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For Forest—The Unending Attraction of Nature del artista suizo Klaus Littmann

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El rol del artista en la sociedad contemporánea, activismo ecológico.

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El rol del artista en la sociedad contemporánea, activismo ecológico.

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Preguntas:
¿Cómo contribuye el arte contemporáneo con el activismo ecológico, son compatibles?
¿El activismo ecológico expresado en el arte contemporáneo genera impacto en pleno siglo XXl?

Quiero analizar si es posible la transformación social desde un arte que se enfoca en lo ecológico, mediante intervenciones en el espacio público generando el encuentro directo con el espectador.

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Con un calido recibimiento nos abre las puerta de su casa en el West Village de Nueva York, uno de los pintores más notables de la escena artística estadounidense. Frank Stella (Massachusetts, EEUU, 1936), precursor del minimalismo cuando el expresionismo abstracto lideraba el panorama artístico, me enseña la maqueta de las salas del museo donde se distribuiran las 300 obras que, desde finales de los años 50 hasta hoy, componen su próxima exposición. Con el recuerdo todavía presente de la gran retrospectiva con la que el Whitney Museum de Nueva York le homenajeo, es ahora el NSU Art Museum Fort Lauderdale de Florida el que inaugurá, este 12 de Noviembre, una muestra que abarca 60 años de su carrera. El artista me invita a subir en ascensor a la segunda planta donde tras preparar un café evocamos su vida y trayectoria.

Autor: Elena Cué

Frank Stella en su casa del West Village, Manhattan. Foto: Elena Cué

Con un calido recibimiento nos abre las puerta de su casa en el West Village de Nueva York, uno de los pintores más notables de la escena artística estadounidense. Frank Stella (Massachusetts, EEUU, 1936), precursor del minimalismo cuando el expresionismo abstracto lideraba el panorama artístico, me enseña la maqueta de las salas del museo donde se distribuiran las 300 obras que, desde finales de los años 50 hasta hoy, componen su próxima exposición. Con el recuerdo todavía presente de la gran retrospectiva con la que el Whitney Museum de Nueva York le homenajeo, es ahora el NSU Art Museum Fort Lauderdale de Florida el que inaugurá, este 12 de Noviembre, una muestra que abarca 60 años de su carrera. El artista m e invita a subir en ascensor a la segunda planta donde tras preparar un café evocamos su vida y trayectoria.

Nació entre dos guerras mundiales en el seno de una familia de inmigrantes italianos. ¿Qué recuerdos guarda de esa época?

Tengo algunos recuerdos muy grabados debido a la guerra, pero sobre todo recuerdo la época inmediatamente posterior, cuando lo más importante era la destrucción y la reconstrucción de Europa y de Estados Unidos. Fue un periodo muy dinámico, en el que todo ocurría muy deprisa. Había mucho crecimiento real y un optimismo increíble que nadie había visto hasta entonces. Era asombroso. En cierto modo fue una época muy feliz, todo el mundo se alegraba tanto de que la guerra hubiese acabado que se generó una especie de ímpetu para seguir adelante.

¿Cómo fueron los comienzos de su vida artística a finales de los años 50, cuando llenaban el panorama artístico Jackson Pollock, Jasper Johns, Robert Rauschenberg...?

Todo era muy activo, pero, al mismo tiempo, muy relajado. Se estaba produciendo un gran cambio, no solo en el mundo del arte, sino en general. Yo era solamente uno de los muchos artistas jóvenes. Creo que, en parte debido a la guerra, muchos artistas europeos llegaron a Estados Unidos a finales de la década de 1930, y los artistas estadounidenses que había aquí se beneficiaron de ello. En mis comienzos los expresionistas abstractos eran un poco mayores. Luego hubo toda una generación de artistas más jóvenes que recibieron apoyo del Gobierno por un procedimiento curioso llamado la Ley del Soldado, para que los soldados desmovilizados de la Segunda Guerra Mundial pudiesen reemprender su vida. Los estadounidenses pudieron estudiar en Europa financiados por el Gobierno, lo cual dio lugar a la aparición de un grupo de artistas. El resultado fue una combinación de artistas europeos que venían aquí y estadounidenses que iban a Europa y luego volvían. Había mucha actividad, y gran parte de ella era muy relajada porque la gente se limitaba a hacer cosas con el dinero que tenía. Casi todo el mundo podía conseguir un espacio en el que trabajar, y además tener suficiente trabajo para seguir creando arte. Había posibilidades de exponer, lo que suponía dar a conocer tu obra, y eso es lo que de verdad importa a los artistas. Les gusta que les paguen por su trabajo, pero lo que realmente quieren es que se vea su obra.

