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La que muchos creen que es la figura femenina representada en El beso, estrechada en los brazos del pintor, fue una musa que inspiró varios de sus cuadros y bocetos. Incluso tuvo el suyo propio, un retrato que le hizo en 1902. Pero el término de “musa” se queda corto para esta mujer. No muchos conocen la aportación a la moda que hizo esta diseñadora, o que a ella le debemos en buena parte la estrecha vinculación que tuvo el afamado pintor con la ropa.
Final de siglo XIX. Viena. Los polisones, los metros de tela y la ceñida cintura de avispa de una anoréxica Sissi marcan la pauta entre las damas del momento. Contra la ropa encorsetada, varias figuras, ligadas a la efervescencia intelectual y artística de la capital, defendieron unas prendas que ‘liberasen’ el cuerpo femenino de la tiranía de la moda. Flöge encabezaba en Viena ese ‘vestido reforma’, de tejidos vaporosos y siluetas más amplias y fluidas que diseñaba para su tienda, la casa de costura Schwestern Flöge (Hermanas Flöge).

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"Ve a buscar a Emilie" fueron las últimas palabras que dijo Gustav Klimt poco antes de morir de un infarto en 1918. De entre todas las mujeres que el artista austríaco pintó, admiró y a su manera, amó, fue a la empresaria Emilie Flöge, su compañera de vida, a quien dedicó su último aliento.

La que muchos creen que es la figura femenina representada en El beso, estrechada en los brazos del pintor, fue una musa que inspiró varios de sus cuadros y bocetos. Incluso tuvo el suyo propio, un retrato que le hizo en 1902. Pero el término de "musa" se queda corto para esta mujer. No muchos conocen la aportación a la moda que hizo esta diseñadora, o que a ella le debemos en buena parte la estrecha vinculación que tuvo el afamado pintor con la ropa. "Adelantada a su tiempo", como la definió Josep Font a la hora de hablar de una de sus principales inspiraciones para la colección primavera-verano de 2016 de Delpozo, Flöge representó la indumentaria de una oleada revolucionaria liderada por artistas como Klimt que amenazaba los cimientos más conservacionistas del arte.

Final de siglo XIX. Viena. Los polisones, los metros de tela y la ceñida cintura de avispa de una anoréxica Sissi marcan la pauta entre las damas del momento. Contra la ropa encorsetada, varias figuras, ligadas a la efervescencia intelectual y artística de la capital, defendieron unas prendas que 'liberasen' el cuerpo femenino de la tiranía de la moda. Flöge encabezaba en Viena ese 'vestido reforma', de tejidos vaporosos y siluetas más amplias y fluidas que diseñaba para su tienda, la casa de costura Schwestern Flöge (Hermanas Flöge).

En la comercial Mariahilfer Strasse de la capital, Emilie, junto con sus hermanas Heléne y Pauline, abrió en 1904 una tienda en el piso superior del famoso edificio Casa Piccolo, justo encima del café que daba nombre al inmueble. Mientras Emilie se encargaba de los asuntos artísticos y del taller, que llegó a incluir a 80 costureras, Pauline dirigía la parte de oficina y Helene se hacía cargo de los clientes. Para empaparse de las tendencias, Emilie viajaba varias veces al año a París y Londres, desde donde traía los más novedosos textiles que adaptaba para las figuras más opulentas de la sociedad vienesa. Aunque ella prefería los modernos trajes reforma, demasiado adelantados para aquel entonces, la casa de costura sobrevivió gracias a las ganancias de la alta costura más tradicional.

Schwestern Flöge bien podría pasar por un antecedente de concept stores como la recién desaparecida Collette o Dover Street Market. La estrecha vinculación de Emilie con la Wiener Werkstäte, la asociación vienesa que integraba artistas, arquitectos y diseñadores del momento, hizo que su local fuese el epítome de lo moderno tanto en la estética como en el concepto de tienda. Fue considerado uno de los primeros ejemplos de interiorismo comercial concebido como una obra de arte completa: elegantemente amueblado al estilo art-nouveau de la Wiener por Joseff Hoffmann y Koloman Moser, miembros destacables de la asociación, el propio Gustav Klimt les diseñó el logo de la firma.

En la recepción de la tienda acostumbraban a tener vitrinas expositoras con retales de bordados y estampados folk que Emilie coleccionaba de Centro Europa, especialmente de Eslovaquia. También se podían comprar allí piezas de joyería creadas por la Wiener Werkstäte (a menudo firmadas por Koloman Moser), para las que la propia Emilie ejercía como modelo. La clientela de las hermanas Flöge estaba integrada por la alta burguesía y solía coincidir con los cultivados empresarios industriales judíos que apoyaban a Gustav y recibían sus ideas y obras de arte con entusiasmo.

Como demuestran sus pinturas, Klimt daba mucha importancia al diseño y estilismo de sus mujeres retratadas. El artista apoyó la tienda de Emilie creando estampados y prendas largas y holgadas, como la conocida túnica que él mismo solía llevar cuando pintaba. Se influyeron mutuamente, con un estilo por un lado orientalista y por otro geométrico que se adelantó algunos años al de Sonia Delaunay. ¿Su máxima inspiración? La estética de la Wiener y los mosaicos bizantinos de Rávena que habían fascinado a Gustav en un viaje a Italia en 1903 (sí, bastante antes de que Dolce & Gabbana los subiese a la pasarela). La propia Emilie Flöge vistió con diseños propios a algunas de las modelos del pintor, como a la joven Mada Primavesi con un vestido de flores bordadas o a Adele Bloch-Bauer para el famoso cuadro La dama de oro.

Como un Karl Lagerfeld de fin de siglo, Klimt fotografió a menudo las prendas que diseñó. Es conocida una sesión que hizo con vestidos de verano creados por él mismo. Un auténtico lookbook de comienzos de s. XX en el que inmortalizó a Emilie en el río Atter, cerca de la casa familiar Flöge donde Gustav solía pasar los veranos tras la muerte de su hermano Ernst, que se había casado con Helene Flöge.

La casa de costura Schwestern Flöge sobrevivió hasta 1938. Con la ocupación nazi de Austria, y con la mayoría de sus clientes de ascendencia judía, las hermanas tuvieron que echar el cierre a una tienda que durante 34 años fue el lugar donde las mujeres más progresistas de Viena hacían el peregrinaje. Las Flöge no tuvieron competencia en la capital hasta que la propia Wiener abrió su departamento de moda, en 1911.

La naturaleza de la relación entre Gustav y Emilie está envuelta en una nube de misterio. Se especula que podían haber sido amantes en una época temprana, pero mantuvieron una relación en la que nunca se casaron y que dio para que el pintor tuviese escarceos con diferentes mujeres y hasta catorce bastardos. En cualquier caso, para algunos fue "la persona más importante de su vida", como describió Tobias Natter para el New York Times. Quedó patente su complicidad en sus fotografías, algunas de sus pinturas y las 400 postales que el pintor le escribió durante su vida. Muchas de sus posesiones, algunas de ellas parte de la herencia que le legó Klimt, se quemaron en un incendio en su apartamento. Emilie Flöge murió en 1952, treinta y cuatro años después que el artista, por un fallo de riñón.

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Emilie Flöge, la musa de Klimt que la moda olvidó | Actualidad, Moda | S Moda EL PAÍS

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"Ve a buscar a Emilie" fueron las últimas palabras que dijo Gustav Klimt poco antes de morir de un infarto en 1918. De entre todas las mujeres que el artista austríaco pintó, admiró y a su manera, amó, fue a la empresaria Emilie Flöge, su compañera de vida, a quien dedicó su último aliento.

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Una de sus constantes fue el deseo de unir arte y vida. “Si el arte está dentro de ti puede estar en todas partes”

Pintora y diseñadora de origen ucraniano. Junto con su marido Robert Delaunay fueron grandes representantes del arte abstracto y creadores del simultaneísmo, un innovador y original lenguaje artístico con el que quisieron traspasar a la pintura las teorías científicas del color, concretamente la referida al contraste simultáneo de los colores que les llevó a la disolución de la forma a través de la luz y les encaminó hacia la abstracción.

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Sonia Delaunay, el arte que invade la sociedad

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https://caixaforum.org/es/sevilla/p/tattoo_a164391741
La práctica de tatuar ha dado lugar a intercambios entre países, culturas y sociedades y se ha convertido en un fenómeno global en la presente creación artística.

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El proyecto del Vestido Rojo, concebido por la artista británica Kirstie Macleod, proporciona una plataforma artística para mujeres de todo el mundo, muchas de las cuales son vulnerables y viven en la pobreza, para contar sus historias personales a través del bordado.

Desde 2009 hasta 2023, las piezas del Vestido Rojo viajaron por todo el mundo siendo continuamente bordadas. Confeccionada con 87 piezas de seda dupión burdeos, la prenda ha sido trabajada por 367 mujeres/niñas, 11 hombres/niños y 2 artistas no binarios de 51 países. Todos los 141 bordadores comisionados fueron remunerados por su trabajo y reciben una parte de todas las tarifas de exposición en curso, mercancía y la oportunidad de vender sus trabajos a través de la tienda Etsy del Vestido Rojo. El resto del bordado fue realizado por el público dispuesto en diversas exposiciones y eventos.

Los bordadores incluyen a mujeres refugiadas de Palestina, Siria y Ucrania, mujeres que buscan asilo en el Reino Unido procedentes de Irán, Irak, China, Nigeria y Namibia, sobrevivientes de guerras en Kosovo, Bosnia y Herzegovina, Ruanda y la República Democrática del Congo; mujeres empobrecidas en Sudáfrica, México y Egipto; individuos en Kenia, Japón, Turquía, Jamaica, Suecia, Perú, República Checa, Dubái, Afganistán, Australia, Argentina, Alemania, Suiza, Canadá, Tobago, Vietnam, Estonia, Estados Unidos, Rusia, Pakistán, Gales, Colombia e Inglaterra, estudiantes de Montenegro, Brasil, Malta, Singapur, Eritrea, Noruega, Polonia, Finlandia, Irlanda, Rumania y Hong Kong, así como estudios de bordado de alta gama en India y Arabia Saudita.

