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JAPONISME

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Hiroshige Utagawa, estampe "Le temple de Kinryuzan à Asakusa", Série des "Cent vues célèbres d'Edo", Japon, 1856

Musée des Arts Décoratifs

© MAD Paris / photo Jean Tholance

Depuis sa fondation, en 1864, le Musée des Arts Décoratifs a été pionnier dans l'initiative de conserver et présenter l'art japonais en France. Il organise, en 1869, la première grande exposition d'art oriental et notamment japonais. Les missions du musée ont été, dès lors, d'acquérir, préserver et exposer les exemplaires les plus remarquables des arts décoratifs d'Orient et d'Occident, en vue d'inspirer les créateurs contemporains. Cet attrait de l'Occident pour la composition des estampes, la préciosité des porcelaines, l'usage des techniques du grès et du métal et la délicatesse des laques, a permis de renouveler la production artistique en Europe dont l'art qui résulte de cette influence est connu sous le nom de Japonisme. Inversement, lorsque le Japon s'ouvre à l'Occident au début de l'ère Meiji, en 1868, il subit son influence : c'est sur cette période charnière que le visiteur débute son parcours.

L'exposition s'ouvre sur "les acteurs de la découverte" de l'art japonais et le rôle des Expositions universelles dans la transmission de cette culture à partir de 1867, date à laquelle le Japon y participe pour une première fois. Les récits et les collections rapportées par des voyageurs et marchands, à l'instar d'Henri Cernuschi, Émile Guimet, Hugues Krafft, Siegfried Bing, Florine Langweil ou Hayashi Tadamasa, ont également participé à la diffusion d'une grande variété d'objets à travers toute l'Europe : laques, céramiques, estampes, bronzes, paniers, peignes, textiles, papiers peints mais aussi katagami, kimono et tsuba.

La "nature", source d'inspiration chère aux artistes japonais et occidentaux, plonge le visiteur dans l'univers végétal, floral et animal, dont les motifs inspirés par la faune et la flore ont ouvert tout un champ lexical ornemental et symbolique qui a participé au fondement du Japonisme.

Le "temps" et les liens que les japonais entretiennent avec leur propre histoire est illustré à travers le rythme des saisons et la vie traditionnelle à l'époque d'Edō (1603-1868). Les sujets relatifs au quotidien et aux usages, tels que les cérémonies du thé, de l'encens et de la calligraphie ou liés à la spiritualité, convient le visiteur à un moment de contemplation.

En abordant le thème du "mouvement", l'exposition met en exergue la capacité de l'art japonais à saisir l'instant présent et dont les artistes européens se sont emparés. Représenté dans les spectacles de théâtre et de sumo, à travers les costumes, les masques et les estampes, le mouvement s'exprime également par les lignes de certains objets anciens et contemporains. Il se manifeste aussi à travers les échanges commerciaux et artistiques entre la France et le Japon du XVII e siècle à nos jours. Les productions du mouvement Mingei, à l'exemple du tabouret Butterfly de Yanagi Sori et de la chaise longue en bambou de Charlotte Perriand, en offrent une parfaite illustration.

Enfin, le parcours s'achève avec "les innovations" qui s'illustrent depuis la fin du XIX e siècle avec les procédés techniques japonais traditionnels comme le grès, les laques et le métal et couvrent les domaines du graphisme, des objets et de la mode évoquant ainsi les influences artistiques qui se mêlent aux procédés les plus novateurs. Cette dernière partie convoque les grands noms de la mode des XX e et XXI e siècles; de Issey Miyake à Junya Watanabe en passant par Paul Poiret, Junko Koshino, Rei Kawakubo (Comme des garçons) et John Galliano.

L'exposition fait voyager le visiteur d'Est en Ouest sur 150 ans d'échanges à travers une présentation inédite de par la grande variété des objets qu'elle rassemble et les œuvres d'artistes majeurs japonais et français qu'elle réunit : Hokusaï, Émile Gallé, René Lalique, Shiro Kuramata, Charlotte Perriand, Ikkō Tanaka.

Elle offre également l'opportunité de pouvoir découvrir les œuvres de sept artisans d'art français qui ont participé à l'exposition "WONDER LAB", présentée par HEART & crafts au Musée National de Tokyo en 2017 : Jean Girel, Michel Heurtault, Sylvain Le Guen, Laurent Nogues, François-Xavier Richard, Pietro Seminelli et Nelly Saunier.

Le Musée des Arts Décoratifs, en retraçant les moments forts de cette histoire d'échanges, au cœur de ses collections d'une diversité et d'une qualité remarquable, rappelle l'évidence des regards croisés entre les manifestations esthétiques entre la France et le Japon par-delà les siècles.

