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PASCALE MARTHINE TAYOU | BLACK FOREST - Fondation Clément

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Tout au long d'une carrière de près de soixante-dix ans, Louise Bourgeois a créé un corpus d'œuvres riche et toujours innovateur, en côtoyant certains des principaux mouvements d'avant-garde du XXe siècle, comme le surréalisme, l'expressionnisme abstrait et le post-minimalisme, sans renoncer à sa propre vision créative. Bien que la peinture, le dessin, la gravure et la performance aient aussi leur place dans l'œuvre de Bourgeois, l'artiste est surtout connue pour ses sculptures, qu'elles soient intimes ou monumentales, dans lesquelles elle emploie diverses matières comme le bois, le bronze, le latex, le marbre et le tissu. Son œuvre est très personnelle, avec de fréquentes références à une enfance douloureuse marquée par un père infidèle et une mère affectueuse mais complice de la situation, et en même temps universelle, puisqu'elle affronte le défi aigre-doux d'être un humain.

Maman, de près de 9 mètres de hauteur, est l'une des sculptures les plus ambitieuses de Bourgeois ; elle appartient à une série qui s'inspire de l'araignée, un motif qui apparut pour la première fois dans plusieurs dessins réalisés par l'artiste dans les années 1940 et qui occupa une place centrale dans son œuvre dans les années 1990. Les araignées, que Bourgeois présente comme un hommage à sa mère, qui était tisseuse, mettent en évidence la duplicité de la maternité : la mère est à la fois protectrice et déprédatrice. L'araignée utilise la soie pour fabriquer le cocon mais aussi pour capturer sa proie ; la maternité incarne ainsi force et fragilité. Ces ambigüités se reflètent avec intensité dans cette Maman gigantesque, abominablement soutenue par des pattes évoquant des arcs gothiques et fonctionnant en même temps comme une cage, un terrier protégeant un sac rempli d'œufs adhérant dangereusement à son abdomen. L'araignée provoque peur et panique mais sa hauteur imposante, en équilibre surprenant sur des pattes légères, transmet une vulnérabilité presque émouvante.

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L'ouvre Maman de l'artiste Louise Bourgeois de la Collection du Guggenheim Bilbao Museoa.

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Martin Parr : le grand photographe se raconte dans une interview exclusive pour AD

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Consacré Master of Photography 2023, Martin Parr est une légende vivante de la photographie. Plus que quiconque, il a su raconter les évolutions du monde occidental avec un œil acéré, toujours rehaussé d’une pointe d’ironie très british. Rencontre avec le photographe.

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I am Martin Parr - Le photographe so british

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⭐ Wolfgang Tillmans vous fait visiter son exposition au Centre Pompidou !

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Aller au contenu principal

En 2020, le Centre Pompidou présente l'exposition " Christian Boltanski. Faire son temps ". Conçue par Boltanski lui-même comme une vaste déambulation au cœur de son œuvre, cette nouvelle exposition se veut moins une rétrospective qu'une suite de séquences marquant les étapes et les métamorphoses de son propos. En quelque cinquante œuvres rythmant le parcours de Christian Boltanski, cette ample traversée de l'œuvre d'une des plus grandes figures de la création de notre temps permet d'en mesurer l'ampleur et l'ambition marquées par son histoire et un demi-siècle de méditations sur la fonction et la parole de l'artiste dans nos sociétés.

Présenté par Bernard Blistène, commissaire de l'exposition.

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Christian Boltanski | Visite d'exposition

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En 2020, le Centre Pompidou présente l'exposition " Christian Boltanski. Faire son temps ". Conçue par Boltanski lui-même comme une vaste déambulation au cœur de son œuvre, cette nouvelle exposition se veut moins une rétrospective qu'une suite de séquences marquant les étapes et les métamorphoses de son propos.

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La web-série « Voulez-vous un dessin ? - 2 minutes pour tout savoir sur l’art moderne et contemporain » présente les courants majeurs de l’histoire de l’art…

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In a chaotic Venice Biennale, the Vatican pavilion seeks peace through sound

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Comigo Ninguém Pode / Pavilion of Brazil at Venice Biennale 2026

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Miet Warlop - IT NEVER SSST - La Biennale di Venezia

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Matías Duville: Monitor Yin Yang / Pavilion of Argentina at Venice Art Biennale 2026

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La nouvelle objectivité Allemande - Vol.1 Épisode 2 - Les grands courants photographiques

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Cirva • Le verre, au-delà de la matière. Les collections du Cirva

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Le Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques (Cirva) est un centre d’art qui place la création au cœur de son projet. Occupant une position singulière sur la scène mondiale depuis 1983, il invite des artistes et des designers à travailler une matière précise, le verre, avec une totale liberté.

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Des œuvres uniques en verre contemporain

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La nouvelle exposition du Musverre de Sars Poteries, intitulée Cabinet de curiosités, a ouvert ses portes. Découvrez ces œuvres fascinantes.

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Le verre de Murano : une tradition séculaire

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Le verre de Murano est réputé dans le monde entier pour la qualité des matières premières qui le composent et le savoir-faire verrier qui lui est associé. Mais comment une si petite île située au nord de Venise dans la lagune (superficie de 1,17 km2), est-elle aujourd’hui connue du monde entier pour la qualité de sa production verrière ? Des éléments historiques y concourent, mais elle le doit surtout au tour de main hérité d’une longue

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Le verre : entre artisanat, art et industrie

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Comment, à partir du XIXe siècle, le rapport entre arts plastiques, artisanat et industrie est devenu une clé de compréhension essentielle de l’évolution des techniques ?

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Arts plastiques et Orientation | ARTS PLASTIQUES

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Support pour l’orientation en appui des documents ONISEP.

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Le drôle de bestiaire écossais de Sean Landers exposé à Paris

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Cerfs, buffles, antilopes, chats sauvages, sangliers… : les animaux de Sean Landers (né en 1962), disséminés dans les salles du musée de la Chasse et de la Nature, où ils dialoguent avec ses spécimens naturalisés et ses objets anciens dignes d’un cabinet de curiosités ou d’un manoir anglais, attendrissent et intriguent par leur finesse réaliste. Le peintre américain restitue poil par poil la texture de leurs pelages, soigne les effets de lumière sur leurs bois et leurs cornes, humidifie leurs truffes et leurs grandes pupilles noires. Des portraits officiels mais avec un…

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Eduardo Kac : “Ce qui m’intéresse, c’est de développer une véritable culture spatiale, conçue pour les habitants de l’espace »

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Découvrez l’artiste Américano-Brésilien fusionnant art et science pour créer une culture spatiale dédiée aux futurs habitants de l’espace.

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DANS 10 MIN TU POURRAS LIRE LE CORÉEN ! COMMENT APPRENDRE LE CORÉEN ?

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Clavier coréen en ligne - Hangeul • Lexilogos

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clavier en ligne pour écrire tous les caractères coréens (hangeul)

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Biennale de Venise : bienvenue dans le "Studio Venezia" de Xavier Veilhan

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THE KING'S LETTERS TEASER | VOSTFR | TRAILER | FILM CORÉEN

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Gerhard Richter, l’errance d’un surdoué de la peinture

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“Panorama” au Centre Pompidou vient célébrer les 80 ans de Gerhard Richter, jusqu’au 24 septembre. Cette rétrospective présente le parcours du maître allemand passé à l’Ouest “pour l’amour de la peinture”. Artiste polymorphe, il se révèle être un surdoué, un technicien hors pair capable d’invention.

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GERHARD RICHTER. PEINDRE LA PHOTOGRAPHIE

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Du 17 octobre 2025 au 2 mars 2026, la Fondation Louis Vuitton présente une rétrospective de l’œuvre de Gerhard Richter, peintre allemand né à Dresde en 1932 qui a fui à Düsseldorf en 1961 avant de s’établir à Cologne, où il vit et travaille encore aujourd

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A four-metre-tall column of disparate geometric forms, ' Power tower' was constructed as a stainless-steel framework, incorporating triangular panels of plywood and handblown, coloured glass in an intuitive, yet symmetric, manner. Light bulbs mounted at intervals along the length of the column illuminate it from within, casting variegated, angular shadows around the surrounding space. The geometric forms that make up the work were arrived at intuitively through playing with a children's toy, known as Zometools, a construction set that consists of struts and nodes that allow great flexibility in creating geometric forms.⁠

While the panels of plywood indicate the faces of the polyhedrons, the panes of coloured glass are embedded within the structure, sketching out a multicoloured core. The tones progress from purple at the floor through the major colours of the visible spectrum - red, orange, yellow, green, cyan, and blue at the apex.⁠
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Image: 'Power tower', 2005/2023; previously shown in 'The curious desert', in National Museum of Qatar, Doha, Qatar, 2023 (photo: Anders Sune Berg).⁠

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Official website of Olafur Eliasson and his studio: Studio Olafur Eliasson

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C'est une première : à l'occasion de la saison culturelle Brésil-France, le musée national Picasso-Paris met en lumière l'artiste Anna Maria Maiolino (née en 1942), récompensée d'un Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière lors de la dernière Biennale de Venise.