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Es sin duda la artista portuguesa más célebre del mundo del arte contemporáneo. La talentosa Joana Vasconcelos, que lleva la insignia de haber sido la primera mujer elegida para poblar con sus obras las suntuosas salas del Museo Versailles (2012), es conocida por sus monumentales esculturas realizadas a base de materiales "innobles" sacados del universo doméstico y femenino (cacerolas, cucharas de plástico, botellas y hasta tampones higiénicos) y por sus increíbles trabajos realizados con ganchillo.

Crítica feroz de la sociedad de consumo pero también de los clichés asociados a las tareas de la mujer en el hogar, las obras de Vasconcelos apuestan por una reivindicación de la cultura popular de su país y rinden homenaje a una de las técnicas clásicas de la tradición portuguesa.

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Website oficial da artista portuguesa Joana Vasconcelos

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ENLACE PROCESO DE TRABAJO:
Reenchantment. Małgorzata Mirga-Tas directed by Anna Zakrzewska

ENLACE ARTÍCULO CADENA SER: https://cadenaser.com/andalucia/2023/09/28/las-obras-artisticas-de-la-romani-malgorzata-mirga-tas-desafian-los-estereotipos-en-el-caac-radio-sevilla/

Malgorzata Mirga-Tas (Zakopane, Polonia, 1978), artista, docente y activista romaní que, mediante la “puntada subversi- va”, teje relatos visuales protagonizados por mujeres con los que conforma una icono- grafía gitana positiva.
Conceder voz a las minorías para que estas hablen y contribuyan a enriquecer la larga conversación de su nuestra cultura y su historia.
Ha sido la primera mujer de etnia Gitana que ha expuesto en solitario su obra en un pabellón nacional en la bienal de arte de Venecia.

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Małgorzata Mirga-Tas / Pavilion of Poland at Venice Art Biennale 2022

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Jessica Worrall: la artista que viste a las mujeres renacentistas con diseños de las pasarelas actuales

¿Y si Lucrecia de Médici hubiera lucido las esculturales piezas de Schiaparelli? ¿Y si la María Magdalena de Caravaggio fuera fan de Commes Des Garcons? Estas son algunas de las utopías estilísticas a las que esta joven artista que triunfa Instagram da vida en sus collages.
Más allá de la pasarela, hay nuevas fórmulas que aúnan moda y arte y que suceden también de manera digital. Ese es el caso de la obra de Jessica Worrall, una artista gráfica que decidió preguntarse un día qué sucedería si vistiera a las protagonistas de retratos del Renacimiento con algunos de los diseños más rompedores de las pasarelas actuales

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Vestido ‘Mondrian’, Yves Saint Laurent (1965)

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Vestido ‘Mondrian’, Yves Saint Laurent (1965)

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El diseñador francés Yves Saint Laurent estaba enamorado del arte y lo reflejaba en sus creaciones. Una de ellas, fue el famoso vestido Mondrian inspirado en la corriente artística denominada Neoplasticismo y en la obra Composición II; composición con azul y rojo del pintor holandés Piet Mondrian.
El Neoplasticismo surgió en Holanda en los años 20 y tiene su origen en la Abstracción Geométrica. Busca la simplicidad de colores y formas, lo esencial, se inspira en la naturaleza, en la armonía y en el uso de colores primarios planos.
El vestido Mondrian es un vestido de cóctel recto con cuello redondo y sin mangas. Una obra simple al igual que el lienzo del pintor holandés. El diseñador utilizó el vestido como un lienzo donde se adapta de forma estratégica las figuras cuadradas en blanco, rojo, amarillo o azul  limitadas por  gruesas líneas negras.

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El diseñador francés Yves Saint Laurent creó el vestido Mondrian inspirado en el movimiento artístico; el Neoplasticismo y en la obra del pintor Piet Mondrian.

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Tras vivir trece años fuera de España, estudiar en Suiza, Londres y recorrerse todas las ferias de arte internacionales, vuelve pisando fuerte creando un nuevo concepto de moda: unir el arte y la moda bajo una prenda que hasta ahora estaba olvidada, de una manera totalmente innovadora. “YOU ARE THE CANVAS”

La firma Arena Martinez, consigue plasmar los cuadros y obras de los artistas contemporáneos más importantes en las telas de su prenda estrella: el kimono. Elije al artista, estudia su obra, la observa, y aquello que le provoca un sentimiento lo convierte en su nueva colección. La diseñadora tiene como objetivo, que aquellas personas que vistan sus prendas tengan un carácter y estilo propio, sin necesidad de tener que fijarse en como viste la persona que está al lado, sin seguir tendencias, y sobre todo mujeres elegantes, atrevidas y contemporáneas.

Marina Carrasco Hernández.

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Jeremy Scott, buceó en la obra de Pablo Picasso para crear una colección desbordante de arte y color: las pinturas cubistas de Picasso cuya temática eran los in

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enlace: https://www.harpersbazaar.com/es/moda/noticias-moda/a29138489/moschino-desfile-picasso-rosalia-espana-milan-fashion-week/https://www.harpersbazaar.com/es/moda/noticias-moda/a29138489/moschino-desfile-picasso-rosalia-espana-milan-fashion-week/

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Ariel Adkins: moda inspirada en obras de arte

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Ariel Adkins: moda inspirada en obras de arte

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enlace: https://purodiseno.lat/hacedores/ariel-adkins-disena-moda-inspirada-en-obras-de-arte/

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Sus coloridos diseños mimetizados con pinturas célebres son sensación en las redes. Una obra maestra viviente y fashionista.

Las obras de arte más famosas se estampan en coloridos diseños artesanales.

Su nombre es Ariel Adkins y es una bloguera sintetizó con estilo y personalidad su gusto por la moda y el arte. Ella es curadora de arte, cultura y comunidad en Twitter.

¿Cómo lo hizo? Desde Nueva York e inspirándose en obras maestras de la pintura universal de todos los tiempos, Ariel Adkins comenzó a diseñar prendas inspiradas en estas célebres pinturas de una manera original y atractiva.

La mayoría de sus diseños son vestidos, pero Ariel Adkins también hace camisetas, capas, monos y hasta máscaras que se confunden con el lienzo original si se coloca frente a la obra que la inspiró.

Su técnica es pintar directamente sobre la prenda, aplicando los colores y las formas de la obra. Y se calcula que su placard de moda y arte tiene más de 60 piezas que representan a los más representativos movimientos artísticos de la historia del arte.

Y lo que comenzó como una forma de duelo y catársis frente a la pérdida de su madre artista, poco a poco su trabajo artesanal tuvo tanta repercusión en Instagram @artfullyawear y aceptación en Internet en general que Ariel Adkins creó Artfully Awear, un "movimiento" según ella misma lo presenta a través de la cual produce réplicas de sus originales diseños de moda y arte.

El vestido de la diseñadora Michelle Smith usado por Michelle Obama en el retrato de Amy Sherald.

Un mono inspirado en Nenúfares de Claude Monet.

Adkins también organiza talleres y conferencias para replicar su proceso creativo.

"Uno debe ser una obra de arte o usar una obra de arte ", cita a Oscar Wilde para expresar su anhelo por multiplicar su afición por vestirse como una obra de arte viva.

Recientemente, Ariel Adkins expandió su arco de inspiración y también incluyó murales entre sus estampados a reproducir.

Ella participó del Festival Mural de Vancouver, Canadá, anual, una celebración artística que deja murales públicos permanentes en el vecindario de Mount Pleasant, en el centro de Vancouver, y la fundadora de Artfully Awear pintó un vestido inspirado en el mural "We Are Croutons Floating in Cosmic Soup" de David Shillinglaw.

Más información: purodiseno.lat

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ariel adkins diseña sus vestidos inspirada en obras de arte artfully awear

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Ariel Adkins diseña sus vestidos inspirada en obras de arte

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Las obras de arte más famosas se estampan en coloridos diseños artesanales de Ariel Adkins de Artfully Awear

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ALEXANDER MCQUEEN Y LA COLABORACIÓN CON EL BOSCO

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ALEXANDER MCQUEEN Y LA COLABORACIÓN CON EL BOSCO

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Alexander McQueen, conocido como "el padre de la moda salvaje" fue un artista que utilizo la moda como medio de expresión, creando un estilo barroco, gótico, dramático y onírico. También fue un diseñador británico conocido en el mundo de la moda por haber liderado el equipo de diseño de firmas tan prestigiosas como Givenchy o Gucci.

Página web oficial de Alexander McQueen:

https://www.alexandermcqueen.com/en-gb

-Y una página donde se muestran varias imágenes

El Bosco, también conocido como Jheronimus van Aken, fue un pintor flamenco del Renacimiento conocido por su estilo surrealista y simbólico. Sus obras más famosas incluyen "El Jardín de las Delicias" y "El carro de heno".

