se lance dans la quête de l'immatériel et expérimente le corps de ses modèles comme " pinceau vivant " lors de performances. Klein va au-delà de toute représentation artistique admettant que la beauté est présente à l'état invisible et que sa mission d'artiste serait de la saisir partout où elle est. Son œuvre traverse les frontières de l'art conceptuel, corporel et du happening, et illustre une multiplicité de pratiques et de formes qui façonnent indéniablement Yves Klein comme l'un des artistes les plus novateurs de son temps. De ses monochromes, au vide, à l'utilisation de l'or et du rose dans une trilogie de couleurs, jusqu'à l'emploi d'éponges imbibées de couleurs pures et du feu comme pinceau, il a imprégné de sa créativité la deuxième moitié du 20ème siècle et continue encore d'inspirer les nouvelles générations d'artistes et passionnés de notre époque. Yves Klein décède en 1962, à l'âge de 34 ans, et laisse une œuvre majeure intense, audacieuse et infinie.

Une salle permanente, unique au monde, est réalisée avec le soutien des Archives Klein et des collectionneurs privés qui ont généreusement mis leurs œuvres en dépôt au MAMAC.

Pigment pur

Ce fut sur le mur d'une cave appartenant à la famille d'Arman que Klein peignit ses premiers monochromes bleus vers 1947-1948. En 1955, à Paris, il fait la connaissance de Tinguely, César, Raysse et Restany, et présente au Salon des Réalités Nouvelles, une peinture d'une seule couleur, qui est refusée et provoque un scandale. A compter de 1956, les expositions de Monochromes se succèdent.

En automne 1956, il entame son " époque bleue " en sélectionnant un bleu outremer déjà existant, extrêmement saturé, qui est, selon Klein, " la plus parfaite expression du bleu ". Klein est alors fasciné par le pigment pur bleu outremer, d'une intensité incomparable. Il présente pour la première fois l'installation " pigments purs " chez Colette Allendy en mai 1957, cherchant à exposer " la couleur en soi " :

Pigments purs - Le pigment pur, exposé par terre, devenait un tableau de sol et non plus de cimaise ; le médium fixatif étant alors le plus immatériel possible, c'est-à-dire la force d'attraction elle-même. Elle n'altérait [pas] les grains de pigment individuellement, comme le fait inévitablement l'huile, la colle et même encore mon médium fixatif particulier. Le seul ennui de cela : l'homme se tient naturellement debout et regarde l'horizon.
Yves Klein, " Remarques sur quelques œuvres exposées chez Colette Allendy ", c. 1957.

Yves Klein, Monochrome bleu sans titre (IKB Godet), 1958, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice, © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris ; photo François Fernandez

Anthropométries

Le 28 avril 1958, Yves Klein fait sensation avec l'exposition du " Vide " à la Galerie Iris Clert à Paris, où il présente une galerie entièrement vide ; murs repeints en blanc par l'artiste, la façade peinte en bleu. Le 5 juin de la même année, a lieu chez son ami Robert Godet, dans l'île Saint-Louis, la première expérience des " pinceaux vivants ", où le corps nu d'un modèle féminin enduit de peinture bleue appose son empreinte sur un papier blanc fixé au sol. Lors de cette séance privée, le modèle rampe sur la feuille, recouvrant systématiquement la surface d'après les instructions de Klein. Il s'agit de la première introduction du corps et de la sensualité dans son oeuvre.

Les premières Anthropométries (empreintes et suaires) sont présentées en public à la Galerie internationale d'Art contemporain à Paris en mars 1960, lors d'une performance au cours de laquelle trois modèles féminins nus couverts de peinture bleue, rampent et se traînent sur le sol recouvert pour l'occasion de papier ou elles apposent leurs corps le long des murs, sous la direction d'Yves Klein " chef d'orchestre ", au son de la Symphonie Monoton-Silence. Anthropo- du grec anthropos, signifie homme, et métrie, mesure.
Klein leur demande de n'enduire que certaines parties de leur corps : le ventre, les cuisses et la poitrine. Ceci n'est pas sans évoquer les Vénus de la préhistoire, symboles de vie et de fécondité.
Les Anthropométries occupent une place importante dans l'œuvre d'Yves Klein.

Yves Klein, ANT 155, 1960, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice ; ANT 84, 1960, collection MAMAC, Nice ; Yves Klein, ANT 174, 1960, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice, © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris

Cosmogonies

Au cours d'un voyage en 1960, Yves Klein fixe une toile sur le toit de sa voiture. Au bout du voyage de Paris à Nice, les effets des intempéries sur la peinture font apparaître un vieillissement prématuré de la matière. Cette expérience d'interaction entre la peinture et les manifestations de la nature, le vent, la pluie... donne lieu à une série d'œuvres appelées les " Cosmogonies ". Généralement bleues, les cosmogonies, comme COS 24 peuvent être roses surtout à partir de fin 1961. Ce sont dit-il des " reportages planétaires des manifestations de l'énergie vitale ".