En esta década, cuando en la esfera artística predominaba el expresionismo abstracto que muestra tan profundamente lo emocional, usted se decanta por un arte más formalista...

Creo que hay un ligero malentendido. Se dijo que mis cuadros no eran tan emotivos, pero lo único que pretendían era crear una sensación de organización, de construir una estructura a partir de la cual sintieses que podías trabajar. Pero a mí me gusta el caos. En cierta manera, intentaba descubrir qué había bajo el caos. Y es que el caos de la expresión abstracta es muy poderoso. Creo que, hasta cierto punto, es fácil ver que, bajo un estilo pictórico que en Estados Unidos parecía tan salvaje, lo que había era la estructura de la pintura europea hasta finales de la década de 1930, básicamente el cubismo y el surrealismo.

De sus comienzos son conocidos sus Black paintings. ¿Qué ve en ellos ahora ?

Veo dos cosas, dos maneras de pintar: los cuadros inmediatamente anteriores a los negros, que son una especie de negros y muchas otras cosas, y por otra parte, veo que algo sucedió y decidí pintar de una manera un poco más simétrica y organizada. Se compone fundamentalmente de dos partes: u na que es en gran medida una versión del expresionismo abstracto, y luego está la otra, que es más firme y organizada.
De la ausencia de color de las pinturas negras, va dejando paso a la introducción del color en los años 60, hasta posteriormente llegar a la fluorescencia...
Creo que era inevitable. Mi padre fue el primero en decir, "el color vende". Casi cualquier marchante de arte del mundo te dará el mismo consejo. A veces los críticos son incluso más infantiles que los artistas con ideas como que en un momento determinado no hay ningún sitio donde ir ahora, que todo es negro. Quizá lo repito demasiado a menudo, pero creo que si proyectásemos mi trayectoria hacia atrás, o sea, si empezásemos a partir de ahora, retrocediésemos, y acabásemos con las pinturas negras, me parece que la gente estaría mucho más contenta.

La serie Irregular Polygons (años 60) marcó un punto de inflexión en su obra. ¿Podría explicar por qué fue tan importante?

Como en todo, siempre hay una gran parte generada por accidente. En general, la pintura abstracta, que era lo que yo quería hacer, se expresa en buena medida en relación con algo que empezó con Mondrian y Malevich y que es, básicamente, una forma de pintura geométrica. La idea de fondo era que tenías una superficie uniforme y trazabas un motivo geométrico, pero los motivos geométricos generalmente dividían el espacio. Yo buscaba algo que siguiese siendo una especie de geometría, pero más dinámica o fluida, y entonces algo sucedió por accidente. Me concentré en una pintura muy conocida de Malevich que me llamó la atención. Consiste en un fondo blanco con un rectángulo negro, y tiene sencillamente un triángulo azul encima del rectángulo. Le di vueltas, y de repente se me ocurrió que lo interesante era que lo que hacían la mayoría de las pinturas geométricas era poner un elemento encima de otro, y lo que yo buscaba era lograr que el triángulo penetrase el rectángulo de manera que lo rodease, y hacer un lienzo con forma. Era como eliminar el fondo de Mondrian y permitir que el triángulo y el rectángulo negro existiesen en el mismo plano. Es decir, era una manera algo diferente de ver la geometría, pero a mí me parecía más dinámica y estimulante, y me ofrecía muchas posibilidades. Todo es culpa de Malevich.

Frank Stella. Irregular Polygons: "Ossipee II" (1966), "Chocorua IV" (1966), "Effingham IV" (1966) y "Moultonville I"I (1966)

Y en l970, a sus 33 años, el MoMa presenta su primera retrospectiva, y su último reconocimiento ha sido la Medalla Nacional de las Artes concedida por el Presidente Barack Obama. ¿Cómo le afectan estos reconocimientos en su vida y en su obra?

