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Nous entendons de plus en plus parler du métaverse qui est sûrement le futur de la société. C'est à se questionner comment ce nouvel univers va affecter toutes les sphères de la vie, dont la mode. Déjà plusieurs designers s'associent avec des compagnies de jeux de société pour designer des « skins » ou des habits pour des personnages en ligne. Ces compagnies de design envisagent ou certaines commencent déjà à promouvoir leur nouvelles collections en utilisant des avatars virtuels. Ma collection d'images veut porter les gens à se questionner: si le fond de l'image semble être intangible et les vêtements semblent faux, est-ce que les mannequins sont vrais ou ils sont des avatars? Dans le futur, ce serait peut-être un questionnement qu'on se poserait à savoir si les gens qui nous entourent son faux ou non, et on va peut-être juger davantage les gens sur leurs habits ou leur possessions puisqu'on aura accès à pratiquement tout ce qu'on peut imaginer dans le métaverse et les plus créatifs d'entres-nous vont ressortir. Nous pourrons porter ce qu'on veut dans ce nouveau monde; les tissus se veulent chics puisque l'apparence sera plus importante, et le fond se veut intangible en texture pour rappeler l'abstraction du métaverse et son intangibilité.

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Scene of a boy mid-dive at a public pool - Noah Davis

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Scene of a boy mid-dive at a public pool - Noah Davis

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Mon travail est grandement inspiré de l'œuvre A sudden gust of wind de Jeff Wall. En effet, dans cette image, il vient interpréter une gravure (Travellers Caught in a Sudden breeze at Ejiri, 1832) en photomontage. Pour ce faire, il a méticuleusement reconstitué chaque élément de la photo au cours de 2 ans pour créer une composition similaire. J'apporte une approche similaire à mon image. En effet, je reconstitue la composition de Scene of a boy mid dive at a public pool par le peintre Américain Noah Davis. Pour se faire, j'utilise des images déjà prises au cours des dernières années. Ainsi, en produisant cette œuvre dans un nouveau médium, j’offre une nouvelle lecture de ces scènes du passé.

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Grâce à la lumière et au couleur, le kaleidoscope réussit à embellir ce que l’on voit, ce qui peut parfois être totalement banal. À travers ce concept, j’ai voulu introduire le sujet des violences et des bavures policières qui est un sujet d’actualité et qui fait couler beaucoup d’encre.

Lorsqu’on regarde les images de mon projet, on peut se dire que c’est beau ou non, que ça créer du motif mais à première vu on ne se rend pas compte de la réelle photographie. Le but dans mon projet n’est pas d’embellir ou de glorifier l’image de la police mais plutôt de montrer que si on ne cherche pas à comprendre ce que c’est réellement, on ne réalisera pas ce qu’il y a face à nous.

On peut lire mon projet de deux façons :

• Si on ne cherche pas à en savoir davantage, si on ne se remet pas en question face à cette situation, si on ne se réveille pas et si on agit pas, ce genre de chose continuera de se produire et les gens seront de plus en plus dans le déni total de ce qu’il se passe autour d'eux (le déni serait représenté par le motif)

• Le motif embellit et cache la réalité de la photo, comme si le motif représentait la police qui a pu souvent cacher certaines choses au niveau des violences et bavures policières

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https://www.tate.org.uk/art/artworks/wall-study-for-a-sudden-gust-of-wind-after-hokusai-t07235

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"Pèlerinage" est une exploration photographique inspirée des scènes vertigineuses typiques de plusieurs oeuvres de science-fiction contemporaine à travers la réalisation de paysages et environnements en miniatures. On peut y voir certains codes visuels tirés de la dernière adaptation cinématographique de l'oeuvre de Frank Herbert, "Dune", réalisée par Denis Villeneuve, qui s'est lui-même inspiré de la tentative inachevée d'Alejandro Jodorowsky, Jean Giraud et Hans Ruedi Giger. Ce fut le point de départ graphique de ce projet.

