# data[].attributes.body
Aunque fracasados vitalmente, los seguidores del dandismo contribuyeron a crear la moda masculina actual, así como el concepto de celebridad, el de derechos de imagen y el de tribu urbana

# data[].attributes.body
El dandismo se convirtió en un referente para la moda masculina, para los valores y para las costumbres de las sociedades europeas muy agitadas por las distintas revoluciones acaecidas entre los siglos XVIII, XIX y principios del XX. Esta corriente fue contestataria con la sociedad de su época y con movimientos como el romanticismo del que pretendía separarse.

# data[].attributes.body
Es un arquetipo de persona muy refinada en el vestir, con grandes conocimientos de moda, proveniente de la burguesía, con una fuerte personalidad y poseedora de nuevos valores como la sobriedad o el uso de los avances traídos por la Revolución Industrial, que acabaría convirtiéndose en un referente para su época.

# data[].attributes.body
Se calcula que Picasso fue autor de unas 13.500 pinturas y diseños, 100.000 impresiones o grabados, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas, además de tener el mayor número de museos con su nombre («Museos Picasso»).

# data[].attributes.body
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte, acaecida el 8 de abril de 1973 a los noventa y un años de edad, en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» de la localidad francesa de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues.

# data[].attributes.body
Es considerado desde la génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria.

# data[].attributes.body
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear, predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el acero y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.

# data[].attributes.body
Modernismo, o en francés Art nouveau, es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

# data[].attributes.body
La pintura de Doucet pronto se plasmó en un lenguaje propio : formas abstractas, redondas y voluntariamente blandas, de materias generosas y apagadas, delimitadas por gruesos trazos negros. Paralelamente a su trabajo de pintor Doucet realiza una obra importante sobre papel : litografías, aguadas, collages, dibujos. Ejecuta cartones para tapices.
La obra de Doucet es barbarie pura que se ofrece a quien la merece, una obra sin concesión, sin apariencias engañosas, que se reconoce entre todas. Su vida entera Doucet siguió los consejos que le dio Max Jacob al principio de su carrera artística, sin que jamás su trabajo deje de evolucionar.
Jacques Doucet muere en Paris en 1994. La Galería Ariel en París, en 1997, organizó una gran retrospectiva de su trabajo.

# data[].attributes.body
Jacques Doucet nace en Boulogne-Billancourt en 1924. En la adolescencia le apasionan la poesía y la pintura y busca un camino propio entre estas dos actividades. En 1941, Jacques Doucet visita al poeta y pintor Max Jacob en Saint-Benoit-sur Loire.

# data[].attributes.body
El fin de la I Guerra Mundial, a la que logró sobrevivir y en la que sirvió como sastre en el Ejército, supuso una nueva forma, más industrial, de concebir la moda. Amante de la ornamentación y de la artesanía, se negó a seguir el juego y acabó cerrando su casa de Costura. Murió arruinado y olvidado. Paradojas del destino, como quedó escrito en el catálogo de la muestra del Met dedicada a su figura, “es irónico que Poiret rechazara el Modernismo; sus innovaciones técnicas y comerciales fueron fundamentales para su surgimiento y desarrollo".

# data[].attributes.body
Su padre, un comerciante de telas, le envió a aprender un oficio a un taller de paraguas. Allí aprendió la técnica y dio sus primeros pasos en el diseño cogiendo retales de tela y diseñando trajes para las muñecas de su hermana. Su carisma y talento le llevaron a introducirse en los círculos más exclusivos de la Belle Époque parisina y a trabajar, al principio como asistente y después como jefe del departamento de sastrería, para Jacques Doucet.

Con sus diseños contribuyó a la liberación de la mujer y a crear la estética que marcaría todo el siglo XX. Alérgico a la uniformidad de la época, pensaba que los “verdaderos elegantes” son aquellos que “ inventan modas, los que las crean, no los que las siguen”.

# data[].attributes.body
Paul Poiret es uno de los bastos artistas que fueron borrados de la historia del arte, alguien que marcó un estilo que dominó el mundo de la moda por más de una década, que liberó a la mujer, que pasó de ser el diseñador más famoso de la época a alguien en bancarrota, y finalmente, olvidado en la historia.

# data[].attributes.body
Romain de Tirtoff, o mejor conocido cómo Erté, fue un artista Ruso que gracias a sus obras es considerado como el maestro del Art Deco.