Página web de las obras de arte más relevantes del Bosco

https://www.wikiart.org/es/el-bosco

-Un vídeo de sus obras (Museo del Prado)

https://www.youtube.com/watch?v=DLAXbYLM6vo

-Una de las obras más famosas es el ''Jardín de las delicias''

https://www.youtube.com/watch?v=4-KNtPv4I4E

Elvira García Domínguez

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Exploring the concept of humanity, details drawn from the Dutch master's triptych, The Garden of Earthly Delights, enrich the Alexander Mcqueen's Spring/Summer 2023 collection as seen across ready-to-wear and accessories. [Photo Credit: alexandermcqueen.com]

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Alexander McQueen 'Hieronymus Bosch' Collection - Tom + Lorenzo

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Exploring the concept of humanity, details drawn from the Dutch master's triptych, The Garden of Earthly Delights, enrich the Alexander Mcqueen's

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Enlace: https://youtu.be/uFpov2jWhfc?si=vWXbINLkr4UvK_iK

Charles de Vilmorin es un diseñador de moda francés, actualmente al frente de Rochas. Nació en una ilustre familia francesa amante del arte, la confección y el diseño. Comenzó a crear trajes para sus barbies siendo un niño. “ Mi abuela y mi bisabuela diseñaban vestidos de novia . En casa siempre se ha hablado de moda de manera que todo ha sido muy natural para mí ”, señalaba en una entrevista en vogue.com .
De Vilmorin es uno de los grandes exponente del proceso de cambio y renovación que vive la Alta Costura. “Para mí, la alta costura no implica lujo necesariamente. La alta costura representa toda una fantasía que se sale de lo ordinario. Por eso es ahí donde quiero estar”

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Charles de Vilmorin Haute Couture SS 2021

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"El muro de las resistentes" Kimiko Nonomura

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"El muro de las resistentes" Kimiko Nonomura

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"Este muro de las resistentes puede destruir el Muro. La verdad viene con el coraje indomable. Las mujeres saharauis tienen un espíritu intrépido. Así son las virtudes morales de la sabiduría y el coraje. El Muro de la Justicia de la Mujer no se puede romper con martillos ni con bombas. Sería reconstruido, reforzado. Sólo a través de la conciencia, una conciencia global, se puede desmontar esta monstruosidad. Sólo sintiendo su lucha, serán otros pueblos del mundo capaces de hablar en su nombre". La acción “El Muro de las Resistentes” de la artista japonesa refleja el muro de resistencia de las mujeres, una cadena iniciada por cien mujeres saharauis frente al Muro de la Vergüenza marroquí, expresándose libremente para traer la independencia a una tierra libre y portando una singular pancarta, un mural textil construido con muchos trozos de melfa arrancados de sus propios ropajes por las mujeres saharauis para dárselos a la artista. “Quiero crear la experiencia, tanto estructural como emocional, del muro –decía Kimi antes de la acción-. Quiero que experimenten con mi intervención grandes deseos de derribar el muro para liberar a aquellos saharauis que divide”. La acción sigue en proceso. Más mujeres pueden unirse a esta cadena, al “Muro de la Resistentes” (info@artifariti.org).

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EL MURO DE LAS RESISTENTES de Kimiko Nonomura

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"MOTHER OF PEARL" DE AMY POWNEY: REINVENTANDO LA MODA

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"MOTHER OF PEARL" DE AMY POWNEY: REINVENTANDO LA MODA

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WEB: https://motherofpearl.co.uk/
CHARLA TED:
How to Fix Fashion and Protect the Planet | Amy Powney | TED

Amy Powney es una diseñadora de moda, directora creativa y activista con sede en el Reino Unido que vive en Londres. Desde los 10 años, creció en una granja fuera de la red en el campo de Lancashire, junto a su hermana y sus padres. La falta de materialismo en su familia se convirtió más tarde en la base de su comprensión de cómo damos y tomamos de la Tierra.

En 2002, Amy dejó su hogar en el norte del condado para estudiar Diseño de Moda en la Universidad de Kingston. Al completar su grado, comenzó a trabajar en Mother of Pearl en 2006 como asistente, encargada de barrer el suelo del cuarto de corte. A partir de ahí, Amy ascendió a Gerente de Estudio y finalmente asumió el cargo de Directora Creativa y propietaria.

En 2017, Amy ganó el Fondo de Moda del Diseñador BFC/Vogue, lo que le permitió lanzar No Frills en 2018. Se trata de una colección principal fabricada con materiales orgánicos y naturales, con una cadena de suministro transparente, priorizando la responsabilidad social, el respeto a los animales y un bajo impacto ambiental. Todo lo que Amy aprendió al crear la colección No Frills se aplica ahora a toda la marca Mother of Pearl, convirtiéndola en la etiqueta más rastreable y transparente en el Reino Unido. El viaje de Amy para incorporar la sostenibilidad en el negocio de Mother of Pearl es ahora el tema de un nuevo documental de Becky Hutner, "Fashion Reimagined", que se estrenó en cines en marzo de 2023.

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Fashion Reimagined | Official Trailer | MetFilm Sales

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ENLACES:
TATOO DE TODO TIPO: https://mayalenpiqueras.com/tatuajes-de-todo-tipo/

DISEÑOS TATUAJES: https://photos.google.com/share/AF1QipNJdFCh6O3hh5OgH09gJHaZaEN6LyLT6uAWBE7wIM6p1iHVhDqt41AeNHBCLZmuEQ?hl=es&key=YlhOOXlpVHhpMnpiRTQ4YmFpQkxaV2tXNlhlb2d3

NOS TATUAMOS: https://photos.google.com/album/AF1QipNiCaekOYyteo9jum82VmtHD1kf5Qgn3HmCGHwz?hl=es

https://photos.google.com/album/AF1QipPnxwyuW8urDmz-s80HP_cagH3iBEzecgJAv1Ka?hl=es

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Manuel Fernández es uno de esos artistas consagrados por su trayectoria y su apuesta decidida por la moda y la sostenibilidad. Uno de esos artistas comprometido y con una sensibilidad especial que en su momento decidió revertir a la sociedad sus décadas de experiencia y compromiso con la moda y el arte en sostenibilidad y responsabilidad social.

Otra de sus innovadoras fórmulas ha sido enriquecer el sector de la moda y la formación a través de talleres de costura, reciclaje y arte, en los que ha trabajado, sobre todo, con colectivos en riesgo de exclusión social.

Desde el año 2012 el diseñador ha impartido talleres para víctimas de la trata, presas, colectivos de mujeres gitanas, en España y toda Latinoamérica, y ha colaborado y colabora con más de 20 ONG´s.

Manuel Fernández, con una brillante trayectoria profesional a sus espaldas, tuvo en 1998 la feliz iniciativa de intentar fusionar Arte y Moda, aunando en una misma pieza el trabajo de artistas de reconocido prestigio y el propio diseño, consiguiendo unos resultados de una riqueza plástica excepcional y abriendo nuevos campos de investigación de sus colecciones de moda. Para ello solicitó a artistas plásticos de España y América Latina que crearan sus obras utilizando como lienzo los diseños creados por Manuel para cada uno de ellos. En su recorrido latinoamericano Fashion Art alcanzó el millón de visitas, y un impacto de 35 millones de personas.

MARTA MORENO MONUERA

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*Cuando la moda es verdadero arte :

Del Mondrian de Yves Saint Laurent a la reciente colaboración de Luis Vuitton con el artista Jeff Koons de la cual vamos a hablar. Hacemos un recorrido por la historia, destacando las veces en las que los diseñadores se han inspirado en el arte para sus colecciones.

El arte y la moda siempre han tenido una estrecha relación. Ambas son expresiones estéticas, beben de la creatividad de sus interpretes y, además, en numerosas ocasiones, se han inspirado la una en la otra. Prueba fehaciente de ello es la reciente colaboración de Louis Vuitton con el artista Jeff Koons. Y aunque no es la única vez que la maison se ha inspirado en el mundo del arte; sí es la primera en la historia de Louis Vuitton que se ha permitido a un artista reconfigurar su famoso monogram.

En este sentido, y bajo el nombre ‘Masters’, Koons ha versionado obras clásicas de los grandes de la pintura como Da Vinci, Tiziano, Reubens, Fragonard y Van Gogh; usando como lienzo único los bolsos más icónicos de Vuitton como el modelo Speedy, el Keepal o el Neverfull, entre otros. El resultado ha sido todo un éxito dentro de la industria, no solo por la ingeniosidad de la idea, sino por la calidad y el talento que han reunido en esta exclusiva colaboración. Jeff Koons es considerado uno de los creadores contemporáneos más cotizados del momento, por lo que la maison no podría haber escogido a nadie mejor para dar una nueva vida a sus clásicos.

ENCARNI LEAL QUESADA.

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WEB: https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/ernesto-neto-el-cuerpo-que-me-lleva

Nacido en 1964 en Río de Janeiro, Brasil.

Vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil.

Ernesto Neto crea esculturas y entornos esculturales que a menudo implican técnicas y materiales artísticos no tradicionales, como tejidos elásticos y semitranslúcidos, cojines y crochet, especias aromáticas y música. La obra de Neto se dirige a la totalidad del cuerpo del espectador y convierte a este espectador en un participante activo y autónomo de la experiencia de la obra de arte.

Las obras más conocidas son sus entornos envolventes, a gran escala, poblados a menudo por formas amorfas pendulares que, en muchas ocasiones, crean una atmósfera de irreverencia juguetona. Están compuestas por formas abstractas y aparentemente sencillas, en realidad en estas obras Neto emplea cuidadosamente los materiales.

LAURA VECINO GONZÁLEZ.

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¿Qué es ?La práctica de tatuar ha dado lugar a intercambios entre países, culturas y sociedades y se ha convertido en un fenómeno global en la presente creación artística

Artistas que lo trabajan:

Alexa Meade

Guido Daniele

Emma Fay

Craig Tracy:

Es un artista de pintura corporal estadounidense y una personalidad de la televisión con sede en Nueva Orleans, Luisiana.

Tracy estableció la PaintedAlive Gallery, la primera galería del mundo dedicada al arte de la pintura corporal. En 2009, la galería pasó a llamarse Craig Tracy Gallery para aclarar mejor que alberga y vende sus obras personales.

Realizado por: Jose Pedro Álvarez Morán

4 Eso D

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Fantastic Body Painting Master, Craig Tracy.

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¿Que es?: La pintura corporal es una forma de arte corporal en el que el trabajo artístico es pintado directamente sobre la piel humana. A diferencia de los tatuajes u otras formas de arte corporal, la pintura corporal es temporal, dura desde unas horas hasta unas pocas semanas.

Artistas: Craig Tracy,Alexa Meade,Jody steeal,Emma Hack,Guido Daniele, Entre muchos más.

Biografía de Craig Tracy: Nació y creció en nueva Orleans, una de las ciudades de Estados Unidos en las que el arte urbano ha gozado de una gran popularidad a lo largo de la historia. Desde muy pequeño el artista sentía un vínculo especial que lo unía al mundo del arte. Siempre contó con el apoyo de su familia, lo cual le permitió ser totalmente libre para desarrollar su faceta artística.

Diego Cuadrado Gomis 4B

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Emma Hack. Australiana e ilustradora de la piel. Sus creaciones decoran la piel de sus modelos consiguiendo un increíble mimetismo entre el cuerpo y el fondo que lo rodea.

