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En algunas obras que me llamaron la atención, pero no se les hizo un análisis no formal, está incompleta la ficha técnica o directamente no está porque no pude lograr dar con ellas

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Exposición Centro Cívico Universidad de los Andes

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Exposición Centro Cívico Universidad de los Andes

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El viaje, Bernardo Salcedo, Ensamblaje de objetos, 1975

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De este museo me gustó mucho que es bastante amplio, y por lo tanto, tiene bastantes salas. Pude darme cuenta de que cada sala a la que entré tenia su propia temática. Por ejemplo, la obra de la imagen que se muestra, estaba en una sala junto con otras obras que eran en 3d; había hasta una especie de cama, otros ensamblajes en alambre, carteles, etc. En cuanto a las obras también observé mucha variedad de todo, lo cual a mi parecer es algo muy positivo para los museos.

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Este museo fue uno de mis favoritos porque yo solía vivir en México entonces me sentí muy en "casa" al ver la estructura de este museo. Es decir, me encanta que el museo no parece "moderno" sino que tiene un ambiente más hogareño, empezando porque solía ser la casa donde vivía Frida. Generalmente los museos son de colores blancos, tonos de cafés claros o complemente oscuros como el negro. También, las estructuras son muy rectas, como si el fin fuera tener salas perfectas, puertas completamente lisas y rectangulares, etc. Sin embargo, aquí podemos ver que se trata de colores más saturados como más alegres más expresivos, también las puertas son mucho más naturales , "libres", es algo que le recalco mucho a este museo. En cuanto a las obras resalto mucho que éstas buscan ser realistas mas no perfectas y es algo que llama mucho la atencion.

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Este museo me gustó mucho por que la mayoría de sus obras trataban de Colombia o tenían autores colombianos y me parece lindo ver el arte nacional, nuestro propios paisajes , etc. Pensé que el espacio iba a ser más pequeño, pero me sorprendió que era bastante amplio y había varias obras desde pinturas hasta modelos.

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Personalmente, yo ya he visitado el Louvre en persona y me fascinan este tipo de espacios donde hay un sin fin de esculturas. Sin lugar a dudas es de lo que más me llama la atención. También me gusta el hecho de que antes era una estación ferroviaria, en persona es un lugar al que uno dice "tengo que entrar ahí". A parte de las esculturas también encontré obras muy lindas, realísticas que llamaron mi atención. Me sorprendió ver obras que representaban a nativos o la vida nativa.

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Lo que más me gustó de la sala de exposiciones del centro cívico fue que contiene obras/tareas de estudiantes de la universidad. También el hecho de que había varias obras que tenían como fin mostrar que le arte no es solo hacer cosas lo más posibles parecidas a la realidad. A pesar de que soy estudiante, esperaba que el lugar fuera mucho más grande y que por lo tanto hubiera más obras. No obstante, evidencié que había de todo. Desde obras realistas, hasta abstractas y en 3d.

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El Rijksmuseum me gustó mucho por la entrada donde muestran estas esculturas, siento que este tipo de obras llaman mucho la atención del público y es un incentivo para visitarlo. No obstante, no se presentaron más de estas dentro de los pisos que visité virtualmente. Por otra parte, me gustó mucho que varias de las obras estaban retratadas con el fin de dar una imagen realística.

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Esta escultura llamó mucho mi atención por los detalles que tiene. Me parecen impresionantes las arrugas en la tela de las personas, lo fino que están sus caras, los adornos en las parte superior e inferior. Asimismo la simetría y el hecho de que sea grande y blanco en medio de la sala se llevó mi mirada.

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Primeramente, esta estantería cilíndrica se causó curiosidad porque tenía figuras de animales, y en lo que recorrí del museo fueron los únicos animales que vi presentados de tal manera. También eso me llevó a ver los jarrones que se ubicaban detrás de ellos y me gustaron mucho los detalles que les dieron. Me hizo entender un poco más como les gustaba la decoración en ese entonces.

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Children of the sea, Israëls Jozef, óleo sobre tela, 48.5 x 93.5 cm, 1872.

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Análisis formal: esta es una obra la cual consta de líneas cortas y con forma ondular poder así crear el movimiento del mar, las únicas líneas rectas que se podrían identificar sería para el cambio del mar al cielo y al inicio donde se está creando una pequeña ola. También se puede observar que esto lo logró con trazos delicados y delgados,y pequeñas sombras entre ondas. Realmente no hay mucha variedad puesto que se muestra una marea tranquila. Se puede decir que el espacio está definido en dos momentos; uno: el paisaje de fondo, 2: los niños junto con su barquito. Existe un balance tanto de simetría en el agua, como de colores, ya que la paleta son colores azul, café, blanco, estos en tonos tierra. El enfoque claramente está en los niños viendo al barco, que podrían ser hermanos, debido a que son figuras mas complejas que simples ondas y todos enfocan su mirada hacia abajo, como si estuvieran jugando con el barco.

