# data[].attributes.body
Theater Dortmund unter der Leitung Julia Wissert richtet sich nach der Zukunft und forscht, wie die Zukunftsstädte aussehen sollen, in denen alle Menschen teilhaben können.

# data[].attributes.attachment_link.title
Theater Dortmund * Schauspiel * Spielzeitheft 2020/21

# data[].attributes.attachment_link.description
"It's an artist's duty to reflect their times"( Nina Simone). Mit diesem Anspruch haben Julia Wissert, die designierte Intendantin des Schauspiel Dortmund, und ihr Team einen Spielplan erstellt, der den Blick schärfen und den Fokus auf neue, bisher ungehörte Perspektiven legen soll: "Ich weiß nicht wie es Dir geht, aber ich kann Dir offen sagen, wir als Theaterschaffende sehnen uns nach Dir.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Chris Leuenberger ist Choreograf und Tänzer. Er studierte Schauspiel am Pacific Conservatory of Performing Arts in Kalifornien und Choreografie an der School for New Dance Development in Amsterdam. Seit 2006 arbeitet er in unterschiedlichen Formationen (u. a. im Kollektiv White Horse, mit Jenny Beyer, Marcel Schwald und Matthew Rogers) in Holland, Deutschland und der Schweiz. Seine Arbeiten wurden in Europa, Südamerika, Afrika und Asien gezeigt. „Trip en masse" von White Horse wurde 2010 mit dem holländischen Gouden Zwaan als beste Choreografie des Jahres ausgezeichnet.

Shilok Mukkati studierte Kommunikationswissenschaften an der Jain University Bangalore und wurde als Slampoetin und Lyrikerin bekannt. Seit 2015 arbeitet sie als freie Journalistin, u. a. als Moderatorin und Autorin für Radiosendungen über sexuelle Minderheiten und queere Communitys. Für die Episode „Lesbians in the Shadow" erhielt sie 2016 den National Award des Ministry of Information and Broadcasting der indischen Regierung. Sie war die erste Autorin, die in der lokalen Sprache Kannada queere Gedichte schrieb und über das Radio verbreitete; seit 2014 engagiert sie sich als Menschenrechtsaktivistin mit Fokus auf LGBTQIA-Rechte. Seit ihrer Kindheit praktiziert sie Bharatanatyam-Tanz.

Diya Naidu studierte Tanz am Attakalari Centre for Movement Arts in Bangalore und war danach acht Jahre als Mitglied der Attakalari Repertory Company international unterwegs. Seit 2011 entwickelt sie eigene choreografische Arbeiten und unterrichtet in Bangalore, Neu-Delhi und Kalkutta. Ihre erste Soloarbeit „Nadir" wurde mit dem Robert Bosch Young Choreographer's Award ausgezeichnet. 2016 gewann sie mit „Hands and Face Project", einer partizipativen 1:1-Performance im öffentlichen Raum, den Jury Award for Contemporary Dance der Prakriti Foundation India. In die Schweiz kam sie erstmals 2015 für eine Residenz in Zürich. Naidu interessiert sich für Gender und Alter und entwickelt derzeit Formate, um mit Lai*innen zu diesen Themen arbeiten zu können.

Marcel Schwald hat sich mit Arbeiten etabliert, die sehr direkt auf das Publikum zugehen. Seine Stücke bauen oft maßgeblich auf Improvisationen auf und reflektieren soziale Hierarchien und Möglichkeiten von Selbstermächtigung. Schwalds Arbeiten werden an Freien Häusern und Stadttheatern in der Schweiz und im Ausland gezeigt. Für seine Regiearbeit „The Making of Americans von Gertrude Stein" wurde er 2017 in der Kritikerumfrage der Zeitschrift Theater heute als Nachwuchsregisseur des Jahres nominiert.

Living Smile Vidya ist Schauspielerin, (Klinik-)Clown und Autorin. Als Aktivistin setzt sie sich seit Jahren künstlerisch und politisch für die Rechte von Transgenderpersonen ein. Mit dem erfolgreichen Kampf für die Änderung ihres im Ausweis festgeschriebenen Namens und Geschlechts hat sie in ihrem Heimatstaat Tamil Nadu einen juristischen Meilenstein erreicht. 2013 erhielt sie den Mahendra Excellence Theater Award in Neu-Delhi, gefolgt von einem Studium an der International School of Performing Arts, London, das sie 2014 abschloss. Im selben Jahr gründete sie in Chennai das Transgender-Theaterkollektiv Panmai Theatre. Living Smile Vidyas Autobiografie wurde 2008 unter dem Titel „I am Saravanan Vidya" verfilmt.

# data[].attributes.attachment_link.title
EF_FEMININITY - Impulse Theater Festival

# data[].attributes.attachment_link.description
Chris Leuenberger ist Choreograf und Tänzer. Er studierte Schauspiel am Pacific Conservatory of Performing Arts in Kalifornien und Choreografie an der School for New Dance Development in Amsterdam. Seit 2006 arbeitet er in unterschiedlichen Formationen (u. a. im Kollektiv White Horse, mit Jenny Beyer, Marcel Schwald und Matthew Rogers) in Holland, Deutschland und der Schweiz.

# data[].attributes.body
Historico-critical reflection on the building and unbuilding of gender and trans* bodies through cinema, virtual communities, sexual counter-cultures and anarquitectural interventions in the urban space.

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra

# data[].attributes.attachment_link.title
Jack Halberstam - Cruising Dystopia: Space, Race, Transition and Anarquitecture

# data[].attributes.attachment_link.title
steirischer herbst 2013: Abecedarium Bestiarium

# data[].attributes.headline
In diesem Padlet sammeln wir Texte, Assoziationen, Songs, GIFs, Videos, Artikel, Interviews und alles was wir sonst noch in den Kontext von Queer Futures einordnen können und versuchen subjektiv Verbindungslinien und Bezüge herzustellen - Nehmt gerne daran Teil!

# data[].attributes.subject
In diesem Padlet sammeln wir Texte, Assoziationen, Songs, GIFs, Videos, Artikel, Interviews und alles was wir sonst noch in den Kontext von Queer Futures einordnen können und versuchen subjektiv Verbindungslinien und Bezüge herzustellen - Nehmt gerne daran Teil!

# data[].attributes.attachment_link.description
FRESSEN
VON HENRIKE IGLESIAS

Nur am 28., 29. und 30. April in Kammer 3.

„Männer“ essen Steaks. Sie trinken herbe Biere. Sie rülpsen. Sie benutzen keine Servietten. Sie haben Kohldampf. Sie haben einen höheren Energieverbrauch. „Frauen“ hingegen. „Frauen“ essen einen bunten Salat und zum Frühstück Müsli. Sie möchten nur ein kleines Stück vom Kuchen. Sie machen Low-Carb. Sie wissen was gesund ist. Sie sind schon total satt. Sie hungern. „Frauen“ kochen, „Männer“ essen. Lots of Sexism in my Schnitzel. Das queerfeministische Theaterkollektiv Henrike Iglesias sagt: Bullshit! Wir haben Hunger, und wir fressen! In ihrer Kochshow tischen die vier Performerinnen dem Publikum die gesellschaftliche Obsession mit dem Thema Essen auf, kochen um die Wette und fragen sich, wann diese ständige Beschäftigung mit Lebensmitteln angefangen hat – und wie es sein kann, dass sie mit plus minus 30 immer noch in Angst leben, jemand könnte an ihren Körpern ablesen, dass sie ihre Leben nicht im Griff haben. Und das alles mit vollem Mund.