Pinta los cuerpos meticulosamente a mano y hace que coincidan a la perfección con su entorno hasta llegar a un punto en que casi desaparecen y llegan incluso a engañar al ojo humano.

web: https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwjRptCzpqeCAxX8M1kFHeG9CGsQFnoECBAQAQ&url=https%3A%2F%2Fwww.qwertymagazine.com%2Femma-hack-el-arte-sobre-la-piel%2F&usg=AOvVaw165gTs7qdNlbhzNXghR5Fv&opi=89978449

Elia Guillemín Sánchez 4ºB

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Instagram: @alexameadeart

https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/19546-los-cuadros-vivientes-de-alexa-meade-que-desafian-la-realidad.html

https://www.youtube.com/channel/UCE8jmoni1u-okx5VbIC9ESQ

https://www.facebook.com/alexameade/?locale=es_ES

Alexa Meade ​ es una artista de instalaciones estadounidense conocida por sus retratos pintados directamente en el cuerpo humano y objetos inanimados de manera que rompa la profundidad y haga parecer a sus modelos bidimensionales cuando se les fotografía.

Meade nació en Washington D.C., y creció en Chevy Chase, Maryland.Se graduó en Ciencia Política en 2009 en el Vassar College, en Poughkeepsie, Nueva York.​ Inicialmente planeaba una carrera en política, por lo que estuvo en prácticas con congresistas y senadores en el Capitolio de los Estados Unidos, y luego trabajó como asistente de prensa en la campaña presidencial de Barack Obama en 2008.​ Decidió hacerse artista profesional en 2009, aprendiendo por su cuenta cómo pintar mientras inventaba su propio estilo.

Mercedes Mateo 4ºB.

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Nacido en Casablanca (Marruecos) en 1949, después graduarse en la École des Beaux-Arts y en la École Supérieure des Industries du Vêtement, comenzó a trabajar en su propia colección femenina dentro de la marca Ko and Ko.

Lanzó su primera colección en 1970 y poco después, y bajo el paraguas del grupo Créateurs & Industriels, comenzó a ser conocido por sus propuestas excéntricas, coloristas y rompedoras.

Antes de crear su propia etiqueta, colaboró con Max Mara y creó una colección para la marca ICEBERG . Con su propia firma llegarían sus primeras prendas masculinas y su primera fragancia, Première.

Una de las constantes en la producción de Castelbajac es el empleo de los colores y de iconos de la cultura popular ; “una adicción”, según él. Comenzó usando personajes de la factoria Disney para estampar jerséis durante su etapa al frente de ICEBERG, y ha continuado con el uso de otros viejos conocidos como Snoopy o la Rana Gustavo, también en Benetton , marca de la que es director creativo desde el 2018.

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Diseñador

© Cortesía JC de Castelbajac

Conocido y reconocido por su marcado espíritu pop, el diseñador Jean-Charles de Castelbajac es, junto a Yves Saint Laurent y otros creadores franceses, uno de los máximos exponentes de la ruptura que se produjo en el mundo -también en el de la moda y la estética- tras la revolución de Mayo del 68.

Nacido en Casablanca (Marruecos) en 1949, después graduarse en la École des Beaux-Arts y en la École Supérieure des Industries du Vêtement, comenzó a trabajar en su propia colección femenina dentro de la marca Ko and Ko.

Lanzó su primera colección en 1970 y poco después, y bajo el paraguas del grupo Créateurs & Industriels, comenzó a ser conocido por sus propuestas excéntricas, coloristas y rompedoras.

Antes de crear su propia etiqueta, colaboró con Max Mara y creó una colección para la marca ICEBERG. Con su propia firma llegarían sus primeras prendas masculinas y su primera fragancia, Première.

Una de las constantes en la producción de Castelbajac es el empleo de los colores y de iconos de la cultura popular; "una adicción", según él. Comenzó usando personajes de la factoria Disney para estampar jerséis durante su etapa al frente de ICEBERG, y ha continuado con el uso de otros viejos conocidos como Snoopy o la Rana Gustavo, también en Benetton, marca de la que es director creativo desde el 2018.

Otra constante en su trabajo es la colaboración con artistas como Miquel Barceló, Loulou Picasso o Hervé Di Rosa, un rasgo que le ha hecho merecedor de no pocas retrospectivas en instituciones como el Fashion Institute of Technology de Nueva York o el Victoria & Albert Museum de Londres.

Historia

2018

Es nombrado director creativo de Benetton.

2010

Crea el vestuario para Lady Gaga y Beyonce en el vídeo de Telephone.

2008

Inaugura su primera tienda en Londres.

2006

Se inaugura la exposición Propaganda en el Victoria & Albert de Londres.

2001

Se pone a la venta su tercer perfume, Doudou.

2000

Presenta su primera y única colección de Alta Costura: Bellintellingentzia.

1999

Pasa a presidir la parte de prêt-à-porter de la Chambre Sydicale.

1997

Crea el vestuario para el Papa Juan Pablo II en el Día de la Juventud celebrado en París.

1993

Crea dos relojes para Swatch. Colabora con André Courrèges.

1989

Se inaugura su segunda tienda en París. Vanessa Paradis desfila para su firma.

1988

Crea el abrigo Teddy Bear, una prenda compuesta de osos de peluche. Lanza su segundo perfume JCC No. 2.

1986

El Institute of Technology de Nueva York le dedica una retrospectiva.

1985

Exhibe sus creaciones en el Museo de Arte Moderno de Troyes.

1982

Presenta sus primeros vestidos pintados.

1980

Lanza el perfume Première.

1979

Se convierte en miembro de la Chambre Syndicale de la Haute Couture.

1978

Sale de Créateurs & Industriels y crea su propia compañía bajo el nombre Jean-Charles de Castelbajac.

1977

Desfila por primera vez en Japón. Inaugura su primera boutique en Tokio. Diseña el vestuario de Kraftwerk y de Farrah Fawcett en Los Ángeles de Charlie.

1976

Crea el vestuario de Isabelle Adjani para la película Violette et François. También participa en Annie Hall de Woody Allen. Diseña para ICEBERG.

1974

Conoce a Malcolm McLaren y a Vivienne Westwood.

1972

Inaugura su primera tienda en el 31 de la Place du Marché Saint-Honoré de París. Se une como diseñador a Creators and Industrialist. Aparece por primera vez en la portada de Vogue.

1970

Diseña una colección de jeans para la marca italiana Jesus.

1969

Se celebra el pirmer desfile de la firma.

1968

Crea su primera colección de pret-â-porter femenino para la firma Valmont, una compañía fundada por su madre. Tras los acontecimientos de Mayo del 68, la firma pasa a llamarse Ko & Ko.

1949

Jean-Charles nace en Casablanca. Su padre es el marqués de Castelbajac.

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Jean-Charles de Castelbajac en

Lo último de Jean-Charles de Castelbajac

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© Cortesía JC de Castelbajac Conocido y reconocido por su marcado espíritu pop, el diseñador Jean-Charles de Castelbajac es, junto a Yves Saint Laurent y otros creadores franceses, uno de los máximos exponentes de la ruptura que se produjo en el mundo -también en el de la moda y la estética- tras la revolución de Mayo del 68.

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Artista italiana con una grandísima calidad.Esta obra, con Alien, fue la ganadora del premio en efectos especiales del Festival Mundial de Body Painting 2013.

Fiorella Scatena es maquilladora, campeona italiana y mundial de pintura corporal. Nacido en Pisa en 1984, residente en Toscana pero conocido y solicitado en toda Italia y en el extranjero.
Actualmente trabaja como profesora en la Academia Profesional de Maquillaje Artístico de Milán, colabora como maquilladora al servicio de numerosos fotógrafos y clientes privados, y es invitada como Body Painter en lugares prestigiosos, eventos de moda, programas de televisión, ferias. y espectáculos internacionales.
Fascinada por la combinación de sus grandes pasiones, la pintura y el maquillaje, experimentó por primera vez con el body paint en 2006. Inmediatamente comenzó a participar en diversos concursos, consiguiendo 2 victorias y 3 medallas de plata, clasificándose como finalista en el Festival Italiano BodyPainting durante 3 años consecutivos y ganando el Premio del Público en el 'European BodyArt Contest' de Einat Dan.
Web: http://www.fiorellascatena.com/
Jairo García Mier

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Alexa Meade ​ es una artista de instalaciones estadounidense conocida por sus retratos pintados directamente en el cuerpo humano y objetos inanimados de manera que rompa la profundidad y haga parecer a sus modelos bidimensionales cuando se les fotografía.

A lo largo de su carrera ha desarrollado una técnica que le permite crear una ilusión óptica. La técnica del “trompe l’œil” engaña el ojo al hacerle creer que está viendo un espacio en tres dimensiones en una superficie 2D

Web: https://www.alexameade.com/

Zoé González Robles

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Emma Fay:
Emma Dawes (nacida en 1987), conocida profesionalmente como Emma Fay, es una artista visual inglesa especializada en pintura corporal y maquillaje. Sus cuerpos humanos pintados están documentados a través de fotografías y películas, además de crearse como instalaciones en vivo. Fay ha creado obras de arte para dominios comerciales y su propia práctica de bellas artes.

Las obras de arte combinan su técnica de pintura corporal con la práctica física del contorsionismo y exploran la idea de evolución. La serie ha aparecido en The Guardian y The Telegraph.

web:https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwj-mcjFpqeCAxWxEVkFHSM3BWgQFnoECBgQAQ&url=https%3A%2F%2Femma-fay.co.uk%2F&usg=AOvVaw0bamZ1_jVvTLBep_7cCIgx&opi=89978449

Angélica Porrúa Nieto

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¿Que es?

El arte en el tatuaje es una fusión de habilidad técnica, creatividad y significado personal. Los tatuadores son artistas que utilizan la piel humana como lienzo, creando diseños que van desde los más simples y minimalistas hasta los más intrincados y detallados.

Artistas que los trabajan: Amanda Wachob

Chaim Machlev, Xoïl ,Peter Aurisch.

Amanda wachob :Amanda Wachob es una tatuadora conocida por su capacidad para realizar diseños increíblemente detallados y realistas en tinta de diferentes colores. Sus diseños pueden variar desde figuras geométricas, hasta mariposas con colores brillantes.

Bibliografia:Amanda Wachob es una tatuadora que reside en Brooklyn, NY. Después de graduarse en la escuela de arte no tiene muy claro qué hacer, y animada por sus amigos decide convertirse en aprendiz de tatuadora.