Chaque histoire de musée est singulière. En liant, dès sa fondation en 1864, l'enjeu brûlant de la création contemporaine au fleuve plus tranquille du patrimoine, le Musée des Arts Décoratifs ne déroge pas à cette vérité. En plus d'un siècle et demi, certains traits sont plus marquants que d'autres, qui permettraient presque de récrire sous leur prisme unique toute une histoire du musée : la passion du Japon en est un, fort et indiscutable. Depuis 1869, le Musée des Arts Décoratifs a tissé des liens intimes avec la civilisation japonaise, avec tout ce qui fait le Japon, en procède, s'en écarte aussi quelquefois, la tradition et la rupture. Cette année-la, une estampe d'Hiroshige était offerte au musée naissant par Émile Reiber, collectionneur et promoteur de l'art japonais, créateur de modèles pour Théodore Deck et la maison Christofle. Cette acquisition illustre parfaitement la place originale du Japon dans notre institution, alliant l'art japonais et le japonisme, leur influence sur la création occidentale.

Des milliers d'autres œuvres japonaises et japonisantes devaient suivre, aux provenances révélant les affinités de personnalités entre collectionnisme et création, Bing, Hayashi, Burty, Vever et tant d'autres. Plus proche de nous dans le temps, la chaise longue en bambou conçue en 1940 par Charlotte Perriand durant son séjour au Japon nous fut donnée par le Nihon Mingei-Kan en 1985, à l'occasion de la première grande rétrospective consacrée à Charlotte Perriand, voulue par François Mathey et Yvonne Brunhammer. Dans ses Mémoires, Une vie de création, Perriand rappelle que cette icône du design, trait d'union entre la France et le Japon, avait été sauvée des ravages de la Seconde Guerre mondiale par son ami Yanagi Sōri et offerte à son instigation. Comme une boucle bouclée.

Palanquin (Norimono) de la famille des Shoguns Tokugawa, Japon, époque d'Edo, XIX e siecle

Bois laqué noir et or, métal ciselé intérieur tapissé de papier peint. Musée des Arts décoratifs en dépôt au musée de la Voiture et du Tourisme à Compiègne

© RMN-Grand Palais (domaine de Compiègne) / Stéphane Maréchalle

Au-delà des collections, le Japon a également nourri la politique d'expositions sur un rythme soutenu jusqu'en 1914, plus calme ensuite, avant de connaître une reverdie à partir des années 1970. (...) En 1869, c'est le projet monumental du "Musée oriental" : le Japon devient le foyer d'un renouvellement profond de l'esthétique occidentale, mais aussi le puissant vecteur d'un militantisme certain dans le domaine des arts décoratifs. Dans une civilisation où la hiérarchie des arts bien française n'a aucun sens, la noblesse de l'artisanat donne un nouvel élan aux pratiques et aux techniques, bouleversant les préséances, redonnant toute sa place à l'objet d'art.

Dans les années 1900-1910, les expositions d'art japonais se succèdent rapidement dans les nouveaux espaces du musée inaugurés en 1905 dans l'aile Rohan et le pavillon de Marsan. Si peu à peu l'engagement du musée dans l'Art déco puis dans l'aventure moderne de l'UAM se fait plus important entre 1920 et 1950, le tropisme japonais connaît un retour en force à partir des années 1970 avec l'exposition "Ma Espace-Temps du Japon" en 1978 et celles consacrées à la splendeur créative de Issey Miyake en 1988 ou à la poésie de Kuramata Shiro en 1999.

Le Musée des Arts Décoratifs a mis en lumière ses collections chinoises en 2014, puis a rendu un vibrant hommage à la Corée contemporaine en 2015.

Au vu de sa longue relation avec le Japon, le musée a très tôt réfléchi à sa manière de célébrer la date hautement symbolique de 2018, marquant le 150 e anniversaire de la naissance de l'ère Meiji, et de montrer au public français un pan entier de ses collections méconnu, voire inconnu. De l'Exposition universelle de Paris de 1867 à l'automne 2018, ce sont tous les domaines d'excellence que porte le musée qui permettent d'approcher au plus juste les deux faces d'un même dialogue, le Japon et les japonismes, avec un "s" légitime tant les expressions en sont variées, du design à la mode, du graphisme aux métiers d'art. Avec jubilation, tous les départements du musée ont travaillé ensemble : il y a peu de sujets aussi fédérateurs que le Japon qui permettent à autant de spécialistes différents de s'exprimer, du jouet à l'affiche, du design le plus pointu à la mode la plus radicale. (...)

L'influence du Japon sur notre propre histoire artistique est un ferment indissociable de la modernité. Quelle culture, quel art ont pu ainsi inspirer des personnalités aussi essentielles et différentes qu'Edmond de Goncourt et Charlotte Perriand, Christopher Dresser et Paul Poiret, Frank Lloyd Wright et John Galliano? L'amour que notre musée a porté et porte à l'art japonais, son rôle enthousiaste dans sa connaissance, appelait cette mise en lumière méritée.

Thématiques de l'exposition

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Dans le cadre de la saison " Japonismes 2018 : les âmes en résonance ", le Musée des Arts Décoratifs rend hommage au Japon et à son art et révèle à cette occasion toute la richesse de ses collections qui illustrent depuis la fin du XIXe siècle les relations artistiques entre ces deux grandes nations.