He tenido la fortuna de vivir muchos años. En cierto modo no lo pensé demasiado. Fue muy emocionante, pero yo no era más que uno de los muchos artistas relativamente jóvenes que tenían una carrera apasionante y que habían logrado el éxito. Todos trabajábamos mucho, circulaban muchas ideas y pasaban muchas cosas. Al fin y al cabo, al mismo tiempo que se celebraba mi exposición se estaba haciendo pintura de campos de color, arte pop, estaba la segunda generación del expresionismo abstracto, y eso por no hablar de lo que estaba pasando en la escultura, con gente como Michael Heizer, Richard Serra y Chamberlain. Así que estaban pasando tantas cosas que nunca me sentí aparte; me sentí parte de ello.

Sus series Moby Dick parecen una obsesión pues dedicó a ellas 10 años intermitentes. ¿Qué le impactó tanto de este libro de Melville?

En parte no quería hacerlo, pero me resultaba muy atractivo principalmente por una razón. Por encima y más allá del poder y la belleza de la narración y el increíble lenguaje de Melville, la historia habla de recorrer el mundo, de viajar, y para mí en eso había algo que parecía que te permitía una increíble clase de libertad. Puedes tomarte mucho tiempo y no todo tiene que ser lo mismo. Eso permitía introducir diferentes ideas y diferentes maneras de pensar en las cosas. Tenía un final muy abierto y, al mismo tiempo, te daba una estructura o un guión con el que trabajar.
"¡Qué Dios acabe con nosotros, si nosotros no acabamos con Moby Dick!". ¿Cuál ha sido su batalla imposible?
No creo que haya tenido ninguna. En nuestra época, los artistas consideran que libran una batalla enorme contra la dificultad de hacer arte, pero esto no siempre ha sido verdad. Yo crecí de manera muy convencional, en una familia ítalo-americana católica, y nunca me preocupé por Dios. De hecho, cuando me hice mayor, me gustaba Dios porque tenía muy buen gusto para el arte, al menos en Italia. Me pareció que era una figura afín.

En un momento de su carrera crece su interés por la escultura y la arquitectura. ¿El estimulo de estas disciplinas fue en detrimento de la pintura?

No es exactamente en detrimento de la pintura. Utilizando el Renacimiento como referencia, casi todos los que hacían arte también eran capaces de hacer arquitectura y escultura. Me refiero a que puedes componer música y también tocar el piano o el saxofón. Pero tengo que decir que, cuando era joven, la arquitectura me influyó. Frank Lloyd Wright fue una gran influencia. En la ciudad en la que crecí teníamos una biblioteca muy buena de H.H. Richardson, un famoso arquitecto estadounidense del siglo XIX que había desarrollado una especie de románico en Estados Unidos.

¿A qué se debe el barroquismo de los últimos años?

Supongo que es un cambio. Durante un tiempo fue minimalismo, y luego maximalismo. Como se suele decir, uno echa el resto, o casi. Es más fácil añadir ingredientes, pero no es demasiado programático. La cuestión es cómo se interrelacionan las cosas y lo que la idea invita a pensar. A veces me resulta un problema y me va mejor cuando elimino cosas que cuando añado otras.
¿Cree que ha cambiado el arte desde Chauvet, Lascaux o Altamira?
Ha cambiado, pero me gusta el arte prehistórico porque es muy directo. La gran idea fue representar lo que veías. Lo importante era la observación. Se dicen muchas cosas acerca de la magia y el misterio, pero creo que son erróneas. Ellos no sabían nada del desarrollo del arte. Intentaban representar y convivir con lo que veían. Podrían haber pintado muchas representaciones de plantas o de árboles, por ejemplo, pero en vez de eso las hicieron de animales porque eran una parte muy importante de su vida.

¿Cómo ve el arte actual?

Es una versión interesante de lo que pasó en la década de 1960. Es un poco complicado porque hay más artistas y más oportunidades que nunca. Desde un punto de vista no demasiado positivo, se podría decir que se ha expandido, pero ¿son mejores las creaciones? No sé si es lealtad a mi generación, o la manera en que he madurado, pero no veo que la calidad del arte haya experimentado un desarrollo espectacular.

Frank Stella. Foto: Elena Cué

- Entrevista a Frank Stella - - Alejandra de Argos -

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Con un calido recibimiento nos abre las puerta de su casa en el West Village de Nueva York, uno de los pintores más notables de la escena artística estadounidense.

