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THÉÂTRE NATIONAL / JORGE LÉON / CLARON MCFADDEN / SIMONE AUGHTERLONY -
BRÛLER Thu 14 Nov
Fri 15 Nov Laat je meevoeren door Brûler: een meeslepende performance waar verleden, heden en toekomst elkaar kruisen. Met Claron McFadden en Simone Aughterlony brengt Jorge Leon Lucy’s stem opnieuw tot leven in een alchemistisch laboratorium. Een unieke ervaring die je laat nadenken over eindigheid en transformatie. Mis het niet! . Immerse yourself in Brûler: where past, present, and future converge. Claron McFadden and Simone Aughterlony join Jorge Leon to revive Lucy’s voice in a captivating laboratory of transformation. A unique performance exploring finiteness and change. Don’t miss out! tickets and info via link in bio. 🔗 @tn_wallonie_bruxelles | DE SINGEL International Arts Centre

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THÉÂTRE NATIONAL / JORGE LÉON / CLARON MCFADDEN / SIMONE AUGHTERLONY -
BRÛLER Thu 14 Nov
Fri 15 Nov Laat je meevoeren door Brûler: een meeslepende performance waar verleden, heden en toekomst…

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Flowers serial killer

2001

La vidéo Flowers serial killer, acquise par le Frac Alsace en 2001, projette sur notre sentimentalisme un étrange jeu de massacre savamment orchestré par un bourreau pervers et consciencieux. Témoins compatissants d’abord, nous assistons impuissants à l’exécution sommaire de fleurs, victimes à la fois emblématiques et innocentes, sacrifiées sur le temple de l’art. Immobilisées à l’aide de ruban adhésif, elles subissent une à une les persécutions de mains gantées anonymes, armées d’étonnants instruments de torture (ponceuse, marteau, tenaille…). Mais l’humour et l’esthétique désamorcent rapidement la cruauté de cette allégorique mise à mort. Désormais complices amusés de cette violence gratuite, nous pouvons réfléchir aux épineuses questions, actuelles et intemporelles, que pose cette nature morte contemporaine. Et nous sentons dès lors que cette nature assassinée, ce bouquet satirique et funèbre de fleurs artificiellement flétries, distille sur le marché de l’art un doux parfum d’ironie.

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Vanessa Beecroft | Klash ! L'art en acte | ARTE

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Une action de Francis Alÿs menée les 4 et 5 juin 2004 à Jérusalem. Il marche du Sud au Nord de la ville en suivant la frontière qui avait été de facto reconnue après l’armistice de 1949 entre Israël et les Etats Arabes, la ligne verte : frontière aujourd’hui gommée, abolie par la colonisation, absente des cartes officielles israéliennes. Il marche pendant deux jours, sur 24 kilomètres, utilisant 58 litres de peinture qu’il laisse négligemment couler d’un pot tenu au bout de son bras, inscrivant la carte même sur la terre. Il passe devant les soldats qui n’y voient rien, devant des enfants qui rient, devant des adultes qui ne comprennent pas.https://francisalys.com/the-green-line/

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Jerusalem, Israel, 2004; 17:41 min
In collaboration with Philippe Bellaiche, Rachel Leah Jones, and Julien Devaux

Sometimes doing something poetic can become political and sometimes doing something political can become poetic

In the summer of 1995 I performed a walk with a leaking can of blue paint in the city of São Paulo. The walk was then read as a poetic gesture of sorts. In June 2004, I re-enacted that same performance with a leaking can of green paint by tracing a line following the portion of the 'Green Line' that runs through the municipality of Jerusalem. 58 liters of green paint were used to trace 24 km. Shortly after, a filmed documentation of the walk was presented to a number of people whom I invited to react spontaneously to the action and the circumstances within which it was performed.

Click on name to see the video and the interview

Public domain videos can be downloaded and shared with others as long as the authorship is credited and there is a link back to the website of the author. These videos cannot be altered in any way or used for commercial purpose nor cannot be displayed or exhibited without the consent of the artist.

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Jerusalem, Israel, 2004; 17:41 min The Green Line Jerusalem, Israel, 2004; 17:41 min In collaboration with Philippe Bellaiche, Rachel Leah Jones, and Julien Devaux Sometimes doing something poetic can become political and sometimes doing something political can become poetic In the summer of 1995 I performed a walk with a leaking can of blue paint...

