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Soy la profe Marcela. Les dejo señalado el espacio de  inicio de la representación humana en la Historia del Arte.
Desde aquí pueden ir agregando sus producciones.

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Y hacia adelante en la historia. Ubiquen temporalmente la imagen y el artista

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Y hacia adelante en la historia. Ubiquen temporalmente la imagen y el artista

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Me presento, soy la Venus de Willendor. Al ser una mujer de unos aproximados 30000 años, puedo presumir mi experiencia comunicandole a las jóvenes y adultas parte de ella junto a mi visión del hoy, para construir lo que seremos en el futuro.
Mi nacimiento generaba en mis creadores adoración y cuidados; quienes al nombrarme Diosa y adorarme, me permitieron acompañarlos en viajes aventureros, mientras en búsqueda por supervivencia. Viajes que al pasar mi huella, el alimento hacia aparición, y la fertilidad y vida florecían. Así es como avanzó el tiempo y mi figura resaltaba como Madre Naturaleza, cuidadora y gestadora de vida, una figura espiritual del amor a la naturaleza, y, como madre, una mujer fuerte y capaz de encontrar su camino, gestando al caminar, respirar y sentir la vida. Les heredo aquella responsabilidad al caminar, no tal como peso, sino como un consejo de experiencia, con amor y deseo de vida, Venus de Willendorf.

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Estarán pensando qué, o mejor dicho, quién soy... Paso a presentarme, soy la Venus de Willendorf. Si, Venus, como la diosa del amor, la belleza, el deseo y el sexo. Tengo tantos años que ni los arqueólogos se ponen de acuerdo si dato hace ya 25000 o 30000 años a.C. Lo que sí sabemos, es que en agosto de 1908, Jonathan Veran me descubrió en una excavación de la era paleolítica en Willendorf, Austria.
Los arqueólogos dicen que mi escultor o escultora, me hizo de piedra caliza matizada con ocre en rojo y aún conservo un poco de mi color original. Mido 11 cm ¡podían llevarme consigo a cualquier parte!. Aunque no sepan con seguridad y todavía hay muchas dudas sobre lo que represento, se cree que mi escultor o escultora, tuvo intención de resaltar los atributos de la figura femenina, a la mujer como generadora de la vida y la fertilidad, y que por eso, no hizo énfasis en mi rostro, que pareciera estar cubierto con un trenzado.
Para los que quieran saber más de mi, me encuentro en el Museo de Historia Natural de Viena.

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El Papiro de Ani (dinastía XIX, entre 1250 y 1300 a. C)

Quiero presentarme, Soy Ani, alto escriba real y administrador de las ofrendas divinas de todos los dioses, Gobernador del granero de los señores de Abidos,  escriba de las ofrendas divinas de los señores de Tebas y Amado del señor del Norte y del Sur. Quiero aclarar que mi  título no es honorífico sino que yo realmente conocía mi oficio.

Tras la muerte, los egipcios debíamos superar una serie de pruebas hasta que Osiris, dios de la resurrección, nos permitiera ingresar en la vida eterna. Para superar esas pruebas, había una serie de sortilegios, conjuros, oraciones y letanías que recitar que convenía tener a mano en el otro mundo y yo me asegure de que esto sea así! antes de conseguir la aprobación de Osiris y lograr la ansiada inmortalidad, debíamos enfrentarnos a graves peligros y seres malignos. También debía superar algunos exámenes, como las 42 recitaciones negativas (pecados) que negábamos haber cometido durante nuestra vida terrenal, una fórmula que se considera un antecedente de los diez mandamientos. De hecho, el libro de los muertos se ha visto durante siglos como un texto sagrado equiparable a la Biblia o el Corán.

Al principio, estas recitaciones se inscribían en las pirámides: solo se lo podían permitir los faraones. Más adelante pasaron a grabarse en la parte interior de los sarcófagos, así pudieron disfrutar de estas ‘guías de instrucciones’ para el más allá los nobles y altos funcionarios. Luego, los textos se democratizaron y empezaron a copiarse en papiros que se colocaban en las tumbas junto a los cadáveres. Así, el acceso a los libros de los muertos  se fue haciendo más sencillo. No había un único libro de los muertos: cambiaban los textos y las viñetas, los había más lujosos y más sencillos, pero en ellos se solía mostrar el peregrinaje del fallecido por la Duat, el inframundo.

Encargue mi papiro en el año 1250 a.C. como verán fui muy precavido, en mi papiro los protagonistas somos yo y Tutu, mi amada esposa, suma sacerdotisa de Amón-Ra. Ambos vestimos de blanco y ella lleva sistro y collar. Invertimos el salario de diez años en este fabuloso papiro. Los libros de los muertos costaban una fortuna: la mayoría de la gente se hacía enterrar con un solo capítulo y normalmente sin decorar. Como yo era muy rico, poseía un papiro pintado a mano de 26,6 metros de longitud que fue hecho exclusivamente para mi, está ricamente ilustrado y contiene textos jeroglíficos. Fue escrito por tres escribas, pero ilustrado por una sola mano. El libro de los muertos, es uno de los textos más antiguos y mejor conservados en la historia de la humanidad

El original 'Papiro de Ani' se conserva en Londres. Compilado para el escriba Ani de Tebas y su esposa, la sacerdotisa Tutu, Estuvo en mi tumba hasta que Ernest Wallis Bugde se hizo con él y lo envió a Londres, tras cometer la irreparable atrocidad de cortarlo en 37 hojas.

Su significado:

¿Cuánto pesa tu corazón? En un platillo de la balanza se coloca el corazón del fallecido y en el otro, una pluma de avestruz, símbolo de Maat, diosa de la verdad y la justicia. Tot, dios de la sabiduría, preside la ceremonia.

Ammyt: una diabla al acecho. , la devoradora de muertos, espera que el finado resulte pecador para comerse su corazón e impedir su inmortalidad. Ammyt tiene cabeza de cocodrilo y cuerpo de león e hipopótamo.

Horus, el intermediario. En el siguiente capítulo a este, Horus dios celeste, lleva de la mano al fallecido ante Osiris, dios de la resurrección. Horus, que además es hijo de Osiris, intermedia a favor del humano.

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Sasha Julieta Lucero C1 16-30 2° CUATRIMESTRE

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Sasha Julieta Lucero C1 16-30 2° CUATRIMESTRE

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La Gioconda o La Mona Lisa
Año: 1503-1519.
Autor: Leonardo Da Vinci.
Técnica: Pintura al Óleo sobre tabla de Álamo.
Estilo: Renacimiento.
Tamaño: 77 cm x 53 cm.
Localización: Museo del Louvre,París,Francia.

Mi Retrato como Lisa Gherardini, soy esposa de Francesco de Giocondo,más conocida como La Gioconda (La Joconde en francés) o La Mona Lisa,es una obra pictórica del polímata renacentista italiano Leonardo Da Vinci.Fui adquirida por el rey Francisco I de Francia a comienzos del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés.Me encuentro expuesta en el museo del Louvre de París,siendo,sin duda, la "Joya" de mis colecciones.
Mi nombre,La Gioconda,deriva de la tesis más aceptada acerca de mi identidad como modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo,que realmente me llamaba, Lisa Gherardini,de donde viene mi otro nombre: Mona (señora en el italiano antiguo),Lisa.El Museo de Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra,aunque no reconocen mi identidad como modelo y tan solo la acepta como una hipótesis.
Por medio de estudios históricos me han determinado que podría ser una vecina de Leonardo,que podrían conocerme mis descendientes y que podría haber estado embarazada,por la forma de esconder que tienen  mis manos.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en mi belleza,sino también en los misterios que me rodean.

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Artista: Leonardo da Vinci

Tamaño: 77 cm x 53 cm

Ubicación: Museo del Louvre (desde 1797)

Modelo: Lisa Gherardini

Fecha de creación: 1503

Período: Renacimiento

Me presento soy Lisa Gherardini ,esposa de Francesco del Giocondo. Lisa y Francesco tuvieron cinco hijos.
Mi postura de la Mona Lisa indica serenidad , muestra el dominio de los sentimientos, cosa que normalmente no se atribuía a una mujer en aquel entonces. Mi rostro no tiene cejas. La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua.
Que significa mi nombre?
el de "La Gioconda" en referencia a su esposo y también a su significado en español: jubiloso, feliz o alegre; términos dados por esa enigmática sonrisa. Asimismo, "Mona Lisa" es simplemente "Señora Lisa
La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. La pieza muestra el retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario.
Este consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las figuras se integran al resto de la composición.