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Del minimalismo al maximalismo. Frank Stella: lo que ves es lo que ves. Por Javier León.

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Los artistas se adaptan a su imaginación, y se expresan libremente, a partir del arte contemporaneo. 

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La persistencia de la memoria: Salvador Dalí.

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La persistencia de la memoria: Salvador Dalí.

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La obra es For Forest—The Unending Attraction of Nature del artista suizo Klaus Littmann.

“Un día, podríamos tener que admirar los restos de la naturaleza en espacios especialmente asignados, como ya es el caso de los animales del zoológico.” (Littmann, 2019)

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Cuerpo Político: Arte, genero e identidad

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Cuerpo Político: Arte, genero e identidad

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Los estereotipos sobre la mujer, los conflictos acaecidos durante la violencia armada, el trabajo doméstico, la maternidad, la búsqueda de justicia y la educación sexual ante una ideología religiosa son los temas reflejados en más de treinta obras expuestas en el ICPNA de Miraflores de la artista Natalia Iguiñiz, quien a lo largo de 25 años ha construido un proyecto basado en fotografías, collage, pinturas, instalaciones, carteles, afiches y material audiovisual.

FOTO POR: LOURDES HUYRA.

Iguiñiz se cuestiona y responde a los problemas sociales que vive día a día como mujer, fortaleciendo así alianzas que generen un diálogo y de ello una reflexión. ¿Es posible una religiosidad reconciliada con el cuerpo? es una pregunta que se observa en el díptico "Santa Rosa" obra que enfatiza la experiencia sexual fuera de prejuicios y culpas asociado a la religión católica y por ello captura un detalle de la imagen de Santa Rosa para complementarlo con la zona íntima femenina, desatando en 1999 una fuerte polémica.

FOTO POR: LOURDES HUYRA.

De igual manera, podemos observar a dos mujeres en un mismo espacio. Dos mujeres de distinta clase social, de contextura, vestimenta y tonos de piel diferentes que en conjunto lleva por título "La otra" y está conformada por una serie de imágenes en las cuales se puede distinguir señoras de sociedad junto a sus empleadas domésticas. Aquí la artista evidencia la jerarquía social vivida por muchos años, cuyo racismo está aún latente en nuestra sociedad y la subordinación a la orden del día.

FOTO POR: LOURDES HUYRA.

Así como todo lo que nos rodea, el cuerpo de una mujer sufre cambios y experimenta situaciones graves. Por ello, en su obra "Dolor" Iguiñiz aborda el tema del cuerpo para luego relacionarlo con la enfermedad, ingresando así a un espacio quirúrgico lleno de gasas, algodones, esparadrapos y otros materiales que se asocia a las intervenciones clínicas. Asimismo, "Rojo sobre blanco" representa toallas higiénicas manchadas por el flujo menstrual que evoca a cuestionarse sobre el tabú de lo reservado ante la mirada pública.

FOTO POR: LOURDES HUYRA.

"Energías sociales/fuerzas vitales" además de presentar los diferentes proyectos artísticos de la artista, establece un fuerte lazo de la presencia femenina frente a la sociedad, en la cual Iguiniz no solo busca fomentar una crítica reflexiva mediante el arte sino poner en evidencia nuestra existencia como seres fuertes que luchan por una igualdad sin prejuicios e ideas machistas, así por ejemplo en "Mi cuerpo no es el campo de batalla" y "Somos la excepción a los derechos laborales" impulsa un debate público sobre la violencia sexual, un tema que aún es muy frecuente en nuestra sociedad.

FOTO POR: LOURDES HUYRA.

La muestra puede ser apreciada en:

Galería Germán Krüger Espantoso del ICPNA Miraflores.

Lugar: Av. Angamos Oeste 120, Miraflores.

Horarios: de martes a domingo de 11:00 a.m. a 8:00 p.m.

Hasta el 8 de abril.

Ingreso libre.