C'est enfin le vieux rêve des hommes et de l'imagination de jouer avec les éléments de la nature, de diriger et de contrôler leurs phénomènes et manifestations.
Yves Klein, Note manuscrite

Peintures de feu

Yves Klein réalise sa première Peinture de feu en 1957 dans le jardin de la galerie Colette Allendy à Paris le soir du vernissage de l'exposition " Propositions monochromes ". D'autres Peintures de feu sont réalisées par Yves Klein au cours de sa rétrospective au Museum Haus Lange de Krefeld (Allemagne) en 1961, sur des feuilles de papier qu'il présentait à la flamme de brûleurs. Le Centre d'essais du Gaz de France à la plaine Saint-Denis, lui donne également la possibilité de travailler à sa première grande série de Peintures de feu et de la perfectionner. Dès mars 1961, Yves Klein utilise des cartons suédois compressés, plus résistants à la combustion. Klein fait évoluer le procédé de combustion puis introduit la trace anthropométrique enregistrant par le feu le souvenir d'une présence. Le Mur de Feu d'Yves Klein, 1961 / 1990 est une édition à partir de l'œuvre réalisée par Yves Klein en 1961 au Haus LangeMuseum de Krefeld à l'occasion de l'exposition " Monochrome und Feuer " du 14 janvier au 26 février 1961. Oeuvre monumentale et emblématique du musée, elle a été restaurée grâce au soutien de PRIMAGAZ en 2019.

Yves Klein, F55, 1961, collection MAMAC, Nice ; Yves Klein, Monochrome jaune (M56), circa 1954-1955, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice ; Yves Klein, Monochrome rose sans titre (MP9), circa 1962, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris ; Photo François Fernandez

Yves Klein, Mur de feu, 1961-1990, collection Mamac, Nice, © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris, (oeuvre restaurée en 2019 avec l'aide de Gaz de France)

Sculptures éponge

C'est en 1958 qu'Yves Klein prend pleinement conscience du potentiel sensible des éponges imprégnées de pigment bleu.

En travaillant à mes tableaux dans mon atelier, j'utilisais parfois des éponges. Elles devenaient bleues très vite, évidemment ! Un jour je me suis aperçu de la beauté du bleu dans l'éponge ; cet instrument de travail est devenu matière première d'un seul coup pour moi. C'est cette extraordinaire faculté de l'éponge de s'imprégner de quoi que ce soit de fluidique qui m'a séduit. Grâce aux éponges matière sauvage vivante, j'allais pouvoir faire les portraits des lecteurs de mes monochromes, qui, après avoir vu, après avoir voyagé dans le bleu de mes tableaux en reviennent totalement imprégnés en sensibilité‚ comme des éponges.
Yves Klein, extrait de " Remarques sur quelques œuvres exposées chez Colette Allendy ", 1957 ca.

Yves Klein, Sculpture Sans Titre (S11), Arbre, 1960, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice ; Yves Klein, Sculpture Sans Titre, 1960, © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris ; Photo François Fernandez

Yves Klein, Victoire de Samothrace (S9), 1962, collection MAMAC, Nice ; Yves Klein, Vénus bleue (S41), 1962-1982, collection MAMAC, Nice ; Esclave de Michel-Ange (S20), 1962, collection privée, en dépôt au MAMAC, Nice, © Succession Yves Klein c/o Adagp, Paris ; Photo François Fernandez

Visite de la salle Yves Klein

L'exposition de 2000

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Yves Klein, né en 1928 à Nice, avait pour première vocation d'être judoka. En 1954, il se tourne définitivement vers l'art et entame son " Aventure monochrome ". Il invente le bleu outremer, auquel il donne son nom " IKB " (International Klein Blue), le 19 mai 1960.

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Wolfgang Laib, Pollen de noisetier, 2002, MoMA, New York (USA)

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Wolfgang Laib, Pollen de noisetier, 2002, MoMA, New York (USA)

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Exhibition. Jan 23–Mar 11, 2013. Wolfgang Laib’s Pollen from Hazelnut will inhabit the Museum’s Donald B. and Catherine C. Marron Atrium, infusing the space with a yellow luminosity. Laib perceives the Marron Atrium as the Museum’s inner sanctum, its womb, and has created this work especially for the site. It will be the artist’s largest pollen installation to date, measuring approximately 18 x 21 feet. The hazelnut pollen that will be used in MoMA’s installation has been collected by Laib from the natural environment around his home and studio, in a small village in southern Germany, since the mid-1990s. Since the mid-1970s, Laib (German, b. 1950) has been producing sculptures and installations marked by a serene presence and a reductive beauty. These works are often made from one or a combination of two materials, accumulated from natural elements—such as milk, marble, pollen, rice, and beeswax—which have been selected for their purity and symbolic associations. Forging a singular path for more than 30 years, Laib amplifies the intrinsic materials and processes found in nature. Laib has stated that “pollen is the potential beginning of the life of the plant. It is as simple, as beautiful, and as complex as this. And of course it has so many meanings. I think everybody who lives knows that pollen is important.”