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Rojas Dolores PEP 1830 Hs

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La mona lisa" Claudia Herrera PEP C2 18:30

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La mona lisa" Claudia Herrera PEP C2 18:30

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La Gioconda o La Mona Lisa
Año: 1503-1519.
Autor: Leonardo Da Vinci.
Técnica: Pintura al Óleo sobre tabla de Álamo.
Estilo: Renacimiento.
Tamaño: 77 cm x 53 cm.
Localización: Museo del Louvre,París,Francia
Fui adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces soy propiedad del Estado francés. Me hallo expuesta en el Museo del Louvre de París, Soy, sin duda, la «joya» de sus colecciones.
Mi nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de mi identidad como la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente mi nombre es  Lisa Gherardini, de donde viene mi otro nombre: Mona (señora, en el italiano antiguo) Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconocen mi  identidad como la  modelo y tan solo la acepta como una hipótesis

Por medio de estudios históricos me han determinado que podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocer mis descendientes y que podría haber estado embarazada, por la forma de esconder que tienen sus manos.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en mi belleza, sino también en los misterios que me rodean

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La Mona Lisa. Es un video pero no se por que no sale la imagen del mismo.

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Se dice de mí

Se dice que soy Lisa

Que me siento con misterio

Que soy mona y que me quedo

Con aire de seducción

Que parezco embarazada

Mi nariz es muy sombreada

La figura no me ayuda

Y mi boca es un bom-bom

Si charlo con Leo, Da Vinci sabrán

Hablando de mí, ustedes  están

Critican si ya la risa perdí

Se fijan si voy, si vengo o si fui

Se dicen, ah, muchas cosas

Mas si el óleo no interesa

¿Por qué pierden la cabeza ocupándose de mí?

Yo sé que muchos me copiaron con mentiras

Y suspiran y se mueren cuando piensan en quién soy

Y más de uno se derrite con mi escote

Y se quedan si lo miro, resoplando de amor

Si fea soy, pongámosle

Que de eso ya yo me enteré

Mas la fealdad que Leo me dio

Mucha donna me la envidió

Y no dirán que me creí

Porque modesta siempre fui

Yo soy así

Y ocultan de mí

Ocultan que  tengo  los ojos provocadores

Y además otros amores que producen sensación

Si soy fea, sé que en cambio, tengo un cutis de manteca

Los que dicen que soy chueca, no me han visto en camisón

Los hombres de mí critican mis cejas

El tamaño de mi marco

La luz, basta de quejas

Critican si ya la calidad perdí

Se fijan si El Louvre, si El Prado o si huí

Se dicen muchas cosas

Mas si el busto no interesa

¿Por qué pierden la cabeza ocupándose de mí?

Yo sé que soy del puro renacimiento

Y Leo en el mil quinientos me creó

Y les juro, soy su joya más preciada, no les miento

Aunque solamente un tipo del museo me robo

Si rara soy, pongámosle

Que eso ya, yo lo acepté

Mas la fealdad que Leo me dio

Todo pintor se la envidió

Y no dirán que me creí

La Gioconda siempre fui

Yo soy así.

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"LA CREACIÓN DE ADÁN"

· Título: La creación de Adán

·  Autor: Miguel Ángel Buonarroti

·  Año: 1511

·  Estilo: Renacimiento

·  Técnica: Fresco

·  Ubicación: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma

Buenas tardes, mi nombre es Adán. Soy nada más y nada menos que el primer hombre, y lo que ven aquí es la creación del hombre… ¿Qué les parece? En esta imagen podrán verme conectándome con el creador, cuando me transmitía el soplo de la vida. Mi pintura es al fresco plasmada sobre una fina lámina de yeso en forma rectangular, tengo una superficie aproximada de 280 centímetros de alto por 570 centímetros de largo. Me encuentro en mi emplazamiento original, la bóveda de la Capilla Sixtina, junto a un promedio de 500 m² más de frescos de mi escultor y artista Miguel Ángel.
Les cuento un poco mi historia… resulta que en el año 1473 el papa Sixto IV ordenó la restauración de la Capella Magna del Vaticano, que era una capilla de fortaleza, lo hicieron y desde ahí la empezaron a utilizar para celebrar actos y ceremonias. Pero algo faltaba, claramente yo, entonces por encargo del papa Julio II, desde 1508 hasta 1512, Miguel Ángel, mi creador, se encargó de decorar la bóveda de la capilla. Produjo muchísimos frescos sobre el techo de la Capilla Sixtina, el mío particularmente es del año 1511. Mi creador, fue un escultor, pintor y arquitecto italiano, fue la gran figura del Renacimiento italiano, un genio que dominó el panorama creativo del siglo XVI. Yo lo admiro, hizo muchísimas cosas impresionantes como “Baco”, “Piedad”, “el David” pero nada como yo (aunque bueno, mi amiga Florencia dice que el David también es muy impresionante, pero sigamos conmigo).
Bueno después de esas cositas, lo llamaron para esculpir la tumba de Julio II y crearme a mí, o bueno para decorar el techo de la Capilla Sixtina en realidad… Al principio Miguel se hizo el interesante, se resistió un poco, porque él era principalmente escultor, pero al final aceptó y ¡me creó a mí! Una de sus creaciones más sublimes, en eso coincidimos los dos. Después volvió a Florencia, pero al tiempo se dio cuenta que no podía estar lejos mío y volvió a Roma. De hecho, trabajo en la Capilla Sixtina nuevamente, en el fresco del Juicio Final.
Bueno volvamos a hablar de mi mejor, retomando, luego de unos años en la década de 1990 cuando hicieron algunos arreglos, se demostró lo increíble del trabajo que hizo Miguel, que sin ayuda prácticamente logró esto tan impresionante . Porque es un tamaño enorme el que tenemos las figuras y estamos en una base curva de los techos por lo que es aún más dificultoso, esto nos hace únicos y excepcionales, sobre todo a mí.
Bueno como les dije, estoy en la Ciudad del Vaticano, donde se encuentra la residencia oficial del papa… La verdad es que veo gente siempre, porque ahora soy parte del museo y atraigo (es obvio que vienen por mi) a multitudes de visitantes (como Flor que vino en el año 2012). Yo me encuentro en la parte central de la bóveda y represento la historia del Génesis en la que Dios me la da vida. Por si todavía no lo notaron, yo soy el de la izquierda, representando la llegada a la realidad, el de la derecha es Dios surgiendo del cielo rodeado de ángeles.
Por suerte veo mucho gente a diario, todos ingresan mirando para todos lados, yo sé que me buscan a mí, pero la verdad que el lugar es impresionante hay mucho que ver… (Flor me contó que cuando vino no podía encontrarme de la cantidad de imágenes una al lado de la otra, ella imaginaba otra cosa… Pero creo que ahí está mi importancia, soy parte de algo, pero a la vez soy ese algo).
Bueno los dejo que sigo recibiendo gente, espero que vengan a visitarme, y los reto a ver quién me encuentra más rápido. Saludos!

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El caminante sobre el mar de nubes (1818) Carballido Eitor, Paula

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El caminante sobre el mar de nubes (1818) Carballido Eitor, Paula

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Autor:  Caspar David Friedrich

Técnica: Óleo sobre tela

Estilo: Romanticismo

Tamaño: 74,8cm x 94,8cm

Soy un caminante. Vengo de un largo camino por Sajonia que hoy me trajo hasta este abismo, sublime y elevado. Este camino no es solo a pie, también viene adentro mío, en lo más profundo de mi alma.

Me acompaña mi soledad. Me alimenta perderme en la inmensidad de la naturaleza, en estas nubes, en esta altura. Hacerme uno con el todo; contemplar eso que no llego a distinguir qué es.

Nos sentimos tan inmensos como humanos, dominando la razón; pero somos tan diminutos dominado nuestra espiritualidad. Queremos llegar a ser Dios, pero no entendemos que Dios es todo esto que no rodea y nosotros somos parte de él.