Le produit final tente de créer un sentiment d'immersion en perturbant le sens d'échelle du spectateur à l'aide d'images d'architectures et formations "naturelles" démesurées, ainsi que de paysages et situations extra-terrestres. La lecture peut suggérer le parcours d'adeptes d'une organisation ésotérique quelconque aboutissant à une sorte d'ascension spirituelle et physique, ou encore un rite de passage.

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Cette série de trois images est une métaphore pour le changement climatique. Elle illustre des objets dans des scénarios de tout les jours en train de fondre sur place. J’ai choisi de le représenter ainsi puisque on ne voit pas ou on ne remarque pas souvent les effets du réchauffement climatique. Les glaciers qui sont en train de fondre sont hors de vue et hors de pensée pour une grande majorité, à un tel point où il y a même des politiciens qui doutent l’existence du réchauffement climatique.  Ces images permettent une visualisation absurde et directe de la problématique afin de capter l’attention.

Pour ma présentation, j’ai décidé d’encadrer mes photos afin d’ajouter un niveau de satire. Le massage étant que la société ne fait que regarder la terre brûler (ou plutôt fondre) comme une nature morte au musée et que la sécurité écologique est un privilège réservé au 1%.

Technique

Afin d’arriver à mon résultat, j’ai utilisé de la slime blanche que j’ai fabriqué avec de la colle blanche, de la bicarbonate de soude et un peu de solution de verres à contacte. Elle me permettait de visualiser comment un objet fonderait et me donnait une base solide qui a beaucoup facilité la poste production. Dans le cas de la scène de tasses de thé j’ai brisé une des assiettes en une des tasses afin de renforcer l’illusion.

En prenant mes photos j’ai voulu une esthétique éditoriale et un peu candide, comme si on pouvait voir cette scène en vrai vie mais qui pourrait aussi se voir dans une revue. J’ai donc utilisé le flash de ma caméra. L’ajout de graine permet de renforcer l’illusion et me plaît esthétiquement.

Après avoir édité mes photos dans Camera Raw je les ai ouverts dans Photoshop afin de blender un peu le contacte entre la slime et l’objet en utilisant l’outil Patch. Finalement je les ai retouché avec Procreate en faisant de la peinture digitale.

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J’ai décidé de visiter les emplacements prévus de stations faisant partie du projet avorté de la ligne rose du métro de Montréal. Ce projet m’était particulièrement cher comme le tracé passait tout près de chez moi, alors j’ai voulu réaliser des images qui montreraient les portes emblématiques du métro dans ces espaces – comme une façon de concrétiser le projet, ne serait-ce que dans mon imagination.

Les images, à mi-chemin entre deux réalités, invitent le spectateur à se questionner sur la façon dont les quartiers pourraient être transformés par l’implantation d’une ligne de métro. Il est maintenant possible d’examiner le projet et ses conséquences possibles de façon plus nuancée et sans dimension partisane. En effet, on peut imaginer une meilleure mobilité pour les personnes à faible revenu et un environnement moins saturé de voitures, mais il y a également potentiel d’embourgeoisement, de gentrification.

Les portes se tenant seules, sans autre contexte, évoquent l’inachèvement, l’ébauche de l’idée qui a été finalement abandonnée sans avoir eu le temps de se construire pleinement. Il y a également un côté surréaliste à la chose, à la manière du trou de lapin d’Alice ; on peut imaginer les portes comme entrées d’une «dimension de poche» où on aurait vu le projet mené à terme.

Finalement, l’exercice me permet d’adresser mon attachement émotif au projet, aux lieux dans lesquels il devait prendre vie, au réel que je ne pourrai jamais goûter – du moins, probablement jamais sous cette forme précise.

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"Sublimer le banal" est une réflexion sur comment dans le monde d’aujourd’hui il nous est facile de manipuler le message des images. Sur les réseaux sociaux, un café devient un objet de mode, des vidéos de meeting remplis de personne sont enfaîte un cadrage bien pensé…

Cette petite série a été pensée comme des photographies d’une exposition fictive d’art contemporain. Je voulais amener un doute sur la provenance des images, en recadrant, stérilisant les couleurs.