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Dans « Parfois, faire quelque chose ne mène à rien », 1997, Francis Alÿs poussait un bloc de glace dans les rues de Mexico jusqu'à ce qu'il fonde complètement. Après de belles heures, le bloc n'était plus qu'un glaçon adapté à un whisky on the rocks, si petit qu'il pouvait le botter tranquillement dans la rue.https://youtu.be/WvkTLAdKP24?feature=shared

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Francis Alÿs - Sometimes Making Something Leads to Nothing, 1997 (HD & full version)

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500 hommes, pelle à la main, ont déplacé une dune, le 11 avril 2002, dans la zone de Ventanilla, à la périphérie de Lima. Ils ont transformé la foi qui les poussait dans cette odyssée en une expérience symbolique et inoubliable. Quand la foi déplace des montagnes, la performance conçue par Francis Alÿs, en collaboration avec Rafael Ortega et Cuauhtémoc Medina, qui en était également le commissaire, fait partie du cycle en ligne de Malba intitulé L'Histoire comme rumeur .

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Lima, Peru, 2002; 15:09 min
In collaboration with Cuauhtémoc Medina and Rafael Ortega

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Cuando la fe mueve montañas (When Faith Moves Mountains)

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Lima, Peru, 2002; 15:09 min Cuando la fe mueve montañas (When Faith Moves Mountains) Lima, Peru, 2002; 15:09 min In collaboration with Cuauhtémoc Medina and Rafael Ortega Public domain videos can be downloaded and shared with others as long as the authorship is credited and there is a link back to the website of...

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https://youtu.be/BnE1E82B42I?feature=shared

Olivier de Sagazan, né en1959 à Brazzaville au Congo français, est un artiste peintre, sculpteur et performeur français 1.

Il applique depuis trente ans une pratique hybride qui intègre peinture, sculpture et performance.

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https://www.younesbabaali.com/vu-cumpra-2016

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Le dada ou dadaïsme, c'est quoi ? - Une histoire de l'art | Episode 1 | Wladimir autain |

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Documentaire sur la performance en danse.

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Echantillon d’extraits des figures burlesques de la Performance en danse.

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Anne Imhof's 'Faust' at the 2017 Venice Biennale

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Performance : Miroir d'un société malade!

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Anne Imhof | Klash ! L'art en acte | ARTE

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Miet Warlop (°1978) is a Belgian visual artist born in Torhout.

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Miet Warlop (°1978) is a Belgian visual artist born in Torhout. She lives and works between Ghent and Brussels. Miet Warlop holds a master's degree in Visual Arts from KASK, Ghent. For her graduation project Huilend Hert, Aangeschoten Wild, an 'inhabited installation consisting of six tableaux vivants and a crawling subject', she won the Franciscus Pycke Jury Award and the residence prize for Young Theatre Work 2004.

Many other performances, actions and projects followed and in 2005 she premiered SPORTBAND / Afgetrainde Klanken a forty-minute performance, in which twenty people race against time through music and sports. In the context of Lovepangs (Vooruit, 2005) she created the one-on-one performance Cherish the Cherries. From January 2006 until November 2007 Warlop was one of the six artists of DE BANK (Arts Centre CAMPO, Ghent), where she was working on her series of 'Propositions', named Big Heap / Mountain. In between, she was responsible for the set design for performances by Pieter Genard, Raven Ruëll, DitoDito-Jef Lambrecht, KVS (Brussels), Arts Centre Vooruit (Ghent) and Les Ballets C de la B (Ghent).

While she was touring the 'Propositions' all over Europe, she realised Springville, a fifty-minute game of chaos, expectations and surprises, in which scenography, costumes, props and characters are closely interwoven and merged together. Springville premiered in May 2009 at Arts Centre BUDA (Kortrijk).

Miet Warlop moved to Berlin for three years to concentrate on her visual work and prepare a new piece called Mystery Magnet, which premiered at KunstenFestivalDesArts (Brussels) in May 2012. Mystery Magnet Won the Stuckemarkt Theatertreffen Prize at the Berliner Festspiele for its innovative form of theatre. Mystery Magnet has played more than a hundred times all over the world and was nominated for Theatertreffen Berlin for finding a new way of making stage-arts. Mystery Magnet is still touring all over Europe and beyond.