Esta vista me emociona, me motiva, me genera vértigo, terror y vitalidad. Todo al mismo tiempo. Encuentro muchos sentimientos juntos que la razón no puede entender y el corazón no puede expresar.

No hace frío. El viento me despeina y no siento miedo, por lo contrario me siento más vivo que nunca. Se que no voy a caer. Algo me sostiene firme sobre estas piedras, entiendo que aun no es el momento, pero sigo contemplándolo. Quiero entender lo que no se puede entender, quiero ver lo que no se puede ver.

No reniego del mundo terrenal, lo domino, soy fuerte. Pero algo me llama al mas allá. ¿Qué hay después de la vida?

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"El caminante sobre el mar de nubes"
Hola, soy “el caminante sobre el mar de las nubes, mi creador Caspar David Friedrich me pinto en 1818. Mostrando el interés y amor por la naturaleza el me ubico de pie, de espaldas y vestido de negro, con una pierna por delante apoyándome sobre mi bastón en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. Desde ahí se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. Considero que mi autor eligió dicha posición para represar el dominio sobre la vida de este mundo y miro al mas allá con admiración esperando que llegue una vida eterna.

FICHA TÉCNICA
Año: 1818
Autor:  Caspar David Friedrich
Técnica: Óleo sobre tela
Estilo: Romanticismo
Tamaño: 74,8 cm × 94,8 cm
Localización: Museo de arte en Kunsthalle de Hamburgo (Alemania)

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El caminante sobre el mar de nubes
Quedarme aquí y convertirme en nube o montaña o ser parte del mismo cielo, viento o niebla… O simplemente ser una obra pintada en óleo por Caspar David Friedrich seguramente la llamaría “El caminante sobre el mar de nubes”, como soy alemán lo diré en mi idioma Der Wanderer über dem Nebelmeer. Dirán que soy de la época del romanticismo, porque estamos en el 1818.

Probablemente las personas que dicen ser expertos en arte dirán que parado aquí represento a un viajero, aparentemente con cierto sentimiento de misterio, aislamiento y soledad tan solo por haberme sentido atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos, y agregarán que se pudo lograr capturar una perspectiva aérea y simbólica. Me encuentro de espaldas, claro, ¿quién se daría la vuelta y desperdiciaría un instante para ver qué hay del otro lado? Jamás podría volver la página atrás.

Nadie me ha preguntado si quería ser objeto de análisis e interpretaciones. Algunos me verán como un personaje anónimo, tal vez perdería mi fisonomía de humano, o seria el equilibrio cósmico?

¿Quien quisiera ser yo en este cuadro? Pudiendo ser niebla, una masa rocosa, ¿quién se centraría solo en la figura humana y declararía que simbolizo posición de dominación y a la vez muestro debilidad por usar bastón? Solo lo cargué hasta aquí para utilizarlo como medio de apoyo y apenas lo he usado. Dirán que mi postura, con una pierna delante de otra, indicaría que domino la vida de este mundo y mirar al más allá con admiración hablaría de estar esperando que llegue una vida eterna.

Simplemente en esta pose me encuentro más cómodo. También imaginarían que el mar de nubes puede ser la vida eterna, mi fe, algo divino, y las  montañas lo terrenal. Por supuesto, soy un mortal tan pequeño ante tanta inmensidad del universo que soy la nada misma frente a la naturaleza.

Ahora pienso, ¿si dejaría de ser un mortal y me convertiría en naturaleza? Podría regenerarme cada vez que lo considere necesario. Me aburre ser un simple sujeto, si me convertiría en niebla, en viento o aun en algo más poderoso,  en oxígeno,  podría esconderme de la realidad. O podría ser un oso, siempre quise tener la fuerza de un oso pero ¿para qué? ¿Para luchar contra quién? O ser un ave, ¿podría volar a tal altura? O ser solo un espíritu que se hidrate de la humedad de las nubes, se alimente de los sonidos de la naturaleza y según la ventosidad hará de sus movimientos y desplazamientos una brisa o  un intenso  viento.

Aquí soy dueño de una hermosa sensación, cerca de mi pecho siento crecer un globo  dentro de mí. Ellos, los de abajo solo hablan porque repiten lo que ya saben, si tan solo escucharían este sonido,  se darían cuenta de toda la abundancia que existe y la gratitud que se siente.

Pensar tanto a veces contamina pero parado aquí aun me sigo cuestionando, ¿quién seré? Friedrich, viento, niebla, montañas, un oso, un ave, o simplemente soy?

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Lazarte Florencia PEI 16:30

Autor: Prilidiano Pueyrredón
Técnica: Óleo
Estilo: Romanticismo

Hola soy Manuela Robustiana Ortiz de Rozas y Ezcurra, pero todos me conocen como Manuelita Rosas. Mi padre es Juan Manuel de Rosas, gobernador de la provincia de Buenos Aires, principal caudillo federal. Tras la muerte de mi madre, Encarnación, me tuve que ocupar de manejar las relaciones públicas de la provincia ayudando a mi padre con tan solo 21 años. Todos piensan que yo puedo influir en las decisiones que toma y me piden ayuda; pero de hecho es muy poco lo que puedo hacer; no pude evitar que fusilen a mi amiga Camila y es algo que no voy a poder superar. Aun así el amor hacia mi padre es incondicional.

Un amigo de la familia, Prilidiano Pueyrredón, hijo de Juan Martín de Pueyrredón, ex Director Supremo de las Provincias Unidas del Río de la Plata, quien se formó en Europa realizando su carrera en el Instituto Politécnico de París, graduándose de arquitecto, sin abandonar su gran pasión que es el dibujo y la pintura. Si bien es un gran retratista, también lo apasiona el campo plasmándolo en paisajes.

A mis 34 años pintó mi retrato, obsequiado en mi honor, dónde visto un vestido de alta costura rojo, aunque no es punzó como el símbolo federal de mi padre, todo el ambiente está acorde con ese color. Luzco con una sonrisa risueña, dejando sobre el escritorio de mi padre una petición. Lo que más me emocionó fueron los detalles delicados que pintó como las joyas de mi madre.

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Retrato de Manuelita de Rosas.
Obra del año 1851 realizada por Pueyrredon.

Hola soy Manuela Robustiana Ortiz de Rozas y Ezcurra, tengo treinta y cuatro años.

Todos me conocen como Manuelita Rosas debido a que mi padre es Juan Manuel de Rosas, gobernador de la provincia de Buenos Aires, principal caudillo federal.

Hoy me obsequiaron un cuadro. Es mi retrato, en el visto un vestido de gala rojo, al igual que todos los tonos de la obra. El color hace alusión al símbolo federal de mi padre.

Luzco con las joyas de mi difunta madre, Encarnación, y en él se ve perfectamente como me ocupo y manejo las relaciones públicas con mi padre, dado que estoy en su escritorio dejando una carta, desde el dia que mi madre nos dejó.

El cuadro me lo hizo,  Prilidiano Pueyrredón, hijo de Juan Martín de Pueyrredón, un amigo de la familia.

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 "Mujer con Sombrilla" Ain Vieites PEP (Lunes 18:30hs)

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 "Mujer con Sombrilla" Ain Vieites PEP (Lunes 18:30hs)

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Hola soy Camille, personaje de la obra "Mujer con  Sombrilla" junto a mi hijo Jane. El autor de la obra es Claude Monet, mi marido y padre de Jane. La obra fue realiza en el año 1875, es del estilo impresionismo. Fue pintada en Argenteuil (Francia) cerca del río Sena. La obra nos representa a mi hijo Jane y a mí, disfrutando del campo en familia.

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"Mujer con Sombrilla" de Claude Monet (1875).
Esta obra de óleo sobre lienzo, también es conocida como "El Paseo".
Dimensiones: 100 x 81 cm
Estilo: Impresionismo

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"Mujer con Sombrilla" de Claude Monet (1875).

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Sandra Gómez (lunes:pep 16:30 hs)

Título de la obra : Bailarinas en la barra
Autor: Degas Edgar Hilaire
Año: 1888
Material : Oleo sobre lienzo
Estilo : impresionismo
Dimensiones:  130 x 96' 5 cm
Museo: colección particular

Somos bailarinas y estamos esperando para salir a escena mientras tanto nos retrató el artista Degras.