Realizado por Jose Maria Vidal Alonso de 4ºD

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Iris Van Herpen es una reconocida diseñadora holandesa.

El trabajo de iris es logra ese difícil equilibrio entre la artesanía y la innovación tecnológica y la experimentación con los materiales, generando una particular forma de hacer alta costura.

En el proceso lo que mas trabajo conlleva es la investigacion y en 2007 creo su propia etiqueta, sus creaciones son para la mayor parte para actrices, cantantes y celebritis en general.

Pagina web:https://www.irisvanherpen.com/

Luis Miguel Jimenez Portillo

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Nacido bajo el nombre de Juan Carlos Antonio Galliano-Guillén es un diseñador de moda británico, su padre era llanito (gibraltareño) y su madre española. Se trasladó a Londres cuando era niño y recibió educación en la Wilson's School de Wallington. En 1984 se graduó en diseño de moda de la St. Martin's School of Arts, con una colección inspirada en la Revolución francesa. Tras ello estableció su propia marca, con su nombre, iniciando así una sólida carrera como diseñador de modas. Le fue otorgado el premio Diseñador Británico del Año en 1987, 1994 y 1995. En 1997 compartió el premio con Alexander McQueen, su sucesor en la firma Givenchy. Ha trabajado también con Susannah Constantine.

Su amor por el teatro y la femineidad juegan un papel central en sus creaciones; «Mi papel es seducir», ha dicho. Galliano ha afirmado varias veces que la actriz Charlize Theron es su musa y ha creado vestidos exprofesionalmente para ella, los cuales ha usado en eventos como la alfombra roja de los Premios Óscar del 2006 y los Globos de Oro del 2005.

https://vanidad.es/moda/742382882/Las-grandes-obras-de-John-Galliano-que-jamas-podra-superar-ningun-disenador.html

https://www.gettyimages.es/fotos/antonio-galliano

Angel Carrero 4ºD

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Las muertas aparenta ser un ejercicio de inmersión en una cultura tan arraigada como la mejicana, en colaboración con la maquilladora Krisztianna y la diseñadora Reeser, Tadder nos empuja a dejarnos llevar por Mictecacihuatl, señora de la muerte, ante quien, después de nueve obstáculos llegan los aztecas es de suponer que para un merecido descanso. Vibrantes colores, telas delicadas, miradas sugerentes que nos recuerdan a aquella Catrina Resulta complicado obviar su serie, etéreos modelos que parecen danzar envueltos por una energía vital, casi nutritiva. Una fuera que nos contagia, casi nos abruma, y aún así, queremos formar parte de ello, ser ellos, y sentir el cuerpo tan liviano que nos permita flotar….. como ellos.

Hablar de técnica resulta absurdo, una rápida mirada a cualquiera de sus imágenes deja patente la perfecta edición digital que hay detrás, para qué decir más.

Las muertas

tim tadder* Quien creería que un maestro de informática que ha finales de los 90´s jugaba con un Photoshop 2.0 terminaría  haciendo trabajos de diseño para grandes empresas de comida, bebidas y otras.

actualmente, es fotógrafo estadounidense especialista en fotografía publicitaria deportiva y retoque digital.

es un comunicador visual que produce el trabajo premiado de las campañas para las marcas de consumidores como: Adidas, Budweiser, Coca-Cola zero, Craftsman, , y mucho más. Él crea muy estilizada tomas de acción que atraen a los espectadores en el momento. siempre ha sido activo en los deportes, la exploración y la aventura, y cree que está familiarizado con el disparo de acción en vivo, hace que sea más fácil para recrear la apariencia de los brotes de publicidad.

Quien creería que un maestro de informática que ha finales de los 90´s jugaba con un Photoshop 2.0 terminaría  haciendo trabajos de diseño para grandes empresas de comida, bebidas y otras.

Tim Tadder, actualmente, es fotógrafo estadounidense especialista en fotografía publicitaria deportiva y retoque digital.

Tim Tadder es un comunicador visual que produce el trabajo premiado de las campañas para las marcas de consumidores como: Adidas, Budweiser, Coca-Cola Zero, Craftsman, Gatorade, y Quien creería que un maestro de informática que ha finales de los 90´s jugaba con un Photoshop 2.0 terminaría  haciendo trabajos de diseño para grandes empresas de comida, bebidas y otras.

Tim Tadder, actualmente, es fotógrafo estadounidense especialista en fotografía publicitaria deportiva y retoque digital.

Tim Tadder es un comunicador visual que produce el trabajo premiado de las campañas para las marcas de consumidores como: Adidas, Budweiser, Coca-Cola Zero, Craftsman, Gatorade, y mucho más. Él crea muy estilizada tomas de acción que atraen a los espectadores en el momento. Tadder siempre ha sido activo en los deportes, la exploración y la aventura, y cree que está familiarizado con el disparo de acción en vivo, hace que sea más fácil para recrear la apariencia de los brotes de publicidad.

https://www.timtadder.com/lasmuertas

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·https://images.app.goo.gl/1TXfe7cDqxWC3nea7.

·https://images.app.goo.gl/SdELLBgjCJDnnAhH7.

La tecnología y la investigación para desarrollar nuevas técnicas de fabricación están permitiendo hacer diseños atractivos y competitivos con los productos de materias primas originales. La transformación y extracción de los materiales de los objetos +¡ya usados hace que puedan fabricarse fibras artificiales como el poliéster o la poliamida para crear tejidos confortables, aislantes e impermeables, así como diseños atractivos para los consumidores.

El papel también ha demostrado ser un buen aliado de la moda más concienciada con el medioambiente. Andy Warhol ya demostró en su momento que utilizar el papel para diseñar vestidos era una idea muy original, pero poco práctica para el uso cotidiano. Sin embargo, algunas diseñadoras utilizan este material para crear arte y exponer sus diseños en pasarelas y museos. Este es el caso de Zoe Bradley, Lia Griffith, Bea Szenfeld, o Violise Lunn; esta última también se atreve a emplear el papel para hacer zapatos. Quizá las mayores exponentes del reciclaje para la moda sean Elisabeth Lecourt, que usa mapas de toda clase para hacer vestidos y camisas, y Jolis Paons, quien utiliza periódicos para elaborar elegantes trajes.

Independientemente de la practicidad de algunos productos, el mensaje que lanzan estas iniciativas es que el consumo de materias primas es limitado y los habitantes del planeta deben tomar conciencia de que los residuos tienen muchos usos, si son depositados en los lugares correctos. El mundo de la moda y la decoración está demostrando que los animales marinos no tienen que terminar atrapados en redes, ni tragar plásticos tirados al mar. Las montañas de neumáticos también pueden tener un futuro alternativo al desguace. Solo es necesario hacer un pequeño esfuerzo para reciclar y volverlos a utilizar.

Alba Porrúa Acebes. 4ºB.

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Ksenia Schnaider es una marca ucraniana fundada por Ksenia y Anton Schnaider que se especializa en la reutilización de prendas denim y en la creación de diseños únicos a partir de jeans reciclados.

Es conocida por su enfoque en la moda sostenible, por su trabajo en la reutilización de prendas denim y por su compromiso con la moda ética.

La marca Ksenia Schnaider se ha destacado por sus diseños únicos y creativos, en concreto, por su colección de "Democratización del Denim".

Esta colección presenta prendas de mezclilla que a menudo incorporan diferentes estilos y elementos, creando una estética distintiva.

Su enfoque en la moda sostenible ha atraído la atención de quienes buscan alternativas éticas en la industria de la moda, y su trabajo ha sido elogiado por su creatividad y su contribución a la sostenibilidad en la moda. Ksenia Schnaider es un ejemplo de cómo los diseñadores pueden utilizar materiales reciclados y preexistentes para crear prendas de alta costura únicas y sostenibles.

https://r.search.yahoo.com/_ylt=AwrkPCfKiUplIMQKnJ5U04lQ;_ylu=Y29sbwNpcjIEcG9zAzEEdnRpZAMEc2VjA3Ny/RV=2/RE=1699412554/RO=10/RU=https%3a%2f%2fwww.kseniaschnaider.com%2f/RK=2/RS=FeBBxPzKlNXePE6hWSQSyCWCnHo-

Miriam Jiménez Vega. 4ºB.

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Fabio Viale esculpe el icónico mármol, tanto blanco como negro, pero también cuarcita roja. 

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Fabio Viale esculpe el icónico mármol, tanto blanco como negro, pero también cuarcita roja. 

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El artista italiano Fabio Viale es, sin duda, un excelente escultor de mármol. Y también es consciente de que es difícil llevar a los más jóvenes a las galerías de arte. Por ello ha decidido renovar y reinventar el arte del pasado combinándolo con los intereses actuales.Nació en Cuneo en 1975 y se “enganchó” al mármol a la edad de 16 años. Asistió a La Academia de Bellas Artes de Turín y descubrió su pasión por este material. A partir de entonces, pasó muchos veranos cerca de los artesanos para aprender los secretos del oficio.Sus obras han llegado de Italia a Nueva York y Rusia. En 2013 ganó el premio El Cairo, el reconocimiento más importante para el arte contemporáneo en Italia por haber creado el primer barco de mármol flotante y totalmente funcional.

Álvaro Mestre 4D

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Darwin Enriquez

Darwin Enriquez es un tatuador profesional venezolano, emigro de su país en 2012 para cumplir su sueño de ser tatuador en Nueva York debido a que en su país en ese momento no estaba en buen estado y menos ahora en la actualidad.

Su estilo de tatuaje es el arte griego, donde les hace tatuajes a la gente de dioses griegos (Zeus, Poseidón, Hades, Hércules, Hermes) o los enemigos de esos dioses como las medusas, el cerbero, Esteno, etc. Ese era el arte de Darwin Enriquez

Darwin Enriquez por un tatuaje de cobra 40 000 dólares y empezo a tatuar y a guiarse por su arte desde hace mas de 15 años

https://disruptmagazine.com/wp-content/uploads/2021/11/Darwin-Enriquez-Disrupt-1.jpg

-Un enlace de Darwin Enriquez (Libro)

https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwjyjLy_u6-CAxWCQaQEHelqDjkQFnoECBIQAQ&url=https%3A%2F%2Fdarwinenriquez.com%2F&usg=AOvVaw0gMyszL9e8QEGFsBg_slgZ&opi=89978449

Alumno: Stefano Martini

Curso:4 eso A

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Stella Nina McCartney es una diseñadora de indumentaria británica.