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energías socialesfuerzas vitales natalia iguiñiz: arte activismo feminismo 1994-2018

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El feminismo y activismo a través del arte de Natalia Iguiñiz

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Los estereotipos sobre la mujer, los conflictos acaecidos durante la violencia armada, el trabajo doméstico, la maternidad, la búsqueda de justicia y la educación sexual ante una ideología religiosa son los temas reflejados en más de treinta obras expuestas en el ICPNA de Miraflores de la artista Natalia Iguiñiz, quien a lo largo de 25 años ha construido un proyecto basado en fotografías, collage, pinturas, instalaciones, carteles, afiches y material audiovisual.

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Judy Chicago y la transformación de su estilo artístico feminista.

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Judy Chicago y la transformación de su estilo artístico feminista.

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- Característica del arte contemporáneo: Nuevas formas de hacer arte (más allá de un lienzo).
(Unidad 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad)

- Pregunta: ¿Cómo, Judy Chicago, ha ido construyendo su anhelo por el arte feminista?

- ¿De qué hablaré? De los elementos, estilos, formas, objetos, entre otros, que poseen las obras de Judy Chicago y cómo estos se evidencian en sus obras.

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Cristina Flores presenta muestra individual "Íntimo Ritual" en la Sala Winternitz

Citada exposición está abierta al público hasta el 23 de junio en la Sala Winternitz ubicada en la Nueva Facultad de Arte y diseño de la PUCP

La artista Cristina Flores presenta "Íntimo
Ritual", una propuesta de auto-reconocimiento y diálogo con cuatro mujeres de
su familia que se plasma a través de la técnica del tejido a crochet. Se trata de una reflexión personal sobre la
identidad de ser mujer en la actualidad a partir de la memoria y tradiciones.
Esta tuvo como inicio el ejercicio del dibujo y se desarrolló durante el
período de escritura y reflexión de su tesis de licenciatura para optar por la
especialidad de Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP).

Cristina Flores presenta cuatro piezas de gran
dimensión tejidas a crochet en colores negro, dorado, blanco y rojo, para
hablar del vínculo existente con las cuatro mujeres importantes de su vida: su
abuela paterna, abuela materna, madre y hermana. Esta aproximación se realizó
desde las interrogantes sobre la construcción de la sexualidad a partir de la
visibilidad de la genitalidad femenina, y dio como resultado un proceso
creativo en donde la artista plasma sobre estas corporalidades construidas su
identidad y memoria familiar. Asimismo la tesis y propuesta artística contó con
el asesoramiento de las artistas y docentes Alejandra Ballón y Giuliana
Migliori.

Temporada: Del 25 de mayo al 23 de junio 2017

Horario: De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7
p.m.

Actividades complementarias

Jueves 8, 12p.m.: Visita guiada

Taller de tejido y
exploración con Cristina Flores

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Cristina Flores presenta muestra individual "Íntimo Ritual" en la Sala Winternitz - Lima en escena

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Citada exposición está abierta al público hasta el 23 de junio en la Sala Winternitz ubicada en la Nueva Facultad de Arte y diseño de la PUCP La artista Cristina Flores presenta "Íntimo Ritual", una propuesta de auto-reconocimiento y diálogo con cuatro mujeres de su familia que se plasma a través de la técnica del tejido [...]

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Otras obras:
7,000 Oaks, de Joseph Beuys (1982)

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Spiral Jetty, de Robert Smithson, en el Gran Lago Salado de Utah (1970)

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El rol del artista en la sociedad contemporánea

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El rol del artista en la sociedad contemporánea

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Las unidad que escogeré es la unidad 5 "El rol del artista en la sociedad contemporánea".

Pregunta de investigación:  ¿Cómo se ejemplifica la post-producción en el arte contemporáneo del siglo XXI?

En la investigación analizaré la obra Remembering de Ai Weiwei, y lo relacionaré con características del arte contemporáneo como la visibilización de problemáticas sociales y políticas, la apropiación y modificación de objetos, y el rechazo de formas académicas de exhibición (post-producción).

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TEMA: Arte y feminismo, Identidades corpóreas, arte y narrativa.                                                                      Innovación de las obras de Ghada Amer para el nuevo concepto del arte.

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TEMA: Arte y feminismo, Identidades corpóreas, arte y narrativa.                                                                      Innovación de las obras de Ghada Amer para el nuevo concepto del arte.