Dessins, peintures, installation in situ, sculptures en argile et vidéos s'éparpillent dans l'intégralité des espaces immaculés du rez-de-chaussée du musée, jusqu'à monter dans un arbre du jardin.

À lire aussi : Le Brésil à l'honneur de 300 événements et expositions partout en France

Une vie de création

" Ses œuvres sont très enracinées dans son vécu, mais elles ont toujours une dimension métaphorique. "

L'ensemble couvre près de 65 ans de création, nous explique le commissaire de l'exposition Sébastien Delot. Le titre " Je suis là. Estou aqui " est ainsi le signe selon lui d'un " acte de résistance " pour l'artiste : " Malgré les affres, les difficultés qu'elle a pu rencontrer dans la vie, elle a su tenir vent debout, résister aux difficultés. "

Habitées, ses œuvres racontent une vie traversée par l'exil : née en Italie, Anna Maria Maiolino a vécu au Venezuela avant de s'installer au Brésil, où elle vit et travaille désormais. " Ses œuvres sont très enracinées dans son vécu, mais elles ont toujours une dimension métaphorique. "

Une langue internationale

Littérales ou abstraites, lisibles ou énigmatiques, les œuvres d'Anna Maria Maiolino parlent : " Pour elle, c'est cette force de l'art, qui est une langue internationale, une forme d'espéranto. " Dans l'une des salles de l'exposition, l'artiste s'est ainsi emparée des murs tout entiers, qu'elle a recouvert de petites sculptures en argile, " une forme de mémoire de l'humanité ".

Chacune de ses petites formes est née d'un geste répété : " On a l'impression que ce n'est pas grand-chose, et à la fin c'est tout à fait époustouflant ! " Le public, en s'interrogeant face à ses œuvres, devient, selon le commissaire, " un support à discussion, à échange ". Un bel hommage à Pablo Picasso, qui a en commun avec l'artiste brésilienne une " curiosité insatiable " : " Ce sont des explorateurs, des pionniers. Picasso, comme Maiolino, sont des artistes qui sont à la recherche d'une œuvre totale. "
Texte : Maïlys Celeux-Lanval
À lire aussi : Anna Maria Maiolino, une géante aux mains d'argile au musée Picasso
www.museepicassoparis.fr
Musée national Picasso - Paris * 5, rue de Thorigny * 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr

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En vidéo : Au musée national Picasso-Paris, la première rétrospective française de l'artiste Anna Maria Maiolino, Lion d'or à Venise

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L'artiste brésilienne Anna Maria Maiolino, Lion d'or de la dernière Biennale de Venise, est à l'honneur au musée national Picasso-Paris. Visite en vidéo de cette première rétrospective française.

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Art moderne ou art contemporain ? Comment faire la différence

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Vous ne voyez pas toujours la différence entre art moderne et art contemporain ? Pas de panique, Beaux Arts vous dit tout sur une distinction qui est affaire d’époque mais pas seulement…

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En vidéo : Sur l’île de Porquerolles, la fondation Carmignac orchestre une exploration inédite de l’abstraction

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Pour sa nouvelle exposition “Vertigo”, la fondation Carmignac rassemble sur l’île de Porquerolles une quarantaine d’artistes autour de la perception des phénomènes naturels.

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Vous pouvez mettre plusieurs réponses

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Pourquoi le rose c'est pour les filles ? - #CulturePrime

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Le premier musée français dédié aux femmes artistes ouvre cet été à Mougins

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Premier musée français entièrement consacré aux femmes artistes (et l’un des premiers en Europe), le FAMM s’apprête à ouvrir ses portes le 21 juin dans la…

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Portrait I Judy Chicago, reine mère de l'art féministe

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Meet the trailblazing visual artist Pipilotti Rist | From the Archive | Louisiana Channel

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Pixel Forest est une œuvre à part. 3000 LED sont suspendues à des câbles et enveloppées de coquilles. Traversant la pièce, on croirait naviguer dans une forêt de lianes, ou plutôt — la tête à l’envers et en semi-apesanteur — dans une prairie d’herbes marines géantes aux tiges constellées de bulles d’oxygène.

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Wander, Explore, and Discover in One Continuous Borderless World

teamLab Borderless is a world of artworks without boundaries, a museum without a map created by art collective teamLab.

Artworks move out of rooms, relate to other works, influence each other, and at times intermingle, without boundaries. Through this group of works, one continuous world without boundaries is created.

Immerse your body in borderless art. Wander, explore with intention, discover, and create a world with others.

People Don't See the World as through a Camera

The words "teamLab Borderless" rise towards the forefront of the entrance space when they are viewed through a camera from a designated position. However, when they are viewed directly with the naked eye from the same position, the letters do not emerge to the front. People do not see the world as through a lens.

teamLab is interested in the fact that although the world is continuous and without boundaries, it is cognitively separated, and especially when viewed through a lens, the world in which one's body is located is separated from the world one is seeing.
Around 2001 when teamLab was founded, we began to think of lenses and perspective as one of the logical methodologies to turn a space into two dimensions, and began to search for a logic for the flattening of space that was different from that of lenses and perspective. We wanted to know how humans perceive the world and the ways in which perception and the body are related.

When the world is seen and captured through a lens:
1. The surface that the world is displayed on becomes a boundary, and the space cut out by the lens appears on the other side of that boundary. Between the world where the physical body is and the world that is being seen, a boundary is formed, and of course, it is cognitively unnatural to touch objects in the image.
2. The viewpoint is fixed, and subconsciously, people lose sense of their body.
3. In actuality, the field of view of humans is wide, and the viewpoint and focus move around a lot, but the world captured by a lens fixes the focus to one point, narrowing the field of view, and leading to a loss of sense of intention.

A logical methodology for the flattening of space that unlike a lens, the screen does not become a cognitive boundary, differs in that:

1. The physical body and the world that is cut out is continuous with each other;
where people can touch any part of the image.
2. People can perceive the world around them physically, and look at the image as they walk around because their focus can move around freely.
3. Each person can come near any part of the image.
4. People do not lose their sense of intention because the focus is infinite and the field of view is wide.

Searching for this kind of logical methodology for the flattening of space was the initial exploration of teamLab. We constructed a logical structure to turn an image into two dimensions, and called that flattened space Ultrasubjective Space.
Flowers are Crimson was one of the first artworks created in 2004-5 through Ultrasubjective Space, and here at teamLab Borderless, it appears as a remade form of that initial work through Walk, Walk, Walk: Search, Deviate, Reunite. Constructing a logical structure is very important to us, and the artwork spaces that are flatted through it hold a time of their own, express dynamic changes, and allow us to draw images that transform through the presence of people.

teamLab wants to create a physical, spatial art that expands infinitely, where people walk around with intention; a physical art that becomes one with the body, changes through the presence of people; where the artwork world is continuous with the body.
That - is the foundation of teamLab Borderless.

APP

teamLab App

Learn
There are no artwork captions in teamLab Borderless, because the artworks move across spaces. Use the app to read the artwork concept of the work closest to you.
Learn in more depth, enjoy more.

Participate
You can participate in Infinite Crystal World through the app.
Create the artwork, enjoy more.

Avoid long lines
Numbered tickets are issued via the app when the artwork space is crowded.
The app will notify you when your time slot is approaching.
Avoid long lines, and enjoy a smooth viewing experience.

TEA HOUSE & SKETCH FACTORY

Make tea and a flower blooms inside the teacup. Flowers bloom infinitely as long as there is tea. The tea in the bowl becomes an infinite world in which the flowers continue to bloom. Drink in the infinitely expanding world.

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Turn your own drawing into an item to take home with you.
* Sketch Factory is located outside of teamLab Borderless

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VISITE

Informations sur le Lieu

teamLab Borderless: MORI Building DIGITAL ART MUSEUM

Durée

2024.02.09(Fri) - Permanente

Heures

9:00 - 21:00
* Closed at 5:00 p.m. on September 3, October 1, November 12
* Last entry is one hour before the museum closing time.
* EN TEA HOUSE opens 1 hour after the museum opening time.