Es la hija del exbeatle Paul McCartney y de la fotógrafa y activista por los derechos de los animales, Linda McCartney. Su infancia estuvo marcada por el activismo de su madre, algo que marcaría su trayectoria en el mundo de la moda. ‘Los animales son nuestros iguales’: ese es el mensaje que la diseñadora británica Stella McCartney ha querido transmitir a través de sesión de fotos para ‘Otoño’ (pre-fall) lo más importante sería decir que su marca lleva 20 años sin cuero ni pieles.

Cuando se trata de un tema tan importante como el tratamiento ético de los animales o el medio ambiente, a veces hay que aligerar el toque y encontrar la positividad, de lo contrario, los problemas a los que nos enfrentamos se vuelven realmente deprimentes, por eso en la colección de Stella, el humor está en el centro de la marca

Webs:

Stella McCartney ES | Designer RTW, Bags & accessories, Lingerie, Adidas by Stella McCartney, Fragrances, Kids

https://www.vogue.mx/sustentabilidad/articulo/stella-mccartney-se-convierte-en-una-marca-mas-sustentable

https://youtu.be/uq15IVporAc

Meral Campos Zaaj

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Yayoi Kusama es una artista japonesa que a lo largo de su carrera ha trabajado con una gran cantidad de medios incluyendo: pintura, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia por la repetición y los patrones.

Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg.

A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz importante del avant-garde. Ha recibido numerosos premios.

https://www.wikiart.org/es/yayoi-kusama

Verónica Flores Quesada 4ESO B

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El señor artista Nikko Hurtado nació en el Valle de San Fernando, California, Estados Unidos, en el año 1981. Comenzó a tatuar en el año 2002, poniéndose a cargo de su propio estudio Black Anchor Collective, en Hesperia, California, en donde pudo conocer a grandes artistas, hacer muchos amigos del medio y aprender muchas cosas sobre el mundo de los tatuajes.

Yendo atrás en el tiempo, Nikko, como cualquier otro niño, comenzó a incursionar en el arte viendo caricaturas y dibujos animados en la televisión, leyendo cómics y luego traspasándolos al papel. Con el paso del tiempo, el interés de Nikko en las artes gráficas no hizo más que crecer y crecer. Tanto como para comenzar a tatuar a sus 21 años, ya con su estudio profesional habilitado.

https://www.pinterest.es/sotalg/nikko-hurtado/

https://twitter.com/nikkohurtado?lang=es

Adriana Sánchez Panduro

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La Couture ¨Framed¨de Viktor y Rolf para acabar con las distinciones entre moda y arte.

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La Couture ¨Framed¨de Viktor y Rolf para acabar con las distinciones entre moda y arte.

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Viktor Horsting y Rolf Snoeren organizaron en el Palais de Tokyio parisino lo que podríamos calificar como una performance de moda en toda regla en vez de una pasarela al uso. Cuestión de hacer desaparecer las distinciones existentes entre moda y arte.
El espectáculo se desarrollo mostrando trajes y faldas confeccionados con tejidos rígidos que recordaban a los lienzos, adornados con lo que parecían fragmentos rotos de marcos de madera que las modelos se colgaron con cuidado alrededor del cuello. El efecto era como si la modelo hubiese surgido de la tela después de una explosión, y se hubiese envuelto en los fragmentos y en los restos del marco que habían quedado.
Los dos diseñadores en vez de permanecer entre bambalinas estaban también presentes en la pasarela descolgando y rompiendo cuadros para vestir a las modelos con toiles de arte moderno en tiempo real.
Así es cómo se consigue que el arte esté vivo y se transforme en moda.
Enlace de distintas imágenes: https://i.blogs.es/caf99b/viktorandrolf2/1366_2000.jpg
Lola Valderas Peralías

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Esta chica está vestida con ropa diseñada a través de el cuadro.

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LA CONVERGENCIA ENTRE ARTE Y MODA ES CLARA CUANDO UNA PRENDA EXPRESA UN ASPECTO DE LA REALIDAD Y HACE REGISTRO DE MANERA ESTÉTICA DE ESTE. Una de las definiciones de arte es: actividad humana que tiene como fin la creación de obra cultural.

El arte, la moda y la cultura se complementan entre sí. La moda permite mostrar y percibir la cultura. El arte identifica y hace propia la cultura; y tanto esta, como el arte, inspiran y le dan nuevos referentes a la moda. Así que hay una relación estrecha entre las tres.

Como veis en ese cuadro y en la ropa de la mujer se expresa un estilo de arte sobre la ropa.

Rocío Dorado Morán 4ºESO B

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ODILE GUICHARD . TESTIMONIO DE REFINAMIENTO Y SUTILEZA.

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ODILE GUICHARD . TESTIMONIO DE REFINAMIENTO Y SUTILEZA.

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WEB: https://www.artmajeur.com/odile-guichard/es

Odile es un artista contemporáneo francés con un enfoque original y profundamente temporal. Nació en 1969 en Rochefort, Francia. Este artista trabaja con hilos y lienzos con un delicado juego de líneas y volúmenes, dando a sus creaciones una cualidad dinámica que cambia con la interacción de la luz.

Lo que distingue a Odile en el mundo del arte es su notable fusión de bordado y pintura. El hilo mismo se convierte en parte integral de su arte, extendiendo las líneas y realzando la sensación de volumen, casi como si emergiera del mismo lienzo. El uso magistral de las sombras añade profundidad y vitalidad, dando vida a sus obras de una manera fascinante.

El proceso creativo de Odile es un viaje meticulosamente elaborado, que comienza con bocetos y sigue con intrincados bordados sobre diversos materiales, como sábanas viejas o papel antiguo. El hilo asume el papel de una línea sustituta, allanando el camino para la infusión de color y volumen. El propio lienzo sufre un tratamiento preparatorio antes de que comience la verdadera obra pictórica. A lo largo de este proceso, el hilo sigue siendo una presencia constante, tanto dentro como fuera de la obra de arte, sirviendo como un cordón umbilical simbólico que conecta la creación con su creador.

CLAUDIA PUNTA 4ºA

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Vendido

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Vendido por Odile Guichard

Acerca de esta obra de arte: Clasificación, Técnicas & Estilos Acrílico Pinte con pigmentos tradicionales mezclados con resinas sintéticas.

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Acerca de esta obra de arte: Clasificación, Técnicas & Estilos

Acrílico

Pinte con pigmentos tradicionales mezclados con resinas sintéticas.

Bordado Técnica que consiste en agregar en una tela un patrón plano o en relieve hecho de hilos simples, a veces integrando materiales como lentejuelas, perlas o incluso piedras preciosas.

Técnica Arte textil

Las artes textiles se refieren a las formas de arte y artesanía que utilizan tejidos industriales o animales, o fibras artificiales o naturales para construir objetos prácticos o decorativos y artísticos. Las artes textiles incluyen métodos de fabricación como tejer para telas o hilar para lana, algodón o fibras sintéticas; técnicas para transformar estos materiales, como la costura para tejidos (con formas más artísticas como patchwork o quilting), tejido, crochet, trenzado o anudado para hilos. También existen métodos para embellecer o modificar textiles manufacturados, como bordar, teñir o aplicar encajes.

Odile Guichard es una artista francesa contemporánea. Con un enfoque original y profundamente personal, ha emprendido la tarea de modernizar y transformar este intrincado oficio[...]

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Odile Guichard es una artista francesa contemporánea. Con un enfoque original y profundamente personal, ha emprendido la tarea de modernizar y transformar este intrincado oficio en una forma de expresión artística verdaderamente suya. El trabajo de Odile con hilos y lienzos es un testimonio de su compromiso con el refinamiento y la sutileza, donde el delicado juego de líneas y volúmenes trasciende el material, dando a sus creaciones una cualidad dinámica que cambia con la interacción de la luz.

Lo que distingue a Odile en el mundo del arte es su notable fusión de bordado y pintura. Esta combinación única le permite dar vida a sus sujetos con un carácter expresionista que es a la vez contemporáneo y cautivador. El hilo mismo se convierte en parte integral de su arte, extendiendo las líneas y realzando la sensación de volumen, casi como si emergiera del mismo lienzo. El uso magistral de las sombras añade profundidad y vitalidad, dando vida a sus obras de una manera fascinante.

El proceso creativo de Odile es un viaje meticulosamente elaborado, que comienza con bocetos y sigue con intrincados bordados sobre diversos materiales, como sábanas viejas o papel antiguo. El hilo asume el papel de una línea sustituta, allanando el camino para la infusión de color y volumen. El propio lienzo sufre un tratamiento preparatorio antes de que comience la verdadera obra pictórica. A lo largo de este proceso, el hilo sigue siendo una presencia constante, tanto dentro como fuera de la obra de arte, sirviendo como un cordón umbilical simbólico que conecta la creación con su creador.

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Artmajeur

Hoja informativa

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Chien 02, Arte textil por Odile Guichard | Artmajeur

# data[].attributes.attachment_link.description
Comprar arte de Odile Guichard (Envío gratis, Compra directa asegurada): Arte textil titulada "Chien 02"

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WEB: https://www.artmajeur.com/kostyantin-malginov

El artista británico contemporáneo ha sido galardonado repetidamente con el Premio de Arte de Luxemburgo. Crea obras en el estilo del autor innovador Silkpolyesterart . Konstantin Malginov nació en 1966 en Kiev. En 1978, ingresó en la escuela de arte. En 1986, ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura de Kiev.

De 1989 a 2001, trabajó para la empresa de arquitectura y diseño Pimiento de Gala LTD. Técnica específica de ejecución. Materiales únicos.Búsqueda de nuevas soluciones innovadoras. Un calidoscopio de colores del mundo interior. Así nace su nuevo proyecto. Sueños de fantasía y realidad, creando un espacio de diálogo con el espectador. Tras mudarse a Inglaterra en 2013. Fue capaz de dedicarse plenamente al desarrollo creativo con el fin de traer una nueva visión al arte. Para lograr la más perfecta calidad de ejecución. Trabaja con diferentes textiles como distintos tipos de tela, por ejemplo, la seda bursa.