Historia:

El mundo de la danza será uno de los temas más representados por Degas, especialmente los ensayos y la espera de las bailarinas antes de entrar en escena.En este caso contemplamos a dos bailarinas haciendo ejercicio en la barra fija, vestidas con trajes azules. Posiblemente el lienzo está sin acabar pero nos sirve para ver la forma de trabajar de Degas,heredera de la que ya utilizaba ingres. Debajo del tutú de la primera joven observamos nitidamente las líneas de su anatomía ya que primero se ejecutaba la figura sin ropajes que más tarde se iban añadiendo en diversa capaz. De esta forma la línea tendría más importancia que el color,aplicado por el artista con una rapidez que le caracteriza.

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Hola Joana. Subí el enlace, no se puede acceder a tu trabajo.
Marcela.

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Adjunto link a video de youtube para la presentación. (El nombre de la bailarina es ficticio con el fin de darle un marco a dicha presentación)

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18.30 2c. 2020 PEP
Hola soy Frida Kahlo, mexicana.
Mis pinturas son hechas para criticar algunas situaciones diarias, mostrar desacuerdos, dolor, etc.
Y esta obra en particular la pintè para simbolizar y mostrar mi frustrado matrimonio con Diego Rivera, tal vez algunos lo conocen, es otro pintor.
En la pintura hay un collar de espinas que sangra y que muestra mi dolor, por este matrimonio ya terminado. Tambièn lo puse por que es un simbolo cristiano como la corona que llevò Jesùs, y yo soy muy devota. Despuès pueden ver que puse un colibrì negro muerto con las alas abiertas, que es una manera de resignificar la forma de mis cejas tan caracterìsticas y criticadas y mostrando un matrimonio fallido.
Despuès pueden ver que de un lado pinte al mono que Diego me regalò , pero lo hice indiferente, asì como el es conmigo. Y del otro lado puse un gato negro que es augurio de algo malo y para que seguir explicando que....ya se abran dado cuenta que mi relaciòn con mi marido es un gran pesar y sufrimiento.
Gracias por escucharme y mirar mis obras, los invito a que sigan explorando en ellas.

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Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón soy una de las pintoras más conocidas de México

Mi vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de mi infancia y sobre todo un terrible accidente de autobús dejó secuelas que cambiaron mi vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar…), pero que también me iniciaron en el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital realicé mis primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó mi vida y obra fue el matrimonio con Diego Rivera, toda una institución en México, que resultó una influencia masiva en el arte para mí.
Aunque era polígama y bisexual, las infidelidades de mi marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura que realizo.

Mi obra tan conocida como Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a mi vida personal, se podría decir que mis cuadros son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque a veces lo negaba, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en México). También un evidente influjo expresionista.

Mi condición de mujer también fue principal en las obras. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre busqué con mi trabajo alejarme de lo que podría hacer una mujer de mi época y me mostre dura, excesiva, violenta y activa. Es por ello que soy una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que Dalí, yo cree el personaje de Frida, con mi forma de vestir y arreglarme, con vestimentas y abalorios indígenas, mi negativa a depilarme las cejas y bigote y mi pasión por la cerveza.

Usé la simbología de los colores para mi obra:
El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso :locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

Les cuento sobre mi obra…

En mi hombro derecho, está mi mono, mascota que me regalo mi ex esposo.

En el rostro reflejo mi dolor como la resistencia a él y mi peinado a mi país de origen México.

Los colores de la naturaleza mi fascinación por ella. Las mariposas, símbolos cristianos de esperanza y renacimiento.

El collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimente. El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance, pero está muerto, muestro así la desilusión.

El gato negro, está en posición de ataque, mirando amenazadoramente al colibrí y refleja mi amor hacia los animales.
El mono representa el amor que no recibí de mi marido.

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Autorretrato Vincent Van Gogh                       (1889)
La canción la creamos mi hijo y yo, y es interpretada por Él.
Esperamos que les guste!

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Autor: Vincent Van Gogh
Año:1889

Técnica: Oleo sobre lienzo

Autorretrato

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Mónica Miguens- lunes 18.30-PEP
Autor : Prilidiano Pueyrredón, (Argentina, Bs.As. 1823-Argentina, Bs.As.1870)
Período: Arte Siglo XIX (1800-1910)
Estilo: naturalismo, costumbrista
Técnica: óleo
Soporte: Tela
Medidas: 199 x166cm
Manuelita Rosas, hija de Don Juan Manuel de Rosas.
El vestido es colorado, representa a la patria federal, es retratada con "expresión risueña" en el acto de colocar una solicitud dirigida a su tatita, es la afirmación de Manuelita como ejemplo federal del amor filial y la piedad.
De este modo se representaba la bondad de la joven en su sonrisa y su ocupación intermediaria entre el pueblo y el jefe supremo. El modelo es el retrato de la nobleza europea.
Esta obra la represento con la canción "Estrellita Federal" la cual le fue dedicada. https://youtu.be/sZY45B01kHE

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"La danza"
En el año 1910, Sergei Ivanovich un magnate ruso, aficionado por el arte, le encargó a Henri Matisse que realizara un cuadro para decorar una escalera de su palacio, en aquel entonces era un reconocido artista del siglo xx, el pintor más importante del Fauvismo, este término, deriva de la crítica de  Louis Vaucelles al contemplar algunas pinturas expuestas en el Salón de Otoño de 1905: exclamó” Donatello entre las fieras”.

Matisse al realizar el boceto, he mostrarle al monarca, este al ver los cuerpos desnudos no le agrado, pidiéndole al artista que vistiera a las figuras, ante su pedido, el autor se negó, ante los desacuerdos  Ivanovich suspendió el encargo.

Al cabo de unos días le pidió que continuara con la obra, dicen que la fuente de inspiración de mi autor Matisse,  fue al ver varias personas bailando en una playa de Francia, de esta manera fui creada “LA DANZA”,  jugando con los colores y las formas de las figuras haciendo que se cree un patrón de movimiento a través del baile la alegría y la festividad. Es símbolo de ritmo y alegría de vivir.

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Obra "Sin pan y sin trabajo" realizada por Ernesto de la Cárcova en el año 1894. Escuela Argentina S. XIX, se realizó la obra bajo la técnica de Óleo, el objeto es pintura sobre tela. Sus medidas son 125,5 cm x 216 cm.

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Sin pan y sin trabajo (1894) de Ernesto de la Cárcova

Período: Arte Siglo XIX (1800-1910)

Escuela: Argentina S. XIX

Técnica: Óleo

Objeto: Pintura

Estilo: Naturalismo, Realismo

Género: social, salón

Soporte: Sobre tela

Medidas: 125,5 x 216 cm.

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Sin pan y sin trabajo (1894)
Ernesto de la Cárcova

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Hola! ¿como estan? yo un poco aburrida, mi mamá está muy concentrada cosiendo mientras una señora llamada Mary Cassatt nos dibuja. Al parecer a Mary le gusta mucho pintar, especialmente a mujeres ya que le parece que somos muy importantes. También le parece importante el lazo de una madre con su hija/o, o eso es lo que dijo ella. Me contó que también tiene muchas otras obras pero que lo que más le interesa es que se aprecie la maternidad y la crianza. Las madres que cuidan a sus hijos/as solas.

En muchas de sus otras obras aparecen mujeres cosiendo, como mi mamá. Ya que le gusta que las personas que pinta esten abstraídas en su actividad.
Lo que ella hace se llama arte impresionista y es cuando el artista experimenta con la iluminación y los diferentes manejos de la luz.

Esta pintura es de 1902, la llamó “madre cosiendo”, el material que usó fue óleo sobre lienzo, las dimensiones de la obra son 92´4 x 73´7 cm. , el estilo es impresionismo como ya les dije.. y me pueden encontrar ami y a mi mamá en el Museo Metropolitano de Nueva York. Saludos a todos/as!!
(Mary Cassatt 1844- 1926)

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Hola me presento , estoy en mi casa bordando un delantal junto a mi hija que esta apoyada en mi regazo un poco cansada de esperar a que termine , mientras nos dibuja Mary Cassatt

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Soy la fuente monumental Las Nereidas  ,fui presentada al publico el 21 de Mayo de 1903, en la actual intersección de las calles Peron y Avenida Leandro Alem, en la ciudad de Buenos Aires. Soy un monumento realizado por Lola Mora, representó a seres mitológicos que asisten al nacimiento de la diosa Venus q a su vez es asistida y sostenida por dos criaturas que me dan nombre : Las Nereidas, son ninfas del océano, hijas del dios del mar Nereo. Representó en la mitología Griega , además de la belleza y la seducción, cierta compasión por los navegantes y la humanidad, me completan tres tritones montados en sus caballos, emergiendo del agua.