Eine Produktion von Henrike Iglesias in Koproduktion mit den Münchner Kammerspielen und dem jungen theater basel, gefördert im Fonds Doppelpass der Kulturstiftung des Bundes.

Konzept, Text, Performance: Henrike Iglesias Bühne: Eva G. Alonso, Anna Fries Kostüme: Mascha Mihoa Bischoff Licht- und Videodesign: Eva G. Alonso Musik- und Sounddesign: Malu Peeters Dramaturgie: Anna Gschnitzer

# data[].attributes.body
https://erickahart.podia.com/

# data[].attributes.attachment_link.description
Ericka Hart, M.Ed., D/s, pronouns: she/they, is a black queer femme activist, writer, highly acclaimed speaker and award-winning sexuality educator with a Master's of Education in Human Sexuality from Widener University. Her work broke ground when she went topless showing her double mastectomy scars in public in 2016.

# data[].attributes.body
Futur Drei ist ein Coming-of-Age-Film von Faraz Shariat, der am 23. Februar 2020 im Rahmen der Filmfestspiele in Berlin seine Premiere feierte und am 24. September 2020 in die deutschen Kinos kommen soll. Der autobiografische Spielfilm erzählt von Parvis, dem Sohn zweier Exil-Iraner, der alles in Deutschland was seine Familie für ihn tut, für selbstverständlich erachtet und in einem Wohnprojekt für Flüchtlinge seine Sozialstunden ableisten muss. Dort lernt er die iranischen Geschwister Banafshe und Amon kennen.

# data[].attributes.attachment_link.description
Futur Drei Trailer. Futur Drei ein Film von Faraz Shariat mit Benjamin Radjaipour, Banafshe Hourmazdi, Eidin Jalali.

# data[].attributes.body
And when happiness is present, it can recede, becoming anxious, becoming the thing that we could lose in the unfolding of time. When happiness is present, we can become defensive, such that we retreat with fear from anything or anyone that threatens to take our happiness away. (Ahmed, S.160)

# data[].attributes.body
"Mapping the Collection" (Köln)

# data[].attributes.body
Schaufensterausstellung: "Beziehungsweise, wir sind hier nicht im Internet" (Bochum)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Das atelier automatique ist lange kein Ort öffentlicher Versammlung mehr gewesen. Die Vorhänge sind geschlossen, das Rolltor ebenfalls. Wir halten weiterhin Abstand, aber melden uns zurück aus der Queerantaine. Innerhalb der Pandemie-bedingten Rückzugsphase entstehen Gedanken, Kunstwerke, analoge und digitale Begegnungen, aber auch der Wunsch, wieder mehr mit einem Außen zu kommunizieren. Denn das gibt es noch, direkt vor uns, die Straßen sind rege frequentiert, die Fragen drängen: Wie können und wollen wir in einer Welt in Beziehung sein, in der es also doch die Mütter zu sein scheinen, die sich um die Kinder kümmern, in der rassistische Gewalt zum Alltag gehört und sich Proteste zwischen sozialen Medien und der Straße bewegen, Pflegepersonal mal Applaus, aber kein gutes Gehalt bekommt, Rettungsschirme nur über einigen aufgespannt werden und Menschen hier und da auf diese und jene Weise vereinzeln.

So entstand: Eine zweimonatige, sich stetig verändernde Ausstellung im Schaufenster, ein Versuch, die Scheiben bestehen und doch ein wenig durchlässiger werden zu lassen. Neben Dingen, die hier entstanden sind, zeigen wir Arbeiten von Künstler*innen, die wir kennen, mit denen wir in Kontakt stehen, oder deren physische Präsenz uns fehlt. Die Ausstellung sucht und fragt nach Formen unseres in Beziehung-Seins in der aktuellen Phase körperlicher Distanz - durch die Fenster, das Dazwischen. Das atelier automatique liegt in einem Wohngebiet, viele streifen es auf dem routinierten Spaziergang und dem Weg zum Supermarkt. Wie jede Beziehung ist auch die Ausstellung geprägt durch Veränderung im Wiederkehren, über die Zeit hinweg. Sie zeigt sich von Tag zu Tag anders.

„Beziehungsweise, wir sind hier nicht im Internet." ist der Titel der Ausstellung. Er erinnert uns: Wir sind an einem anderen Ort als dem Internet, und um diesen geht es uns hier, um die Nachbarschaft, die wir mit unseren Körpern bewohnen. Er formuliert auch eine Skepsis gegenüber der Aufforderung, als Kunstschaffende plötzlich alles ins Digitale zu übersetzen und im Internet zur Verfügung stellen zu müssen.

Bini Adamczak schreibt in ihrem Buch „Beziehungsweise Revolution": „[...]das Verständnis der Solidarität [erfordert] ein Denken jenes zwischen, das den eigentlichen Lebensraum der Beziehungsweise bildet." Hierin liege das Potential einer Revolution. Wir leihen uns diesen Begriff „Beziehungsweisen" und wenden uns dem Denken des Zwischen zu. Und gleichzeitig klingt es auch wie „Beziehungs waise " - die wir vielleicht auch geworden sind?

Wirtschaftsweisen wird in schwierigen Situationen gern Gehör geschenkt.

Unsere Hoffnung ist: Wenn wir unseren Erfahrungen zuhören und sie ernst nehmen, gehen wir mit einer neuen Weisheit in Sachen Beziehung aus der Isolation hervor. Diese vielen Beziehungsweisen gilt es ins Spiel bringen,um unser kommendes Zusammenleben zu gestalten.

Mit Beiträgen von: Bini Adamczak, Fatima & Rabia Çalışkan, Kathrin Ebmeier, Bernice Ekoula, Abteilung Handlungspotential (Gründerin Franziska Goralski), Joscha X Ende, Heike Kandalowski, Megha Kono-Patel, Julia Nitschke, Clara Pötsch, Julia Praschma, Sophia Süßmilch, Johanna Ziemes, Filme aus dem Archiv für Familien- und Amateurfilm des Ruhrgebiets/Interkultur Ruhr (RVR) Kreativ Kollektiv (Kit, Garance, Luciel, Colin, Jo, Isabel, Eli, Moni, Felix ) und weiteren Sweethearts.

Konzept: Eva Busch, Kathrin Ebmeier
Was wird gezeigt und sich ereignen?
Eine mehrsprachige Poster-Arbeit bedeckt zunächst die Fensterfronten. Mit einem Score werden diese nach und nach abgenommen. Es entstehen Gucklöcher und im Akt des Abnehmens Kontakt zu den vorbeilaufenden Passant*innen. Die Poster werden dann weitergegeben und im öffentlichen Raum platziert.