Fabiola Álvarez 4ºA

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The artist's priority is the quality of performance. Three types of bursa silk are used in this work. The artist invites you to visit the Instagram page studiosilkpolyesterart where you can get acquainted with the unique technology. The canvas is made of pure polyester. Three layers of adhesive iron fabric. The parts are assembled based on IRON-IN technology inspired by Kinusaiga's works. He created a unique technique combining the author's graphics, silk painting. It is designed using a special style of sewing. Exclusive materials, silk, polyester, knitting base and high-quality silk thread are used in the work. Excellent quality is a guarantee from the artist.

Acerca de esta obra de arte: Clasificación, Técnicas & Estilos

Técnica para crear una tela hecha en telar o a mano, cuyo tejido representa patrones ornamentales.

Técnica que consiste en agregar en una tela un patrón plano o en relieve hecho de hilos simples, a veces integrando materiales como lentejuelas, perlas o incluso piedras preciosas.

Técnica que consiste en crear una obra basada en tejidos y que se puede decorar añadiendo color o material.

Técnica que consiste en ensamblar varias piezas de telas de tamaños, formas y colores diferentes para realizar diversos tipos de trabajos.

Técnica que consiste en una disposición de hilos generalmente estirados por clavos para crear formas geométricas o representaciones.

Técnica consistente en crear una obra a base de fibras textiles naturales o sintéticas y que puede decorarse añadiendo color o materia.

Técnica que consiste en crear una obra basada en hilos textiles y que se puede decorar añadiendo color o material.

Las artes textiles se refieren a las formas de arte y artesanía que utilizan tejidos industriales o animales, o fibras artificiales o naturales para construir objetos prácticos o decorativos y artísticos. Las artes textiles incluyen métodos de fabricación como tejer para telas o hilar para lana, algodón o fibras sintéticas; técnicas para transformar estos materiales, como la costura para tejidos (con formas más artísticas como patchwork o quilting), tejido, crochet, trenzado o anudado para hilos. También existen métodos para embellecer o modificar textiles manufacturados, como bordar, teñir o aplicar encajes.

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Family, Arte textil por Kostyantin Malginov | Artmajeur

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Comprar arte de Kostyantin Malginov (Envío gratis, Compra directa asegurada): Arte textil titulada "family"

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Una de las modelos vestida de enfermera portando un bolso de Richard Prince, junto a una de las obras de este.

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Para su colección Primavera/Verano 2008, Marc Jacobs, director de Louis Vuitton, colaboró con el pintor y fotógrafo estadounidense Richard Prince. Inspirado por las ciudades al anochecer, Prince convirtió el clásico lienzo Vuitton en un sueño de acuarela. Conocido como el Monograma Aquarelle, utilizó 17 colores para difuminar el icónico 'LV' y los símbolos de Louis Vuitton. Inspirado por su serie de libros de chistes, Prince también imprimió textos sobre una versión lavada del monograma de la casa y embelleció los detalles de cuero con piel de serpiente.

Marc Jacobs se inspiró para trabajar con el anti-héroe mundial del arte Richard Prince después de su polémica exposición América Espiritual en 2007. La colaboración se dio a conocer en el desfile del TC08, que se abrió con 12 modelos (incluida Naomi Campbell) vestidas de enfermeras, cada una con una letra estampada en sus sombreros para deletrear 'Louis Vuitton'. Fue un guiño a las famosas pinturas de Prince. En cuanto a las bolsas, presentaron su serie de chistes - sus mensajes impresos sobre el monograma reimaginado y lavado.

Aquí se pueden ver algunos de los bolsos de dicha colección, con colores degradados simbolizando un anochecer y algunos de los chistes de Prince:

Graduate Jokes Bag:

https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Flabelcentric.com%2Fshop%2Fwomen%2Flouis-vuitton-limited-edition-richard-prince-bag%2F&psig=AOvVaw3x9PewRBgvVXGzx59qpHKO&ust=1699361895743000&source=images&cd=vfe&opi=89978449&ved=0CA8QjRxqFwoTCNjb3cW2r4IDFQAAAAAdAAAAABAD

Blue Heartbreak Jokes:

https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fwww.1stdibs.com%2Ffashion%2Fhandbags-purses-bags%2Ftote-bags%2Flouis-vuitton-richard-prince-blue-heartbreak-jokes-tote%2Fid-v_12986342%2F&psig=AOvVaw3lE6Hvc6fGI7CE1p39VRk6&ust=1699362085812000&source=images&cd=vfe&opi=89978449&ved=0CA8QjRxqFwoTCJCY9qi3r4IDFQAAAAAdAAAAABAN

Por último, aquí se ve una imagen de las 12 modelos vestidas de enfermeras portando los bolsos:

https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fwww.gettyimages.com%2Fdetail%2Fnews-photo%2Fmodels-hold-louis-vuitton-bags-designed-by-richard-prince-news-photo%2F78841780%3Flanguage%3Des&psig=AOvVaw3lE6Hvc6fGI7CE1p39VRk6&ust=1699362085812000&source=images&cd=vfe&opi=89978449&ved=0CA8QjRxqFwoTCJCY9qi3r4IDFQAAAAAdAAAAABBd

LUCÍA RODRÍGUEZ CARRASCO, 4ºD

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El artista Dorian Etienne es un artista de textiles que se dedica a plasmar lugares con mucha naturaleza . El cuadro presenta las singularidades de la región estudiada, su topografía y biodiversidad el cuadro tardo mas de un año para la vista en publico.

En este enlace se podra ver las personas que ayudaron a ser el cuadro y el tiempo que dedicaron y esfuerzo

https://www.youtube.com/watch?v=lUUjrKcef8Q&t=102s

Y para finalizar en este enlace te dirigira a una pagina donde hablan del artista y hablan del resto de sus cuadros:

https://www.dorian-etienne.com/

Juan de dios Lujan lozano

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Alice Pegna: Diseños echos con espagueti

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Alice Pegna: Diseños echos con espagueti

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La artista visual Alice Pegna encontró en un elemento inusual la forma de realizar diseños innovadores e interesantes. El espagueti se convirtió en su materia prima para crear.

Así la admiración que siempre tuvo por las estructuras se insertó en su propio arte. Realizó prendas como vestidos, joyas y tocados con este componente que parece frágil, pero se vuelve potente al verlo en dichas piezas.

El proyecto Ex Nihilo ha dado la vuelta al mundo por ser distintos e impresionantemente bellos. Alice Pegna, trabaja con piezas geométricas que engañan a la vista, ya que jamás se creería que un alimento podría verse tan bien en un maniquí.

De esta forma volvió al cuerpo humano uno arquitectónico sobre el que expone sus sorprendentes e inesperadas obras. Alude con ello lo efímero del material e incluso de la vida. Las delicadas formas han sido bien recibidas internacionalmente.

Alicia Stefania Bereschi 4ºC

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Chiharu Shiota (塩田 千春, Shiota Chiharu) (nacida en 1972) es una artista japonesa de performance e instalaciones. Educada en Japón, Australia y Alemania, Shiota entrelaza la materialidad y la percepción psíquica del espacio para explorar ideas en torno al cuerpo y la carne, narrativas personales que interactúan con la memoria, el territorio y la alienación. Sus instalaciones distintivas, que consisten en deslumbrantes e intrincadas redes de hilos que se extienden a lo largo de las salas de la galería, hicieron que la artista saltara a la fama en la década de 2000. Shiota ha expuesto en todo el mundo y representó a Japón en la 56.a Bienal de Venecia en 2015.

https://www.youtube.com/watch?v=Utspp6IZlL0

Michel Vela Garcia

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Bisa Butler es una artista contemporánea que nació en estados unidos en la ciudad de Nueva Jersy en el año 1973, Bisa asistió a la Escuela Secundaria de Columbia y se graduó en el año 1991.

Ella fue influenciada en gran medida por sus profesores, incluidos Ernie Barnes, Elizabeth Catlett y Jeff Donaldson.

Ella se dedica al tema textil, utiliza telas y costuras para hacer sus obras.

Antes donde principalmente sacaba las ideas era de las fotografias en blanco y negro de su familia pero ella se dio cuenta de que se híba a quedar sin material y ahora las saca las fotografias de una base de datos del pais que son publicas.

Sus obras os las dejo y tambien os dejo la fuente de datos de donde e sacado la información.

Pagina info

Pagina img

Javier leal Ramirez 4 A

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Su obra, además de plasmar conjuntos pictóricos sobre los cuerpos, juega creando composiciones fotográficas de sujetos que se mimetizan con el fondo, ya sea un paisaje o un papel tapiz. La artista, residente en Oregón, Estados Unidos, ganó recientemente Skin Wars, un programa de telerrealidad para pintores corporales.

Con el proyecto 100 Bodies Across America la pintora corporal emprendió un viaje en marzo de 2015 que le llevó a emplear como lienzo el cuerpo desnudo de personas de todos los estados de Estados Unidos.

Ángela Jiménez García 4B

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Paul Booth

La práctica de tatuar ha dado lugar a intercambios entre países, culturas y sociedades y se ha convertido en un fenómeno global en la presente creación artística. La exposición reúne más de 240 obras históricas y contemporáneas, donde se incluye el trabajo de artistas del tatuaje procedentes de países como Japón.

Paul Booth es tatuador, escultor, pintor, cineasta y músico que vive en la ciudad de Nueva York. Booth es conocido por su uso de tatuajes con tinta negra y gris que representan piezas de estilo surrealista oscuro.

https://youtu.be/O6Htrs-6yrQ?si=7MYYcMQ-JIvYfEGb

AITOR EIRE RODRIGUEZ 4 B

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¿Quien es Cindy Roch? ese dato es lo primero que debemos saber, Cindy Roch es una mujer nacida en Francia en el año 1992 que el arte le a dado la vida desde pequeña ,el arte textil es su estilo.

Ella hace arte textil porque se enamoro del bordado en Diplôme des Métiers d'Arts, y empezo en la ciudad de Rochefort en Francia, haciendo obras como la que estas viendo en la imagen.

Os recomiendo ver las otras son bastante bonitas.