Fermé

August 20, September 17, October 22, November 22, November 26

Accès

Accès

Map

Adresse dans la langue locale:

麻布台ヒルズ ガーデンプラザB B1
東京都港区麻布台1-2-4

・2 minutes walk from Exit 5 of Kamiyacho Station on the Tokyo Metro Hibiya Line * Kamiyacho Station on the Hibiya Line is a subway station. After exiting Exit 5, do not go up to the ground level, but continue through the underground passage. ・9 min walk from Exit 2 of Roppongi-Itchome Station on the Tokyo Metro Namboku Line

Please use the Azabudai Hills P6 parking lot. Take the D elevator up to floor B1, and the entrance to teamLab Borderless is immediately on your left. For details, please check the Azabudai Hills official website. If you have already purchased your ticket online and would like to receive a discount, please present your parking ticket at the information counter.

BILLETTERIE

Tarifs

* Tickets for adults and visitors with disabilities are subject to a dynamic pricing system. Please purchase a ticket for the designated date/time upon checking the ticket price for that day. * +200 yen if purchased on site. * Official Sales Site are only available on the official ticket website and KLOOK

Visitors with disabilities

Tickets for visitors with disabilities are available for holders of a disability certificate and up to one accompanying person. One ticket per person is required for admission.

JPY 1,900

* This is a ticket for a specific date of admission. * There are no restrictions on the time of entry. Please come to the venue when you wish no later than the final entry time and line up in the entry line. Last entry is one hour before the museum closing time. * Have a cup of your favorite tea at the EN TEA HOUSE in the venue.

Noter

Regarding ticket purchase
・Tickets are date and time-specific, and may sell out.

・Tickets for adults and visitors with disabilities are subject to a dynamic pricing system.

・Tickets are not available at the venue.

- Sales are only available while supplies last.

- Prices for local sales are different from those online.

・In general, tickets cannot be canceled or changed once purchased. However, the date can be changed for tickets directly purchased from the official ticketing website.

The date of the ticket may be changed up to 3 times. To do so, select 'Modify ticket date' displayed on the QR ticket and follow the procedure.

change deadline

Changes can be made up to 2 hours prior to the admission date and time.

The ticket date cannot be changed in the following cases:

- The date has already been changed 3 times

- Changing to a different type of ticket

- Changing to date that has sold out or has insufficient tickets left

- Changing the date for a portion of tickets within a multiple-ticket purchase

- Changing to multiple dates within a multiple-ticket purchase

- Changing to a date that is not yet available for purchase

・Prices include tax.

・For those aged 13-17, proof of ID is required at the entrance gate.

・Visitors with a disability certificate:

- Discounted tickets are available for holders of a disability certificate, along with one accompanying person.

(Children's tickets cannot be further discounted, however, the accompanying adult is eligible for a discounted ticket if the child holds a disability certificate.)

- The disability certificate will be requested at the entrance gate, so please make sure that the accompanying person enters at the same time.

- The disability certificate can be issued by any country.

- The Mirailo ID app can be accepted in place of a Disability Certificate.

・Children (elementary school and below) must be accompanied by an adult who is 18 years old or above. There must be one accompanying adult for every five children, including children eligible for free entry.

・Children under 3 years old may enter for free.
Notice to Visitors
・The venue cannot be held liable for visitors' injury, loss, or other problems that may occur.

・Reselling tickets is prohibited. A ticket that has been resold will not allow entry to the venue. The venue cannot be held responsible for any problems with resold tickets.

・Certain artworks may not be available due to large crowds or maintenance.

・Artworks or artwork specifications may vary by season.

・The opening time of the venue may change with prior notice on the official website.

・The exhibition may be canceled due to circumstances of the venue.

・Tickets can be refunded only if the venue has an unscheduled closure.

・Transportation costs to this venue will not be reimbursed even if the venue has an unscheduled closure.

・Please come to the entrance at the admission time indicated on the ticket and wait in line.

・Please note that you may have to wait in line to enter the venue during busy times.

・Please refrain from waiting in the vicinity of the museum.

・Please refrain from eating, drinking, or sitting in the aisles and stairways around the museum.

・If you would like to leave the line temporarily, please make sure that someone in your party stays behind.

・There is no limit on the duration of your stay at the venue after admission.

・Re-entry is not permitted.

・Animals are not allowed at the venue excluding assistance dogs.

・Please look after your own personal belongings. The venue will not not be liable for any stolen or lost items.

・The venue is dark, with unstable footholds and low ceilings.

Be aware of your own actions as well as those around you. If you are with young children, please watch over them closely for their safety.

・The artworks may produce flashing lights and loud sounds.

・For visiting EN TEA HOUSE, please order at least one drink per person.

・There are some artworks that have mirror floors, please be aware. For the customers wearing skirts, you can borrow a wrap skirt which is near the artwork.

・For safety reasons pregnant women are not permitted in some areas.

・Wheelchair and stretcher access is possible via the elevator.

(Elevator entrance width: 1000mm, internal dimensions (W x D): 1600mm x 1350mm)

Entry on a stretcher is possible as long as it fits within the above dimensions. *If the size exceeds the above dimensions, guests can enter by switching to a wheelchair.

・Wheelchair and stretcher users may enter the venue but they may not enter or experience some artworks that are impassable to wheelchairs to ensure safety. For more information, please call the main phone number.

・Wheelchair and stretcher users may be asked to wait, as the number of wheelchair users admitted at one time is limited.
About baggage
・Prohibited Items

- Food & alcoholic beverages

- Items that exceed 50cm

- Strollers must be stored in the luggage room.

- Hazardous items, items with strong smells, fresh flowers, etc.

- Drinks with no caps.

- Any other items deemed to be dangerous by staff.

* Free lockers are available for use.

・Please refrain from entering the premises with things on your person that may affect other visitors' viewing experience, such as flashing shoes, flashing bracelets or glow sticks.
The following is prohibited
・Please do not touch the projectors, sensors, lights, and other equipment for safety reasons.

・Do not bring food into the venue (including candy and gum). Only drinks are allowed.

・Visitors who are ill or drunk will not be allowed entry.

・You may be asked to provide identification upon entry.

Examples: driver's licence, health insurance card, student card, passport, My Number card, any identification that provides valid proof of your name and age.

・Please follow the staff's instructions. Visitors that do not follow them may be escorted out of the premisis.
Regarding filming
・Taking photos and videos are allowed but please be careful not to cause inconvenience to other visitors.

・Please refrain from using flash.

・Use of monopods, tripods, selfie sticks, etc is prohibited.

・Media filming may take place without prior notice. If you do not wish to be featured in the coverage, please inform our staff.

・Filming or photography for commercial purposes is not permitted without prior consent.

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teamLab (f. 2001) is an international art collective. Their collaborative practice seeks to navigate the confluence of art, science, technology, and the natural world. Through art, the interdisciplinary group of specialists, including artists, programmers, engineers, CG animators, mathematicians, and architects, aims to explore the relationship between the self and the world, and new forms of perception. In order to understand the world around them, people separate it into independent entities with perceived boundaries between them. teamLab seeks to transcend these boundaries in our perceptions of the world, of the relationship between the self and the world, and of the continuity of time. Everything exists in a long, fragile yet miraculous, borderless continuity. teamLab exhibitions have been held in cities worldwide, including New York, London, Paris, Singapore, Silicon Valley, Beijing, and Melbourne among others. teamLab museums and large-scale permanent exhibitions include teamLab Borderless and teamLab Planets in Tokyo, teamLab Borderless Shanghai, and teamLab SuperNature Macao, with more to open in cities including Abu Dhabi, Beijing, Hamburg, Jeddah, and Utrecht. teamLab's works are in the permanent collection of the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Art Gallery of New South Wales, Sydney; Art Gallery of South Australia, Adelaide; Asian Art Museum, San Francisco; Asia Society Museum, New York; Borusan Contemporary Art Collection, Istanbul; National Gallery of Victoria, Melbourne; and Amos Rex, Helsinki. teamlab.art Biographical Documents teamLab is represented by Pace Gallery, Martin Browne Contemporary and Ikkan Art.

Mori Building is an innovative urban developer based in Tokyo. The company is committed to maximizing the magnetic power of cities by creating and nurturing safe, sustainable and cosmopolitan urban centers based on its unique Vertical Garden City concept of high-rise centers for business, education, leisure and residence. The concept is applied in the company's many leading-edge projects, including ARK Hills, Roppongi Hills and Toranomon Hills in Tokyo and the Shanghai World Financial Center. Mori Building is also engaged in real estate leasing, project management and consultation.

www.mori.co.jp/en

Organisateurs

Mori Building Co., Ltd, teamLab

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[Official] teamLab Borderless TOKYO, Azabudai Hills

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teamLab Borderless is a world of artworks without boundaries, a museum without a map created by art collective teamLab.Artworks move out of rooms, relate to other works, influence each other, and at times intermingle, without boundaries. Through this group of works, one continuous world without boun...