Wer durch die Gucklöcher schaut, sieht Kunstwerke verschiedener Medien, wie zum Beispiel: Ein analoges Instagram von Clara Pötsch, eine fotografische Bezugnahme von Sophia Süßmilch und Kathrin Ebmeier, Postkarten von Bini Adamczak, sowie ein in der Rottstraße entstandener Film von Fatima & Rabia Çalışkan. Auf einem Monitor fragt ein Stummfilmprogramm aus dem Archiv für Familien- und Amateurfilm des Ruhrgebiets von Interkultur Ruhr nach Beziehungswe/aisen zu verschiedenen Zeiten. Manche der Bilder erinnern an die Isolations-Familienfilme in den sozialen Medien, oder Bieten eine Folie für die Befragung pandemischer Beziehungsweisen.

Ebenfalls dabei ist ein crew-Mitglied der Abteilung Handlungspotential, eine lebensgroße Pappkameradinnen, die die Künstlerin Franziska Goralski selbst zeigt, wie sie Protestschilder hochhält. Diese erinnert uns: „We can't go back to normal, because the normal that we had was precisely the problem." Ein Nachrichtenfenster, wöchentlich aktualisiert, präsentiert die eigene (Un-)Ordnung verschiedener Personen im Umgang mit aktuellen Nachrichten, die aus ihrem Feed oder anderen Orten der Nachrichtenlektüre in das Fenster gehoben werden. Einige holen sich befreundete Kommentator*innen dazu, andere nicht.

Zwischen Rolltor und Fenster wehen Fahnen über dem Trottoir, die Passant*innen so schon von weitem zurufen. Im Wechsel wird je eine andere Fahne außen angebracht. Sie verbindet die Gucklöcher mit einem von Luciel Ruppert (Initiator von Kreativ Kollektiv) kuratierten Fenster. Kreativ Kollektiv ist eine online Platform, die das Ziel hat, queere und andere LGBTQ+ Künstler*innen zu unterstützen, ihnen ein größeres Publikum zu bieten und sie weltweit mit anderen Künstler*innen zu vernetzen. Hier wird das Format mit einer Auswahl von Arbeiten in den analogen Raum zurückübersetzt.
Die Ausstellung wird finanziell unterstützt durch das Autonome Frauenreferat der Uni Duisburg-Essen.

# data[].attributes.attachment_link.title
13.06. - 30.07.20 | Schaufensterausstellung: Beziehungsweise, wir sind hier nicht im Internet

# data[].attributes.attachment_link.description
Das atelier automatique ist lange kein Ort öffentlicher Versammlung mehr gewesen. Die Vorhänge sind geschlossen, das Rolltor ebenfalls. Wir halten weiterhin Abstand, aber melden uns zurück aus der Queerantaine. Innerhalb der Pandemie-bedingten Rückzugsphase entstehen Gedanken, Kunstwerke, analoge und digitale Begegnungen, aber auch der Wunsch, wieder mehr mit einem Außen zu kommunizieren.

# data[].attributes.body
Hier ein Song zum reinhören...

# data[].attributes.attachment_link.title
Fridays for Future: zu weiß? I KARAKAYA TALK

# data[].attributes.headline
RuPaul's Drag Race: Queer Utopia oder Dystopia?

# data[].attributes.subject
RuPaul's Drag Race: Queer Utopia oder Dystopia?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Handelt es sich bei diesem Foto um eine "biologische" oder "psychologische" Frau. Trans-Aktivisten beanstandeten dieses Segment von "RuPaul's Drag Race" (Bild: Logo)

Seit Wochen kritisieren Trans-Aktivisten die schwule US-Castingshow "RuPaul's Drag Race" als transphob. Jetzt haben sich die Produzenten der Sendung entschuldigt und eine Folge aus dem Verkehr gezogen.

Die Suche nach "America's Next Drag Superstar" wird überschattet von einem Streit um angebliche Transsexuellenfeindlichkeit in der Sendung: Nachdem mehrere Trans-Aktivisten die Sendung kritisiert hatten, reagierten die Produzenten der inzwischen sechsten Staffel von "RuPaul's Drag Race" am Montag mit einer Entschuldigung an die Trans-Community: "Wir wollten niemandem beleidigen, aber im Nachhinein haben wir bemerkt, dass wir unsensibel gehandelt haben. Das tut uns unheimlich leid", hieß es in einer vom schwul-lesbischen Fernsehsender Logo verbreiteten Pressemitteilung. Als Reaktion kann die vor einem Monat ausgestrahlte vierte Folge der Staffel nun nicht mehr auf entsprechenden Portalen angesehen werden.

Diese Folge stand unter besonderer Kritik, weil die Kandidaten darin mehrere Minuten lang die Mini-Herausforderung "Female or She-male?" spielten. Darin mussten sie auf einem Bildausschnitt erraten, ob die abgebildete Person eine "biologische" oder eine "psychologische" Frau ist. Auf den Bildern wurden Drag-Queen-Kandidaten oder bekannte weibliche Stars gezeigt. Das Spiel fanden Trans-Aktivistinnen nicht lustig: "Drag Race sollte ein bisschen sensibler sein, wenn es um die Wortwahl geht. Man sollte an die Trans-Menschen denken, die jeden Tag dafür kämpfen, respektiert zu werden", sagte etwa das Model Carmen Carrera. Sie nahm selbst 2011 an der Show teil und outete sich danach als transsexuelle Frau.
Es gibt keine "She-Mail" mehr

RuPaul reagiert auf Kritik aus der Trans-Community (Bild: Logo)

Die "Drag Race"-Produzenten kündigten außerdem an, dass aus zukünftigen Sendungen der Satz "You've got She-Mail" herausgeschnitten wird. Mit diesem Wortspiel begrüßte RuPaul seit der ersten Staffel seine Kandidaten am Anfang der Sendung. Trans-Aktivisten kritisierten den Satz, weil das Wort "She-Male" diskriminierend sei, da es nahelege, dass Transgender keine "richtigen" Frauen sein könnten. In der am Montagabend ausgestrahlten neunten Folge ist bereits die Schnittschere angesetzt worden.