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El arte, la moda y la cultura se complementan entre sí. La moda permite mostrar y percibir la cultura. El arte identifica y hace propia la cultura; y tanto esta, como el arte, inspiran y le dan nuevos referentes a la moda. Así que hay una relación estrecha entre las tres.

LA CONVERGENCIA ENTRE ARTE Y MODA ES CLARA CUANDO UNA PRENDA EXPRESA UN ASPECTO DE LA REALIDAD Y HACE REGISTRO DE MANERA ESTÉTICA DE ESTE. Una de las definiciones de arte es: actividad humana que tiene como fin la creación de obra cultural.

El diseño de moda se encarga de la creación de ropa y de accesorios en función de las influencias culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del creador, según su talento y sus conocimientos.

En esa imagen veis como las chicas visten con esos vestidos relacionados y diseñados a través de cuadros famosos.

Rocío Dorado Morán 4ºB

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Sami Miró es quien está detrás de los looks de upcycling de Rosalía.

La cantante debutó en solitario en el programa estadounidense Saturday Night Live con un look que se hizo viral. Y no nos referimos al 'edredón' de Marc Jacobs que llevó mientras cantó La Fama, sino a la chaqueta de motorista que escogió para la promoción del show. Un diseño de Sami Miró, la joven detrás de la misma firma vintage que lleva su nombre. Lo primero que puedes leer cuando entras en el perfil de su marca en redes es "protejamos a la madre Tierra", en mayúsculas y bien claro.

La filosofía principal de su trabajo se basa en el respeto por el medio ambiente. Para reducir la huella producen exclusivamente desde un taller en Los Ángeles, allí confeccionan prendas a partir de telas antiguas, materiales sobrantes de otros proyectos y fibras de origen vegetal. No emplean químicos y reducen el uso de agua al mínimo. Bajo esa premisa se elaboró la chaqueta de Rosalía y también la camiseta semitransparente que llevó al programa de Jimmy Fallon, que combinó con un vestido de la firma Acne Studios. Tras su aparición en The Tonight Show, esta pieza de manga larga está prácticamente agotada.

samara rodríguez chavez

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Natalie Fletcher vive en Oregón, Estados Unidos. Es una artista de bodypainting que crea ilusiones ópticas en los cuerpos desnudos. Su obra, además de plasmar conjuntos pictóricos sobre los cuerpos, juega creando composiciones fotográficas de sujetos que se mimetizan con el fondo, ya sea un paisaje o un papel tapiz.

https://purakastiga.blogspot.com/2020/05/el-body-art-o-pintura-corporal-con.html

Lucía Domínguez Fernández 4ºB

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Bob Tyrrell nació el 4 de noviembre de 1962[3] en Detroit, Michigan.[4] Su padre era artista.[4] Comenzó a tatuar cuando tenía poco más de 30 años.[4] Fue aprendiz en Eternal Tattoos, una tienda de tatuajes en Michigan.

Ha aparecido en LA Ink y London Ink.[5] Se hizo conocido por tatuar la espalda de Kid Rock.[6] En 2012, participó como miembro del jurado del primer Premio Chaudesaigues, premio que reconoce la trayectoria y el arte de los tatuadores.[7] Ese año, apareció en un episodio de Ink Master como juez invitado especial.

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Es una de las creadoras mas importantes de la historia nacida en Roma en 1890 es una diseñadora de moda famosa a principios del siglo 20, Schiaparelli entendía la moda como una expresión artística, “Diseñar moda, para mí, no es una profesión, sino un arte” no solo fue revolucionaria por ser capaz de llevar a efecto la unión entre dos artes, sino también por ser pionera en su forma de entender y ejecutar la moda Además de sus colecciones, a menudo retratadas en Vogue, también realizó el vestuario para películas y obras de teatro. En 1937 creó el de Mae West en la película Every Day's a Holiday, y en 1940 elaboró el vestuario de la obra de teatro Les Monstres Sacrés esta mujer tiene un caracter muy fuerte. Elsa viajó a Estados Unidos con su marido, donde se instaló y vivió hasta que, harta de las infidelidades de Wilhelm Wendt de Kerlor, decidió dar carpetazo a su matrimonio, hacer la maleta y viajar hasta París donde comenzaría a dar forma a su sueño de crear su propia firma de moda . Ella inventó eso y también la explotación del color, de la locura y de la extravagancia. Antes de ella, la moda era mucho más conservadora y lineal. Con ella llegó la fantasía.

https://issue-mag.cl/siguiendo-el-sol-de-schiaparelli/

https://revistarevista.com/elsa-schiaparelli-o-como-arte-y-moda-se-fusionaron-en-el-siglo-xx/

Diana Díaz Pérez 4A

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A través de la fotografía, la artista ha registrado espacios que ha habitado por largas estancias. Con esta técnica su experiencias quedaron registradas en una imagen; fijadas en una impresión sobre el papel, así como las impresiones o huellas que quedan en la tierra, donde lo visible nos cuenta algo.

En estas imágenes la naturaleza se hace visible, como una inscripción sobre la superficie – una huella- que deja entrever los distintos fenómenos naturales que están transformando el mundo.

El paisaje visible se asemeja a una membrana que contiene los procesos infinitos y las múltiples transformaciones al interior de la tierra. Un tejido de acontecimientos y eventos imperceptibles al ojo humano. Una minuciosa trama de instantes, que regresan a su estado de crecimiento y transformación gracias al trabajo manual; a las técnicas del telar y el bordado. Donde los hilos, nudos y pliegues quedan como registro de este proceso.

La contemplación del paisaje nos exige estar presentes, regresar al estado original del ser, para llegar a sentirnos parte de un todo. La destreza del acto manual requiere concentración y nos regresa al segundo en que el hilo va y viene.

La imagen fotográfica, su técnica y modo de representación y reproducción a través de una máquina - un ojo distante – es contrapuesta al trabajo manual del telar y el bordado; minucioso, imperfecto e inacabado.

Así, el acto corporal de estas técnicas, y su materialidad táctil, emergen del interior de la imagen, para actuar como un mediador. Una piel que nos aproxima, nos envuelve y nos regresa como espectadores al instante olvidado de la experiencia en la naturaleza. A un flujo inacabado y continuo entre el hombre y su entorno.A través de la fotografía, la artista ha registrado espacios que ha habitado por largas estancias. Con esta técnica su experiencias quedaron registradas en una imagen; fijadas en una impresión sobre el papel, así como las impresiones o huellas que quedan en la tierra, donde lo visible nos cuenta algo.

En estas imágenes la naturaleza se hace visible, como una inscripción sobre la superficie – una huella- que deja entrever los distintos fenómenos naturales que están transformando el mundo.

El paisaje visible se asemeja a una membrana que contiene los procesos infinitos y las múltiples transformaciones al interior de la tierra. Un tejido de acontecimientos y eventos imperceptibles al ojo humano. Una minuciosa trama de instantes, que regresan a su estado de crecimiento y transformación gracias al trabajo manual; a las técnicas del telar y el bordado. Donde los hilos, nudos y pliegues quedan como registro de este proceso.

La contemplación del paisaje nos exige estar presentes, regresar al estado original del ser, para llegar a sentirnos parte de un todo. La destreza del acto manual requiere concentración y nos regresa al segundo en que el hilo va y viene.

La imagen fotográfica, su técnica y modo de representación y reproducción a través de una máquina - un ojo distante – es contrapuesta al trabajo manual del telar y el bordado; minucioso, imperfecto e inacabado.

Así, el acto corporal de estas técnicas, y su materialidad táctil, emergen del interior de la imagen, para actuar como un mediador. Una piel que nos aproxima, nos envuelve y nos regresa como espectadores al instante olvidado de la experiencia en la naturaleza. A un flujo inacabado y continuo entre el hombre y su entorno.

Conchi Leal Jaen 4A

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Toni donaire es un tatuador español de Barcelona especializado en Neo tradicional

Es muy conocido por sus tatuajes brillantes y atrevidos

Toni siempre ha tenido un interés en el arte antes de ser tatuador ya que empezó como ilustrador de libros infantiles y decidió decantarse por los tatuajes

Aunque empezó tatuando varias cosas distintas al final encontró su pasión en el arte de estos tatuajes

Actualmente Toni se encuentra trabajando en su propio estudio en

Barcelona llamado Bhorn Tattoo

Paula castillo alba 4B

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TONI DONAIRE Seminario TATTOO NEOTRADICIONAL

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``ART ABOUT PORTRAITS´´ ARTE SOBRE RETRATOS 

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``ART ABOUT PORTRAITS´´ ARTE SOBRE RETRATOS 

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Lexie Lazear : Esta mujer es una maquilladora profesional, dando ver sobre su rostro magníficas obras de arte.

Aparte que no solo hace las mismas obras, si no que además tambien los crea sobre fotografías que hayan sido compartidas por las redes o bien pinturas modernas.

Desireé Torres Carrero 4B

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Noticias de Marketing y Tecnología | MOTT

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Esta artista recrea obras de arte usando su rostro como lienzo y con ello nos demuestra que las opciones para hacer algo novedoso son infinitas y que solo basta tener ingenio y dar ese salto que otros no lo dan.

Lexie Lazear es el nombre de esta artista maquilladora de California que crea en su propio rostro conocidas obras de arte luego de haber explorado distintos patrones de dibujo que explotan su creatividad.

Durante 18 años, Lazear ha sido maquillista profesional y ahora junta esa afición con el amor que le tiene al arte, y por ello este proyecto lleno de color que le ha tomado mucho tiempo en perfeccionar. A continuación una muestra de su trabajo:

Derrick Smith

'La mujer que llora', Pablo Picasso

'Mont Sainte-Victoire', Paul Cézanne

'Dos bailarinas saliendo al escenario', Edgar Degas

'Noche estrellada sobre el Ródan', Vincent Van Gogh

'Dos hermanas', Pierre-Auguste Renoir

'El Beso', Gustav Klimt

Continuemos en el siguiente enlace con esta temática en donde el rostro se convierte en arte, con esta original propuesta de una artista de 16 años que usa su cara y cuerpo para crear las más aterradoras creaciones.

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Esta artista recrea obras de arte usando su rostro como lienzo - mott.pe

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Esta artista recrea obras de arte usando su rostro como lienzo y con ello nos demuestra que las opciones para hacer algo novedoso son infinitas y que solo