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1) Mon projet
Titre
Technique (médium, outils, SUPPORT, ...)
- Qu'est-ce que c'est ?
Je PRESENTE ... (nature)
- Ce que ça REPRESENTE
- Comment ?
- Pourquoi ?

2) Analyse comparative d'une œuvre d'artiste

- Artiste, titre, date, nature, technique (médium, outils, SUPPORT)
- Ressemblances et différences avec mon travail
- Source : Lien url

10 à 15 lignes

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Pourquoi les peintres ont-ils posé valises et pinceaux dans le Midi dès la seconde moitié du XIXème siècle ?
De la Normandie à la côte d'Azur, les artistes sont animés par une même quête esthétique, celle de la lumière !

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Pourquoi les peintres ont-ils posé valises et pinceaux dans le Midi dès la seconde moitié du XIXème siècle ? De la Normandie à la côte d'Azur, les artistes sont animés par une même quête esthétique, celle de la lumière !

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"Revivifier l’art en renouvelant la manière de voir et de représenter la réalité."

Breton, Jean-Jacques. « Introduction », J-J Breton éd., Les 100 mots de l'impressionnisme. PUF, 2019, pp. 3-4.

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Et si vous emmeniez vos enfants à Pompéi pendant les vacances... oui mais sans bouger de chez vous ! Découvrez notre programme en ligne pour occuper les enfants pendant les vacances de printemps !

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Qu'est-ce que l'impressionnisme? Au début des années 1860, de jeunes peintres se regroupent pour créer une nouvelle peinture...Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Cézanne, Berthe Morisot. Monet les invite à abandonner l'atelier pour peindre en plein air.

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Tout savoir sur le fauvisme ! Les origines du fauvisme Le terme " fauvisme " est inventé par le critique d'art Louis Vauxcelles, suite à sa visite au Salon d'Automne de 1905, au Grand Palais. La salle VII de ce salon présente alors de jeunes peintres, on la surnomma: " La cage aux Fauves".

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Sonia Delaunay (1885 Ukraine – 1979 Paris)

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Sonia Delaunay (1885 Ukraine – 1979 Paris)

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Sarah Stern dite Sonia Terk-Delaunay (1885-1979) nait en Ukraine dans une famille modeste. Confiée à son oncle Henri Terk, elle est élévée à Saint-Petersbourg dans un milieu aisé et cultivé.

Elle suit une formation de peintre en Allemagne, puis se rend à Paris en 1905, y découvre les mouvements d'avant-gardes comme le fauvisme et la peinture de Gauguin, qui lui inspirent ses premières peintures.

Elle rencontre le galeriste Wilhem Uhde. Ensemble ils arrangent un mariage amical qui leur permet, lui, de dissimuler son homosexualité ; elle, de rester travailler en France. Par son intermédiaire, elle rencontre le jeune peintre

Robert Delaunay alors proche de la peinture cubiste et futuriste. Très vite elle divorce pour l'épouser en 1910. Ils donnent naissance à fils, Charles, pour lequel elle confectionne une couverture en patchwork à la manière des paysans russes. L'artiste considère cette pièce de 1911 comme sa première œuvre abstraite.

Robert et Sonia Delaunay s'orientent vers ce qu'ils nomment l'art " simultané ", c'est-à-dire un même sujet travaillé sur différents supports. La découverte des travaux de Chevreul sur le contraste des couleurs les conduit peu à peu vers une abstraction qui est une conséquence de leurs recherches sur la vision. Fascinés par la synesthésie entre les arts (musique, arts décoratifs, poésie, architecture), ils développent un art à même de transcrire l'intensité de la modernité.

Artiste complète, Sonia Delaunay s'essaie à la décoration d'intérieur ainsi qu'au design, puis crée des vêtements, et ouvre une boutique dans les années 1920 pour subvenir aux besoins de sa famille. Elle se forge une réputation internationale en travaillant pour des marques new-yorkaises, et en créant des costumes pour l'industrie du cinéma.

À la mort de Robert Delaunay en 1941, Sonia se retire à Grasse jusqu'à la fin de la guerre. Afin de promouvoir l'art abstrait, elle participe à la création du Salon des réalités nouvelles en 1946. L'artiste s'attèle à mettre en valeur l'œuvre de Robert Delaunay, selon elle, peu reconnu à sa juste valeur. Elle expose avec les artistes du mouvement l'Art Concret.

Sonia Delaunay reçoit de nombreuses récompenses au cours de sa carrière, et devient la première femme à se voir proposée une rétrospective de son œuvre de son vivant, par le musée du Louvre en 1964.

