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ella storia della musica, la musica medievale è quella musica composta in Europa durante il Medioevo, ovvero nel lungo periodo che va convenzionalmente dal V secolo al XV secolo ed è suddivisa in sottoperiodi che ne distinguono lo sviluppo in quasi un millennio di cultura europea.

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La tripartizione di Boezio

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Lo stesso argomento in dettaglio: De Institutione musica e Musica delle sfere.

Tra i precursori della teoria musicale medievale, furono soprattutto Macrobio e Boezio a veicolare il retaggio del pensiero pitagorico, basato sul simbolismo dei numeri e dei pianeti, in virtù del quale la musica risultava collegata alla matematica e all'astronomia.[1]

Ponendo anche le basi del quadrivium scolastico, ossia il complesso delle materie scientifiche che verranno insegnate nelle scholae medievali (aritmetica, musica, geometria e astrologia),[1] fu Boezio in particolare a introdurre nel De Institutione musicae una distinzione fondamentale, destinata ad avere grande rilevanza nel Medioevo, tra musica mundana, musica humana, e musica strumentalis.[2]

La musica mundana, la più importante, consiste nella pitagorica musica delle sfere, che si fonda sull'armonia più che sul suono. È la vibrazione cosmica che regola il moto delle sfere celesti, influendo sui pianeti, ed il fatto di non poter essere udita dall'uomo denota ulteriormente la sua perfezione.[3]

La musica humana rappresenta il riflesso che la musica del macrocosmo ha sull'essere umano (microcosmo), come già affermava Platone:[4]: consiste quindi nella traduzione di quella musica suprema e inudibile in forme percepibili dall'uomo, grazie all'unione armoniosa dell'anima con il corpo, raggiungibile solo tramite un atto di introspezione.[3][2]

La musica instrumentalis è il genere più basso, perché completamente slegato dalla vibrazione cosmica, e rappresenta la musica eseguita dagli strumentisti nel tentativo di imitare quell'armonia suprema.[

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ue origini risalgono ai primordi dell'umanità, alla corda tesa sull'arco del cacciatore e si ritrova presso tutte le culture dei vari continenti: in Europa si ha traccia dell'arpa di forma triangolare proprio in Irlanda e in periodo Alto Medievale. Molti autori italiani la descrivono e Dante loda la bravura con cui viene suonata dai popoli nordici. Curiosamente in quasi tutte le immagini iconografiche tramandate viene suonata da una donna.
BOUZOUKI

È lo strumento greco per eccellenza; la caratteristica forma è a cassa panciuta e ovale, manico stretto e allungato con tasti e quattro corde doppie e rivela le sue origini medio-orientali apparentandolo alla famiglia dei liuti. Lo strumento può essere utilizzato per l'accompagnamento di canzoni, ma anche per esibizioni basate su modi derivati dalla musica turca (makams) o su melodie arabe. Le composizioni più recenti e lo stile attuale preferiscono rifarsi alle scale maggiori e minori tipiche della cultura europea occidentale.
CHITARRA
Strumento a pizzico così diffuso nel mondo moderno, perché ha accompagnato le formule espressive delle ultime generazioni, che pochi immaginano la sua antichità: dai bassorilievi ittiti del 1300 a.C. alle raffigurazioni medievali, mantiene inalterate nei secoli le caratteristiche fondamentali variando solo il numero delle corde: dalle quattro nel periodo Rinascimentale alle sei della fine del Settecento. La grande diffusione avviene nel Rinascimento soprattutto in Spagna, dove la "guitarra española" ebbe un successo tale da venire usata a scapito del liuto, strumento allora diffusissimo in tutto il resto del continente.
CLAVICEMBALO
Strumento a tastiera a corde pizzicate, è un'arpa disposta orizzontalmente, le cui origini sono molto antiche: è citato con il nome di clavicymbolum già nel 1397. Le prime fonti iconografiche riguardanti tale strumento risalgono al 1400.
CORNAMUSA
Pur essendo uno strumento già noto nell'antichità, la cornamusa cade in disuso nell'Alto Medioevo per ricomparire proprio agli inizi del Basso Medioevo: musa, piva, ciaramella, zampogna, baghèt sono i vari nomi con cui viene chiamato nelle varie parti d'Italia. L'uso della cornamusa nel Medioevo, in base alla documentazione iconografica, era prevalente nella musica profana per le danze popolari e castellane, ma anche per musiche cerimoniali.
DULCIMER

Strumento musicale medievale della famiglia del salterio, col quale ha strette affinità. Le corde, anziché essere pizzicate, erano percosse da due bacchette dall'estremità tondeggiante.