In the course of 2012-2013 Miet Warlop explored different possibilities with her Nervous Pictures and performances/interventions, through projects and commissions, both in a visual arts as in theatre context in/with Baltic Triennial (Vulnius), Hebbel am Ufer (Berlin), Lisson Gallery (London), Southard Reid Gallery (London). In November 2012, as part of her four-year associated artist residency at Beursschouwburg (Brussels), she created the opening event of the season with the Alligator Project: a weekend of combined media and performances by different artists and musicians like Reggie Watts and Michael Portnoy, a project curated by Miet Warlop.

In 2014 Miet Warlop started her own legal structure Miet Warlop / Irene Wool. In October 2014 the first production Dragging the Bone premiered at Beursschouwburg (Brussels). Dragging the Bone is a solo performance on a sculptured world.

In 2015 Miet Warlop opened the festivities that celebrated the fiftieth anniversary of Beursschouwburg (Brussels) with Rocket that took off to the grid. Also, Art Gallery Barbican (London) commissioned a performance as a part of the project Station to Station, hosted by Doug Aitken.

While touring her solo Dragging the Bone and celebrating the hundredth show of Mystery Magnet in Ghent, Porto and Bordeaux, she finishes the year by opening her first solo exhibition project in KIOSK Gallery (Ghent) titled Crumbling Down the Circle of my Iconoclasm.

In 2016 a new large scale stage work premiered - Fruits of Labor, a deep night choreographical concert performance, functioning as a painkiller for the world. Fruits of Labor premiered at KunstenFestivalDesArts (Brussels) in May 2016 and is still touring around the world.

In addition to her performance work for theatre venues, Miet Warlop has created and presented an ever-growing cycle of visual art performances, interventions and live installations.
Nervous Pictures has been presented in 2017 in KW Institute for Contemporary Art (Berlin), Palais de Tokyo (Paris), Performatik (Brussels), among others.

In 2017 she opens Arts Institute Vooruit (Ghent) with the monumental performance Amusement Park, and she was invited by BOZAR (Brussels) within the context of the Yves Klein retrospective exhibition to re-envision and re-stage her seminal work, Mystery Magnet, as well as to create the opening performance of the exhibition, HORSE, a man, a woman, a desire for adventure and Mystery Magnet. During the closing ceremony of the Paul Bury exhibition the visual art intervention, The Board is presented.

Festival Actoral. 17 (Marseille) invites Miet Warlop for "L'Objet des Mots", which results in a new project Ghost Writer and the Broken Hand Break - a production that premieres in September 2018 at NTGent (Ghent). Warlop cooperates with author and curator Raimundas Malasauskas and musician Pieter De Meester.

Beginning of 2018 Miet Warlop creates Big Bears Cry Too, a solo performance with Wietse Tanghe. This performance for all ages premiered at hetpaleis (Antwerp) in April 2018.

Both performances are successfully touring since then. Together with Fruits of Labor and Mystery Magnet, no fewer than eighty-five performances were played in 2019 between Belgium and abroad: Switzerland, France, Germany, Hungary, Norway, Austria, the Netherlands, Italy, Latvia, Poland, Great Britain, Spain, Singapore and Canada.

In 2020 Miet Warlop / Irene Wool starts a collaboration with Frans Brood Productions and this results in the programmation of many performances, nationally and internationally. However, since the outbreak of Covid-19, only a few of the planned shows could be performed; the remaining dates have been moved to 2021 and 2022.

During the Covid lockdown, Miet Warlop started a series of online episodes titled Slamming Doors: a sitcom format that will function as a pleasure platform for the artist practice, collaborations, sources, and open talks . . . A series of episodes has been produced to go against the age-old niche thinking about art and experiencing art, gradually gaining popularity, and transcend the live performance's momentum.
Moreover, Miet Warlop / Irene Wool has developed the idea to create an online platform to share a live database with archive material with a glimpse into the daily artist practice.

In autumn 2021, Miet Warlop is revisiting the twelve-year-old piece Springville under the new title After All Springville. Warlop commemorates her much-loved piece in a new era and repositions the work within her oeuvre. The revival mixes an existing show ( Springville) and an installation ( Amusement Park) into a new whole and premiered in August 2021 at the Internationales Sommerfestival Kampnagel (Hamburg).