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Sarah Stern dite Sonia Terk-Delaunay (1885-1979) nait en Ukraine dans une famille modeste. Confiée à son oncle Henri Terk, elle est élévée à Saint-Petersbourg dans un milieu aisé et cultivé. Elle suit une formation de peintre en Allemagne, puis se rend à Paris en 1905, y découvre les mouvements d'avant-gardes comme le fauvisme et la peinture de Gauguin, qui lui inspirent ses premières peintures.

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In situ: Terme emprunté à l'archéologie. En art, signifie que l'oeuvre dialogue avec l'espace qu'elle occupe. Si on déplace un élément, elle perd tout son sens.

Felice VARINI (1952-)
Artiste suisse. Il compose sa peinture spatiale à partir de formes géométriques. Le visiteur doit trouver le point de vue qui permet de reconstituer les formes éclatées: c'est une anamorphose, une construction cinétique.

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Un cercle ef mille fragments V16 from DOUBLE ELEPHANT on Vimeo.

Nous avons suivi le travail de Felice Varini, en 2017 à l'Abbaye de Mazan, où il a fait l'installation de son œuvre "Un cercle et mille fragments", avec son équipe.

Plusieurs semaines de travail, de la vérification des dessins préliminaires des cercles, qui doivent s'adapter à l'architecture du monument, jusqu'à la finition des traçages et passage à la feuille d'or des cercles, et à l'ouverture au public.
Suivre toutes les étapes de l'installation d'une œuvre permet de mieux comprendre que l'artiste découvre vraiment son travail en le faisant, et autorise le spectateur à se l'approprier ensuite.

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Un cercle ef mille fragments V16 from DOUBLE ELEPHANT on Vimeo. Nous avons suivi le travail de Felice Varini, en 2017 à l'Abbaye de Mazan, où il a fait l'installation de son œuvre "Un cercle et mille fragments", avec son équipe.

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Sans titre

(Bouteille verte) 1980

Objets de récupération : plastique, bois, métal, tissu

550 x 350 cm

Installation au sol

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Crédit photographique : © Adagp, Paris

À propos de l'œuvre

Sans titre

(Bouteille verte)

1980

Objets de récupération : plastique, bois, métal, tissu

550 x 350 cm

Achat, 1981

Numéro d'inventaire : AM 1981-22

Autres reproductions de l'œuvre

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Crédit photographique : © Adagp, Paris Sans titre (Bouteille verte) 1980 Objets de récupération : plastique, bois, métal, tissu 550 x 350 cm Achat, 1981 Numéro d'inventaire : AM 1981-22 Autres reproductions de l'œuvre

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Du 18 mai au 21 septembre 2015, la Cité de l'architecture et du patrimoine propose l'exposition "Chagall, Soulages, Benzaken... : le vitrail contemporain".
Depuis longtemps, le vitrail fait partie des édifices religieux. La France est l'un des pays les plus riches au monde dans l'art du vitrail. Par son éclairage mystique, il invite croyants et visiteurs à la prière et à la méditation.
En quoi l'art du vitrail contemporain se différencie-t-il de celui du passé ? C'est à cette question que l'exposition de la Cité de l'architecture et du patrimoine tente de répondre.

​Le vitrail ancien

"Christ de Wissembourg", vitrail provenant probablement de l'abbatiale de Wissembourg, Bas-Rhin, vers 1060 (?) (Wikimedia commons, Domaine public)

Lorsque le vitrail fait son apparition au Moyen âge c'est en tant qu'œuvre artistique : les habitations disposent en effet depuis longtemps d'éclairages intérieurs. Le plus ancien vitrail connu (une tête du Christ) se trouve à l'abbatiale Saint-Pierre-et-Saint-Paul de Wissembourg, près de Strasbourg. Il a été créé en 1060. A cette époque, les vitraux sont colorés de tons gris, brun, noir qui sont employés pour souligner les ombres ou les draperies des personnages. Des motifs végétaux les accompagnent (acanthes, feuilles, motifs perlés, etc.).

Vitrail cistercien de l'abbaye de Pontigny (Wikimedia commons, Domaine public)

Mais un ordre religieux austère apparaît et bannit toute forme d'illustrations : les cisterciens. Fondé par Bernard de Clairvaux, cet ordre privilégie la prière et la contemplation. Les vitraux de ses monastères, cloîtres, abbayes sont incolores ou de teintes pâles, composés de résilles, de figures géométriques ou abstraits qui rappellent des entrelacs ou des motifs floraux.

Vitrail de Saint-Yves. 1ère absidiole droite du chœur de l'église Saint-Étienne du Val-d'Izé (35), photo de GO69 (Wikimedia commons ,CC BY-SA 3.0)

A l'époque gothique, les chapelles et les cathédrales s'élèvent vers le ciel. Les vitraux deviennent plus audacieux. Leurs formes s'agrandissent et se diversifient. Les cathédrales de Paris, Chartres, Reims, Metz et bien d'autres encore s'illuminent. Leurs verrières deviennent de véritables dentelles. Les couleurs principalement recherchées sont le rouge, le bleu, l'émeraude, le jaune, le noir. Malgré le format gigantesque des vitraux, ces "cathédrales de lumière" demeurent relativement obscures.