FLAUTO
Le due grandi famiglie di flauti dell'epoca medievale si distinguevano in flauto diritto e flauto traverso. Il flauto dolce o diritto ha origini antichissime. E' costruito in legno con imboccatura a becco e ha assunto forma definitiva solo nel XVI secolo.
GHIRONDA

Strumento musicale del medioevo, noto anche con i nomi di organistrum, gironda, symphonia, vielle à roue, formato da una cassa armonica a fondo piatto sulla quale erano tese da quattro a sei corde. Il suono si ottiene azionando una manovella collegata a una ruota di legno (situata all'interno della cassa armonica) che sfrega le corde: la mano destra agisce sulla manovella, mentre la sinistra pigia una serie di piccoli tasti, in numero variabile da dieci a quindici, che modificano la lunghezza di due corde, quelle che eseguono la melodia, mentre le rimanenti (corde di bordone) producono un accordo.

LIUTO

Dalla cassa armonica bombata e dal caratteristico cavigliere rivolto all'indietro, ha lasciato la sua testimonianza già nel 2000 a. C. nella civiltà mesopotamica. Diffuso nel mondo arabo viene introdotto in Europa nel XIII secolo attraverso la Spagna. Il liuto medievale era suonato pizzicando le corde con un lungo plettro o una piuma d'uccello, nel 1400 diventa di gran moda presso tutte le corti europee.

ALTERIO
Strumento a corde pizzicate, di origine orientale, d forma triangolare o trapezoidale, sulla cui tavola armonica erano tese un numero variabile di corde, da sei a quindici. Lo strumento è simile ad una piccola arpa e le corde vengono pizzicate, percosse o strofinate.
VIOLA, VIOLINO, VIELLA
L'antenato del violino è la VIELLA, di grande varietà morfologica per tutto il Medioevo grazie anche alla notevole diffusione dello strumento. La viella è stata usata in tutti i generi di musica medievale come accompagnamento alla voce o per le danze, da sola o in gruppo con altri strumenti a fiato e a corde. Accanto alle varie tecniche a pizzico già a partire dal XI secolo si accosta l'uso dell'archetto. Con il Rinascimento la viella si trasforma in viola, ma sopravvive in forme popolari poco diverse da quelle medievali.

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Col termine musica sacra ci si riferisce ai generi musicali associati ad una tematica sacra o religiosa. Il concetto si oppone dunque a quello di musica profana.

Più propriamente, conviene distinguere la musica sacra dalla musica liturgica, dalla musica spirituale e dalla musica religiosa:

La musica sacra è una musica considerata come capitale, essenziale a una persona o a una comunità dal punto di vista religioso.

La musica liturgica è una musica prettamente legata al rituale liturgico e quindi contestualizzata rispetto ad un particolare momento della liturgia o ad una specifica funzione liturgica.

La musica spirituale è una musica che permette di elevare l'anima a Dio, senza essere però inserita in un contesto di una pratica religiosa.

La musica sacra quindi, sorpassa la musica spirituale per il suo carattere personale o comunitario: una musica può essere considerata sacra per un culto (il magnificat per la Chiesa cattolica per esempio), senza esserlo per un altro. Allo stesso tempo una musica profana può essere considerata spirituale.

La musica religiosa è spesso consacrata da testi o preghiere religiose e si distingue dalle precedenti per la sua funzionalità.

Una musica può così essere una combinazione di questi tre caratteri.

Nel mondo esistono numerose forme di musica sacra secondo le tradizioni religiose: musica di ispirazione cristiana, musica indiana, musica islamica, musica ebraica, eccetera.

La musica sacra cristiana comprende al suo interno diversi generi e forme e copre tutti i periodi della storia del cristianesimo, sebbene in Occidente abbia conosciuto uno sviluppo a partire dal XV secolo fino a raggiungere forme estremamente ampie e complesse nel XVII e XVIII secolo nell'ambito della cosiddetta musica barocca e sia poi andata scemando.[senza fonte]

In ambito cattolico la musica sacra è quella che, composta per la celebrazione del culto divino, è dotata di santità e qualità formale. In particolare si considera musica sacra il canto gregoriano, la polifonia sacra antica e moderna nei suoi diversi generi, la musica sacra per organo e altri strumenti legittimamente ammessi nella Liturgia, e il canto popolare sacro, cioè liturgico e religioso. Secondo ST II-II, q. 91, a. 1-2, Dio va lodato con le labbra e con ogni strumento di accompagnamento che sia conveniente allo scopo di eccitare l'affetto dell'uomo verso Dio.[1]

In ambito musulmano la musica sacra è quella considerata halal, sia per l'ambientazione, sia per i testi, sia per gli strumenti che devono essere solo tamburi e voce (anche cori).