Soy una escultura de aprox 6 metros de alto y 13 de ancho, construida por mármol de carrara y yeso. En 1918 fui trasladada a un lugar más alejado de la ciudad , la costanera Sur, en el actual barrio de Puerto Madero , gracias a un sector de la sociedad que se escandalizaba por ver mi escena de desnudo.

“No pretendo descender al terreno de la polémica; tampoco intento entrar en discusión con ese enemigo invisible y poderoso que es la maledicencia. Pero lamento profundamente que el espíritu de cierta gente, la impureza y el sensualismo hayan primado sobre el placer estético de contemplar un desnudo humano, la más maravillosa arquitectura” LOLA MORA

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La Mujer del Sweater Rojo - Antonio Berni 1935 (Y. Daiana Guzmán. 16:30 PEI) 

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La Mujer del Sweater Rojo - Antonio Berni 1935 (Y. Daiana Guzmán. 16:30 PEI) 

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Hola, soy Nina Terré, La Mujer del Sweater Rojo. Fui amiga en Rosario de mi autor Antonio Berni y de su esposa Paule Cazenave. Surgí en 1935, de la adhesión de mi autor por las cosas reales y el ensueño de querer representarse así mismo y a su familia. La técnica que él usó en mi retrato fue óleo sobre arpillera. Sin marco las medidas son 108 x 92.5 cm, y con marco de 118.5 x 102.5 cm. Me encuentro en el MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Mi retrato, entre otros de la colección, expresa la dimensión espiritual del Nuevo Realismo. En él, me encuentro acodada y melancólica, con pensamientos que parecen no tener fin.

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LA MUJER DEL SWEATER ROJO 1935 - ANTONIO BERNI

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la mujer del sweater rojo. Antonio Berni

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Aquí estoy, soy Antonio Berni presentando a la mujer del sweater rojo...Tengo tanta historia, tan dificil de resumir en este pequeño párrafo, pero al menos haré lo posible, por conquistarlos y seguir viendo mi obra, que es bien de acá, argentina, comprometida, con la realidad en cada pincelada. Hice de mi vida un profundo quehacer en función de lo que me ha interpelado. Así soy, Don Antonio Berni.

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Camila Duarte (Autorretrato con collar de espinas- Frida Kahlo)

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Camila Duarte (Autorretrato con collar de espinas- Frida Kahlo)

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Historia de dicha obra “ relatada por Frida” :

“ Autorretrato. Me pinto a mi misma de frente con una corona de espinas en forma de collar. Las espinas se hunden en mi cuello en representación del dolor luego del divorcio. Del collar cuelga un colibrí muerto, sus alas extendidas imitan mis cejas. Sobre mi hombro izquierdo hay un gato negro preparado para saltar sobre el colibrí. En mi hombro derecho, está mi mono, mascota que me regalo mi ex esposo.

En el rostro reflejo mi dolor como la resistencia a el y mi peinado a mi país de origen Mexico.

Los colores de la naturaleza mi fascinación por ella. Las libélulas y mariposas, símbolos cristianos de esperanza y renacimiento.

El collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimente. El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance, pero está muerto, muestro así la desilusión.

El gato negro, está en posición de ataque, mirando amenazadoramente al colibrí y refleja mi amor hacia los animales.
El mono representa el amor que no recibía de mi marido.

Pinto autorretratos porque estoy mucho tiempo sola. Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco".

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Ficha técnica

Autor: Frida Kahlo
Año: 1940
Técnica: Óleo sobre tela
Tamaño: 61cm x 47cm

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EL HIJO DEL HOMBRE - RENÉ MAGRITTE

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Autorretrato con collar de espinas y colbri (Frida Khalo-1940) Agostina Mondin-PEI 16:30)

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Autorretrato con collar de espinas y colbri (Frida Khalo-1940) Agostina Mondin-PEI 16:30)

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AUTORRETRATO COLLAR DE ESPINAS .
STEFANÍA NOEL GAGLIARDI

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Ruth E. Giusti M. (PEP - 18:30 HS) Obra: Autorretrato con collar de espinas (1940) 

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Ruth E. Giusti M. (PEP - 18:30 HS) Obra: Autorretrato con collar de espinas (1940) 

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Autor: Frida Khalo
Cronología: 1940

Estilo: Simbolismo.

Técnica: Óleo sobre lienzo

Ubicación: Universidad de Texas, EE.UU.
https://drive.google.com/open?id=1MHoBW9oEFZq0ANpMQPQpIshhzU-4WBxm

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Carla Clementoni (C2 18:30) La columna rota – Frida Kahlo, 1944             

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Carla Clementoni (C2 18:30) La columna rota – Frida Kahlo, 1944             

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Hola, mi nombre es Frida Kahlo, tuve un accidente muy grande y me rompi la columna. Acá pueden ver como están tratando de arreglarme este desastre, no es muy estético, pero en estos tiempos es lo que hay.... Me ven parada, pero en realidad no puedo mantenerme en pie. Trato de que no se note, pero estoy sufriendo mucho. Me duele tanto que no puedo moverme. Además podran ver que hay otras heridas, pero esa historia quedará para otro momento.

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Mujer Saliendo del Psicoanalista (Podría ser Juliana), 1960.Óleo/Tela.  de Remedios Varo

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Mujer Saliendo del Psicoanalista (Podría ser Juliana), 1960.Óleo/Tela.  de Remedios Varo

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Abril Troncoso - 2C 18.30 hs. PEP

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El Grito III La Edad de la Ira. 1960- Autor: Oswaldo Guayasamín

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El Grito III La Edad de la Ira. 1960- Autor: Oswaldo Guayasamín

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Música representativa: zampoñas y rondadores ecuatorianos,
Viviana Descalzo 18.30 2C

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AUDIO Mujer Saliendo del Psicoanalista (Podría ser Juliana), 1960.Óleo/Tela. de Remedios Varo

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AUDIO Mujer Saliendo del Psicoanalista (Podría ser Juliana), 1960.Óleo/Tela. de Remedios Varo

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Abril Troncoso - 2C 18.30 hs.
PEP

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Hola, me identifico con el siguiente título "mujer saliendo del psicoanalista". Fui creada por María de los Remedios Alicia Rodrigo Varo, más conocida como Remedios Varo... Nacida en 1908, fallecida en 1963... Yo nací poco tiempo antes que ella falleciera más precisamente en 1960. Les cuento que Remedios nació en España, luego emigró a México y también vivió en Francia.
Ahora les pasó a contar un poco más de mí, estoy echa en óleo sobre tela de 71 x 41 CM. Mí atuendo es verde ya que indica la esperanza, en este mismo pueden ver cómo una máscara de mí misma, tiene que ver con mí inconciente. También pueden observar que mí mirada apunta hacía la derecha donde de fondo pueden observar la puerta del consultorio del Dr. Vetifja psicoanalista, donde justo estoy saliendo. En mí mano derecha tengo una canasta con un par de desperdicios, un reloj (símbolo del temor de llegar tarde), una llave, una aguja con hilo y frasco de esencias; una medialuna (representación de la femeneidad). En mí mano izquierda hay como una bolsita tiene que ver con una autoridad masculina que parte de los recuerdos de antaño y que ahora lo desecho a un pozo para liberarme de ataduras que transforma en el agua limpia, cómo el reflejo de terapia. El camino circular simboliza el deseo de modificar el entorno y romper con aquél vicio de caminar y retornar al mismo lugar.
También les puedo contar que Varo se destacaba por sus obras llenas de misticismo y con detalles que nos llevan directamente a nuestro subconsciente.
En esta oportunidad quizimos burlarnos de nuestros propios problemas dejando atrás el pasado y todo residuo del tiempo.
Actualmente me encuentro en México. Espero que anden bien.