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Bubble Planet est une expérience immersive qui te plonge dans l’univers merveilleux des bulles du 27 mars au 13 août 2025 à La Villette !

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Arts in the City - Trouvez l'expo qu'il vous faut !

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Le Top des plus belles expositions à voir à Paris - Arts in the City

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Paris, cœur battant de la culture, nous offre une semaine riche en émotions artistiques! En quête de l’inédit ou du classique revisité? On a ce qu’il vous faut!

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Into the Light à la Grande Halle de la Villette #intothelight

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Christopher Bauder is a light artist, designer, inventor and musician all in one. Light, object, space and sound are the central elements of his work.

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Into The Light, une exposition lumineuse et immersive au coeur de la Grande Halle de La Villette du 9 avril au 31 août 2025.

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Documentaire : Une nuit au Louvre avec Gaël Faye ! À voir sur le site de Beaux Arts pour (re)vivre cette expérience inédite

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Invité d’une carte blanche au Louvre, le chanteur et écrivain franco-rwandais a proposé une randonnée nocturne à travers le musée : retour sur cette expérience dans un documentaire.

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TO DI list pour le départ

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Lufthansa dans le monde entier

Austrian entre l'Allemagne et l'Autriche

LOT au départ de Francfort et Munich

Croatia Airlines au départ d'Allemagne

SAS au départ de Francfort et Munich

Pour les vols de toutes les autres compagnies non citées et pour les vols opérés en partage de code, c'est-à-dire pour les vols opérés par une autre compagnie sous un numéro de vol Lufthansa, il n'est pas possible d'utiliser le service d'enregistrement en ligne ou mobile de Lufthansa. Les vols opérés en partage de code avec Lufthansa sont identifiés par la mention " operated by " sur la confirmation de réservation.

Pour ces vols, vous devez vous enregistrer directement sur le site de la compagnie opérant le vol. Pour vous identifier, veuillez utiliser votre numéro de billet ou votre code de réservation Eurowings, si vous voyagez sur un vol opéré par Eurowings.

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Plus d'infos sur l'enregistrement en ligne

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Enregistrez-vous directement de chez vous ou du bureau pour votre prochain vol. Imprimez votre carte d'embarquement en toute simplicité.

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Plan de cabine de l'A350-900

Exemple de configuration d'un A350-900 (48 Business / 21 Premium Economy / 224 Economy)

Plans de cabines de l'Airbus A350-900 à télécharger

Caractéristiques techniques

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Lyon Aéroport : Préparez vous à passer les Contrôles en toute sérénité

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Comment ça marche ???

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Suivez le guide, sentez-vous chez nous comme à la maison

Comment anticiper son arrivée à l'aéroport ?

Comment anticiper son arrivée à l'aéroport ?

Nous vous recommandons d'anticiper votre arrivée à l'aéroport.

- Pour un vol en France ou en Europe, prévoyez d'arriver 2h à 2h30 avant le départ.
- Pour un vol hors Europe, arrivez plutôt 3h en avance.

Première étape: enregistrez-vous. Si vous l'avez déjà fait en ligne en amont de votre arrivée, c'est parfait. Dirigez-vous vers la banque d'enregistrement de votre vol, afin de récupérer votre carte d'embarquement (le cas échéant) et de déposer vos bagages (le cas échéant). Celle-ci est indiquée consultable depuis les écrans de l'aéroport, ou directement depuis votre smartphone sur le site Internet ou l'application mobile Lyon Aéroport.

Comment s'enregistrer en ligne en avance ?

Comment s'enregistrer en ligne en avance ?

L'enregistrement en ligne à l'avance permet :

- De gagner du temps en accédant directement au contrôle de sureté, sans passer par l'enregistrement (sauf pour y enregistrer un bagage en soute) ;
- De sélectionner son siège.

Pour certaines compagnies, l'enregistrement en ligne est même devenu obligatoire, renseignez-vous !

Comment marche l'enregistrement en ligne ?

Comment marche l'enregistrement en ligne ?

Dans les 24 heures précédant votre vol, connectez-vous sur le site de la compagnie :

- Choisissez votre siège
- Imprimez votre carte d'embarquement
- Rendez-vous directement à la porte d'embarquement si vous n'avez pas de bagages en soute ou au comptoir de dépose bagage si vous en avez.
- Pour vous enregistrer en ligne, rendez-vous sur le site web de votre compagnie aérienne.

L'enregistrement en ligne ne concerne pas :

- Les voyageurs accompagnés d'un bébé
- Les voyageurs ayant besoin d'une demande d'assistance particulière (enfant voyageant seul, animaux, passagers à mobilité réduite...)

Temps d'attente aux contrôles

Temps d'attente aux contrôles

⚠️ Attention, en fonction de votre heure d'arrivée à l'aéroport, il est possible que l'attente aux contrôles de sûreté soit conséquent. Pour éviter d'attendre, réservez votre créneau de passage aux contrôles de sécurité grâce à notre service ZenLine.

Sur la page d'accueil, vous trouverez une estimation du temps d'attente aux contrôles de sûreté . Ce temps est une estimation donnée à titre indicatif, correspondant à l'attente entre les bornes et les lignes de contrôles sûreté. Il ne concerne pas le temps de traitement des opérations de contrôles sûreté.

Pour rappel : quel que soit le temps d'attente constaté aux contrôles, nous vous conseillons d'arriver entre 2 et 3 heures avant le départ.

Informations et liens utiles

Zoom sur le service See You Later

Vous avez oublié de laisser chez vous un objet interdit auquel vous tenez ? Pas de panique ! Le service See You Later est là pour vous: faites-vous renvoyer cet objet chez vous par voie postale, au lieu de l'abandonner à l'aéroport.

Assurer la sécurité

Assurer la sécurité

Les contrôles aux frontières, également appelés contrôles aux passeports, sont obligatoires pour les passagers en départ vers une destination située en dehors de l'Espace Schengen.

Dans le Terminal 1, ces contrôles se trouvent au Niveau 1, en zones d'embarquement des portes C et D. À l'arrivée, ces contrôles peuvent être effectués de manière aléatoire, que vous arriviez depuis une destination située dans l'Espace Schengen ou en dehors. Les contrôles à l'arrivée sont également situés au Terminal 1, au Niveau 0, dans la zone dédiée aux arrivées internationales.

Ce contrôle comprend :
- la vérification de l'authenticité du document de voyage présenté ;
- la consultation des bases de données nationales, européennes et internationales.

Depuis le 7 avril 2017, tous les voyageurs sont soumis à un contrôle systématique en entrée et en sortie de l'espace Schengen aux frontières aériennes, maritimes et terrestres. La France fait partie de l'espace Schengen.

Pour un contrôle aux frontières plus rapide, choisissez PARAFE

Gagnez du temps en optant pour ce service biométrique qui vous fera gagner en fluidité et en simplicité lors de vos passages aux frontières.

Commerces de l'aéroport

Commerces de l'aéroport

Nous vous proposons plus de 60 commerces et boutiques . En attendant votre vol, relaxez-vous dans les espaces de détente spécialement aménagés à votre attention ou faites une pause dans les restaurants et cafés de l'aéroport. Retrouvez également une multitude de produits à prix détaxés dans les boutiques Duty Free.

- Boutiques ➜
- Cafés & restaurants ➜
- Hôtels ➜
- Duty free ➜

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Guide pratique pour votre arrivée à l'aéroport | Lyon Aéroport

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Retrouvez toutes les informations pour votre arrivée à l'aéroport : enregistrement, passage aux contrôles de sûreté, ...

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Visitez Séoul, découvrez ses quartiers uniques, chacun ayant sa propre ambiance, son histoire et ses attractions.

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Ce qui caractérise une partie des artistes coréens qui émergent sur la scène internationale, réside dans l'adéquation remarquable et la pertinence des médiums choisis par rapport aux thématiques abordées, ainsi que dans l'exceptionnelle maîtrise technique qu'ils démontrent. À travers l'utilisation de produits manufacturés ou bruts, leurs œuvres impressionnent aussi bien sur le fond que sur la forme. L'artiste Do Ho Suh reconstitue des architectures issues de ses souvenirs avec du tissu d'organza. L'artiste Seo Young Deok, assemble minutieusement des chaines metalliques pour représenter des personnages en souffrance. Yun-Woo Choi crée des sculptures avec des pages de magazine et de livre qu'il découpe, plie et enroule. Dans une démarche moins conceptuelle et plus spirituelle, utilise du bois et des pierres pour fabriquer des sculptures abstraites en harmonie avec la nature. Il est intéressant de faire un parallèle entre ces jeunes artistes (à l'excepté de Lee Jaehyo) avec le premier artiste coréen majeur connu internationalement qui était Nam June Paik et qui utilisait des téléviseurs pour faire des sculptures. Pour lui, la télévision était à la fois un symbole riche de sens et constituait aussi un matériau avec lequel il composait.