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Il canto gregoriano è un canto monodico e liturgico della tradizione occidentale. Fu elaborato a partire dall'VIII secolo dall'incontro del canto romano antico col canto gallicano nel contesto della rinascita carolingia. È cantato ancor oggi, ed è riconosciuto dalla Chiesa cattolica come "canto proprio della liturgia romana"[1].

Caratteristiche del canto gregoriano

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Magnificat (info file)

Durata: 3 minuti e 37 secondi.3:37

Il cantico del Magnificat preceduto dall'antifona

L'Introito Domine ne longe del codice Angelica

Il canto gregoriano è un canto liturgico, solitamente interpretato da un coro di voci maschili, da un solista chiamato cantore (cantor) o spesso dallo stesso celebrante con la partecipazione di tutta l'assemblea liturgica ed è finalizzato a sostenere il testo liturgico in latino.

Deve essere cantato a cappella, cioè senza accompagnamento strumentale, poiché ogni armonizzazione, anche se discreta, altera la struttura di questa armonizzazione [senza fonte]

Si tratta di un canto omofono, più propriamente monodico, è una musica cioè che esclude la simultaneità sonora di note diverse: ogni voce che lo esegue canta all'unisono.

Dal punto di vista del sistema melodico, il canto gregoriano è di tipo modale e diatonico. I cromatismi vi sono generalmente esclusi, così come le modulazioni e l'utilizzo della sensibile. Le diverse scale impiegate con i loro gradi e i loro modi, sono chiamati modi ecclesiastici, scale modali o modi antichi, in opposizione alle scale utilizzate in seguito nella musica classica tonale.

Il suo ritmo è molto vario, contrariamente alla cadenza regolare della musica moderna. Il ritmo, che nel canto gregoriano riveste un ruolo complesso, oltrepassa le parole e la musica, sorpassando le due logiche. Nei passaggi salmodici o sillabici, il ritmo proviene principalmente dalle parole. Nei passaggi neumatici o melismatici, è la melodia che diventa preponderante. Queste due componenti sono costantemente presenti.

È una musica recitativa che predilige il testo in prosa, che prende origine dal testo sacro e che favorisce la meditazione e l'interiorizzazione (ruminatio) delle parole cantate[2]. Il canto gregoriano non è un elemento ornamentale o spettacolare che si aggiunge alla preghiera di una comunità orante, ma è parte integrante ed efficace della stessa lode ordinato al servizio e alla comprensione della Parola di Dio[3]. È questo il significato più profondo e intimo di questo genere musicale.

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La musica è sempre stata presente in tutte le attività dell’uomo. Feste, banchetti, spettacoli teatrali, cerimonie profane o sacre, preghiere, danze, sono sempre state accompagnate dal canto e dal suono degli strumenti musicali. Nei primi secoli del medioevo artisti ambulanti giravano nelle piazze dei paesi per offrire alla gente del luogo i loro spettacoli. Questi artisti, chiamati “giullari” o “menestrelli”, erano ben accolti anche nei castelli dove venivano invitati per allietare le feste di corte. Erano cantori, abili suonatori, danzatori, acrobati e buffoni. Spesso provenivano da luoghi lontani ed erano a conoscenza di avvenimenti che potevano suscitare curiosità ed interesse. In un mondo privo ancora di mezzi di informazione essi costituivano un’insostituibile fonte di notizie e, in un certo senso, anche di cultura. I menestrelli andavano narrando per contrade e villaggi storie leggendarie, evocando con il canto un mondo favoloso caro alla fantasia popolare. Per le loro musiche utilizzavano vari tipi di strumenti musicali, molti dei quali sono gli antenati degli strumenti attuali. Fino all’anno Mille la musica profana (cioè la musica non destinata alle cerimonie religiose) era per lo più affidata a questi artisti vagabondi. Le loro canzoni erano basate su semplici melodie ripetute e narravano storie di eroi e condottieri: • Carlo Magno e i suoi paladini contro gli infedeli Saraceni • Re Artù e i cavalieri della tavola rotonda • Le spedizioni dei Crociati in Terra Santa Le melodie di queste canzoni erano spesso improvvisate sul momento, quindi nessuno si preoccupava di scriverle. Per questo motivo esse non sono giunte fino a noi. I trovatori Attorno all’anno Mille si assiste ad un generale risveglio di civiltà. La vita esce dal mondo chiuso del feudo e anima le città che diventano centri di produzioni e di commercio. L’arte e la cultura trovano nuove vie di sviluppo. Nella Francia del Sud (in Provenza) a partire dal XII secolo nasce una nuova figura di poeta musicista: il trovatore. I trovatori erano per lo più di origine nobile e amavano dilettarsi nella poesia e nella musica componendo versi e a volte anche la melodia sulla quale cantarli. Essi frequentavano le corti aristocratiche dedicando la loro arte soprattutto alle signore. Alla nobile dama il trovatore si dichiarava fedele servo: l’amore devoto e un po’astratto era infatti l’argomento principale delle sue canzoni. Egli si esprimeva nella lingua d’Oc, una lingua romanza (derivata dal latino) ancora oggi in uso presso le popolazioni occitane.