Ce n'est qu'à partir du 17e et du 18e siècle que les églises baroques et classiques voient leurs verrières s'éclaircir. Cette clarté met en valeur les œuvres d'art conservées dans ces édifices : peintures, draperies des statues de saints ou vierges, orfèvreries ciselées des ciboires, des bougeoirs, des autels... Pendant ce Siècle des Lumières, certains vitraux médiévaux sont détruits parce qu'ils sont assimilés à une forme d'obscurantisme. Leur symbolique et leur iconographie ne sont plus comprises. Quelques-uns ont été recréés de toutes pièces dans le style classique, d'autres ont été recomposés à partir de verres détruits mais récupérés comme à la cathédrale Saint Nazaire de Béziers.

Vitrail de l'église Saint-Louis-en-l'Île, photo de MBZT (Wikimedia commons, CC BY 3.0)

Après la Révolution française et ses nombreuses destructions, le 19e siècle remet le vitrail au goût du jour dans le style néogothique. Ce style est né en 1831 en même temps que la parution du roman "Notre Dame de Paris" de Victor Hugo, baignant toute une génération d'écrivains romantiques dans une atmosphère médiévale. C'est ensuite au tour d' Eugène Viollet-le-Duc, architecte, décorateur mais aussi cartonnier de vitraux, de réinterpréter ces références moyenâgeuses pour restaurer, entre autres, la cathédrale Notre-Dame de Paris et la Sainte Chapelle. Dans les églises, les vitraux racontent l'histoire de la Bible et des récits de la vie domestique ou paysanne. Du Moyen âge à la fin du 19e siècle, les vitraux comme les sculptures des chapiteaux jouent le rôle de "Bible d'images" à valeur pédagogique destinés aux croyants qui ne savaient pas lire.

Dans certains monuments religieux, les vitraux révèlent des scènes allégoriques, historiques, patriotiques. Consacrée au roi de France Louis IX, l'église Saint-Louis-en-l'Île possède un vitrail représentant Saint Louis en pleine dévotion. La basilique de Saint-Denis en Seine-Saint-Denis montre un vitrail évoquant le roi des français Louis-Philippe rendant visite à la basilique. Parmi les départements français, la Bretagne, ancrée dans ses traditions et légendes, se révèle la plus patriotique dans l'illustration de ses vitraux religieux : A Saint-Martin-des-Champs dans le Finistère, une série de vitraux de la chapelle Notre-Dame de la Salette rend hommage aux soldats combattant les prussiens lors de la guerre de 1870.

Au 20e siècle, quand le vitrail devient verrière

Véranda dite de la Salle par Jacques Gruber, 1904, photo de Alexandre Prévot (Flickr, CC BY-NC-SA 2.0)

Vers la fin du 19 e siècle, le vitrail connaît un nouveau succès. D'abord "mystique" il devient profane en s'installant dans les habitations cossues dotées de fenêtres, bow-windows, vérandas ou jardins d'hiver. Pendant la Belle Epoque et l'Exposition universelle de 1900, l'Art nouveau lui redonne ses lettres de noblesse. Fascinés par cet art du verre, Majorelle, Grasset, Gallé, vont fournir des éclairages colorés aux intérieurs. Ils vont imaginer des motifs végétaux ou animaliers tout en courbes accompagnant des jeunes filles en fleurs. A l'inverse, l'Art déco des années 30 joue sur la géométrie. Le joaillier Louis Barillet s'intéresse lui aussi à l'art du vitrail. Louis Comfort Tiffany crée des abat-jours aux multiples coloris pour filtrer les sources éblouissantes des bougies ou des ampoules électriques. Pour ces abat-jours, Tiffany utilise le même procédé que les verriers : le plomb sert à réunir un patchwork de verres.

Le vitrail s'invite dans les bâtiments publics (baies vitrées des gares, des restaurants ou brasseries, plafonds de verres des grands magasins, hôtels de villes, mairies, bains municipaux). Dans ce cas, l'expression "vitrail" devient inapproprié et on lui préferera celui de "verrière".