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OWENS, Craig. “El discurso de los otros: Las feministas y el posmodernismo”. En: FOSTER, Hal, ed. La Posmodernidad. Barcelona: Kairós, 2008. p. 93-124

1. Pregunta de investigación e hipótesis:
¿Las mujeres no son famosas artistas debido a su incapacidad de llegar a la grandeza?
2. Breve presentación:
El mundo femenino en el arte ha estado dándose a notar en el tiempo gracias a los muchos esfuerzos y sacrificios de las artistas y es aquí dónde nuestra protagonista resalta por hacer una crítica hacia el juicio del arte, ya que en su totalidad la crítica era dirigida por hombres y no se aceptaban las ideas feministas por ser "socialista" y "anti-familia".

En esta investigación quiero mostrar como las obras de arte feministas de esta artista pueden impactar las emociones de la población, resaltando el posicionamiento de la mujer en el arte contemporáneo.

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Pinturas aparentemente abstractas formadas por patrones repetitivos de escenas eróticas, personajes femeninos que enmarcan mensajes de liberación, dripping a base de hilos, cien palabras de amor...

¿Quién es Ghada Amer?

Ghada Amer, A Beautiful Day for Trini, 2008.

Ghada Amer es una artista de origen egipcio, hoy afincada Nueva York. Su formación se desarrolló entre Francia y los Estados Unidos, y su producción artística arrancó a inicios de los años 90. Parte del expresionismo abstracto y trabaja usualmente con obras a gran escala, donde combina pintura, escultura y bordado.

Ghada Amer, Le Champ de Marguerites, 2011.

Ghada Amer, detalle de Le Champ de Marguerites, 2011.

Desde sus comienzos, Amer ha realizado una búsqueda sobre la imagen estereotipada de la mujer y la feminidad, tanto en el mundo musulmán como en occidente. Sus obras hablan de la opresión hacia las mujeres, el amor, la censura y el sexo, y reflexionan sobre el rol de la mujer en la sociedad.

Una de sus series más tempranas es " Five Women at Work ", se trata de trabajos en los que representa mujeres haciendo actividades domésticas: actividades que se han atribuido a la mujer, con reminiscencias a ilustraciones antiguas. Las figuras de Amer adquieren la sencillez visual de haberlas despojado de su contenido, dejando contornos limpios que borda en la superficie del canvas, dando la impresión de ser un dibujo a base de líneas a trazos.

Bordado y costura, actividades tradicionales ligadas a la mujer que Amer establece como técnica fundamental para su obra, en oposición al acrílico que tan ampliamente fue usado por los hombres de la abstracción norteamericana, y que asocia a los grandes dominantes de la Historia del Arte, en general. El dripping, famoso por las obras de J. Pollock y (por extensión del término) M. Tobey, tiene lugar aquí mediante hilos que cuelgan a modo de chorros de color.

Ghada Amer, La femme qui repasse, 1992.

La apropiación de imágenes procedentes de revistas pornográficas que, bajo una apariencia superficial abstracta, se repite a modo "warholariano", es un recurso ambivalente. Por una parte, son formas simbólicas de la cosificación femenina a la que la publicidad, las revistas, la televisión y los videojuegos nos tienen acostumbrados y cuyo exceso hace que se vuelva imperceptible. Nuestra sociedad está sobrecargada de pornografía que explota la sexualidad de la mujer joven. Pero, por otra parte, esas imágenes eróticas de origen inculto y machista, se convierten, mediante depuración, en placer femenino y libertad individual. Ghada Amer, con sus obras, revierte el proceso: las partes involucradas están siendo tratadas con dignidad y respeto. La mujer debe y puede decidir lo que quiere hacer con ella misma y su sexualidad.

Ghada Amer and Reza Farkhondeh, The Gardens Next Door, Galeria Filomena Soares, 2010.

Se trata, como vemos, de una postura crítica con el mundo occidental (nótese cómo la mujer objeto - que ahora goza de sí misma- aparece revuelta, en ocasiones, con princesas y otros personajes Disney) y también desafiante hacia la sociedad árabe, donde las mujeres cubren su imagen y donde el devenir histórico ha supuesto un retroceso hacia la educación y la libertad sexual.

Ghada Amer y Reza Farkhondeh, Two Lonely Hearts, 2007.