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BRANDONI, MARÍA CANDELA. 16:30. 2C (PEP)                   

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BRANDONI, MARÍA CANDELA. 16:30. 2C (PEP)                   

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"El caminante sobre el mar de nubes"
AÑO: 1818
AUTOR: Caspar David Friedrich
TÉCNICA: Óleo sobre tela
ESTILO: Romanticismo
TAMAÑO: 74,8 cm × 94,8 cm
LOCALIZACIÓN: Kunsthalle de Hamburgo, Circunvalacion Oriente, Alemania.

Me siento bastante atraído con la naturaleza, la veo, y la experimento en lugares aislados y maravillosos. Me puedo encontrar al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas o en lo alto de una cascada.

Me encuentro de espaldas, ya que a menudo adopto una posición central en las pinturas al óleo, esto es a partir del años 1807. Además cumple una función como figura de identificación, para que el espectador se pueda colocar en el lugar mío, y de esa manera seguir cerca del fenómeno natural.

La figura vuelta de espaldas cumple una importante función como figura de identificación. Normalmente están colocados de tal manera que cubren el punto de fuga. A causa de ello, el espectador, es decir, ustedes, se colocan en mi lugar y de esta manera siguen de cerca el fenómeno natural.

El hecho de que me encuentre en el centro de la pintura, indica que estoy en una posición de dominación. Me encuentro solo, sin presencia humana. Estoy en una situación de  aislamiento y soledad. Mi postura, una pierna delante de la otra, indicaría que Domino la vida de este mundo y miro al más allá esperando que me llegue una vida eterna.

Con respecto a mi paisaje, las rocas entre las montañas y el fondo simbolizan la fe del ser humano, mientras que las montañas del fondo representan la vida eterna futura en el paraíso. El mar de nubes, también se puede interpretar como alusión a la divinidad, estando el ser humano entre la naturaleza (la montaña del primer plano) y Dios (el mar de nubes).

Con mi imagen se quiere transmitir el sentimiento de lo sublime, la impresión de magnificencia y sobrecogimiento que produce la naturaleza en toda su grandeza. Mi imagen de espaldas parece recordar, sumido en mi contemplación, a algún difunto o mi propia mortalidad.

“El caminante simbolizaría, en fin, al ser humano que concibe su vida terrena (la montaña a la que corresponde la masa rocosa en primer plano) como un preludio a la vida eterna (el mar de nubes). La postura del caminante, con una pierna delante de otra, indicaría que domina la vida de este mundo y mira al más allá con admiración esperando que le llegue una vida eterna.”

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ADIVINA ADIVINADOR

Me gusta taparme la cara así no pueden reconocerme porque pienso que todo lo que vemos esconde algo.

Suelo pintar manzanas en casi todos los cuadros que aluden al pecado, la tentación y la inmortalidad.

Me visto de traje porque represento a “un hombre normal y corriente”. Por supuesto no hay nada menos corriente que la normalidad.

También, en la mayoría de mis obras, acostumbro a taparle la cara a alguien, ya sea con una manzana, un ramo de flores, o un  paño húmedo, así la persona queda oculta y despierta nuestro interés.

Me gusta la curiosidad pero ojo porque puedo engañar dando pistas falsas.

¿QUIÉN SOY?

Soy René Magritte, autor de la obra.

Título: El hijo del hombre
Título original: Le Fils de l'Homme
Técnica: Óleo (116 cm × 89 cm.)
Bélgica 1964

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Mayra Zapata (PEI - 16:30)

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Hola, soy el autorretrato de un pintor surrealista nacido en Bélgica en el año 1898, conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, que pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al espectador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Tres años antes de su fallecimiento me creó a mí: estoy compuesto de un hombre con bombin, traje negro y corbata roja, vestimenta que usaba mi autor y que quiere representar “un hombre común y corriente”.

Mi creador, René Magritte, me hizo así porque creía que todo lo que vemos esconde otra cosa y por supuesto siempre queremos ver lo que está oculto, aunque eso no oculte nada.

Estoy ubicado delante de un muro y detrás mío se puede apreciar el mar y un cielo nublado. Mis ojos se oscurecen porque la manzana verde que ves delante de mi cara está flotando, pero los podes ver asomándose por el borde. Está manzana es un elemento recurrente en las obras de mi autor en las que hace referencia al pecado (Adán y Eva), la tentación y hasta la inmortalidad.

Otra que aparece frecuentemente en las obras del artista son las personas con la cara tapada con diferentes elementos, o hasta de espaldas, para hacerla anónima y que la persona quede oculta, despertando de esa manera el interés de todos ustedes… La curiosidad es una de las herramientas que usa el autor para hacernos entrar a su mundo.

Por último quiero decirles: Recordemos que todos ocultamos algo, aunque no sea nada. Así somos más interesantes, ¿no...?

Titulo: El hijo del hombre.
Año | 1964
Autor | René Magritte
Técnica | Óleo sobre lienzo
Estilo | Surrealismo
Tamaño | 116 cm × 89 cm

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Supermarket Lady (1969) - Duane Hanson

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Silvina Messina Pep 18.30

Supermarket Lady ( 1970 )

Hola!  me llamo Supermarket Lady y fui creada en 1970 por Duane Hanson. Pertenezco a una colección que se llama "Sueño Americano" en donde se pueden ver una serie de obras que representan personajes de la sociedad americana que tratan de encajar a la perfección en unos parámetros sociales predeterminados, son los residuos de una sociedad exitosa que en su imperfección tratan de encajar en el sueño americano.

Conmigo lo que que trata de hacer mi autor es representar el alter ego de la perfecta ama de casa americana. Al hacerme tan grotesca trata de que reflexionemos sobre la individualización del ciudadano frente a una masa colectiva.

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Juanito dormido, 1974. (Karen Velozo PEI 16:30)

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Juanito dormido, 1974. (Karen Velozo PEI 16:30)

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Mi nombre es Juanito Laguna vivo en una humilde villa junto a mis padres y otras familias. En el año 1974 llego un hombre. Asombrado por ver a alguien de las afueras me acerque y le pregunte quien era, el me respondió que se llamaba Antonio Berni y que era pintor, grabador y muralista, inclinado hacia el realismo, poniendo su pintura al servicio del ideal humano y social. En su visita quería reflejar a través de su arte, la forma y el lugar en que vivíamos. Entusiasmado me preste para acompañarlo y hacer de modelo. Era el momento que tanto esperaba, que mi realidad y la de muchos sea conocida, y quizá soñar con un cambio.

Sé dónde y cómo vivimos, soy uno de tantos chicos, olvidados, sufrimos la miseria y la indiferencia humana; pero aun así, no dejo de soñar en un futuro mejor.

Este hombre tenía luz en sus ojos, pensé que podría ayudarme y yo ayudarlo a él. Con una idea brillante, quiso representar pequeños momentos de mi vida, y para ello busco material que la misma sociedad ya había descartado y que nosotros, los pueblos más pobres recogemos, estos materiales llenos de significado y cercanos a nuestra realidad.

La pobreza nos acompaña, es una triste realidad de muchas personas en Latinoamérica, pero aun así, en estas calles puedo jugar, viajar, emocionarme, aprender a leer y hasta festejar una navidad; pero lo más importante es que puedo soñar,  y quizá junto a Berni, transformar, y cambiar nuestras condiciones sociales, haciendo valer nuestros derechos. Sé que ahí afuera, hay un mundo lleno de esperanza.

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Diego del Pozo 16.30, 2do Cuat (PEP)
Acá el link de la canción que Juanito nos recomienda de la negra Sosa
https://youtu.be/zGPwI_c_gKc

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(Agustina Bolaño - 16.30hs PEI)

¡Hola! Mi nombre es Juanito Laguna. Nací en Buenos Aires, en Villa Cartón. Trabajo juntando basura, recorro los chatarrerios y siempre me baño junto a mi mejor amigo, mi perro, en los charcos que se forman al costado de los basurales. También tengo una amiga que se llama Ramona Montiel, que llegó desde el interior en busca de un mejor porvenir, o algo así me dijo ella.

En 1974 conocí a mi autor, Antonio Berni; él me dijo que era un pintor, grabador, dibujante y muralista argentino… ¡Wow! Me contó que su interés por la realidad del país le hizo replantear su rumbo en la pintura: se alejó de la dimensión fantástica y se acercó a una pintura más realista (realismo crítico), vinculada a una defensa de las clases sociales más desposeídas.