Ce projet dénonce la beauté artificielle inondant les réseaux sociaux et cette recherche incessante du beau.J’ai également joint deux panoramas et la série avant/après pour créer un déclencheur sur la réflexion réalité/artifice et montrer comment des objets banals peuvent devenir sublimes instagramable .

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Après les attaques terroristes du 11 septembre 2001 contre le World Trade Center, le monde occidental a décidé de se concentrer sur l'arrêt du terrorisme. Un grand nombre de politiques ont été mises en œuvre, axées sur la surveillance de masse, au nom de la sécurité. Il est devenu plus difficile de passer dans les aéroports. Des caméras ont été placées pour surveiller les citoyens ordinaires. Plus tard, au fil des ans, la surveillance de masse a été utilisée comme une tactique de marketing par les entreprises technologiques afin d'acquérir davantage de richesses.

VueRéelle est une application basée sur l'idée de voir à quoi ressemble réellement le monde. L'application fonctionne comme un appareil photo, sauf qu'elle vous montre comment vous êtes surveillé, où que vous alliez. Le logo est une icône d'appareil photo avec un globe oculaire à l'intérieur de l'icône. Cela symbolise le fait que vous êtes toujours surveillé. C'est ironique car vos téléphones sont l'un des pires objets qui vous surveillent. Les trois vidéos créées sont basées sur des publicités de Google ou de Facebook, qui se présentent comme des entreprises sympathiques et amicales, alors qu'en réalité, elles vous surveillent constamment par le biais de leurs applications.

La vidéo 1 montre que votre porte d'entrée est comme un scanner de sécurité d'aéroport. Cela symbolise le fait que même en entrant dans votre maison où vous ne pensez pas, vous êtes contrôlé. Votre maison n'est plus un endroit sûr. S'ils veulent vous surveiller, ils le feront.

La vidéo 2 montre que même lorsque vous pensez être seul, vous ne l'êtes jamais. Cette vidéo montre quelqu'un qui utilise l'application à un arrêt de bus. Il pense être seul, mais en fait il ne l'est pas et il est surveillé.

La vidéo 3 montre comment les endroits les plus intimes, comme la salle de bains, sont toujours surveillés. La vidéo montre que lorsque vous utilisez l'application. Votre salle de bain est remplacée par une caméra de sécurité, qui vous surveille.

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Le fameux panneau de signalisation routière d’immigration fit son apparition sur les routes de la Californie en 1990 afin d’avertir les automobilistes de la présence possible de migrants susceptibles de traverser la route pour rejoindre les États-Unis.

Le panneau est jugé par plusieurs comme porteur d’un regard déshumanisant en représentant une famille migrante tel un simple danger routier – usant le même code graphique pour signaler le passage d’animaux ou de véhicules.

Cette série cherche à représenter visuellement ce manque de considération et d’importance envers les vies humaines au cœur de la problématique de l’immigration.  En modifiant l’image, la présence de ces personnes fut ainsi ajoutée dans des photographies où se retrouve le panneau.

Des silhouettes à la figure réaliste (deux adultes et un enfant, tel que représenté dans le panneau) sont intégrés à l’environnement. Leur apparence est effacée afin qu’ils se camouflent de manière délibérément apparente dans le décor. Leur présence est à la fois camouflée mais facilement discernable lorsque le regard passe près du panneau. La série cherche ainsi à inciter un second regard sur un enjeu complexe.

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https://padlet.com/alessandraamandine/q5iv53qcgtmaz003

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Le projet Entre deux draps traite des liens qui existent entre les objets et les histoires qui y sont rattachées. Chacun a des histoires différentes associées aux objets de leur quotidien. La nature de ces histoires et les émotions qui y sont rattachées influencent la façon donc chacun perçoit ces objets. Le lit devient plus qu’un simple lit en l’accompagnant d’un texte, on ne le voit plus de la même façon. Le contraste entre les deux textes démontre ces nuances qui existent dans la façon dont on perçoit ce même objet qu’est le lit. Le projet est également une analyse de l’intime. Le lit étant un endroit très privé, il devient ici un portrait en creux avec ces témoignages très personnel. Un contraste se crée en prenant cette intimité et en la présentant dans ce contexte public.