Miet Warlop / Irene Wool created ONE SONG : Histoire(s) du Théâtre IV (NTGent, 2022) in 2022, as the fourth director to accept the NTGent commission. premiered beginning of July at Festival d'Avignon. She is also researching on her new production, Delirium, in collaboration with Kunstenfestivaldesarts and Kaaitheater. Delirium will premiere in Spring 2025.

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Belgian visual artist living and working between Ghent, Berlin and Brussels.

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Belgian visual artist living and working between Ghent, Berlin and Brussels.

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Maria Hassabi, Premiere - River To River 2014

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Maria Hassabi | PLASTIC (Performance Excerpt)

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L'étonnant banquet des Blanche-Neige au centre Pompidou

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Du 19 au 25 juillet, un groupe d'étranges "Blanche Neige" a convié le public du centre Pompidou à un étrange banquet. Vêtues du costume du célèbre personnage de conte, mais parfois aussi armées de mitraillettes, les demoiselles évoluaient toute la journée autour d'une longue table, sur laquelle étaient entre autres dispersés des animaux morts et des bouteilles de champagne.

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Le Ballet National de Marseille

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WE SHOULD HAVE NEVER WALKED ON THE MOON
27 octobre → 4 novembre 2022
à Chaillot - Théâtre national de la Danse

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Study For The Valeska Gert Pavilion - Eszter Salamon (étape de travail) | Jeune Ballet,  2023

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Documentation of second performance at MUDAM Luxembourg

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RELIC is a survival from the past. A thing left behind, be it memory, object, language or being. Euripides Laskaridis immerses himself and others in ideas of transformation and ridicule that shift restlessly between the peculiarly poignant and the utterly bizarre. This outrageously engaging solo, crafted in the heated heart of the Greek crisis, takes playful risks out far from the norm to test the limits of our acceptance when it comes to things incongruous and unfamiliar. Sly facets of cabaret, vaudeville and slapstick make magic out of the mundane, manoeuvering audiences unawares into moments unexpectedly transcendent.

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Let's dance - Tous en scène ! - #1/ /documentaire Arte

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Let's dance - Tous en scène ! - #1/ /documentaire Arte

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Let's dance - Tous en scène !

Doc d'Olivier Lemaire " Tous en scène" 1er épisode d'une série de 3.
Spécial danse de groupe. La question du collectif.

Farandole ou chorus line, rigoureux corps de ballet ou flamboyance à la Bollywood, partout la danse de groupe affiche une énergie hautement communicative. Avec notamment Ohad Naharin et la Batsheva Dance Company, Akram Khan, Jérôme Bel, Christine and the Queens, Emio Greco, Maguy Marin, Anne Teresa De Keersmaeker, Christian Rizzo.

Qu'il soit composé de trois ou de trente danseurs, le groupe qui danse est commun à tous les genres chorégraphiques, des danses scéniques aux danses folkloriques ou tribales. Farandole ou chorus line, rigoureux corps de ballet ou flamboyance à la Bollywood, partout la danse de groupe affiche une énergie hautement communicative. Faire corps ou rupture, à l’unisson ou en dissonance, faire le show ou la démonstration de sa puissance, faire société, aussi… : autant d’enjeux soulevés par la danse en groupe. Avec notamment Ohad Naharin et la Batsheva Dance Company, Akram Khan, Jérôme Bel, Christine and the Queens, Emio Greco, Shobi Paulraj, chorégraphe du blockbuster indien Nannaku Prematho, Maguy Marin, Anne Teresa De Keersmaeker, les chorégraphes et danseurs du spectacle Badke, Christian Rizzo…