RuPaul sucht bereits seit 2009 den nächsten Drag-Superstar unter einer Reihe von schwulen Kandidaten. Die erste Staffel ist mit Untertiteln auch im schwulen deutschen Sender Timm ausgestrahlt worden. Eine deutsche Version ist ebenfalls geplant, allerdings suchen die Produzenten noch einen Fernsehsender ( queer.de berichtete). In Großbritannien soll es in Kürze zu einer britischen Version der Sendung kommen, wie der bekannte TV-Moderator Jonathan Ross Anfang April ankündigte. (dk)

Youtube | Die Kandidaten (Kandidatinnen) der sechsten Staffel von "RuPaul's Drag Race"

# data[].attributes.attachment_link.title
Transfeindlich: RuPaul landet im Giftschrank

# data[].attributes.attachment_link.description
Handelt es sich bei diesem Foto um eine "biologische" oder "psychologische" Frau. Trans-Aktivisten beanstandeten dieses Segment von "RuPaul's Drag Race" (Bild: Logo) Seit Wochen kritisieren Trans-Aktivisten die schwule US-Castingshow "RuPaul's Drag Race" als transphob. Jetzt haben sich die Produzenten der Sendung entschuldigt und eine Folge aus dem Verkehr gezogen.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Direction
Gabriela Carrizo

Directorial assistance and dramaturgy
Franck Chartier

Creation and performance
Charlotte Clamens, Eurudike De Beul, Marie Gyselbrecht, Hun-Mok Jung, Brandon Lagaert, Yi-Chun Liu, Simon Versnel, Maria Carolina Vieira

Artistic assistance
Diane Fourdrignier

Sound composition and arrangements
Raphaëlle Latini, Renaud Crols, Glenn Vervliet, Peeping Tom

Sound mixing
Yannick Willox, Peeping Tom

Light design
Giacomo Gorini, Amber Vandenhoeck

Costume design
Diane Fourdrignier, Kristof Van Hoorde (intern), Peeping Tom

Set design
Amber Vandenhoeck, Peeping Tom

Construction set
KVS-atelier, Peeping Tom

Technical direction
Filip Timmerman

Light engineer
Amber Vandenhoeck

Sound engineer
Hjorvar Rognvaldsson

Foley coach
Elias Vervecken

Video rehearsals
Sulok Swablamban (intern), Gaspard Rozenwajn

Production
Peeping Tom

Co-production
Theater im Pfalzbau (Ludwigshafen), Taipei Performing Arts Center (Taipei), KVS - Royal Flemish Theatre (Brussels), Grec Festival de Barcelona / Mercat de les Flors (Barcelona), HELLERAU - European Center for the Arts Dresden, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg, Maison de la Culture de Bourges / Scène Nationale, La Rose des Vents (Villeneuve d'Ascq), Festival Aperto/Fondazione I Teatri (Reggio Emilia), La Bâtie Festival de Genève

Moeder is supported by Theater im Pfalzbau (Ludwigshafen) and Taipei Performing Arts Center (Taipei), key partners in the Vader, Moeder, Kind trilogy.

Sales
Frans Brood Productions

Peeping Tom wishes to thank
Alexandre Obolensky, Jean-Philippe Altenloh, Romy Beni, Heidi Ehrhart, Ina Peeters, Elias Vervecken, François Heuse, Theater Froe Froe

# data[].attributes.attachment_link.description
Direction Gabriela Carrizo Directorial assistance and dramaturgy Franck Chartier Creation and performance Charlotte Clamens, Eurudike De Beul, Marie Gyselbrecht, Hun-Mok Jung, Brandon Lagaert, Yi-Chun Liu, Simon Versnel, Maria Carolina Vieira Artistic assistance Diane Fourdrignier Sound composition and arrangements Raphaëlle Latini, Renaud Crols, Glenn Vervliet, Peeping Tom Sound mixing Yannick Willox,

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ein Musiktheaterprojekt zum Thema "Mensch und Maschine".

Mit Kompositionen von Luigi Nono, Georges Aperghis und Yannis Kyriakides

Vom Speer zum Smartphone: Über die Jahrhunderte haben die Menschen zahllose Werkzeuge erfunden, um sich die Welt Untertan zu machen. Aber sind es wirklich wir, die über unsere Technologie herrschen, oder hat sie uns im Griff?Homo Instrumentalis bringt vier Kompositionen zusammen, die unser Verhältnis zur Technologie erforschen: „Machinations" von Georges Aperghis (2000 - version Silbersee 2017), „La fabbrica illuminata" von Luigi Nono (1964) und „Ode to Man (part 1 and 2)"von Yannis Kyriakides (2017).

In den Stücken ist die Bewunderung für menschlichen Scharfsinn hörbar, die Furcht vor der industriellen Maschinerie, aber auch die Befriedigung, die wir durch die Annehmlichkeiten der digitalen Welt erfahren.Auf der Grundlage dieser Kompositionen lässt Silbersee Gesang, Tanz, elektronische Musik und Videokunst miteinander verschmelzen. Homo Instrumentalisist eine audiovisuelle Performance, die das Verhältnis von Mensch und Maschine thematisiert.

Silbersee ist ein Zentrum für unorthodoxes Musiktheater und experimentelle Oper. Roman Bischoff, künstlerischer Leiter und Gründer von Silbersee, erschafft Begegnungen zwischen Theatermachern Komponisten, Schriftstellern, Sängern, Tänzern, Schauspielern, Choreografen, Puppenspielern, Zirkus Performern und anderen Künstlern. Dabei entstehen interdisziplinäre Performances, die physisch, poetisch und entwaffnend zugleich sind.

Performer - Fanny Alofs (Alt), Miguel Angél Gaspar (Tanz), Jennifer Claire van der Hart (Sopran), Eléonore Lemaire (Sopran), Jorge Morro (Tanz), Carl Refos (Tanz), Michaela Riener (Sopran/Mezzosopran), Johanne Saunier (Tanz)
Live-Electronics - Wouter Snoei

# data[].attributes.attachment_link.description
Ein Musiktheaterprojekt zum Thema "Mensch und Maschine". Mit Kompositionen von Luigi Nono, Georges Aperghis und Yannis Kyriakides Vom Speer zum Smartphone: Über die Jahrhunderte haben die Menschen zahllose Werkzeuge erfunden, um sich die Welt Untertan zu machen.

# data[].attributes.body
Hier ist ein Zusammenschnitt verschiedener TikToks aus der LGBT-Community - es sind nicht die besten Beispiele

# data[].attributes.attachment_link.title
LGBT+ TikToks made while listening to Girl In Red and Dodie

# data[].attributes.body
Mit Beginn der Corona-Pandemie hab ich mir TikTok gedownloaded... Girl in red scheint in der lesbian/bi/pan-community auf TikTok (vor allem von GenZ-User*innen) eine Identifikationsfigur oder ein Code zu sein... Zum Thema Jugendkultur finde ich das einen spannenden Gegenstand, da hier das Kommunizieren über die eigene Sexualität bzw über Queerness im Allgeeinen an eine Figur bzw. ein Person geknüpft ist und Popmusik zur Ausdrucksform wird. Wie verändert sich außerdem die Auffassung von Community durch digitale Räume? Welche Zugriffe in Bezug auf Queer Futures lassen sich ableiten?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
I took this shot in 1995 in my home studio in Highbury Hill, London. At that point, I was in a liminal state with my gender: I was moving from being perceived as female to being perceived as male, but really I was coming to terms with the fact I was born intersex.

I was not transitioning. I had no interest in moving from one fixed point to another. The spaces in-between have always been so much more interesting to me. But this period felt like a turning point in my uncovering the ambiguity in my gender that had always been there. I felt it needed documenting.