Vivo alrededor de latas, plásticos, hierros, zapatos y juguetes viejos y rotos; para mí es común. Pero se ve que para Berni fue un rasgo importante a destacar, por eso me dijo que el cuadro iba a estar construido con los mismos materiales que se encuentran en las villas, ¡técnica collage! Eso recuerdo que me dijo.

Yo le conté quién era, cómo vivía, y las cosas que hacía. Soy consciente de que, para la sociedad, somos los pobres, una multitud de anónimos, desplazados, niños marginados, la miseria… y Berni, según me contó, quería utilizar nuestra vida para expresar una realidad trágica, desigual, llevando a cabo un proyecto cultural y político de reivindicación del oprimido.

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(Sotera Giselle 18:30hs PEI)

Espero que se pueda ver el vídeo en youtube!! con la colaboración de mi ahijade que me presto su tono de voz!!

Hola me llamo Juanito Laguna, en la obra que están viendo tengo apenas unos 8 10 años, me quede dormido...estoy en mi barrio, humilde pero mi lugar, vivo con mi familia y muchas más, algunos le dicen villa miseria. Llegamos desde el interior tentados por los modelos de industrialización impulsada por el desarrollo americano que no tuvo en cuenta que la población iba a crecer tanto y en las condiciones que íbamos a vivir.

En mi barrio no hay servicios de luz, agua potable, cloacas, centros de salud y educación, y algunas veces se inunda o se incendia la basura que nos rodea. Esto que les cuento puede ser el reflejo de cualquier otro chico de Latinoamérica.

Antonio Berni es la persona que me retrato, mi autor, un artista argentino, pintor, dibujante, grabador y muralista reconocido en el medio por crear el nuevo realismo en los años 30, siempre preocupado por la realidad social de su país y a través de ellas quiso mostrar las condiciones que mucha gente vive y la marginalidad que se trata de tapar, porque si no la vemos no existe.

El año de esta obra es 1974 y decidió tomar parte de mi entorno, como las latas papeles maderas juguetes rotos, y darles una re significación a estos desechos arrojados por el consumo de la sociedad, en una nueva forma de expresión ideológica. Sus obras son aptas para todo público y de fácil interpretación, aunque a algunos pueda resultarles anti estéticas porque justamente en ellas busca incomodar y denunciar la explotación.

“Juanito Laguna es un símbolo para sacudir la conciencia de la gente ... Quiero que para nadie sea un pobre chico, sino un chico pobre. Juanito no pide limosnas, reclama justicia”

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(Molina Belén  PEI 2C 16.30)
Hola! Soy Juanito Laguna, un chico que nació en uno de los barrios más miserables del arrabal bonaerense. Crecí entre la pobreza bañado de flores, mientras juego en la calle, intento aprender a leer. Me gusta relacionarme con los animales, saludo a los astronautas que pasan por mi barrio, me emociono con las mariposas y los barriletes, y festejo con muchas ansias navidad. Quién me creó (Antonio Berni Rosario 1905-Buenos Aires 1981) dice que soy un chico pobre, pero no un pobre chico, porque tengo los ojos cargados de porvenir. Sé que gracias a él, hoy represento a muchos chicos que viven en mi misma situación de pobreza, que habitamos en casas humildes o viviendas de chapas y cartón. También que intenta homenajearnos introduciendo en las obras, la basura que hay en la sociedad industrial que nos rodea en nuestro día a día como las latas, plásticos, hierros, maderas, telas, zapatos, juguetes, papeles, señales de tránsito, etc. De esta forma logra una apelación sensible acerca de mis derechos y la inclusión social, asi todos logran promover y crear una identificación crítica a nosotros (los chicos que viven en pobreza) haciendo posible que podamos entrar en una educación con valores y derechos, donde haya solidaridad, respeto de las diferentes culturas, personales y sociales. Y por sobre todo, propiciar el interés por el cambio y el compromiso en la transformación de las condiciones sociales que fomentan el individualismo, la fragmentación y la discriminación.

Espero que les guste mi pobre historia, que aunque sea pobre sé que tiene mucho por dejar. Saludos!

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Juanito laguna
Medina Fabiana

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Hola a todos

Mi nombre es Juanito Laguna, soy un niño muy joven y muy pobre, pero no un pobre niño.

Vivo y trabajo en las Villas Miseria del Gran Bs. As, pero esto no me hace perder las esperanzas yo sé que afuera hay un mundo mejor . Fui creado por Antonio Berni, nacido en Rosario un 14 de Mayo de 1905. Soy una de sus obras mas conocidas, el fue un gran pintor y artista. Estoy hecho de pintura y collage, collage con los mismos materiales que suelo trabajar o simplemente vivir

Mi creación fue pensada para representar a los sectores mas carenciados y la explotación infantil, no solo acá si no también en otros países de América Latina.

El pinta mi vida cotidiana desde fines de los 50, reflejando los momentos felices y los que no también, para que todos sepan las otras caras de la vida.

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Paola Marilú Pérez (PEP 16:30hs)

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Supermarket Lady - Duane Hanson  1970 (Guadalupe Ragone - PEI 16:30)

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Supermarket Lady - Duane Hanson  1970 (Guadalupe Ragone - PEI 16:30)

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Hola a todxs!! Adjunto mi audio, saludos!!

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Obra: Los Músicos
Autor: Fernando Botero
Año: 1979
Estilo: Arte Figurativo

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Obra: El Grito N°3
Autor: Oswaldo Guayasamín
Año: 1983

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Bailarina en la barra de Fernando Botero.

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Laura Orio 16:30

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Adjunto un link que lleva a una presentación en Genially, en donde presento a "Bailarina en la Barra", de Fernando Botero (2001): https://view.genial.ly/5f79164ab6e14a0d0d92b753/interactive-image-imagen-interactiva

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Emily Marcano PEP 2C 18:30. Soy la Bailarina en la barra (2001) por Fernando Botero. La sensualidad está presente en mí, pues es la fuente principal de placer y constituye la contribución de mi creador, visto un tutú blanco crema y unos zapatos de baile rojo, como la flor que decora mi melena y en la obra se observa mi reflejo, un toque especial. Mi autor, el gran Botero tiene sangre y corazón latino. Es uno de los artistas plásticos más reconocidos de Colombia. En la actualidad, su deliberada aversión por el arte contemporáneo y su amplio conocimiento de la historia de la pintura clásica hacen de Botero un artista excepcional en el mundo..

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Emily Marcano PEP 2C 18:30. Soy la Bailarina en la barra (2001) por Fernando Botero. La sensualidad está presente en mí, pues es la fuente principal de placer y constituye la contribución de mi creador, visto un tutú blanco crema y unos zapatos de baile rojo, como la flor que decora mi melena y en la obra se observa mi reflejo, un toque especial. Mi autor, el gran Botero tiene sangre y corazón latino. Es uno de los artistas plásticos más reconocidos de Colombia. En la actualidad, su deliberada aversión por el arte contemporáneo y su amplio conocimiento de la historia de la pintura clásica hacen de Botero un artista excepcional en el mundo..

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Un día cualquiera en 2001, estaba haciendo lo que más me gusta, bailar.
Bailo y practico tres veces por semana (a veces 4), en un salón que adoro, ya que ahí no solo bailo sino que me encuentro con distintos artistas que pasan por allí y muestran lo que hacen. Pero ese día fue distinto porque conocí a un pintor. Su nombre era Fernando Botero, un hombre colombiano bastante mayor.
Charlamos un buen rato, me contó mucho de su vida, que tiene 69 años, que tuvo 4 hijos y que uno lamentablemente falleció. Que viaja mucho, y que pinta y escribe.
Después de hablar como por una hora seguida, me dijo: "espero que no lo tomes a mal, pero me encantaría hacer una pintura tuya, haciendo esto que tanto te gusta". Al principió quedé muy sorprendida, nunca pensé que alguien quiera hacer una pintura mia, ya que muchas veces he recibido burlas por mi cuerpo, por mi contexura grande. Le explique eso a Fernando, pero él me dijo que solamente veía una belleza volumétrica, que en sus obras siempre representaba a personas, animales y hasta frutas de volumen grande. Él mostraba belleza a través de las figuras y colores que utilizaba. Me mostró algunas pinturas que hizo y quedé impresionada. No necesitaba que me diga, ni me muestre más nada, yo ya sabía que quería ser parte de su colección.
Y así fue, fui a la barra que siempre practico, hice una pose que me sale bastante bien, y esperé a que él me retrate en esa pintura de óleo sobre lienzo.
Terminó y le pregunté: "¿qué nombre le vas a poner?", a lo que Fernando contestó: "Fácil, 'Bailarina en la barra' ".