Designers/créateurs coréens

Chez les designers coréens, le choix du matériau est également central couplé avec un intérêt pour les techniques artisanales traditionnelles. Sans se spécialiser dans une technique particulière, ces jeunes créateurs utilisent les techniques en fonction du matériau qu'ils souhaitent travailler (ils font régulièrement appel à des artisans spécialisés pour réaliser les pièces qu'ils ont imaginé). Leur démarche consiste à réutiliser un savoir-faire ancestral, une solidité et une résistance pour créer des produits plus adaptés à la vie quotidienne et aux tendances esthétiques.

Le Patrimoine culturel coréen

Au-delà de cet aspect pratique, on constate une volonté chez les jeunes créateurs de pérenniser les techniques traditionnelles qui tendent à disparaitre au profit de nouveaux matériaux et de nouveaux moyens de production. Cette volonté est soutenue par l'état qui, dans un souci de sauvegarder la culture coréenne, a mis en place en 1962 des lois visant a protéger, outre les biens culturels matériels, des activités culturelles traditionnelles en les déclarant trésors culturels immatériels. La Corée possède en effet un patrimoine culturel riche qu'elle forge depuis 5000 ans et qui porte en lui ses caractéristiques historico géographiques.

L'approche tradition-modernité des artistes coréens

À l'instar de certains artistes, les créateurs utilisent des techniques artisanales et des matériaux traditionnels, car ils portent en eux le caractère coréen, donc leur identité, tout en souhaitant les moderniser et les adapter à des problématiques contemporaines. Ce qui change donc, ce n'est plus la technique, mais leur utilisation.

À cet égard, le travail de l'artiste contemporaine Yee Sookyung est représentatif dans le sens ou elle reconstruit quelque chose de neuf à partir d'éléments anciens. Son travail de sculpture consiste en la récupération de chutes de céramique de maitre (porcelaine Joseon, celadon, etc) qu'elle réassemble pour fabriquer des nouvelles formes hybrides.

L'artiste Do Ho Suh a utilisé du tissu d'organza pour construire des architectures fantomatiques aux parois colorées et translucides, engageant une réflexion sur la mémoire, la maison et l'exil. Le tissu d'organza est utilisé à l'origine pour la confection des hanboks, l'habit traditionnel coréen.

L'artiste Kim Sooja, utilise les bottaris, des grandes pièces de tissus traditionnels et colorés confectionnés à partir de morceaux d'étoffes récupérés et cousus entre eux, comme objets symboliques, métaphores du voyage et du déracinement. Traditionnellement, les bottaris étaient utilisés à la manière de grand baluchon pour envelopper et transporter des effets personnels lors de voyage et de déménagement.

Le designer Gio Kisang a réinterprété la vaisselle traditionnelle coréenne en bronze Yugi afin de la rendre plus accessible à un usage quotidien. Bien que profondément ancrée dans la société coréenne cette vaisselle était peu adapté à la vie moderne en raison de son poids et de son encombrement.

Le designer Kwangho Lee, dans sa série New Armor, a utilisé une technique traditionnelle de laquage employée pour la fabrication d'armure pendant la dynastie Joseon (1392-1897), afin de fabriquer des meubles (chaise, fauteuil).

Le rapport avec les matériaux :

Les jeunes designers coréens, plutôt que de se spécialiser dans une technique et dans un seul médium, préfère le mélange, expérimentent les combinaisons de matériaux, de texture afin de trouver des harmonies nouvelles, des jeux de tension, d'énergie et d'équilibre.

Outre sa série " New Armor ", Kwangho Lee travaille beaucoup avec des matériaux industriels comme le PVC, le plastique et le Polystyrène. Jeonghwa Seo utilise quant à lui, des matériaux bruts. Dans la série " material container ", il a imaginé une collection de tabourets en combinant pour chaque pièce, deux matériaux. Il a utilisé en tout deux types de pierre, cinq types de bois et trois types de métaux.

Dans une démarche proche du Land Art et de l'Arte povera, L'artiste Lee Jaehyo travaille avec les médiums qu'il peut trouver autour de lui. Le bois et la pierre dans la forêt qui l'entoure et les clous dans les ateliers. Dans une sorte d'énergie collective, il se fait aider par les artisans de son village.

En parallèle du travail de Lee Jaehyo, le travail de certains céramistes se rapproche du travail d'artiste en faisant le pont entre l'homme et la nature. Dodamyo construit des céramiques à partir de pigments et de terres qu'elle trouve dans la montagne autour de chez elle. Ses céramiques aux formes informelles et à la ligne irrégulière illustrent cette notion selon laquelle les objets fabriqués doivent être imparfaits pour démontrer leur impermanence, à l'image de notre propre vie.

Pour en finir avec la céramique, l'une des différences entre la céramique coréenne par rapport a la poterie française, c'est que la céramique coréenne laisse la trace des doigts de celui qui les a modeler, tandis que la poterie française lisse tout.

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La sculpture en Corée du sud, entre tradition et modernité - Cahier de Seoul

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Ce qui caractérise une partie des artistes coréens qui émergent sur la scène internationale, réside dans l'adéquation remarquable et la pertinence des médiums choisis par rapport aux thématiques abordées, ainsi que dans l'exceptionnelle maîtrise technique qu'ils démontrent. À travers l'utilisation de produits manufacturés ou bruts, leurs œuvres impressionnent aussi bien sur le fond que sur la forme.

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L’architecture coréenne : une fenêtre sur l’histoire et la culture - Cahier de Seoul

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L’art coréen : une histoire riche et variée

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Moco : Musée d’art moderne et d’art contemporain d’Amsterdam

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Si vous cherchez une immersion dans l’art contemporain et d’art moderne lors de votre séjour à Amsterdam, le Moco Museum est une étape incontournable.

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On a visité pour vous l'exposition Pixels de Miguel Chevalier - Grand Palais immersif Paris en vidéo

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12 expos immersives et visites en réalité virtuelle à ne pas manquer en décembre

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Dans toutes la France, nous avons testé les expositions et expériences numériques. Voici notre sélection, à voir en décembre 2024 et pendant les fêtes de fin d’année.

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En bref

Comme l'écrit l'historien Élie Faure, " Vermeer de Delft résume la Hollande ". Considéré comme l'un des plus grands maîtres de la peinture hollandaise du XVII e siècle, Johannes Vermeer (1632-1675) a pourtant laissé peu de témoignages (seulement 37 tableaux sont identifiés comme étant de sa main). Est-ce dû à sa lenteur d'exécution ? sa méticulosité ? D'une incroyable précision, ses tableaux aux éclairages audacieux et subtils mettent en scène des personnages dans leur quotidien, concentrés sur leur tâche : jouer de la musique, lire une lettre, effectuer des travaux d'aiguilles... Marcel Proust, dans À la recherche du temps perdu (1913), a consacré à l'un de ses paysages une description demeurée célèbre. Le mystère qui se dégage de son œuvre comme les zones d'ombre qui entourent encore sa vie lui ont valu le surnom de " sphinx de Delft ".

On a dit de lui

" Dans la Vue de Delft de Vermeer... un petit pan de mur jaune (qu'il ne se rappelait pas) était si bien peint qu'il était, si on le regardait seul, comme une précieuse œuvre d'art chinoise, d'une beauté qui se suffisait à elle-même. " - Marcel Proust

Sa vie

Né dans une famille de commerçants de Delft, Vermeer a pour père un curieux personnage, instable et loufoque qui embrasse la carrière de marchand d'art par opportunisme. Il n'en fallait pas plus pour que se dessine le destin de son fils, dans un milieu baigné par la peinture. Johannes sera peintre, mais il portera aussi les lourdes dettes contractées par son père. Il poursuit néanmoins cette activité de marchand en parallèle de sa carrière d'artiste.

Les maîtres de Vermeer à Delft ne sont pas clairement identifiés, mais il semble que son apprentissage ait débuté vers 1640. Après la mort de son père, 12 ans plus tard, le jeune artiste intègre la guilde de Saint-Luc, association locale des peintres. Converti au catholicisme à des fins de mariage avec une jeune fille de condition aisée, Vermeer devient à son tour père d'une famille très nombreuse (15 enfants naîtront de cette union).