For my whole life, I was terrified of not being perceived as adequately feminine, both by straight people and by the lesbian community I was a part of. Because of that fear, I had plucked out the hairs sprouting on my chin - I literally pulled them out with tweezers as soon as they were visible. But I had entered a competition for Drag Kings at the National Film Theatre, and my partner at the time was more into my masculinity than my femininity, so it felt like the right time to come to accept my body.

I went to Italy for a month, and let my beard grow out for the very first time. It was intensely liberating. It felt like coming to terms with myself. When I came back to London I kept it. This photo matters to me because it's ambiguous: I'm sporting the beard, and playing with masculinity in my pose, but the blue mascara in my facial hair and makeup on my face still softens the shot. It felt accurate and honest, in terms of where I was at that period of my life.

Self-portraiture is central to my work: it is a way of me understanding, responding to and coming to terms with my difference. I was born with an intersex variation, and when puberty hit I developed asymmetrically: one breast was much larger than the other, for example.

I have been photographed and filmed a lot - and much of it presents an image of me that I find devastating

For years I hid it. I hid what made me different, and I dealt with years of abuse for looking different, for being a little fat, for not conforming. My mother was gorgeous - fashion-model beautiful - and I didn't take after her. I destroyed almost every picture that survives of me from those years because I felt disgusting.

Self-portraiture was a way of letting other people see me as I see myself. It was never a narcissistic project - I was never interested in being more beautiful or more attractive than other people - but it was an attempt to recuperate a sense of self and worth after years of that being taken away from me.

I have been photographed and filmed a lot during my life, and much of it presents an image of me that I find absolutely devastating. Self-portraiture was me taking a stand, both for myself and people like me who differ from the norm. Because, while I am the subject of much of my work, it isn't purely about me. When people talk about the self-portraiture or confessional writing, there's often a pejorative edge to it, as though you're being self-indulgent or as if there's something wrong with it.

But I think the real question is why you make yourself the subject of your art, and what your goal is. Is it to receive absolution? I don't need that. Is it to receive attention? Because I already get plenty. For me, I'm presenting myself in the hope that others like me will understand that their difference is valuable, that they can be out and proud and unapologetic, that they do not have to conform.

Self-portraiture has been popular among women and queer people and minorities throughout time, from Claude Cahun last century to Zanele Muholi today. I think for us, and for me, it's because we realise that the personal is political. This is our form of resistance.

There's now an interest in queer photography and queer photographers. I don't know how deep that is, or how long it will last. When the year ends and we no longer have the 50th anniversary of Stonewall as a news hook, will the media still make space for us? Will galleries still show our work? Will audiences who aren't queer still care? Watch this space.

Del LaGrace Volcano's work can be seen at Kiss My Genders at the Hayward Gallery, London, until 8 September.

Del LaGrace Volcano's CV

Born: Orange, California, 1957.

Training: Photography at the San Francisco Art Institute and a Masters in Photographic Studies at the University of Derby.

Influences: Angela Davis, Claude Cahun, James Baldwin and Lee Miller.

High point: 'Meeting and selling a vintage hand-coloured print of The Ceremony, one of my earlier works, to Lilly Wachowski, co-director of The Matrix.'

Low point: 'The many times I have been rejected for arts funding grants.'

Top tip: 'Persistence pays off.'

# data[].attributes.attachment_link.title
Del LaGrace Volcano's best photograph: my blue mascara masculinity

# data[].attributes.attachment_link.description
'I was born with an intersex variation. For years I hid it. Then I went to Italy and let my beard grow. It was intensely liberating'

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Wir verwenden auf unserer Webseite ausschließlich essentielle Cookies. Mehr zu den erhobenen Daten und eingebundenen Diensten Dritter können Sie unseren Datenschutzbestimmungen entnehmen.

# data[].attributes.attachment_link.description
Macho Dancing ist eine Form des erotischen Tanzens, die vornehmlich in philippinischen Schwulenbars vor einem zahlungswilligen Publikum praktiziert wird. Zu Powerballaden und Soft Rock bewegen sich junge Männer in einer hyperstilisierten Form von Männlichkeit, lassen langsam ihre Hüften kreisen und präsentieren ihre Muskeln.

# data[].attributes.headline
Jack/Judith Halberstam - In a queer time and place

# data[].attributes.subject
Jack/Judith Halberstam - In a queer time and place

# data[].attributes.body
Karen Barad spricht über Queerness von Zeit aufgrund Queerness von Atomen ( queer Quantum critters)
- Quantensprünge, die zeigen, dass Linearität der Zeit keinesfalls immer gegeben ist.
--> Undoing von Future und Vergangenheit ist demnach möglich
Neuanordnung von Gegenwart, Zukunft und Vergangenheit
- Agentieller Realismus

# data[].attributes.attachment_link.title
Karen Barad: Troubling Time/s, Undoing the Future

# data[].attributes.body
Chrononormativität
--> Das Entlarven von Zeit als ein heteronormatives Konstrukt
- Verständnis von Generationen unmittelbar mit sexueller              Reproduktion verbunden
- Zeit als kapitalistisches Wertesystem ( normative Zeiteinteilung zur Gewährleistung größtmöglicher Produktivität --> ( 8-Stunden Takte )
- Sexarbeit und Gay Scene kann nicht in normativer Zeit stattfinden ( z.B. nächtliche Arbeit )

-Zeit als verbindendes Moment - Time Binds ( Erfahrung von Zeit als kollektive Erfahrung)

Kann eine  Queer Future erschaffen werden, indem Chrononormativität durchbrochen wird?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ergo Ipsum, Herzogstr. 89, 40215 Düsseldorf language: english/german 19€/11€ (erm.) Ticket - buy now
In the work cycle "New Men*s Movement" THE AGENCY deals with the connections between masculinity and right-wing thinking in the post-digital age.

Does the crisis of the "man" hold the potential to finally renegotiate not only gender images? What can a „New Men* Movement" look like that opposes patriarchy, that does not mourn itself, but also does not fall into fear and anger? A movement that acts in the current climate beyond identity-political classifications and reimagines masculinities?

After the first two parts of the work cycle "Gather up, Man up" and "BOYS SPACE", the protagonists of "Take it like a man" meet to ignite a utopian movement of de-powering. Torn between therapeutic chair circles and confessional exercises, sung manifestos and radical physical boundaries, the losers and winners of the neoliberal patriarchy struggle for a format in which masculinities can be reconfigured and linked to a left-wing agenda.

The audience* is invited to try out hybrid identities as male characters and to become part of the „New Men* Movement".

In cooperation with Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf publication project Maskulinitäten.
Members of the Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen receive reduced tickets for the performances at the price of 9€. Please have a membership confirmation ready at the box office.
Before the performance on 18 October, there will be a discussion with Yana Thönnes, Magdalena Emmerig and Rahel Spöhrer from the performance group THE AGENCY, Kathrin Tiedemann (Artistic Director, FFT Düsseldorf) and Eva Birkenstock (Director, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf) as part of the international exhibition, event and publication project "Maskulinitäten" Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf.