Situés à la maison de la Formation de Longlaville (anciennement Grands Bureaux des Aciéries de Longwy), ces vitraux exceptionnels de style Art Déco (1928) se répartissent sur 4 étages en 27 verrières qui retracent les métiers de la sidérurgie dans les années 20. Dessinés par Louis Majorelle, ils seront réalisés après sa mort. photo de Cédric Amey, (Wikimédia commons, CC-BY-SA-3.0)

Le vitrail contemporain

A partir de 1945, l'art du vitrail se renouvelle radicalement tant du point de vue artistique que du point de vue technique.
Pendant les deux Guerres mondiales, de nombreux édifices religieux ont été bombardés. Ceux qui ont été endommagés partiellement se voient souvent privés de leurs vitraux anciens en raison de leur fragilité. La reconstruction de ces monuments donne naissance à un nouveau style. Chapelles, églises, cathédrales deviennent plus modernes. De nouvelles matières comme le béton apparaissent. Comme la pierre, le verre connaît des mutations chimiques dans sa composition et sa texture. Inventées pendant l'Entre-deux-guerres, les dalles de verre connaissent leur âge d'or dans les années 1950-1960. Le vitrail devient plus clair, plus monochrome, moins nuancé. Ses motifs deviennent plus abstraits. Certains vitraux se transforment en larges pans de dalles de verre aux formes irrégulières. D'autres se sculptent, voient leur transparence modifiée.

Cathédrale de Metz, - vitrail de Chagall : La création (photo de LaurPhil ,CC BY 2.0 Flickr))

A cet aspect matériel, s'ajoute l'aspect immatériel, spirituel. Au début des années 1960, le Pape Jean XXIII propose de revoir les dogmes de la religion. Le Concile du Vatican a pour objectif de rendre la religion plus accessible aux croyants. Ainsi les églises ou les cathédrales voient leur aménagement intérieur évoluer. Si leur aspect extérieur dépend du quartier dans lequel ils s'intègrent, l'architecture intérieure est soumise aux nouvelles règles liturgiques : déplacement de l'autel, du pupitre, suppression de la chaire, mise en valeur des fonts baptismaux. Il s'agit de les construire en un seul espace et non en plusieurs travées ou chapelles, de rapprocher le prêtre des fidèles pour une meilleure participation au culte religieux. Son éclairage se transforme Dans ce contexte, des champs d'expérimentation sont offerts au vitrail lors de la reconstruction ou construction des édifices religieux. Par la puissance des couleurs, par leurs larges surfaces, les vitraux invitent davantage à la spiritualité, à la convivialité des célébrations liturgiques.

Surnommée "La lanterne du Bon Dieu" pour ses 6.500 m ² de surface vitrée, la cathédrale Saint-Etienne de Metz a été le premier édifice à être classé Monument historique en 1955. Depuis cette date, le clergé fait souvent appel à des artistes connus pour créer des vitraux contemporains qui se marient avec les plus anciens. Grâce à l'imagination de Chagall, Bissière, Gaudin, mêlée au savoir-faire des ateliers des maîtres-verriers, l'art du vitrail se réinvente. Les nouvelles commandes s'appuient sur les nouvelles technologies.
L'art du vitrail va connaitre un revirement décisif au moment de la restitution des vitraux de la cathédrale Saint-Cyr-et-Sainte-Julitte à Nevers dans les années 1970-1980. Ce chantier marque la naissance d'une politique publique de commande des vitraux au sein du Centre national des arts plastiques. De nombreux artistes connus internationalement sont choisis, Jean-Michel Alberola, Gottfried Honegger, Claude Viallat, François Rouan. Les commandes publiques prennent la forme de concours auxquels répond un seul artiste associé à un peintre verrier de son choix.

Parfois, plusieurs corps de métiers sont nécessaires à la création de vitraux originaux : peintres, verriers et sculpteurs. Certains vitraux de la cathédrale de Maguelonne présentent des surfaces ondulées de couleur verdâtre aux reflets bleutés qui rappellent les vagues de la mer. Dans le département du Loire-Atlantique, l' abbatiale Saint-Gildas-des-Bois possède un curieux vitrail représentant un enfant dont le relief s'incruste dans la dalle de verre. L'exposition "Trésors de sable et de feu" au Musée des arts décoratifs à Paris, montre que le travail du verre subit de nombreuses transformations grâce aux nouvelles technologies. Le vitrail bénéficie également de ces nouveaux procédés qui permettent la recherche de nouvelles transparences.

Des maîtres verriers aux artistes contemporains

Nevers Cathédrale Saint-Cyr-et-Sainte-Julitte. Vitraux modernes par Jean-Michel Alberola, photo de Henri Moreau (Wikimedia commons, CC BY-SA 3.0)

La plupart des maîtres verriers du moyen-âge sont restés anonymes : la signature individuelle n'existait pas à cette époque. On connait le nom de certains homme de la Renaissance comme Guillaume de Marcillat (1470-1529) qui a peint de nombreux vitraux historiés en France et en Italie, ou Valentin Bousch ( ?-1541), connu pour avoir œuvré à la Cathédrale de Metz. Jean Lécuyer (1480-1556) est l'un des derniers grands maîtres verriers influencé par l'art italien, il a travaillé pour la cathédrale de Bourges. Au 19 e siècle, d'autres noms sont passés à la postérité. Installé en Lorraine, l'atelier Champigneulle crée des vitraux souvent récompensés par de nombreuses médailles. Leur succès se répand à travers l'Europe. Nicolas Lorin œuvre dans la région de Chartres d'où il est originaire. Son atelier peut être visité grâce au Centre international du vitrail. Depuis 1900, les maîtres verriers se multiplient.