Vermeer est avant tout un peintre de genre, qui aime représenter des intérieurs et des scènes intimistes. L'artiste apporte une attention soutenue à la représentation de la lumière et des effets de perspective. À son immense science de la peinture s'ajoute l'usage d'une camera obscura, procédé permettant de relever de manière précise la profondeur et les détails d'un paysage ou d'un intérieur, à la manière d'une photographie.

Les œuvres de Vermeer ont souvent un caractère impénétrable. Que ce soit sa Dentellière (1669-1671) ou sa Laitière (1658-1660), aucune n'interagit avec le spectateur. Ce sont des figures intériorisées, concentrées sur leur tâche manuelle. Des éléments au premier plan font souvent obstacles à la tentation du spectateur d'entrer dans cette intimité. Les gestes les plus simples de la vie quotidienne se dévoilent avec une poésie mélancolique. Loin de la tentation baroque que l'on trouve chez Rembrandt par exemple, Vermeer est un peintre du silence et de la quiétude. Ses œuvres font parfois montre d'une grande complexité et de connaissances scientifiques solides.

Son activité de marchand d'art, mais aussi celle de peintre, ont souffert de la situation politique des Provinces-Unies en ce milieu du XVII e siècle. Le pays est en conflit avec la France et l'Angleterre. Ruiné par des dettes, l'artiste connaît une grave dépression qui aurait semble-t-il entraîné son décès précoce en 1675 à l'âge de 43 ans ! Bien qu'il soit l'un des plus célèbres peintres néerlandais de son époque, la notoriété du peintre n'a guère dépassé la ville de Delft durant sa carrière. Ce fait est sans doute lié aux sujets traités par le peintre : des scènes de genre plutôt que des tableaux d'église. Cependant, il était connu des amateurs avisés et des artistes. Il faut attendre la seconde moitié du XIX e siècle pour que son talent et son importance soient pleinement reconnus.

À lire aussi : La camera obscura : le secret de Vermeer ?

Ses œuvres clés
La Laitière, 1658-1660
Dans un intérieur, cette solide servante est absorbée dans l'une de ses activités quotidiennes : faire couler du lait dans un plat, ce qui peut être lu comme une métaphore de la peinture. Une nouvelle fois, Vermeer associe des couleurs primaires dans les vêtements de la protagoniste. Il est impossible pour le spectateur de se faire une opinion sur son état d'esprit, ses émotions ou sentiments. Cette œuvre très intimiste est devenue une véritable icône publicitaire en France depuis son utilisation par la marque Nestlé en 1973.

On doit à Marcel Proust d'avoir rendu ce paysage célèbre, l'auteur le considérant comme le plus beau tableau du monde. Il s'agit d'une veduta, une vue paysagère urbaine traitée avec une extrême précision, qui annonce la manière des peintres vénitiens du XVIII e siècle. Bien qu'elle respecte une certaine logique topographique, Vermeer n'en fait pas moins parler son imagination. L'artiste semble idéaliser sa ville natale, qui se dessine dans la lumière du matin après le passage d'un orage.
La Jeune Fille à la perle, vers 1665
Chef-d'œuvre immensément célèbre, surnommé " La Joconde du Nord ", La Jeune Fille à la perle appelle certainement le regardeur au désir amoureux, voire charnel. La pose et le cadrage sont singuliers. Isolée sur un fond sombre, la jeune femme se tourne délibérément vers nous. Le traitement du visage, les lèvres entrouvertes, le coloris - classiques de la palette de l'artiste - lui confèrent des traits extrêmement séduisants. Le mouvement des épaules, la tête penchée ainsi que le regard sombre instaurent une relation personnelle avec le spectateur. La perle, à la fois attribut de séduction et symbole de pureté, capture la lumière, véritable obsession de Vermeer.

Autoportrait Johannes Vermeer The Art Of Painting Google Art Project
L'Art de la peinture, 1666
Certainement le tableau le plus personnel de Vermeer, une œuvre que le peintre n'a jamais vendue et au sein de laquelle il semble nous inviter dans son propre atelier. Chaque détail est bien réféchi, à commencer par le modèle de l'artiste, qui n'est autre que Clio, la muse de l'Histoire, censée assurer au peintre une renommée éternelle.

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Comme l'écrit l'historien Élie Faure, " Vermeer de Delft résume la Hollande ". Considéré comme l'un des plus grands maîtres de la peinture hollandaise du XVII e siècle, Johannes Vermeer (1632-1675) a pourtant laissé peu de témoignages (seulement 37 tableaux sont identifiés comme étant de sa main).

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En bref

Artiste maudit et incompris, esprit sensible et torturé, Vincent Van Gogh (1853-1890) est devenu une légende. Réputé inclassable, il appartient pourtant à la mouvance postimpressionniste, tout comme son ami Paul Gauguin. Avec sa palette vive et sa touche exaltée, il apparaît aussi comme un précurseur du fauvisme et de l'expressionnisme tout en se rapprochant du symbolisme par sa conception mystique de l'art. Peintre infatigable mort à 37 ans, il a produit plus de 800 toiles. Associant réflexions sur la forme et sur la couleur, la démarche de Vincent Van Gogh incarne parfaitement le génie de l'art moderne.

Il a dit

" Encore une fois je me laisse aller à faire des étoiles trop grandes. "

Sa vie

Vincent Van Gogh est né aux Pays-Bas, non loin de Bréda. Il vient d'une famille bourgeoise et nombreuse, marquée par la religion protestante (son père est pasteur). Vincent porte le prénom d'un jeune frère décédé. Funeste présage ? C'est un enfant sensible et de santé fragile. Il entre en pension et débute son apprentissage du dessin.

Son oncle a fondé à Paris une galerie d'art, la maison Goupil & Cie, dont plusieurs succursales sont installées en Europe. En 1869, Vincent Van Gogh y fait ses débuts (à La Haye, Bruxelles et Londres), en tant que commercial. Mais cette profession ne lui plaît guère et il est licencié en 1876. Son jeune frère Théo entre également dans l'entreprise et s'installe à Paris en 1880.

Vincent Van Gogh est d'un tempérament mystique. Son intérêt pour la religion se développe assez tôt, il hésite même à poursuivre dans cette voie en suivant des cours à l'école protestante de Laeken. Finalement, sa passion pour l'art l'emporte, encouragé par l'exemple de Jean-François Millet dont il admire les œuvres. Il cultive également le goût pour la peinture hollandaise à la palette sombre et aux sujets rustiques, qu'il découvre notamment en s'inscrivant à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers.

En 1886, l'artiste rejoint son frère Théo à Paris. Ce dernier l'introduit dans le monde de la bohème artistique montmartroise. Vincent Van Gogh y noue des amitiés, notamment avec Henri de Toulouse-Lautrec. Comme les impressionnistes et postimpressionnistes de son temps, il s'intéresse aux sujets de la vie quotidienne et puise son inspiration dans les estampes japonaises. Cependant, malgré le soutien de son frère, ses œuvres ne trouvent pas d'amateurs.

En 1888, Vincent quitte Paris pour s'installer à Arles. La lumière du Midi exerce une profonde influence sur sa palette. C'est à cette époque qu'il peint les Tournesols. Mais l'artiste se sent seul et souffre de dépression. Suivant son rêve de fonder une communauté d'artistes, il convainc Paul Gauguin de venir le rejoindre. La cohabitation s'avère difficile. À l'issue d'une violente dispute, Vincent Van Gogh - selon la thèse officielle - se saisit d'un couteau et se tranche l'oreille. À sa propre demande, il est interné dans un asile à Saint-Rémy-de-Provence. Les œuvres qu'il peint, telles que La Nuit étoilée, traduisent son agitation intérieure.

Van Gogh quitte Arles et se réfugie à Auvers-sur-Oise où vit le docteur Paul Gachet, un ami de Paul Cézanne. Une relation de confiance s'établit entre eux, bénéfique au peintre qui réalise à Auvers plusieurs œuvres majeures. Cependant, la dépression le mine et, le 27 juillet 1890, Van Gogh se suicide - là encore selon la thèse la plus répandue - dans les champs. Son frère Théo ne lui survit que six mois, atteint d'une syphilis. Ils reposent côte à côte dans le cimetière d'Auvers-sur-Oise.

Ses œuvres clés
Les Souliers, 1886
En 1886, Vincent Van Gogh peint deux vieux souliers, abandonnés, dépareillés, vides. Affectionnant les natures mortes, il renoue ici avec le réalisme hollandais. D'aucuns ont remarqué qu'il s'agit de deux pieds gauches, comme si Vincent Van Gogh voulait exprimer le couple bancal qu'il forme malgré lui avec son frère Théo, qui essaya toujours de lui venir en aide. Il pourrait aussi s'agir d'une forme d'autoportrait symbolique traduisant le dénuement de l'artiste de la bohème.