Los textos son elementos recurrentes en la obra de la artista. Extraídos de fuentes variadas, desde diccionarios a frases reveladoras en libros o artículos prensa, tienen en cada una de las piezas, una relevancia precisa y definida. El texto es trasladado de forma industrial y se dispone, a menudo, con un gran colorido.

Ghada Amer, 100 Words of Love, 2011, edition 1 of 2.

Placer y belleza se dan cita en los intensos y sugerentes trabajos de Ghada Amer. Obras críticas que ofrecen complejos resultados en forma y significado.

AAVV: 2004. Ghada Amer. IVAM, Institut Valencià d'art Modern

http://www.ghadaamer.com/

http://www.culturebase.net/artist.php?1316

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Crítica y placer en la obra de Ghada Amer

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Pinturas aparentemente abstractas formadas por patrones repetitivos de escenas eróticas, personajes femeninos que enmarcan mensajes de liberación, dripping a base de hilos, cien palabras de amor... ¿Quién es Ghada Amer? Ghada Amer, A Beautiful Day for Trini, 2008. Ghada Amer es una artista de origen egipcio, hoy afincada Nueva York.

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Klaus Littmann se crió en Basilea. Tras estudiar en la Academia de Arte de Düsseldorf, donde recibió una fuerte influencia de Joseph Beuys, de quien fue alumno, empezó a trabajar como mediador independiente en el mundo del arte contemporáneo.

Sus proyectos, complejos y espectaculares, tienen una doble aproximación: destacar la preocupación de los artistas por la cultura cotidiana y confrontar el arte contemporáneo con el espacio urbano.

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Who's afraid of red, green and yellow (2019) 

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¿Cómo las obras del artista Rirkrit Tiravanija generan un espacio libre para las relaciones humanas y el intercambio en el sistema global?

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¿Cómo las obras del artista Rirkrit Tiravanija generan un espacio libre para las relaciones humanas y el intercambio en el sistema global?

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Objetivo general: investigar el rol del artista en la sociedad contemporánea
Objetivo particular:  investigar el concepto de estética relacional, la idea de la obra como espacio para la interacción humana.
¿Qué propongo? Analizar los elementos característicos del arte contemporáneo como la postproducción que el artista usa para lograr este ambiente.

RECOMENDACIONES:
1. Perspectiva Multitask y remixeadores. Relación entre el artista visual y el DJ (Sampling)
2. Evaluar la participación
3. Remix teorico con la lectura de Groys - Conceptualismo Global que influencia en el mundo virtual
4. Brodilar el extasis de la comunicación.
5. Martin prada interactividad electronica
6. Zeejek el concepto de interpasibidad.
7. Toda esta locura de la interactividad es falsa. Somos sujetos interpasivos y no interactivos en la red. La red hace todo por nosotros. Satisface un anhelo.

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https://muac.unam.mx/assets/images/Expos%202013/siluetazo-vert.jpg

Unidad 3: Arte, política y los conceptualismos del Sur

Arte conceptual y conceptualismos en Latinoamérica. Revisión histórica del arte político desde la década de los sesenta hasta la actualidad

¿Qué es lo que voy a proponer sobre este tema?

¿Qué dimensión e impacto alcanzó El siluetazo? Apartir de esta pregunta, iré analizado como a partir de una fotografía de Eduardo Gil. Responde a un contexto en específico, es un homenaje, conmemoración en referencia a personas desaparecidas durante la última dictadura militar en Argentina. Cómo dar visibilidad a la presencia de una ausencia, es decir, de cómo representar lo irrepresentable. Asimismo, también relacionarlo con la lectura de Silvio de Gracia, Arte Acción en Latinoamérica.

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https://elpais.com/cultura/2016/01/15/actualidad/1452873143_919945.html

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La exploración frenética y desafiante de Frank Stella

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A diferencia de otros artistas, a Frank Stella (Malden, Massachusetts, 1936) el éxito le llegó con apenas 25 años cumplidos, cuando fue incluido en la ya mítica exposición Sixteen Americans en el MoMA en 1958 y celebró su primera muestra individual en la galería de Leo Castelli.

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https://www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article41687601.html

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GALERÍA: Muestra retrospectiva del artista estadounidense Frank Stella en Nueva York

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Muestra retrospectiva en el museo Whitney de las obras del artista estadounidense Frank Stella, en Nueva York, Estados Unidos, el 28 de octubre del 2015.