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Méta, une série de trois visuels photographiques, représente l’imaginaire, la pensée et le rêve. On peut observer dans ma série la représentation du principe d’aller au-delà du réel et de l’imaginaire, en même temps de remarquer des actions banales de la vie quotidienne effectuées par les sujets. On peut comparer la série à la Metaverse, qui crée des environnements parallèles au monde vivant permettant de se retrouver les uns les autres. L’univers Méta a été réalisé avec l’aide d’un logiciel de rendu 3D et une intégration de photos pour la représentation du sujet.

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https://padlet.com/alessandraamandine/kp2k1z40j776gn24

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Le désir ici était de donner une autre dimension à ces grandes figures de béton. Je voulais y ajouter du mouvement. L’idée de base était de simplement faire bouger un objet en arrière-plan, telle une fusée ou bien un œil flottant. Puis j’ai pensé à rendre l’entièreté du fond dynamique, ceci étant possible avec une vidéo.

J’ai tout de suite opté pour des vidéos de style « archive ». Le thème de la plage et de l’eau s’est rapidement joint au projet, le contraste entre ces scènes chaleureuses qui évoquent une certaine nostalgie et l’avant-plan plus froid, droit, impersonnel devenait intéressant.

C’est en superposant ces images que l’idée de château de sable m’est venue en tête. J’ai voulu rendre l’expérience plus immersive en ajoutant une trame sonore: le bruit des vagues, d’enfants qui jouent, de conversations à peine audibles…

Voilà comment s’est formé ce triptyque.

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Cette série fait référence aux publicités de nourriture de restaurant qui sont souvent truquées et non-réalistes des produits réellement vendus.Souvent beaucoup plus enjolivés pour être bien présentés et vendeurs, ils sont superficiels. Plus gonflés, lustrés, sans défauts, etc. Avec ces 4 photographies, j'ai tenté de déconstruire cette sorte de mise en scène réelle mais irréelle et non représentative de la réalité et je les ai réinsérés sur un fond de couleur propre à elles, également comme une pub. Le but étant de faire allusion à ce qu'on ''devrait" normalement voir dans ces dites pubs trop parfaites qui ne le sont pas vraiment. Les effet de scanner, les médiums et les couleurs ternes appuient cette idée.

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Pour ce triptyque photographique j'ai amassé plusieurs clichés provenant d'un voyage personnel en Thaïlande en 2018. Lors de ce voyage, j'ai été frapper par l'immensité et la densité de Bangkok, une mégalopole immensément grande qui évoque une jungle en béton, un territoire où il est possible de se perdre sans que personne ne soit alerté par votre disparition. En me basant sur ce principe de gigantisme et des multiples couches qui composent cet énorme territoire urbain, j'ai décidé de développer une série d'image mettant en scène le système de routes extrêmement présent à travers la ville possédant une allure futuriste si on le compare  aux systèmes routiers occidentaux. Ainsi, l'architecture des viaducs m'a inspiré à créer des images denses et chargées, présentant des routes de béton, dépassant l'échelle du réel, intégrées à travers des clichés ordinaires. Pour ce projet, j'ai voulu évoquer un aspect de dystopie à travers mon usage du surréel, l'intégration des formations architecturales m'a permis de densifier mes images  scéniques, déjà en soit, chargées. J'ai voulu représenter la densité d'une société urbaine dystopique en accentuant l'effet de grandeur, donnant ainsi un côté "big brother" qui signifie en fait, le fait d'être observé de haut.

Journal de recherche: https://padlet.com/alessandraamandine/i9w6da2e2dg5wbth