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Sur France Culture

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Au petit palais, déjà fini hélas...

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Pour la première fois en Europe, le public aura le privilège de découvrir le chef-d'œuvre réalisé par Itō Jakuchū (1716-1800). Figure singulière de la période Edo (1603-1867), Jakuchū est connu comme l'un des artistes excentriques ou indépendants de Kyōto, qui n'étaient liés à aucun mouvement artistique en particulier, mais qui créèrent un style tout à fait personnel. Ce fut seulement à l'âge de 40 ans passés qu'il put s'adonner entièrement à la peinture. Cet ensemble de trente rouleaux intitulé Images du royaume coloré des êtres vivants (Dōshoku sai-e) est son œuvre la plus ambitieuse, réalisée sur presque une décennie. Il représente avec ses fleurs, poissons, et oiseaux l'un des exemples les plus remarquables de peinture polychrome japonaise du 18ème siècle. Cet ensemble, appartenant à la collection de l'Agence de la Maison impériale du Japon, en tout point exceptionnel, n'a quitté le Japon qu'une fois, en avril 2012, pour être présenté à la National Gallery de Washington. Il n'est montré qu'à Paris accompagné par la triade buddhique du temple Shôkoku-ji et pour une durée d'un mois en raison de sa fragilité.

Commissaires :

Aya Ōta, conservateur en chef du Musée des collections impériales (Sannomaru Shōzokan)

Manuela Moscatiello, responsable des collections japonaises au musée Cernuschi, le Musée des Arts de l'Asie de la Ville de Paris.

Cette exposition a lieu à l'occasion du 160e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et le Japon en 2018, sur le thème " Japonismes 2018 ".

Cette exposition est co-organisée avec la Fondation du Japon, Nikkei Inc., agence de la Maison impériale du Japon, le Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris et Paris Musées.

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Pour la première fois en Europe, le public aura le privilège de découvrir le chef-d'œuvre réalisé par Itō Jakuchū (1716-1800). Figure singulière de la période Edo (1603-1867), Jakuchū est connu comme l'un des artistes excentriques ou indépendants de Kyōto, qui n'étaient liés à aucun mouvement artistique en particulier, mais qui créèrent un style tout à fait personnel.

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Dans le cadre de la saison culturelle " Japonismes 2018 ",ARTE se met aux couleurs nippones et propose quatre films. Trois de Akira Kurosawa : "Entre le ciel et l'enfer", "Chien enragé" , "Le Château de l'araignée" et "Sill the Water" de Naomi Kawase.

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La halle saint Pierre
Quand l'envers de l'art japonais est aussi remarquable que l'endroit

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Les estampes exposées proviennent du musée Nihon no hanga à Amsterdam qui regroupe la collection qu'Elise Wessels a constituée au cours des 25 dernières années. Les estampes qui y sont conservées offrent un aperçu exhaustif de la création artistique japonaise au XX e siècle. L'intégralité de cette collection est une donation promise au Rijksmuseum d'Amsterdam dans quelques années.

Le renouveau de l'estampe japonaise au XX e siècle

Dès la fin du XIX e siècle, l'estampe traditionnelle japonaise ( ukiyo-e) avait dû faire face à une crise sans précédent. Le contexte culturel de production était en train de changer. On ne publiait plus d'estampes se référant à Yoshiwara, le quartier des plaisirs du vieil Edo (l'actuelle Tōkyō), et le lien entre l'estampe et les représentations quotidiennes de théâtre disparaissait progressivement. Il n'y avait plus d'intérêt non plus à dépeindre les temps héroïques des samouraïs. La tendance était désormais à la modernité et les estampes existaient pour leur beauté propre. En parallèle, le marché occidental avait évolué, et les éditeurs entendaient vendre leurs œuvres à une clientèle américaine. Ils imprimaient donc des catalogues en anglais et organisaient des expositions aux Etats-Unis. Le succès fut immédiat au début du XX e siècle : les estampes de maîtres tels que Hokusai, Utamaro et Hiroshige furent surpassées en valeur par celles d'artistes contemporains, qui étaient vendues aux enchères, principalement à New York.

L'introduction de nouveaux procédés de reproduction, tels que la lithographie puis les presses rotatives, permettait dorénavant à un éditeur de réaliser des tirages importants dans des délais très courts. Par ailleurs, les estampes classiques avaient été acquises par les collectionneurs étrangers en quantités telles que les belles impressions des XVIII e et XIX e siècles étaient devenues une rareté au Japon. Et les artistes japonais eux-mêmes, partis en nombre étudier en Europe et aux Etats-Unis, y avaient découvert une approche très différente que celle en vigueur dans leur pays concernant le rôle de l'artiste dans le processus de création de l'œuvre gravée.

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Vagues de renouveau - Fondation Custodia

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Les estampes exposées proviennent du musée Nihon no hanga à Amsterdam qui regroupe la collection qu'Elise Wessels a constituée au cours des 25 dernières années. Les estampes qui y sont conservées offrent un aperçu exhaustif de la création artistique japonaise au XX e siècle.