THE AGENCY is a young performance group that immersively experiments with the manifestations of neoliberalism. Their performances, in which audience members are gently involved as customers or future members, revolve around subversive options of agency under the conditions of the post-digital: How are our desires, our feelings, our identities and political movements formed in the post-digital age? And how is it possible under these conditions to create counter-emotions, counter-identities, counter-movements? The artistic works take on neoliberal connotations of formats and their aesthetic strategies such as branding and corporate identity, overturn the institutionalized technologies of the self in a critically affirmative way - and struggle for a utopian potential from a queer-feminist perspective.

THE AGENCY was founded by Belle Santos, Yana Th ö nnes, Rahel Sp ö hrer and Magdalena Emmerig in 2015.

# data[].attributes.attachment_link.description
Ergo Ipsum, Herzogstr. 89, 40215 Düsseldorf language: english/german 19€/11€ (erm.) Ticket - buy now In the work cycle "New Men*s Movement" THE AGENCY deals with the connections between masculinity and right-wing thinking in the post-digital age. Does the crisis of the "man" hold the potential to finally renegotiate not only gender images?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sie wollen nicht zurück zum Vorher, denn das Vorher sei falsch gewesen, schreiben Cate Blanchett, Madonna und der Philosoph Jean Luc Nancy zusammen mit anderen Stars und Wissenschaftlerinnen aus der ganzen Welt in einem offenen Brief zur Pandemie.

Die Situation erinnert an 2008, als die Kapitalismuskritik während der Finanzkrise einige Stimmen dazu gewann - und dann trotzdem alles beim Alten blieb. Doch diesmal könnte es anders kommen. Corona offenbart die Zusammenhänge der Ausbeutung wie keine Krise zuvor und trifft auf eine Generation, die weltweit bereits in neuem Ausmaß aufbegehrt. Die Pandemie verdeutlicht die Verbindung der verschiedenen bislang scheinbar separaten Kämpfe. Und so könnte der „kapitalistische Realismus" ein Ende finden und eine andere Zukunft eine Chance bekommen.

„Kapitalistischen Realismus" nannte Mark Fisher 2009 den Zustand nach der Finanzkrise: „das weitverbreitete Gefühl, dass der Kapitalismus nicht nur das einzig gültige politische und ökonomische System darstellt, sondern dass es mittlerweile fast unmöglich geworden ist, sich eine kohärente Alternative dazu vorzustellen." Auch „Occupy Wall Street" versandete nach einem Jahr, die Aktivistinnen hatten kein kohärentes Anliegen jenseits der Besetzung der Wall Street entwickelt. Liberale wie der FDP-Politiker Christian Lindner oder der Philosoph Martin Rhonheimer glaubten auch nach dem Börsencrash noch: Nur Marktwirtschaft bringe Fortschritt und Fairness. Ihr läge schließlich einzig Gewinnorientierung nahe und der Profit steige, je mehr Arbeiterinnen auf Augenhöhe miteinander konkurrierten, egal, woher sie kämen oder wie sie aussähen.

Die Coronakrise vergrößert die Schere der Ungleichheit

Dass der Kapitalismus aber Rassismus und Sexismus nicht abgeschafft hat, wird angesichts der Corona-Krise deutlicher denn je: Care-Work etwa ist Sache derjenigen, die zu Frauen gemacht werden. Ob unbezahlt daheim oder unterbezahlt außer Haus, in Pflegediensten und Pflegeheimen, wo sie fast 90 Prozent des Personals stellen. Bravo, riefen nun die Politiker, Gehaltserhöhung gab es keine. Offenkundig wurde auch, dass nicht nur die Arbeitszeit, sondern auch die Leben der Menschen aus Rumänien, Bulgarien und Polen, die hier in Fleischfabriken beschäftigt sind, weniger wert sind als die der deutschen Staatsbürger.

Fridays for Future in Davos. Foto: Fabrice Coffrini/AFP

In den USA starben Schwarze und Menschen of Color deutlich häufiger an Corona. Sie arbeiten häufiger in Jobs, in denen Social Distancing oder Homeoffice nicht möglich sind. Und wenn sie nicht ihr Leben verloren, verloren sie die Anstellung. Hierzulande wurden wiederum Frauen stärker zur Kurzarbeit verpflichtet als Männer. Und ihnen wurde häufiger gekündigt, wie das Institut für Wirtschaftsforschung aufzeigte.

Die Maßnahmen zur Eindämmung vergrößern die Schere der Ungleichheit. Zwischen den ohnehin schon Vermögenden - Jeff Bezos etwa, Chef des Onlineversandhändlers Amazon, ist durch die Coronakrise seit Jahresbeginn um 23,6 Milliarden Dollar reicher geworden - und den Mittellosen. Zwischen Männern und Frauen. Zwischen Menschen, die als weiß gelten, und allen anderen.

Gesellschaftliche Verhältnisse grundsätzlich angreifen

Der Kapitalismus mag Diskriminierung nicht allein verursachen, doch er verstärkt sie: In einem System der Konkurrenz haben Arbeitgeber ein Interesse daran, bereits bestehende Abwertung von Menschen zum Anlass für Lohndrückerei oder Entlassungen zu nehmen. Und Angestellte, die selbst Angst vor dem Jobverlust und zunehmender Konkurrenz haben, werden ebenfalls ihre Privilegien zu nutzen suchen.

Diese Offenbarung fällt in eine Zeit, in der die Voraussetzungen für Veränderung sich ganz anders gestalten als zur Finanzkrise 2008. In eine Zeit, in der sich bereits Bewegungen formiert hatten, die allesamt die gesellschaftlichen Verhältnisse grundsätzlich angreifen: aus ökologischer, aus feministischer und aus antirassistischer Motivation heraus - und deren gemeinsames antikapitalistisches Anliegen nun zusätzlichen Auftrieb erfährt.
[Wenn Sie alle aktuellen Entwicklungen zur Coronavirus-Krise live auf Ihr Handy haben wollen, empfehlen wir Ihnen unsere runderneuerte App, die Sie hier für Apple-Geräte herunterladen können und hier für Android-Geräte]
Das sind erstens die Fridays-For-Future-Proteste, die im Herbst vergangenen Jahres in Deutschland zum Klimastreik über 1,4 Millionen Menschen an einem Tag auf die Straße brachten. Die zugehörigen Gruppen, die sich vielerorts gebildet haben, wollen eine profitgetriebene Wirtschaftsweise überwinden. Die dezentral-diffuse Kollektivität, die unter dem Hashtag demonstriert, hat zwar bislang nicht das Ende der Marktwirtschaft an sich zum offiziellen Ziel erklärt. Doch, dass sich die Profitorientierung der Akteure am Markt kaum überwinden lässt, ohne das Prinzip des Wettbewerbs abzuschaffen, erklären Schülerinnen am Freitagvormittag in der Fußgängerzone. Und heben ihr Schild: „Burn Capitalism, not Coal".