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Arearea, Paul Gauguin, óleo sobre lienzo, 17 x 94 cm, 1892

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Como mencioné en el post anterior, yo estaba recorriendo el museo virtualmente cuando topé con esta obra y llamó mi atención porque era distinta a lo que llevaba viendo, tanto por los personajes como por los colores saturados por los que está compuesta.

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La noche estrellada sobre el Ródano, Vicente Van Gogh, óleo sobre tela, 61 x 45 cm, 1888

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El cuadro icónico de la noche estrellada siempre ha sido una de las pinturas que más me gustan. Esto porque los colores oscuros junto con las luces para mi lo hace ver como un escenario muy romántico. Además la técnica que usó Van Gogh hace lucir genial las luces sobre el agua.

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The magpie, Claude Monet, óleo sobre lienzo, 89 x 130 cm, 1868-1869

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Análisis formal: Esta obra carece de lineas rectas, está compuesta por líneas orgánicas y curvas para dar una sensación más natural, puesto que se trata de un paisaje invernal. Aquí se usa una paleta clara de blanco, grises y un poco de café. Se juega mucho con la iluminación natural del sol, que proviene del cuadrante izquierdo, y las sombras que éste genera para dar un resultado realista. Gracias a estas sombras y el tamaño de los objetos, se puede determinar el espacio como una parte plana que finaliza por una parte con unas escaleras donde puede estar sentada una persona, y por otra parte, podría ser una especie de pared de rocas la cual implica un terreno elevado más adelante. Los árboles también se van haciendo pequeños a medida que uno se fija en el centro del cuadro. También, existe una repetición y variedad en éstos ya que son bastantes, pero, asimismo, todos son distintos. En cuanto al balance de la obra, no hay una simetría porque la pintura se ve mucho mas recargada de cosas, puede deberse a la estructura que está en el fondo. Finalmente, en este caso el punto focal seria la persona pacíficamente sentada al final de las escaleras debido a que le cae toda la luz al punto mas oscuro en la obra, también la forma indica que es una persona y sería el único ser vivo, exceptuando los árboles, lo cual llama aun mas la atención.

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Autorretrato, Juan Cárdenas, óleo sobre tala, 124 x 99 cm, 1971

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Lo que más me llamó la atención de esta obra fue que el autor logró transmitir el sentimiento de que su autorretrato me estaba mirando directamente a los ojos. Por otra parte, me gustó mucho su trabajo con las sombras y los distintos tonos de café.

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Cardón, Santiago Cárdenas, óleo sobre tela, 97 x 87 cm, 1976

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Para mi está pintura es espectacular por el hecho de que realmente pensé que era una caja de cartón. No se mucho de arte, pero sé que de vez en cuando objetos reales, tangibles, como una caja real de cartón pueden estar en una exposición. Entonces al ver detalladamente esta me pareció un muy buen trabajo por lograr ganarle a las sombras para poder dar con el efecto final.

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La justicia, Juan Antonio Roda, acrílico sobre papel, 131 x 101 cm, 1992

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Análisis formal: Esta obra está compuesta por únicamente dos colores negro y amarillo. En este caso se evidencian lineas gruesas con trazos fuertes que buscan resaltar ciertas partes para identificar el cuerpo de una mujer, como lo son su senos, piernas gruesas, sus manos y su cara. Junto con esto, se pueden ver lineas curvas y rectas para representar la balanza de las justicia. Es poco difícil determinar si hay un espacio, pero como la balanza es significativamente grande se puede decir que la mujer sostiene ésta hacia el frente de su cuerpo. Sin embargo, la cara no tiene mucha profundidad mientras el resto de su cuerpo sí, esto se logro con una pequeña iluminación que proviene de la parte del cuadrante izquierdo inferior. Volviendo a la líneas, en el cuadrante superior, se pueden ver lineas casi que horizontales de lo cual se podría asumir que hay una corriente de viento la cual mueve su cabello hacia la izquierda. No siento que haya un balance simétrico, así como tampoco siento que haya un punto focal completamente definido porque aunque el amarillo resalta por ser el único color que no es negro, la obra enfatiza más a la unión de la mujer con los objetos dorados.

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Me gustó esta sala porque contenía obras con formas orgánicas y abstractas. Estas zonas me gustan en particular porque siento que tengo más libertad sobre el significado que le doy a la obra. Por ejemplo, en la segunda pintura veo a una mujer desnuda, pero en caso de que no lo fuera no me sentiría mal por no haber acertado a la primera.

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Sin título (puerta azul), Juan Cárdenas Arroyo, óleo sobre lona, 127 x 183 cm, 1971

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De esta pintura me gustaron mucho los colores implementados, ya que son muy pocos. En este caso solo es amarillo, café, negro y azul, el resto solo es composición de luz y sombra para dar con la puerta. Me gustó lo simple del cuadro

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Terrazas, Ever Astudillo Delgado, dibujo en lápiz sobre papel, 120 x 140 cm, 1978

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Análisis formal: Esta obra está compuesta por grises y negro. Se pueden observar lineas completamente rectas para el caso de los edificios y los tendidos en la parte superior, y lineas más curvas para la persona que los está mirando. Gracias a la cabeza de la persona, existe un espacio del cual podemos determinar que hay una profundidad entre ésta y los edificios. Similarmente, el uso de sombras también nos permite identificar que edificio está antes que otro y que el edificio de más al fondo está bastante alejado de los otros dos. La geometría usada para el diseño de los edificios permite identificar un balance simétrico en ellos, es decir, el edificio de al fondo tiene las mismas proporciones, como por ejemplo en las ventanas. Aquí el punto focal es el edificio de atrás, pero el punto está en verlo como si el observador fuera el hombre que solo aparece en negro.