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PEP 2do cuatrimestre 16:30hs

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Escultura "coupe an umbrella" (pareja debajo de una sombrilla) Carla Vergara PEI lunes 18:30 hs

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Escultura "coupe an umbrella" (pareja debajo de una sombrilla) Carla Vergara PEI lunes 18:30 hs

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Autor: Ron Mueck
escultura figurativa contemporánea.
Año:2013
La obra es un genio del hiperrealismo ,el escultor australiano Ron Mueck, quien presenta en la fundación cartier de París, una exhibición con 9 esculturas hiperrealistas, tres de ellas ineditas, personajes grandes o pequeños pero nunca de talla humana que tienen el poder de producir en el espectador un extraño vértigo. esta obra se puede apreciar a dos ancianos
que están en traje de baño en una postura relajada y sonriente, tomando el sol bajo una sombrilla de colores.
Sus obras tienen los detalles tan reales, que parecieran personas de verdad , sin embargo se trata de esculturas de gran formato
en donde cada rasgo del cuerpo es perfectamente fiel al de un verdadero ser humano, cada pliegue de la piel, cada vello, cada arruga, pareciera real.
se trata de personajes , tan perfectamente humanos, que mirarlos nos hace pensar por un breve momento que estamos frente a dos gigantes de carne y hueso.
Su interes esta en la representación de la vida humana,sobre la vida y la muerte en situaciones casi cotidianas e intimas.

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Maia Gaetani - Lunes 18.30hs

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Nosotros somos COUPLE UNDER AN UMBRELLA, o en criollo una Pareja Debajo de una Sombrilla. Fuimos creados en el año 2013, por el escultor RON MUECK, quien se inscribe en la tradición escultórica donde es representada la figura humana. Nosotros como otras de sus esculturas cautivan por las dimensiones, y el realismo de los personajes, cuyos gestos expresan sutilmente situaciones llenas de vida y misterio, como así también encierran una interioridad vital y profunda y a la vez expresan la obsesión de nuestro autor por la verdad y la perfección de su técnica.
SOMOS GIGANTESPERO A LA VEZ REALES.

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Maia Gaetani - Lunes 18.30hs
MELODY COLLANTE 2°C LUNES16:30
MELODY COLLANTE 2°C LUNES16:30 
Nosotros somos COUPLE UNDER AN UMBRELLA, o en criollo una Pareja Debajo de una Sombrilla. Fuimos creados en el año 2013, por el escultor RON MUECK, quien se inscribe en la tradición escultórica donde es representada la figura humana. Nosotros como otras de sus esculturas cautivan por las dimensiones, y el realismo de los personajes, cuyos gestos expresan sutilmente situaciones llenas de vida y misterio, como así también encierran una interioridad vital y profunda y a la vez expresan la obsesión de nuestro autor por la verdad y la perfección de su técnica.
SOMOS GIGANTESPERO A LA VEZ REALES. 
"Mujer con Sombrilla" Ain Vieites PEP (Lunes 18:30hs)
 "Mujer con Sombrilla" Ain Vieites PEP (Lunes 18:30hs)
Hola soy Camille, personaje de la obra "Mujer con  Sombrilla" junto a mi hijo Jane. El autor de la obra es Claude Monet, mi marido y padre de Jane. La obra fue realiza en el año 1875, es del estilo impresionismo. Fue pintada en Argenteuil (Francia) cerca del río Sena. La obra nos representa a mi hijo Jane y a mí, disfrutando del campo en familia.
"LOS MESES DEL AÑO"
"LOS MESES DEL AÑO"
Ayelén Altamirano (Lunes 16:30-PEI)
Hola, somos una de las tres paradas en Argentina del circuito creado por la artista plástica Marta Minujin. Nos llaman "Los meses del año", nosotros somos Marzo y Abril, estamos exhibidas en el el museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Fuimos inauguradas el 23 de agosto de 2018, nuestra artista nos define como "misteriosas, transparentes y etéras".
Otros ejemplares nuestros están exhibidos en el Museo OAS de Washington, en colecciones privadas de Costa Rica y en otras ciudades de la Argentina como Buenos Aires, Mendoza y Neuquen.
Sasha Julieta Lucero C1 16-30 2° CUATRIMESTRE
Sasha Julieta Lucero C1 16-30 2° CUATRIMESTRE

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Ayelén Altamirano (Lunes 16:30-PEI)
Hola, somos una de las tres paradas en Argentina del circuito creado por la artista plástica Marta Minujin. Nos llaman "Los meses del año", nosotros somos Marzo y Abril, estamos exhibidas en el el museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Fuimos inauguradas el 23 de agosto de 2018, nuestra artista nos define como "misteriosas, transparentes y etéras".
Otros ejemplares nuestros están exhibidos en el Museo OAS de Washington, en colecciones privadas de Costa Rica y en otras ciudades de la Argentina como Buenos Aires, Mendoza y Neuquen.

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TRUSSO LAURA 2ºC LUNES 16:30
Buenas tardes, me presento, mi nombre es Vicent Van Gogh,. Esta obra de arte es mi autorretrato creada en septiembre de 1889 y pertenece a una colección de 40 obras aprox. que realice . Solía pintarme mucho , ya que a veces estaba corto de dinero como para contratar modelos. Existe una disputa entre algunos historiadores porque creen que esta obra junto a otro autorretrato mío pero sin barba, son unos de los últimos, ya que en ese momento no andaba muy bien que digamos mentalmente , y justo después de sufrir un accidente donde sin querer me quite la oreja izquierda , me tuve que internar en un manicomio .En el momento en el cuál me represento con esta obra , me encontraba bajo mucha presión tanto física ,mental y laboral ,por eso quise plasmar la tensión que padecía utilizando colores que se disuelven y patrones turbulentos. Reconozco que no es una de mis poses mas bonitas pero ,¿Quién alguna vez no se levanto con el pie izquierdo?

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Lic en Psicología Ruth E. Giusti M. (ruthgiuscel)

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See all the wonderful things Lic en Psicología Ruth E. Giusti M. has made

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 (PEI 16:30hs).
La Gioconda o La Mona Lisa
Año: 1503-1519.
Autor: Leonardo Da Vinci.
Técnica: Pintura al Óleo sobre tabla de Álamo.
Estilo: Renacimiento.
Tamaño: 77 cm x 53 cm.
Localización: Museo del Louvre,París,Francia.
 
Mi Retrato como Lisa Gherardini, soy esposa de Francesco de Giocondo,más conocida como La Gioconda (La Joconde en francés) o La Mona Lisa,es una obra pictórica del polímata renacentista italiano Leonardo Da Vinci.Fui adquirida por el rey Francisco I de Francia a comienzos del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés.Me encuentro expuesta en el museo del Louvre de París,siendo,sin duda, la "Joya" de mis colecciones.
Mi nombre,La Gioconda,deriva de la tesis más aceptada acerca de mi identidad como modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo,que realmente me llamaba, Lisa Gherardini,de donde viene mi otro nombre: Mona (señora en el italiano antiguo),Lisa.El Museo de Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra,aunque no reconocen mi identidad como modelo y tan solo la acepta como una hipótesis.
Por medio de estudios históricos me han determinado que podría ser una vecina de Leonardo,que podrían conocerme mis descendientes y que podría haber estado embarazada,por la forma de esconder que tienen  mis manos.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en mi belleza,sino también en los misterios que me rodean.     


 
La Gioconda!!!!
La Gioconda!!!! 
Rojas Dolores PEP 1830 Hs

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Artista: Leonardo da Vinci
Tamaño: 77 cm x 53 cm
Ubicación: Museo del Louvre (desde 1797)
Modelo: Lisa Gherardini
Fecha de creación: 1503
Período: Renacimiento