Kaléidoscope
Cette deuxième saison de Let’s dance regarde la danse à travers trois de ses grandes figures : la danse en groupe, le duo et le solo. Elle s'approche au plus près de la pratique même des danseurs, captant l’effort, la rigueur, la sensualité, l’énergie, la peur, la jubilation, la réflexion et les doutes qu’impose chacune de ces trois formes. Et donne à voir la danse dans toute sa richesse, à travers de multiples rencontres et pratiques, du contemporain au classique (l'opéra de Paris) en passant par des formes plus populaires (hip-hop, tango, lindy hop, chorégraphie bollywoodienne, new burlesque, shows protéiformes de Christine and The Queens…). Outre les séquences tournées sur le vif (démonstrations, scènes, répétitions), les nombreuses archives rappellent aussi, en un kaléidoscope éblouissant, la généalogie et les précurseurs de ces formes, de Nijinski à Joséphine Baker, de Valeska Gert à Loïe Fuller, de Fred Astaire à West side story. Quel ADN commun partagent une étoile de l'opéra et une pop star ? Pourquoi le folklore refait-il surface ? Tissant filiations et ressemblances, au fil d'échos et de rapprochements audacieux, un voyage d'une intelligence virtuose et joyeuse, qui entraîne irrésistiblement le spectateur dans le tourbillon de la danse sans jamais le perdre.

Réalisation : Olivier Lemaire

Pays : France

Année : 2015

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Let's dance ! C’est le pied #1 saison1 - documentaire Arte

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Let's dance ! C’est le pied #1 saison1 - documentaire Arte

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Let's dance !C’est le pied

Une histoire de la danse au XXe siècle, racontée à partir du corps des danseurs. Un panorama éblouissant en trois temps trois mouvements, centrés sur le pied, la nudité et les corps atypiques. Ce premier volet est consacré au pied, l’outil essentiel du danseur.

Pays :

France

Année :

2014

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Une histoire de la danse au XXe siècle, racontée à partir du corps des danseurs. Un panorama éblouissant en trois temps trois mouvements, centrés sur le pied, la nudité et les corps atypiques. Ce premier volet est consacré au pied, l'outil essentiel du danseur.

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Une histoire de la danse au XXe siècle, racontée à partir du corps des danseurs. Un panorama éblouissant en trois temps trois mouvements, centrés sur le pied, la nudité et les corps atypiques. Ce premier volet est consacré au pied, l'outil essentiel du danseur.

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Performance troublant la réalité

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Let's dance ! À deux/Duo - #3 /documentaire Arte

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Let's dance ! À deux/Duo - #3 /documentaire Arte

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Cette deuxième saison de Let’s dance regarde vivre la danse à travers trois de ses grandes figures : la danse en groupe, le duo et le solo. Comme la précédente, elle s'approche au plus près de la pratique des danseurs, captant la rigueur, la sensualité, la jubilation et les doutes qu’impose chacune de ces trois formes. Un voyage d'une intelligence virtuose et joyeuse.

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Let's dance ! Solo - #2 /documentaire Arte

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Let's dance ! Solo - #2 /documentaire Arte

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Danser seul. Travailler seul. Se retrouver face à soi-même, unique centre de l’attention. Se dévoiler sans retenue… Voilà quelques-uns des enjeux que doit affronter tout danseur se confrontant à la scène en solo. C'est toujours un manifeste, une prise de risques, l’affirmation de soi. Aussi son histoire se confond-elle avec les grandes révolutions chorégraphiques et politiques du XXe siècle. Avec notamment Boris Charmatz, Yvonne Rainer, le danseur de flexing Optimus, Christine and the Queens, Mark Tompkins, Hamdi Dridi…

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Action painting

ou parfois gestural abstraction ( abstraction gestuelle, peinture gestuelle)¹, désigne aussi bien la technique picturale (projection, écoulement ou étalement de peinture de façon spontanée et non figurative) que le mouvement pictural d'art abstrait apparu au début des années 1950 à New York.

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Yoko Ono, Fluxus et l'art pour tous - Culture Prime

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Yoko Ono's CUT PIECE: A Masterclass in Performance Art and Courage

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Portrait à base d'archives audios et audiovisuels de l'artiste plasticienne Gina PANE. Ce portrait a été effectué dans le cadre de l'exposition elles@centrepompidou.

Producteur / co-producteur

Institut national de l'audiovisuel, Centre Pompidou (Centre national d'art et de culture Georges Pompidou)

Descripteur(s)

art contemporain, artiste, Centre Pompidou, exposition, femme, happening, musée, Paris

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Portraits de femmes artistes : Gina Pane | INA

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Portrait à base d'archives audios et audiovisuels de l'artiste plasticienne Gina PANE. Ce portrait a été effectué dans le cadre de l'exposition elles@centrepompidou. Producteur / co-producteur Institut national de l'audiovisuel, Centre Pompidou (Centre national d'art et de culture Georges Pompidou) Descripteur(s) art contemporain, artiste, Centre Pompidou, exposition, femme, happening, musée, Paris Vous êtes particulier, professionnel des médias, enseignant, journaliste...