En 1912 se mudó a París, consiguiendo trabajo como ilustrador para el modisto Paul Poiret, propulsando su carrera durante su estadia en la Casa Poiret.A pesar de ser querido por muchas revistas, Erté firmó un contrato exclusivo con la revista de "Harper's Bazaar", dónde dibujó cientas de ilustraciones exclusivas en las que no se inspiraba de ningún otro modisto, siendo todas creaciones originales de su parte, aunque al final Erté también colaboró con "Vogue" y "Gazette du bon ton", marcando el estilo de la época con sus ilustraciones únicas. Incluso se le dió la tarea de ilustrar la historia de la moda de la época, y quién mejor para ilustrarla que el maestro del Art Deco.

# data[].attributes.body
George Barbier fue un artista frances que impulsó el movimiento artístico del Art-Deco en el mundo de la moda.

El talento de Barbier fue impulsado por publicadores y editores de revistas de moda avant-garde. a la vez que su estilo resonó mucho con la nueva moda que surgió gracias a Paul Poiret, que luego sería llamado Art-Deco, el cual en vez de ser realístico en cada detalle, los ilustradores de la época creaban imágenes muy estilizadas que transmitían una atmósfera y emociones al verlas.

Barbier participó en muchas revistas de moda, como "Le Journals des Dames", "La Gazette du bon ton", "Les Feuillets d'art", "Art goût beauté", "Vogue", "Femina", "La Vie Parisienne".

# data[].attributes.body
George Lepape fue un artista Francés que llegó a ser uno de los mayores representantes en el estilo que se inspiraba en el orientalismo y en los ballets rusos.

Colaboró con las revistas de moda más influyentes del mundo como "Gazette du Bon Ton", "Femina", "Vogue", "Harpers Bazaar", y "Vanity Fair".
Pero su más importante colaboración fue la que tuvo con el diseñador Paul Poiret, ya que no solo diseñó las prendas del diseñador más importante de su época, sino que por su colaboración este Lepape creó el libro de "Les Choses de Paul Poiret vue par Georges Lepape", en el cual registraba todo lo que Paul Poiret hacia día a día, tanto en las fiestas como en el trabajo, generando una nueva manera de recopilar la historia de la ilustración de la moda, mostrando a las modelos desde un punto de vista diferente al usual en las revistas de moda.

# data[].attributes.attachment_caption
Boceto de un traje de noche del invierno de 1942 de Madame Grès

# data[].attributes.attachment_caption
Madame Grès junto a uno de sus diseños en 1946 

# data[].attributes.attachment_caption
Inspiración griega en la prueba de un modelo de Alix en 1939

# data[].attributes.body
Se la consideraba una “diseñadora de diseñadores” y compartía con Balenciaga el privilegio de ser un talento indiscutido por sus colegas. Tal vez, no es tan conocida porque se limitó a hacer alta costura. No por elitismo sino porque pensaba que solo podía poner en práctica su arte a través del encuentro y diálogo con sus clientas, algo que habría perdido en el prêt-à-porter. Ignoraba completamente el marketing y odiaba la publicidad sobre sí misma. Era extremadamente discreta y no le gustaban las entrevistas. Afirmaba: “No tengo nada que decir, pero todo que mostrar”.

# data[].attributes.body
Madame Grès declaró en diversas ocasiones que su verdadera vocación era la escultura, por lo que modelaba las telas como si se tratara de piedra, esculpiéndolas. Su obra, muy creativa y original, más allá de las modas, se inspira en el mundo antiguo y también en las culturas norteafricanas y del subcontinente indio. Su aparente simplicidad oculta una elaboración muy compleja. Realizó trajes de cualidades escultóricas, sin apenas costuras, que parecen modelados sobre el cuerpo y se caracterizan por líneas depuradas y volúmenes muy elaborados. Se trata de piezas únicas, atemporales, a menudo con plisados, drapeados y formas asimétricas, de colores puros. Destacan los vestidos de noche de faya y tafetán (tejidos que trabajaba de modo magistral), que son la faceta más conocida de su trabajo, así como los modelos de género de punto y las piezas de abrigo confeccionadas en lana de doble faz.

# data[].attributes.body
Nació el 30 de Noviembre de 1903. Comenzó su carrera como escultora influenciada principalmente por la corriente minimalista y por las vestiduras griegas.
Debutó en 1933 como modista en París bajo el nombre de Alix Barton. Su estilo se fue imponiendo gradualmente, sobre todo en lo que se refiere a los trajes de noche.

# data[].attributes.body
Salvador Dali fue conocido por sus pinturas surrealistas. Además de pintor, también fue dibujante. Usó el simbolismo en sus obras y había objetos que usaba a menudo, por ejemplo, elefantes y huevos. También incursionó en hacer esculturas, tomar fotografías y contribuir en las diferentes áreas de la industria de la moda.