„Wenn wir streiken, steht die Welt still"

Zweitens hat sich seit 2016 eine neue globale queerfeministische Bewegung entwickelt, die gleichermaßen Antrieb und Ausdruck in #metoo, aber auch in den Protesten um #niunamenos fand. Letztere richteten sich zunächst in Mexiko gegen die krasseste Form patriarchaler Gewalt, gegen Femizide, und erfassten dann als antipatriarchale Demonstrationen ganz Amerika und schließlich Europa. Ihr Anliegen ist es, den Zusammenhang zwischen der sexistischen Gewalt und der Ausbeutung von Care-Arbeit aufzuzeigen. Zu zeigen, dass alles, was „weiblich" konnotiert ist, Einfühlungsvermögen und Fürsorglichkeit etwa, in kapitalistisch-patriarchalen Gesellschaften abgewertet wird.

Demonstration gegen Femizide in Paris. Foto: Lucas Barioulet/AFP

Gegen diese Abwertung demonstrierten in Spanien am Frauenkampftag 2018 über fünf Millionen Frauen und Queers. Sie riefen: „Wenn wir streiken, steht die Welt still" und legten die Arbeit nieder - so dass tatsächlich fast alle Bereiche brachlagen, die nun im Corona-Lockdown als „systemrelevant" galten. Diese neue feministische Bewegung ist dabei nicht nur kritisch gegenüber Profit-Logiken, sie beschreibt in ihren Texten auch, wie sich verschiedene Formen der Diskriminierung verknüpfen. Etwa durch nationalistische Programme, die verlangen, die „eigenen" Frauen mö gen den Volksk örper reproduzieren.

Und so verbindet sie sich mit der antirassistischen Bewegung, die sich in den Vereinigten Staaten gerade durch die Black-Lives-Matter-Proteste artikuliert und auch in deutschen Städten vor allem junge Menschen auf die Straße treibt - gegen Polizeigewalt, die nicht aufgeklärt wird, gegen rechten Terror und die Zunahme antisemitische Übergriffe. In den Aufrufen steht auch: „Von Moria bis Hanau, von Ellwangen bis Neukölln, von Halle bis Minneapolis". Die Geflüchteten, die sich einreihen, in die Proteste, rufen: „Wir sind hier, weil Ihr unsere Länder zerstört." Und diejenigen, die sonst zu Fridays For Future auf die Straße gehen, klatschen - in ihren Augen hängen die Ausbeutung der Natur und der Menschen schließlich zusammen.

Eine Einladung an alle, die Abgrenzung zu verlernen

Manchen über 30 mögen diese vermeintlich aggressiven Phrasen abschrecken, aber das wird der jungen Bewegung nicht gerecht. Zwar heißt es dort „Check your Privilege": Ein jeder, und vor allem ein jeder weißer, wohlhabender Mann wird aufgefordert, die eigene Position innerhalb der verschiedenen Hierarchien zu reflektieren. Den eigenen Habitus zu hinterfragen, der die strukturellen Ungleichheiten mitaufrechterhält.

Darin steckt aber auch eine Einladung an alle, die verinnerlichte Abgrenzung zu verlernen, freier zu werden vom kategorialen Denken, das auch die Privilegierten selbst einschränkt. Sehr viele derer, die rassistisch und sexistisch agieren, verteidigen schließlich gar nicht bewusst ihre Privilegien, sondern fürchten um ihre eigenen Identitäten. Die sie als Männer etwa in Abgrenzung von Frauen entwickelt haben, die ihnen von klein auf als das andere Geschlecht präsentiert wurden, und in Abgrenzung von denen, die sie etwa als nicht deutsch betrachten.

Das neue Projekt, das aus der Verbindung dieser Kämpfe entsteht, könnte die vermeintliche Opposition von Identitätspolitik und Klassenkampf überwinden, werden doch in der Verbindung ihrer Analysen die Zusammenhänge der symbolischen und der materiellen Diskriminierung deutlich.

Die Generation des „millenial socialism"

So scheint es nur konsequent, dass sich viele derer, die sich mit einer oder vielleicht allen der drei genannten Bewegungen identifizieren und in ihnen engagieren, sich als Teil des „millenial socialism" erachten. „Jacobin" ist ihre Lektüre, und viele neue Magazine und Blogs mehr, wie etwa „Gay Communism" oder „Commune", die mit dem alten Bild eines drögen, verkrampften, lustfeindlichen Sozialismus brechen. Die 30-jährige Alexandra Occasio Cortez in den USA und die 26-jährige Grace Blakeley in Großbritannien sind zwei der bekanntesten Fürsprecherinnen der neuen Bewegung. Letztere schrieb das Buch "Stolen: How to save the world from financialisation", sie ist damit auch eine Ikone von Fridays for Future, nennt sich selbst auf Twitter „Moët Marxist" und ruft zu Arbeiterinnen-Streiks auf.

Black-Lives-Matter-Demonstranten in New York. Foto: Bryan R. Smith / AFP

Hierzulande kritisierte Kevin Kühnert gerade auf einem Podium im Berliner Ensemble den Reflex, mit dem so viele Menschen auf Wörter wie Sozialismus reagierten, als ließe sich darunter nichts anderes vorstellen als die einstige Diktatur der Sowjetunion. Vielleicht aber gehört dieser Reflex der Zeit des kapitalistischen Realismus an, den Fisher nach der Finanzkrise beschrieb. Vielleicht ist er nun so veraltet wie die Frage, ob „Reform oder Revolution". Die Bewegungen heute würden wohl sagen: Keins davon.

Sie entwickeln neue Organisationsweisen: Mieterinnen in Berlin sammelten 2019 fast 80.000 Unterschriften zur Enteignung großer Immobilienfirmen, Deliveroo-Fahrerinnen und die Pflegekräfte in den Krankenhäusern streiken, ohne die alten Gewerkschaften zu brauchen. Unter dem Schlagwort Plattformkooperativismus bauen Menschen Alternativen zu den Angeboten der Tech-Giganten auf. Entwerfen genossenschaftliche Modelle, und die Elektro-Autos etwa, die wir jetzt schon teilen, gehören dann auch wirklich allen, während persönliche Daten jeweils im Besitz der Einzelpersonen bleiben - egal, in welchen Social Media Kanal man sie einschleust.

Sie wollen nicht den Wohlfahrtstaat zurück

Die Menschen wollen sich geborgen fühlen, aber dafür nicht den Wohlfahrtstaat zurück, den die alten Linken so lange verherrlichten. Der Wohlfahrtsstaat war schließlich ein Gebilde, das Grenzen nach außen zieht und im Inneren die heterosexuelle Kleinfamilie fördert. In der diejenigen, die zu Frauen gemacht werden, zuhause kostenlos die Reproduktionsarbeit übernehmen - während von denjenigen, die als Männer gelten, erwartet wird, dass sie diszipliniert arbeiten, aufsteigen, sich durchsetzen.