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Light/ Dark- Marina Abramovic & Ulay- performance art

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Marina Abramović Ulay - The Other Rest Energy (1980)

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Rhythm 0 Marina Abramovic 1974 6h de performance 

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Rhythm 0 est une œuvre d'art de performance de six heures de l'artiste serbe Marina Abramović Marina Abramović se tient immobile pendant que le public est invité à lui faire ce qu'il souhaite, en utilisant notamment les 72 objets qu'elle avait placés sur une table devant elle. Parmi ceux-ci, se trouvent, notamment, une rose, une plume, un parfum, du miel, du pain, des raisins, du vin, des ciseaux, un scalpel, des clous, une barre en métal, et un pistolet chargé d'une balle3,4.

Abramović et les visiteurs se situent dans le même espace, indiquant clairement que ces derniers faisaient partie de l'œuvre5. Le but de la pièce, d'après elle, est de savoir jusqu'où irait le public : « De quoi parle le public et que va-t-il faire dans ce genre de situation ? »6

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Ici, Abramovic est vêtue de combinaisons blanches et se trouve dans un sous-sol semi-obscur associé à un boucher ou un morgue. Autour d’elle se trouvent un tas de 1 500 os de vache recouverts de sang et de viande fraîche. Pendant six heures chaque jour pendant quatre jours, Abramovic essaie de laver les os avec de l’eau et une brosse pour les nettoyer. Ce travail monotone et épuisant représente l’impossibilité de laver le sang et les péchés de la guerre.

Les guerres de Yougoslavie sont une série de conflits violents dans les territoires de l'ancienne république fédérative socialiste de Yougoslavie, qui ont eu lieu entre 1991 et 2001.

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ORLAN

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Orlan Mesurages

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Martha Rosler - Semiotics of the Kitchen  1975

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Gilbert et GeorgesThe Singing Sculpture

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Art d’ ATTITUDE

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Jacques Lizene - Tentative de dressage d'une camera

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CORPS SCUPTURE

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Au cours du XXe siècle, de nombreux artistes ont utilisé leur corps à la fois comme sujet et comme objet de leur œuvre. Attaché ou battu, nu ou couvert de peinture, placide ou secoué de spasmes, le corps est présenté dans tous les états possibles, l'artiste vivant littéralement son art, que ce soit en public, dans le cadre de performances, ou dans l'intimité, avec la photographie et la vidéo. Ces artistes renouvellent la tradition de l'autoportrait et participent de cette nouvelle tendance consistant à sortir l'art des galeries et à le déplacer dans des lieux inattendus et des médias inhabituels. Abolissant les barrières entre l'art et la vie, entre l'expérience visuelle et l'expérience sensuelle, ils rendent compte du sentiment d'angoisse et de désarroi qui marque notre époque. Cet ouvrage présente le travail d'artistes fondateurs tels que Marcel Duchamp et Jackson Pollock, puis celui d'artistes importants qui ont fait de leur corps leur moyen d'expression - comme Carolee Schneemann, Rudolf Schwarzkogler, Yoko Ono, dans les années 1960 ; Chris Burden, Ana Mendieta, Vito Acconci, Marina Abramovic, dans les années 1970 ; et, plus récemment, Matthew Barney Yasumasa Morimura ou Mona Hatoum. Amelia Jones, auteur de l'essai introductif et spécialiste de ce domaine, présente les œuvres de ces artistes en les replaçant dans le contexte social de leur temps.

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livre : Gestes en éclats : Art, danse et performance 

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livre : Gestes en éclats : Art, danse et performance 

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Agencé dans un diagramme de 40 mots surgissant des gestes, des corps, des espaces et des temps à l'œuvre dans les performances en arts, cet ouvrage collectif réunissant plus de 40 artistes, théoriciens, performers, chorégraphes, critiques et curateurs, prolonge les recherches et les réflexions menées par le Diplôme Universitaire « Art, danse et performance » et livre en éclats une hétérogénéité de discours, de réflexions et de documents sur l'art performatif et chorégraphique contemporain (textes, essais, entretiens, traductions, carnets de recherche, partitions).