# data[].attributes.body
Aunque no muchas personas lo sepan, Dalí estuvo muy involucrado con personalidades centrales al mundo de la moda como, por ejemplo, Elsa Schiaparelli. De hecho, Schiaparelli le encargó a Dalí un vestido con un estampado de langostas.Dalí también diseñó, con ella, un sombrero con forma de zapato, botellas de perfume y distintos motivos para textiles.

# data[].attributes.body
Fue una ilustradora estadounidense que produjo un trabajo significativo en la ilustración de moda durante las décadas de 1930 y 1940.

# data[].attributes.body
Su trabajo tuvo un efecto en la apariencia de la revista a través de su distintivo estilo lineal sofisticado y audaz y su enfoque pictórico modernista de la ilustración de moda. Su trabajo fue imitado por muchos ilustradores de revistas en la primera mitad del siglo y le dio un nuevo estilo al género que continúa hasta nuestros días.

# data[].attributes.body
Creó ilustraciones para la revista Vogue , incluidas algunas portadas. Grafstrom también contribuyó con ilustraciones para Delineator , Cosmopolitan y otras revistas femeninas. Sus ilustraciones presentaban mujeres reales y accesibles. Ella dibujó "mujeres reales" que habitan el espacio real.  Sus ilustraciones a veces incluían collage de telas, para dar textura a la imagen.

# data[].attributes.body
Los años 30 son años marcados sobre todo por la crisis económica y la Gran depresión. Son años en los que Hollywood consolida su estatus de creador de tendencias, y son sus estrellas las que marcan los gustos estéticos de las mujeres de todo el mundo: cejas depiladas, pelo rubio y con ondas, cuerpos atléticos y delgados.

# data[].attributes.body
Introdujo en la moda recursos tales como las faldas globo o el vestido saco, entre otros, rindiendo la industria a sus pies tras cada creación.
Justo por eso estos son algunos de sus diseños de vestidos que siento que pasaran a la eternidad cómo piezas únicas, mas que nada por el impacto en esa época.

# data[].attributes.body
En lo personal, me gustan mucho los diseños que son extravagantes, diferentes, fuera de lo normal, es cuando yo siento que es algo único y cuando mas me llama la atención.
Justo por eso mismo, estos cinco vestidos me gustaron tanto, desde los cortes que salen fuera de los estándares entallados de las mujeres, las formas tan grandes, creando siluetas elegantes pero distintas.
Considero que desde los colores llaman la atención, son diseños únicos para su época, en donde el diseñador Balenciaga salía de toda la opinión, se apegaba a lo que era el en realidad y a sus pensamientos, algo muy importante de identificar y de recordar.

# data[].attributes.body
En su colección de Primavera-Verano 2019, podemos ver una gran inspiración hacia el trabajo de Christian Dior, debido a que su objetivo era eliminar la corsetería que suele sujetar los vestidos de Dior y reemplazarla por siluetas vaporosas, translúcidas y sin mangas o vestidos casi líquidos en jersey de seda. Su vestido favorito, confeccionado con al menos 90 metros de tul en un nude colorete, resalta sobre una alineación de telas ligeras como plumas. Recordemos que Dior también usaba mucho el tul.
Hizo vestidos en jersey de seda, los cuales se adaptan genial al equipaje de la mujer moderna. La forma es muy Christian Dior, pero la tela jersey lo hace completamente diferente. La verdad es que Dior no trata de la forma, sino de la feminidad.
Finalmente siento que es una gran colección, en donde se ve plasmada la esencia de Maria Grazia, junto a su gran inspiración, muchas veces puedes tomar inspiración de algo, y cambiarle ciertos detalles para hacerlo más a tu modo y darle ese toque de cada persona.

# data[].attributes.body
Estos vestidos tenían un estilo moderno y femenino que renovaría por completo el vestuario femenino, con los que usaba materiales como el nylon y cuero, El cuerpo, escotes estilo corazón, al igual que confeccionaba con una delicada lencería. Le gustaba mucho usar tul, ya que daba volumen único y bonito. Siempre remarcando la cintura de forma delicada y elegante. Incluso usando su flor favorita, la cual tuvo presencia en varias de sus colecciones.
Considerado como el diseñador de sueños, creador de la silueta acreditada con devolver la feminidad a la moda

# data[].attributes.attachment_caption
Vestido Eugenie de Christian Dior, Colección Otoño–Invierno de 1948.

# data[].attributes.attachment_caption
Vestido Zaire de Christian Doir,  Colección Otoño–Invierno de 1954.

# data[].attributes.attachment_caption
Diseño Muguet de Christian Dior,  Colección Primavera-Verano de 1957 

# data[].attributes.body
1950 Colección Otoño-Invierno  llamado "Cisne Negro"