En ce qui concerne les artistes du 20 e siècle, ils sont sollicités pour leur notoriété ou pour leurs talents de verriers.

Au début des années 1940, Matisse aménage à la demande des sœurs dominicaines la chapelle Notre Dame du Rosaire à Vence dans sa totalité : architecture, vêtements liturgiques, orfèvreries, vitraux. Les motifs choisis rappellent ses œuvres peintes sur toiles. Pour Matisse, il s'agit d'instaurer un dialogue entre peinture et religion. Il déclare ainsi : "Pas de figures, rien que le patron des formes. Imaginez le soleil se déversant à travers le vitrail - il lancera des reflets colorés sur le sol et les murs blancs" ou encore : "j'ai commencé par le profane, et voici qu'au soir de ma vie, tout naturellement, je termine par le divin". Sa chapelle émeut les visiteurs mais sa conception reste encore "traditionnelle" malgré la modernité figurative.

En 1953, Le Corbusier va révolutionner l'esthétique de la "verrière" en concevant la chapelle Notre-Dame-du-Haut à Ronchamp. Son architecture ne respecte aucune norme classique. L'église ne présente aucun côté identique à l'autre. L'éclairage diurne est fourni par une distribution de vitres claires et parfois de verres de couleur. II ne s'agit pas de vitraux ; Le Corbusier estime que ce mode d'éclairage se rattache à des notions anciennes d'architecture et plus particulièrement à l'art roman et gothique.

"II n'y a donc pas ici de vitraux, mais des vitrages au travers desquels on peut voir passer les nuages ou remuer les feuillages des arbres et même circuler les passants".

Au début des années 1960,Jean Cocteau, poète touche à tout et athée, imagine un univers onirique et magique pour créer des vitraux d'inspiration mythologique à l'église Saint Maximin à Metz. Le poète n'hésite pas à dessiner son propre portrait dans une de ses verrières. L'association de la mythologie et de la religion peut surprendre le croyant. Mais ce dernier donnera toujours une interprétation spirituelle à un motif imaginaire.

La ronde des "passeurs de lumière" se perpétue encore jusqu'à nos jours.
En voici quelques-uns :

Jacques Villon, frère de Marcel Duchamp - le maître du Ready-made, réalise cinq baies vitrées pour la cathédrale Saint-Etienne de Metz. A plus de 82 ans, cet artiste surprend les amateurs d'art par la force colorée des verrières ainsi que par le dynamisme de ses multiples formes géométriques,

Jacques Le Chevallier, verrier et vitrailliste, produit des vitraux et des verrières pour le pavillon français de l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925 à Paris. Figuratifs ou abstraits, ses vitraux font l'unanimité auprès des architectes et maîtres d'ouvrages de l'époque. Dans les années 1920-1930, il collabore avec Louis Barillet au renouveau de l'art du vitrail français (La piscine Molitor, l'hôtel Aga Khan à Paris). En 1959, avec l'aide de son fils, il réalise les vitraux pour l'église Saint-Pierre conçue par l'architecte Henri Pingusson à Metz Borny,

Le petit-fils de Jacques Le Chevallier commente le documentaire suivant (environ six minutes)

Pierre Soulages, peintre abstrait, connu pour ses tableaux monochromes aux diverses textures et reflets sombres ou lumineux, recherche la transparence ou l'opacité du noir et du blanc dans la matière du verre (Abbatiale Sainte-Foy de Conques),​

Martial Raysse reprend l'univers de la publicité et de la bande dessinée pour concevoir les grandes verrières de Notre-Dame-de-l'Arche-d'Alliance à Paris : une forme de continuité avec l'inspiration pop de ses débuts,

Claude Baillon allie les techniques traditionnelles et modernes. Il transgresse les règles pour mieux exprimer ses motivations spirituelles. Il suscite des sentiments et des sensations sans jamais raconter une histoire ; notamment pour l'église Notre Dame de L'Espinasse à Millau,

Kim En Joong, père dominicain et peintre coréen est réputé pour la fluidité des pigments utilisés dans ses œuvres picturales. L'année 1989 est un tournant important. Il compose des vitraux pour l'église Saint-Jean-Baptiste d'Angoulême, la cathédrale d'Évry, l'abbatiale de Sylvanès dans l'Aveyron.... Ses œuvres ornent non seulement les édifices religieux de France mais du monde : la chapelle du couvent de l'église Sainte Sabine de Rome (Italie), l'église de Graignamanagh (Irlande), la chapelle de la paroisse Sankt Gerold à Bludenz (Autriche)...,