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Con il termine polifonia (dal greco antico, "tante voci") si definisce in musica uno stile compositivo che combina due o più voci (vocali e/o strumentali) indipendenti, dette anche parti. Esse si evolvono simultaneamente nel corso della composizione, mantenendosi differenti l'una dall'altra dal punto di vista melodico e generalmente anche ritmico, pur essendo regolate da principi armonici. In senso compositivo il termine polifonia si contrappone a quello di monodia con una sola voce.

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Storia ed evoluzione

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I prodromi remoti

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Sebbene si sappia con certezza che pratiche affini all'organum e al falso bordone fossero note sin dai tempi più antichi, non sappiamo se le civiltà primitive abbiano sviluppato la polifonia. Dalle testimonianze bibliche dell'orchestra del tempio di Gerusalemme (Salmi, Cronache), sembra che la polifonia non fosse un concetto ignoto.

Le origini popolari della polifonia

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Gli studi etnomusicologici ci riferiscono di una certa disposizione da parte di culture musicali etniche verso forme di polifonia. Tra le forme si individuano la pratica dell'eterofonia, del bordone, dell'imitazione e canone, e del parallelismo.

Eterofonia: nella sua forma primitiva, si tratta di una melodia intonata da più voci dove uno o più esecutori producono delle varianti ritmiche e/o melodiche.

Bordone: consiste in un suono basso e costante che sostiene la melodia.

Imitazione e canone: per imitazione si intende quando lo stesso elemento viene riproposto in momenti diversi in un'altra voce. Il canone è una forma musicale basata sull'imitazione che ne struttura l'intera composizione.

Parallelismo: quando più voci differenti seguono la stessa struttura ritmica. In certi casi il parallelismo riguarda anche la curvatura melodica. In questo caso si può parlare di diafonia.

Inizi della polifonia nella cultura occidentale

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Le prime fonti scritte che attestano l'uso della pratica polifonica si collocano intorno al 900 circa. Nel trattato anonimo dal titolo Musica enchiriadis[1], proveniente dalla Francia settentrionale, sono infatti riportate le prime informazioni su questa pratica consistente nel sovrapporre a una melodia desunta dal repertorio gregoriano, detta vox principalis, una seconda voce detta organalis, a distanza intervallare di quarta o di quinta, procedente per moto parallelo.

Questa prima pratica polifonica, che può essere definita diafonia, e che trova le sue origini nell'ambito profano, ha dato origine all'organum parallelo.

Le forme musicali polifoniche tra il '200 e il '300

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ella storia della musica, l'ars nova (latino per tecnica nuova) è quel periodo convenzionale della musica medievale trecentesca caratterizzato da un sistema di notazione ritmico-musicale nuovo rispetto a quello dei secoli precedenti.

Lo studioso tedesco Hugo Riemann utilizzò il termine ars nova per indicare l'intera produzione polifonica del XIV secolo, caratterizzata da una serie di caratteri innovativi - non solo notazionali ma anche stilistici - che comparvero quasi contemporaneamente in Francia e in Italia. Pur ritenendo che le innovazioni stilistiche avessero avuto origine in Italia e fossero state accolte in Francia subito dopo (ipotesi non accolta da studiosi successivi), Riemann mutuò il termine dal trattato di Philippe de Vitry intitolato Ars Nova Musicae, nel quale l'autore, contrapponendo la musica del suo tempo a quella delle generazioni precedenti, esaminava minutamente, più che le nuove forme musicali, i nuovi sistemi di notazione che esse avevano comportato. Altro teorico importante del periodo, autore del trattato Musica practica e fautore dell'ars nova, fu Johannes de Muris.

In contrapposizione al termine ars nova si usa indicare come ars antiqua o ars vetus la produzione polifonica dei secoli XII-XIII.