Cette toile appartient à la série des natures mortes peintes par Van Gogh à Arles. Dans un robuste vase en terre émaillée, les fleurs incarnent le grand cycle de la vie, de la floraison au flétrissement. Il s'agit, en quelque sorte, d'une vanité moderne, qui rappelle la brièveté de l'existence. L'œuvre se caractérise par l'usage de la couleur jaune, irradiante.

" Souvent, il me semble que la nuit est encore plus richement colorée que le jour ", écrivit le peintre. Ce paysage nocturne fut réalisé depuis la chambre que Vincent Van Gogh occupait à l'asile de Saint-Rémy-de-Provence. Il se singularise par le traitement du ciel, qui occupe la majeure partie de la toile. Le mouvement tourbillonnant de l'air forme des vagues, et les étoiles étincellent comme autant de soleils. La touche est fragmentée, les couleurs sont pures. L'agitation du ciel contraste avec la tranquillité du village endormi. Vincent Van Gogh exprime ici sa vision mystique du monde, à la recherche d'une vérité invisible.
Portrait du docteur Gachet, 1890
Ce portrait représente le médecin, grand amateur d'art, qui accueillit Vincent Van Gogh à Auvers-sur-Oise sur les conseils de son frère Théo. Paul Gachet lui offrit des conditions propices à son activité artistique et tenta de l'aider à sortir de la dépression. L'attitude du médecin est ici plutôt mélancolique, un sentiment renforcé par une palette de tons froids. Paul Gachet est accoudé à la table, la main posées sur un bouquet de digitales, à partir desquelles est produite la digitaline, traitement utilisé pour diverses affections.

À lire aussi : Van Gogh, inépuisable star des écrans

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Il a réinventé le ciel et transformé les étoiles. Cette année, Vincent Van Gogh est mis à l'honneur par l'Atelier des Lumières qui nous...

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Vincent van Gogh - Les Grands Maîtres de la Peinture

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Un des plus beaux musées du monde à faire absolument. Les collections sont riches et bien présentées, une organisation simple par siècle et la possibilité de se limiter au minimum nécessaire pour les ados !

Tripadvisor, *****

CENTRE VILLE D'AMSTERDAM

Vous trouverez le Rijksmuseum sur la Museumplein, dans le centre d'Amsterdam. Proche des canaux historiques et des magasins, et à seulement 20 minutes à pied de la maison d'Anne Frank. Alternez effervescence de la ville et moments de détente au Rijks.

DES VISAGES FAMILIERS

La renommée des chefs-d'œuvre de la collection du Rijksmuseum en font l'un des musées les plus célèbres du monde : La Laitière de Vermeer, l'Autoportrait de Van Gogh, la Joyeuse Famille de Jan Steen et la Ronde de nuit de Rembrandt. Bien d'autres pièces de la collection pourraient vous surprendre et captiver votre imagination : la Fille en kimono blanc de Breitner, et le pavillon asiatique. Quel que soit votre âge ou votre origine, vous découvrirez toujours quelque chose de nouveau au Rijksmuseum.

Un seul mot : Magnifique. Musée impressionnant de par son espace et son entretien irréprochable. Des œuvres et des styles variés. La visite est intuitive et très fluide. Prévoir entre 3h et 4h.

Tripadvisor, *****

VOIR ET FAIRE

Au Rijksmuseum, tout le monde trouve chaussure à son pied. Des visites guidées aux jeux en famille, en passant par les ateliers et les programmes de théâtre. Si c'est votre première visite, pourquoi ne pas prendre le tour guidé des œuvres majeures en français? Pendant les vacances scolaires, nous organisons des activités spéciales pour les jeunes, du type Escape Game.

LIVE: OPÉRATION RONDE DE NUIT

Le Rijksmuseum utilise les technologies dernier cri pour rechercher et traiter la Ronde de nuit. Le chef-d'œuvre de Rembrandt étant le tableau le plus important de la galerie d'honneur, nous avons choisi de le restaurer sur place. Pas derrière des portes fermées, mais dans la galerie de la Ronde de nuit, à la vue de tous. Les visiteurs peuvent voir en direct des chercheurs en plein travail, dans le musée ou en ligne. Nous l'appelons l'Opération Ronde de nuit.

LES MEILLEURES ATTRACTIONS

La Galerie d'honneur avec des chefs-d'œuvre de Vermeer et Rembrandt, Frans Hals, Jan Steen.

La Laitière et la Ronde de nuit.

La collection de maisons de poupées, de maquettes de bateaux et d'armurerie.

La bibliothèque Cuypers, la plus ancienne et la plus grande collection de livres d'histoire de l'art des Pays-Bas.

CONSEILS

Téléchargez l'application Rijksmuseum pour des visites spéciales et des itinéraires intelligents.

Réservez votre billet en ligne et choisissez votre propre plage horaire.

Vous manquez de temps ? Les œuvres majeures du musée se découvrent facilement en une heure.

Réservez une visite guidée. pour vous-même ou votre groupe.

Dégustez un bon thé au Café avant ou après votre visite.

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Un musée historique regorgeant de nouvelles possibilités. Prenez le temps de redécouvrir les chefs-d'œuvre néerlandais.

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Suivez notre guide dans les salles du musée à la découverte de 5 chefs-d'œuvre de notre collection d'art contemporain.

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« Quand il n’a pour tous instruments de travail que sa pointe d’acier, sa plaque de cuivre, son acide, rien que le noir et le blanc, même alors, [Rembrandt]…

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Découvrez comment cinq photographes de génie ont révolutionné la photo en 1851, tout en sauvant de la ruine des centaines de monuments historiques.

Notre-Dame de Paris, les Arène d'Arles, le dolmen de Bagneux, le château de Chenonceau... Si ces monuments sont préservés aujourd'hui, c'est en partie grâce à cinq photographes qui ont sillonné la France en 1851 et ainsi installé l'idée d'un patrimoine à sauvegarder.

Premiers clichés de monuments, techniques innovantes, invention des codes de la photo d'architecture. La Mission héliographique est le point de départ de la notion de patrimoine et du développement de la photographie en extérieur. Si depuis la Révolution, la France envisage de préserver ses monuments historiques, le projet reste lettre morte.

Consigner la richesse des territoires

L'écrivain et historien Prosper Mérimée, jeune inspecteur des Monuments historiques depuis 1837, veut consigner la richesse des territoires. Deux ans plus tard, la photographie naît et Mérimée y voit le moyen de montrer à quel point les églises s'effondrent et les châteaux s'effritent. Mais la photographie est encore en cours de développement, l'outil, le daguerréotype, est lourd et surtout utilisé en intérieur pour des natures et des portraits.

Début 1850, les progrès s'enchaînent et des photographes s'aventurent dehors. Prosper Mérimée saisit sa chance et passe la première commande publique de photographie.

"On va se dire que c'est peut être grâce aux photographies qu'on peut évaluer l'état d'un édifice, voir s'il est intéressant, s'il peut être classé au titre des monuments historiques et déjà avoir une première idée des interventions qu'il faudrait mener pour le conserver longtemps", analyse Anne de Mondenard, historienne de la photographie.

Cent soixante-quinze bâtiments doivent être photographiés. Des édifices de toutes les époques, des arènes antiques aux églises romanes. Cinq photographes, matériels sur le dos, sillonnent les quatre coins de la France : Gustave Le Gray, Auguste Mestral, Édouard Baldus, Hippolyte Bayard et Henri Le Secq. Cette armada est baptisée : la Mission héliographique.

"C'est aussi, pour les photographes qui sont sélectionnés, une manière d'expérimenter pour la première fois à une si grande échelle la photographie. Il y a des progrès énormes qui sont faits en l'espace de quelques mois par les cinq photographes qui sont sélectionnés. On voit certains faire des essais aussi bien avec la lumière qu'avec les cadrages et puis parfois ils sont dans des situations un peu compliquées, il n'y a pas de recul, les objectifs qu'ils ont ne leur permettent pas d'avoir l'ensemble du monument. On les voit tenter différentes choses. Par exemple, Baldus voudrait des images qui ressemblent à des élévations d'architectes. Il a l'idée de faire plusieurs prises de vue et après il va découper ses négatifs pour les assembler et faire un tirage", résume Anne de Mondenard.

Des avancées technologiques

Juste avant de partir, Gustave Le Gray met au point un système de préparation du négatif qui rend la prise de vue plus propre et plus rapide. Il va réussir à prendre jusqu'à 30 photos dans la même journée. Une prouesse technique pour l'époque.

En tout, ils ramènent des milliers de clichés. Mais le procédé de développement est long, surtout en automne où l'humidité ralentit le processus. Les photos sont livrées seulement au printemps suivant.