Le documentaire suivant de quatre minutes nous expose ses créations à la chapelle des moniales dominicaines à Dax :

Jean-Paul Agosti participe à des réalisations monumentales, il crée des vitraux pour l'église de Bouzy en Champagne, dotés d'une technique innovante sans métal et sans plomb, avec le maître verrier Antoine Benoit,

Suzanne Philidet, originaire de Saint-Etienne, est subjuguée par la mystérieuse transparence du verre. Elle crée aussi bien pour les particuliers que pour les édifices religieux. Elle n'a pas hésité à reprendre des verres anciens pour fabriquer des vitraux modernes comme à l'église Saint-Louis de Saint-Etienne dont elle est originaire,

Carole Benzaken, célèbre pour ses tulipes démesurées et de couleurs vives, a été choisie pour créer des vitraux insolites de l'église Saint-Sulpice de Varennes-Jarcy dans l'Essonne. Elle a choisi cette fleur pour rappeler la forme du calice, vase sacré liturgique.

Les artistes ne travaillent pas seuls à la conception du vitrail mais en coopération avec des maîtres verriers. Dans leurs ateliers, les verriers mettent leur savoir-faire et les nouvelles technologies à disposition des artistes. Cette collaboration va permettre de réaliser des vitraux prestigieux. C'est le cas de la Verrerie de Saint-Just, fondée en 1826 près de Saint-Etienne, qui offre un dialogue permanent entre les artistes, les designers, les architectes et les maîtres verriers : Chagall, Matisse, Miro, Philippe Starck, Peter Marino ...

Toujours en mouvement, l'art verrier laisse les visiteurs croyants ou athées perplexes ou émerveillés devant les vitraux contemporains, figuratifs ou abstraits, des édifices anciens ou actuels. Pour les artistes et les maîtres verriers de nos jours et à venir, il s'agit de rechercher la spiritualité, le lyrisme voire la magie dans l'illumination des monuments religieux ou civils, de combiner harmonieusement l'art décoratif et l'architecture, de concevoir des œuvres actuelles sans perdre de vue que ces créations nouvelles peuvent côtoyer des verrières du passé.

L'Ecole nationale supérieure d'architecture de Paris-Belleville évoque cet art du vitrail contemporain dans un document intitulé"Le vitrail des 20e et 21e siècles en France", un des thêmes de ses journées d'études sur les édifices religieux du 20e siècle en Ile-de-France.

Maîtresse vitre de l'église Saint Trémeur de Carhaix (29024), travail personnel du peintre, créateur de vitraux Jacques Godin (Wikimedia commons, CC BY-SA 3.0)

Pour terminer cette histoire de l'art du vitrail, une citation d'André Malraux :

"Je ne comprends pas l'abandon du vitrail qui s'éveillait et s'endormait avec le jour. L'art a préféré la lumière mais le vitrail animé par le matin effacé par le soir faisait pénétrer la création dans l'église du fidèle"

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L'exposition de la Cité de l'architecture et du patrimoine

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Du 18 mai au 21 septembre 2015, la Cité de l'architecture et du patrimoine propose l'exposition "Chagall, Soulages, Benzaken... : le vitrail contemporain". Depuis longtemps, le vitrail fait partie des édifices religieux. La France est l'un des pays les plus riches au monde dans l'art du vitrail.

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Des œuvres qui mêlent architecture, sculpture, lumière et espace pour envelopper complètement le spectateur d'une atmosphère colorée. Turrell a trouvé l'inspiration pour son travail dans son expérience de pilote.

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©2023 Skystone Foundation; all images © James Turrell

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- Pratiques bidimensionnelles (graphiques et picturales)
- Pratiques tridimensionnelles (sculpturales et architecturales)
- Pratiques artistiques de l'image fixe et animée (Photographie et vidéo)
- Pratiques de la création artistique numérique

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Couleur Matière

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- La matérialité de l’œuvre; l'objet et l'œuvre.

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OBJECTIF :  Produire une couleur de façon inattendue

Cercle chromatique, couleurs primaires, binaires (secondaires), complémentaires

Teinte (tonalité)
Nom de la couleur. (Ex. rouge ou bleu…)

Clarté (luminance)
Degré de luminosité (clair ou foncé).

Saturation
Degré de pureté.

Valeur
Degré de clarté ou d'obscurcissement.

Nuances
Variations d'une couleur après ajout de sa
voisine du cercle chromatique. Exemple: jaune + un peu de vert = "jaune vert" OU vert + un peu de bleu = "vert bleu".

Tons rompus
Les tons rompus sont les contraires des ton purs.
Les tons rompus sont des couleurs qui perdent leur intensité et leur pureté suite à des mélanges en
proportions inégales avec leur complémentaire.

Tons rabattus et les tons dégradés
On rabat une couleur vers le noir (couleur modifiée par addition de noir).
On dégrade une couleur vers le blanc (couleur modifiée par addition de blanc).