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Art du mouvement, art du vivant et du mouvant dont le corps, l'espace et le temps seraient les paramètres essentiels, la performance est une forme d'art hybride dont le présent ouvrage est parmi les premiers à retracer l'histoire. Entité incertaine, notion que d'aucuns jugeront vague, la performance englobe un vaste éventail de préoccupations artistiques et un nombre tout aussi diversifié de disciplines et de techniques - littérature, poésie, théâtre, musique, danse, architecture et peinture, de même que vidéo, cinéma, photographie, projections sous toutes leurs formes et combinaisons. Elle est aussi en prise directe sur l'imaginaire contemporain et aborde les thèmes essentiels de la culture actuelle, tels que l'identité sexuelle, la définition du corps ou le multiculturalisme, en liant le psychologique au perceptif, le conceptuel au pratique, la pensée à l'action. Performances, l'art en action offre un panorama de l'évolution de cet art depuis les années 60 - quatre décennies qui auront non seulement vu s'accroître vertigineusement le nombre de créateurs dans cette discipline, mais aussi se développer l'influence de cette démarche sur les autres formes d'art (du théâtre à la musique en passant par la photographie) ainsi que sur la culture populaire, le politique et le social. D'Yves Klein et Piero Monzoni à Joseph Beuys, Tadeusz Kantor, Meredith Monk, Robert Wilson, Laurie Anderson, Pina Bausch, Matthew Barney, Bill T. Jones, Sophie Calle, Jean-Claude Gallotta, Mona Hatoum, Alain Platel et bien d'autres, cet ouvrage, richement illustré de photographies d'œuvres européennes, américaines, japonaises et australiennes, qu'accompagnent une chronologie ainsi que des notices bibliographiques pour chacun des artistes cités, constitue une référence indispensable à quiconque s'intéresse à la culture visuelle contemporaine.

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livre : La performance du futurisme à nos jours

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livre : La performance du futurisme à nos jours

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Présentation du livre : La performance a joué un rôle fondamental dans l'histoire de l'art du XXe siècle et connaît, en ce début de XXIe siècle, un essor remarquable. Cette nouvelle édition mise à jour de l'ouvrage pionnier de RoseLee Goldberg rend compte des changements d'ordre technologique, politique et esthétique intervenus dans l'art de la performance ces dernières années ainsi que de l'augmentation impressionnante du nombre d'ouvres produites dans ce domaine et de lieux qui lui sont consacrés dans le monde. Les ouvres de Marina Abramovic, Francis Alÿs, Maurizio Cattelan, Paul McCarthy, Pierre Huygue, Matthew Barney, Patty Chang ou encore Allora et Calzadilla sont examinées en regard de celles des premiers praticiens du genre - futuristes, constructivistes, dadaïstes, surréalistes, artistes du Bauhaus - et de grands noms comme Yves Klein, Piero Manzoni, John Cage, Merce Cunningham, Gilbert & George, Dan Graham, Laurie Anderson, Robert Wilson, Pina Bausch ou Alain Platel.

Moyen depuis toujours pour les artistes de briser les catégories consacrées, d'ouvrir de nouvelles voies et de marquer leur " différence ", la performance est l'une des formes artistiques majeures de notre époque.

Présentation de l'auteur : RoseLee Goldberg fut directrice de la Royal College of Art Gallery à Londres et conservatrice au Kitchen Center for Video, Music and Performance de New York. Elle se consacre aujourd'hui à l'enseignement de l'histoire de la performance et de l'art contemporain. Elle est l'auteur, aux Éditions Thames & Hudson, de Performances, l'art en action. Elle est la fondatrice, directrice et curatrice de Performa, organisme de soutien à la performance à l'origine de la première biennale consacrée à cette pratique artistique.

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Que représente - que présente - la performance aujourd'hui ? En quoi garde-t-elle des principes qui paraissaient lui être essentiels dans les années 1960-1970 ? Depuis cette période où le corps de l'artiste brisait, de sa présence magique, les limites physiques, morales et psychologiques que le public ne franchirait jamais, qu'est devenu cet art dont Marina Abramovic demeure la figure symbolique et l'idole ? Actuellement, la performance semble particulièrement répandue, mais diluée dans une foule de petits événements et institutionnalisée, c'est-à-dire reconnue par les plus importantes structures artistiques internationales, lesquelles se posent le problème de l'archive, de la transmission ou du "reenactment" d'une pratique en principe peu fétichisable...