Deux cent cinquante-huit clichés sont sélectionnés et inclus au dossier des monuments historiques. Les photographes sont remerciés pour leur travail patrimonial mais aussi pour leurs inventions et leur créativité.

"Il y a une presse qui commence à exister à cette époque-là et des critiques considèrent que ce qui a été fait c'est extraordinaire, que les tirages sont très grands, que les contrastes sont incroyables. Dans les milieux qui pratiquent la photographie, cette information circule. Malheureusement il n'y aura pas de publication mais l'information a assez circulé pour pousser d'autres photographes à aller sur les routes faire des photographies de monuments. Pendant une dizaine d'années, dans les années 1850, il y a une pratique de la photographie de grand format sur papier qui est assez importante en France", note Anne de Mondenard.

La mission héliographique lance des photographes qui sont ensuite reconnus par leurs pairs grâce à leurs techniques. Gustave Le Gray devient par exemple le photographe officiel de la famille impériale. C'est la mission inaugurale dont se sont inspirées ensuite toutes les missions de photo publiques dans le monde entier.

De l'argent est débloqué pour réparer et sauvegarder les monuments menacés. La restauration des monuments historiques va peu à peu dépasser les frontières du privé et des grandes instances pour devenir ce qui est aujourd'hui une fierté nationale.

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Aux prémices du patrimoine : la "Mission héliographique"

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Découvrez comment cinq photographes de génie ont révolutionné la photo en 1851, tout en sauvant de la ruine des centaines de monuments historiques.

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5 ROSA BONHEUR - ENTRE PINCEAUX & SABOTS

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4 ROSA BONHEUR - ENTRE PINCEAUX & SABOTS

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3 ROSA BONHEUR - ENTRE PINCEAUX & SABOTS

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2 ROSA BONHEUR - ENTRE PINCEAUX & SABOTS

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1 ROSA BONHEUR - ENTRE PINCEAUX & SABOTS

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En bref

Peintre majeur de l'école hollandaise du XVII e siècle, Rembrandt (1606-1669) est l'une des grandes figures du baroque. Peintre et graveur, réputé solitaire et indépendant, il a peint sans fard ses contemporains, se rendant célèbre par son traitement de la lumière que l'on nomme " clair-obscur ". Rembrandt a accompagné l'essor du protestantisme, il a contribué à renouveler l'image du Christ, humble et humain, tout comme le genre de l'autoportrait et du portrait de groupe.

On a dit de lui

" Rembrandt charme les intelligents, mais étourdit et massacre les imbéciles. " Gustave Courbet

Sa vie

Rembrandt Van Rijn est né à Leyde, dans les Provinces-Unies (actuels Pays-Bas), dans une famille d'artisans, aisée et nombreuse. Son enfance est bercée par une éducation très religieuse. Dès son adolescence, il est porté vers la pratique artistique et mène son apprentissage auprès d'un peintre à Amsterdam qui lui transmet une solide culture. Rapidement, il ouvre son propre atelier et s'initie aux techniques de la gravure.

Sa réputation est vite établie. En 1631, Rembrandt est déjà célèbre. Il travaille pour les corporations de la ville et réalise le portrait de Charles I er d'Angleterre. Ses toiles sont spectaculaires. Une femme entre dans sa vie : Saskia, la nièce d'un célèbre marchand d'art d'Amsterdam. Elle devient l'un de ses modèles et lui ouvre les portes de la société. En 1639, le couple s'installe dans une maison dans le quartier juif (actuel musée Rembrandt). L'artiste aborde plus fréquemment les thèmes bibliques, cultive les autoportraits puis la peinture de paysage.

En 1642, Rembrandt perd sa femme, qui lui a donné quatre enfants (dont trois morts en bas âge). Il se met en ménage avec la nourrice de son fils (ce qui crée le scandale), mène grand train de vie, collectionne des œuvres d'art et finit par s'endetter. Il doit vendre sa maison et sa réputation décline. Rembrandt meurt en 1669, dans la pauvreté. Il laisse une œuvre très importante : plus de 400 peintures, 300 eaux-fortes et 300 dessins.

Ses œuvres clés
La Leçon d'anatomie du docteur Tulp, 1632
Commande de la guilde des chirurgiens, cette toile représente l'un de ses membres éminents, le Dr Tulp, en train de procéder à une dissection. Il donne une " leçon d'anatomie " devant un parterre de confrères attentifs, parfois incrédules, observant le corps cadavérique ouvert et mystérieux. L'artiste met en exergue le jeu des mains du chirurgien qui adopte une attitude professorale. Les dissections publiques n'étaient autorisées qu'une fois par an, en hiver, généralement sur le cadavre d'un condamné à mort. Cette toile révèle l'effervescence de l'époque autour de la découverte du fonctionnement du corps humain et l'essor des sciences.
La Ronde de nuit, 1642
Cette œuvre majeure de Rembrandt a été achevée en 1642, à la demande de la compagnie des arquebusiers pour décorer une des salles de leur siège. C'est une commande de prestige qui lui valut une rémunération conséquente. Il ne s'agit pas réellement d'une scène nocturne en dépit de son titre attribué au XVIII e siècle, en raison de son encrassement. La toile, de grandes dimensions, représente une milice composée de gardes civils chargés d'assurer la sécurité de la ville. L'œuvre est frappante de réalisme, mais l'événement immortalisé reste imprécis. La scène demeure également énigmatique, en raison de la présence de personnages qui n'ont rien à y faire - comme la petite fille en robe jaune - et de sa composition particulièrement complexe. Il fut reproché à Rembrandt d'avoir placé certaines personnalités éminentes à l'arrière-plan.
Les Pèlerins d'Emmaüs, 1648
Cette scène tirée de la Bible représente le Christ après sa résurrection, au moment où il révèle son identité à deux disciples, surpris, dans le cadre intimiste d'une auberge. Bien qu'il soit auréolé d'une lumière, provenant d'une niche, le Christ est davantage représenté comme un homme que comme le fils de Dieu. Il est à la fois un être naturel et surnaturel, combinant deux natures (humaine et divine). L'artiste parvient à cet effet grâce à sa maîtrise particulièrement aboutie du clair-obscur, à la même époque que Le Caravage.
Autoportrait, 1657
Rembrandt s'est autoportraituré à une quarantaine de reprises, parfois sous des travestissements excentriques. L'artiste ne cherchait pas à s'idéaliser montrant au contraire son vieillissement et ses émotions. La raison de cette habitude n'a pas été explicitée par l'auteur. Était-ce une manière, pour lui, de tenir une forme de journal intime ? Ou de s'inscrire dans la continuité de peintres célèbres, tel Dürer ? Rembrandt, en tout cas, y fait montre de sa technicité et de sa grande maîtrise du clair-obscur.

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Figure incontournable du baroque, Rembrandt a largement participé à l'essor du siècle d'or néerlandais. À l'occasion du 350e anniversaire de la mort du...

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5 JOSEPH VERNET -  Le peintre de marines qui ne faisait pas de vagues

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4 JOSEPH VERNET -  Le peintre de marines qui ne faisait pas de vagues

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3 JOSEPH VERNET - Le peintre de marines qui ne faisait pas de vagues

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2 JOSEPH VERNET - Le peintre de marines qui ne faisait pas de vagues

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1 JOSEPH VERNET - Le peintre de marines qui ne faisait pas de vagues

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Canaletto et Guardi : maîtres de la Veduta vénitienne !

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Depuis le Moyen-Âge, ce que l'on appelle le "Grand Tour" est un voyage effectué à travers l'Europe par les jeunes aristocrates anglais, allemands, français, suédois, etc, afin de parfaire leur éducation humaniste.

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On a visité pour vous la somptueuse exposition Dolce&Gabbana au Grand Palais, en vidéo YouTube

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Les vastes sources d'inspiration de Dolce&Gabbana se dévoilent à mesure que vous parcourez les salles, chacune rendant hommage à une facette de la culture italienne qui a nourri leur travail.

De l'art à l'architecture, des cultures régionales à la musique, du ballet à l'opéra, chaque thème reflète l'amour profond des deux fondateurs pour l'artisanat traditionnel, leur héritage italien et leur passion pour la " dolce vita ".

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Voyagez à travers dix salles immersives pour découvrir les inspirations qui ont nourri les créations emblématiques de Domenico Dolce et Stefano Gabbana.

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Du Cœur à la Main : Dolce & Gabbana, à l'honneur, au Grand Palais

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Biographie et œuvre de Claude Joseph Vernet (1714-1789)

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Biographie et œuvre de Claude Joseph Vernet (1714-1789) avec de nombreuses illustrations

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Joseph Vernet, un peintre au service du Roi