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Sombra larga y música de alas, acrílico sobre madera, 1973

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Está obra fue la primera que vi al entrar y llamó mucho mi atención por los colores saturados que se implementaron. A una primera vista no le vi forma, pero ya después me fije en la dirección de los colores y la figura que se formaba, hasta que vi a una especie de águila volando a gran velocidad.

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El despertador, Diego Rivera, óleo sobre tela, 51 x 63 cm, 1914

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Está obra me trae recuerdos a una obra de Picasso que tiene figuras asimétricas. Esto mismo hizo que llamara mi atención la combinación de materiales y objetos, como madera, papel, vidrio, tela, las formas geométricas, etc. También, siento que puedo tener varias miradas, desde arriba, de lado, y así.

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Paisaje de Cartagena, Ignacio Gómez Jaramillo, óleo sobre tela, 1950

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Esta pintura me gustó porque para mi representa esos lugares de tierra caliente cuando la marea está tranquila y uno puede cerrar lo ojos, respirar profundo y ver a lo lejos las palmeras moviéndose suavemente con la brisa del mar y los barcos siendo llevados por la marea. Me gusto mucho la sensación que me dio.

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Esta obra llamó muchísimo mi atención primero por lo colores porque para mí una quebrada en la vida real no se verá de esos colores pero en este caso la combinación queda particularmente bien. Retomando, lo mencionado en el primer post, aquí pude ver que la quebrada es una quebrada, no la veo como nada más, identifico las rocas, el mar, etc. pero no existe la necesidad de usar los colores reales de una quebrada real para que yo sepa que se trata de representar una realidad.

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Palmera, Ricardo Gómez Campuzano, óleo sobre madera, 1967

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Análisis formal: Esta obra no está compuesta de tantas líneas, hay algunas que se pueden identificar en el agua, en la transición de agua a tierra, de tierra a cielo, en las palmeras y las montañas que se alcanzan a ver a los lejos. Hay un muy buen trabajo con la iluminación en cuanto a cómo se logró dar ese reflejo de espejo el agua y como ésta también se ve brillante, resplandece; para esto se uso una luz natural que en este caso tendría procedencia en el cuadrante superior más que todo derecho, porque las nubes se ven aún más claras de ese lado. Otro factor importante son las sombras que se pueden ver en las nubes y los arboles, las cuales nos ayudan a identificar cual está más cerca a vista del observador o qué está más lejos. Similarmente, por el tamaño de los arboles en el centro se podría decir que se trata como una especia de isla la cual se podría "estirar" en forma de "u", lo cual explicaría el porque esta palmera y estos árboles se ven mucho más grandes que los de atrás. Por otra parte, la paleta tiene los colores primarios azul y amarillo, y de secundario tiene el verde, ya después el autor juega con sus distintos tonos y un poco de café para darle un toque más realista. Finalmente, siento que está obra tiene un enfoque en la palmera por su tamaño y altura, también porque todo es muy orgánico y de repente este tronco es muy recto, otro punto de enfoque también podría ser el agua por el reflejo tan bueno que tiene y por su brillo como ya se mencionó.

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El marxismo dará salud a los enfermos, Frida Kahlo, 76 x 61 cm, 1954

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El marxismo dará salud a los enfermos 1954/ 2 Mayo 2023

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El marxismo dará salud a los enfermos 1954/ 2 Mayo 2023

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Análisis formal: Esta obra de Frida Kahlo tiene un sin fin de variedad, está ella misma, hay manos, ríos, muletas, aves, cabezas, un planeta, etc. En ciertas partes de la pintura podemos encontrar líneas rectas, ondulares, curvas, de trazo grueso y otros más difuminados. En cuanto a la paleta, está tiene muchos colores, ya que contiene los 3 colores primarios y secundarios en distintos tonos y saturaciones, el blanco, el negro, etc. Por otra parte, aunque no parezca la obra tiene un balance simétrico gracias a las muletas que están a ambos de Frida con cierta inclinación. Asimismo, Frida y su falda también forman un triangulo el cual está situado justo en la mitad del cuadro. A parte de esa figura geométrica, también está lo que parece ser la Tierra y la luna completamente circulares. Es un poco difícil determinar  el espacio, pero se puede decir que Frida está al frente de todo, a excepción del ave negra, concluyendo que sí existe una superposición de objetos. El punto focal en este caso sería Frida porque es la de mayor tamaño en toda la obra y también por la que simetría se centra en ella.