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Klash ! L’art en acte, dévoile l'histoire secrète d’actes artistiques radicaux et décisifs, qui dialoguent avec des enjeux sociétaux actuels. Révélant une autre Histoire de l’art, cette collection de 20 films de 3 minutes expose l’art contemporain sous un jour nouveau. La série documentaire présente vingt œuvres contemporaines des années 1960 à nos jours et provenant de tous les continents.

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Klash ! L'art en acte, dévoile l'histoire secrète d'actes artistiques radicaux et décisifs, qui dialoguent avec des enjeux sociétaux actuels. Révélant une autre Histoire de l'art, cette collection de 20 films de 3 minutes expose l'art contemporain sous un jour nouveau. La série documentaire présente vingt œuvres contemporaines des années 1960 à nos jours et provenant de tous les continents.

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Klash ! L'art en acte, dévoile l'histoire secrète d'actes artistiques radicaux et décisifs, qui dialoguent avec des enjeux sociétaux actuels. Révélant une autre Histoire de l'art, cette collection de 20 films de 3 minutes expose l'art contemporain sous un jour nouveau. La série documentaire présente vingt œuvres contemporaines des années 1960 à nos jours et provenant de tous les continents.

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Klash ! L'art en acte - Culture et pop | ARTE

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Klash ! L'art en acte, dévoile l'histoire secrète d'actes artistiques radicaux et décisifs, qui dialoguent avec des enjeux sociétaux actuels. Révélant une autre Histoire de l'art, cette collection de 20 films de 3 minutes expose l'art contemporain sous un jour nouveau.

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Le Générateur/Lieu d’art et de performances

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Le Générateur/Lieu d’art et de performances

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Le Générateur

Lieu d’art et de performances

Le Générateur ouvre en 2006 son espace de 600m² en plein cœur du quartier historique de Gentilly pour le dédier à toutes les expressions contemporaines, particulièrement les arts visuels et la performance.

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Créé et géré par des artistes, Le Générateur accueille dans son espace ouvert de 600m² des propositions singulières, souvent transdisciplinaires, ignorant les frontières et mêlant arts plastiques et spectacle vivant. écriture du geste et poésie du verbe. Lieu d'incubation (rapide) et de catalyse (très neutre), Le Générateur s'ouvre à toutes les intensités et fédère artistes et publics autour de la création actuelle.

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Performance Sources recense et met en valeur les artistes de la performance au sein d’une archive de plus de 500 œuvres.

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Performance Sources raconte et relaie ce qu’a été la performance en un temps donné, dans un lieu donné, le Générateur de 2006 à aujourd’hui : une histoire dans l’histoire, qui prend juste un moment pour se retourner, se regarder et surtout se donner à voir, à lire, sans arrêter son cours.

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Vénus s'épilait-elle la chatte ? podcast en ligne, emission radio, gratuite

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Écouter Vénus s'épilait-elle la chatte ? podcast - Pourquoi les musées sont remplis de femmes nues à côté d'hommes habillés ? Pourquoi les grands génies sont tous des hommes ? Pourquoi l'art

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Tribute to Pope.L's provocative crawl performance

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Activisme

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Emilio López-Menchero on Instagram: "TRYING TO BE WALULISO, 
performance EMILIO LÓPEZ-MENCHERO 

Saturday 13 of April 2024, in the city of Bruges

in REBEL GARDEN ( Musea Brugge), part of the Triennal of Bruges 2024

#emiliolopezmenchero #performance #action #climatechange #rebelgarden #triennalebrugge2024"

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503 likes, 43 comments - lopezmencheroemilio on April 14, 2024: "TRYING TO BE WALULISO, 
performance EMILIO LÓPEZ-MENCHERO 

Saturday 13 of April 2024, in the city of Bruges

in REBEL GARDEN ( Musea Brugge), part of the Triennal of Bruges 2024

#emiliolopezmenchero #performance #action #climatechange #rebelgarden #triennalebrugge2024". 

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Activisme