Das ist nicht die Zukunft, nach der sich viele junge Menschen sehnen. Sie bauen eine andere auf, planen Wohnprojekte, in denen sie gemeinsam Kinder großziehen - egal, wer die biologischen Eltern sind. In denen sie Co-Parenting ausüben und je nach Einkommen die gemeinsamen Einkäufe bezahlen. In „Solidarity City"-Initiativen entwickeln sie Konzepte und Karten der Stadt, etwa für Menschen ohne Papiere, damit die wissen, wo sie medizinische Versorgung, Bildung und Arbeit bekommen können.

Sie wollen die Grenzen der vermeintlich natürlichen Geschlechter abschaffen und erst recht die von Europa. Sie sehnen sich nach dem, was Fisher sich so sehr wünschte: Nach einer Zukunft, die Veränderung bringt, die neugierig macht, einer Zukunft, die man kaum erwarten kann.

# data[].attributes.attachment_link.title
Eine neue Generation stellt die Systemfrage

# data[].attributes.attachment_link.description
Sie wollen nicht zurück zum Vorher, denn das Vorher sei falsch gewesen, schreiben Cate Blanchett, Madonna und der Philosoph Jean Luc Nancy zusammen mit anderen Stars und Wissenschaftlerinnen aus der ganzen Welt in einem offenen Brief zur Pandemie. Die Situation erinnert an 2008, als die Kapitalismuskritik während der Finanzkrise einige Stimmen dazu gewann - und dann trotzdem alles beim Alten blieb.

# data[].attributes.body
This gives a historical dimension to a musical, that is, it shows people making utopia rather than just showing them from time to time finding themselves in it. But the people are men – it is still men making history, not men and women together. And the Lucy Schmeeler role is unforgivably male chauvinist. In this context, the ‘Prehistoric Man’ number is particularly interesting (Figure 5.4). It centres on Ann Miller, and she leads the
others in the takeover of the museum. For a moment, then, a woman ‘makes history’. But the whole number is riddled with contradictions, which revolve round the very problem of having an image of a woman acting historically. If we take the number and her part in it to pieces (Table 5.3), we can see that it plays on an opposition between self-willed and mindless modes of being; and this play is between representational (R) and non-representational (NR) at all aesthetic levels. The idea of a historical utopianism in narrativity derives from the work of Ernest Bloch. According to Frederic Jameson, Bloch
"has essentially two different languages or terminological systems at his disposition to describe the formal nature of Utopian fulfilment: the movement of the world in time towards the future’s ultimate moment, and the more spatial notion of that adequation of object to subject which must characterise that moment’s content . . . [These] correspond to dramatic and lyrical modes of the presentation of not-yet-being."

# data[].attributes.headline
"An die Welt: Du warst grausam!"                                                   Die Ägypterin Sarah Hegazi kämpfte in ihrem Land für die Rechte von Schwulen und Lesben. Ein Bild zeigt sie bei bei einem Konzert 2017 in Kairo, wie sie ausgelassen eine Regenbogenflagge schwenkt. Wenig später wurde Hegazi verhaftet und im Gefängnis gefoltert. Nach drei Monaten kam sie frei und floh ins kanadische Exil. Doch das Trauma der Repression wurde sie nicht los. Sarah Hegazi beging am 14. Juni in Toronto Suizid.                                           https://jungle.world/blog/von-tunis-nach-teheran/2020/06/zum-selbstmord-von-sara-hegazy

# data[].attributes.subject
"An die Welt: Du warst grausam!"                                                   Die Ägypterin Sarah Hegazi kämpfte in ihrem Land für die Rechte von Schwulen und Lesben. Ein Bild zeigt sie bei bei einem Konzert 2017 in Kairo, wie sie ausgelassen eine Regenbogenflagge schwenkt. Wenig später wurde Hegazi verhaftet und im Gefängnis gefoltert. Nach drei Monaten kam sie frei und floh ins kanadische Exil. Doch das Trauma der Repression wurde sie nicht los. Sarah Hegazi beging am 14. Juni in Toronto Suizid.                                           https://jungle.world/blog/von-tunis-nach-teheran/2020/06/zum-selbstmord-von-sara-hegazy

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Eine große trübe Folie erstreckt sich von den ersten drei Zuschauerreihen über die Bühne bis zu einer zweiten Folie, die die Bühne abtrennt. Zunächst kann man nur erahnen, dass sich dahinter noch etwas verbirgt. Als eine der Performerinnen hinter dem Vorhang verschwindet, wird er schließlich heruntergerissen. Doch Nebel versperrt weiterhin die Sicht und so taumeln die Schauspielerinnen orientierungslos auf dem vorderen und hinteren Bühnenteil umher. Durch ihre Stirnlampen sowie das rote Scheinwerferlicht kann man endlich erkennen, dass Plastikstühle aufgebaut sind und sich im Hintergrund ein Vorhang mit Wolken befindet. Störsignale und Nachrichtenstimmen, die von Populismus, „ihrer Stadt" und „normalen deutschen Bürgern" sprechen, scheinen die Performerinnen zu quälen. Sie verrenken sich, gehen zu Boden, werden gefoltert. Sie können unter der Last der Vorurteile und des Rassismus nicht länger bestehen.

Regisseurin Julia Wissert heißt das Publikum damit eindrucksvoll in ihrem Experiment willkommen. „2069 - Das Ende der Anderen" handelt von zwei Wissenschaftlerinnen aus der Zukunft, der Utopie des Jahres 2069, in dem es das „Andere" oder das „Fremde" nicht mehr gibt. Nun werden sie ins Jahr 2019 (also weit in die Vergangenheit) geschickt, denn in diesem Jahr hat sich die Welt verändert. Ein Nebel löschte die Menschen aus, die in Kategorien denken. Nur eine Gruppe von Jugendlichen, die sich nicht um Hautfarbe und Herkunft scheren, hat überlebt. Tatsächlich wurde das Stück gemeinsam mit Jugendlichen entwickelt, die auch den Text mitgeschrieben haben. Wobei man sich allerdings fragt, welcher Text gemeint ist, denn davon gibt es nicht viel.

Im Grunde kommt die Inszenierung gut ohne Sprache aus. An zwei Stellen werden zwei Sätze über der Bühne projiziert. Aber die Performance der Schauspielerinnen (Gina Haller und Jing Xiang) ist viel zu spannend, als dass man den Text lesen will. Ihre Bewegungen lassen viele ästhetische Bilder entstehen, ihre Körper erzählen eine Geschichte, die sich allerdings nicht erschließt. Erwähnenswert auch die Gestik: Zu Beginn bewegen sie sich parallel, fast synchron. Sie kommunizieren kaum über Sprache, vielmehr über ihre Körper, über ihre Gefühle und ihre Mimik. Am Ende wird die Bewegungssprache individueller und die Performerinnen gehen ihre eigenen Wege, kommen dabei aber immer wieder zusammen, bleiben sich ähnlich.

Das Faszinierendste an der Inszenierung ist neben den herausragenden Performerinnen das Bühnenbild von Moïra Gilliéron, welches hauptsächlich aus Folie, Plastikstühlen, Spiegeln, einem Zelt und ganz viel Nebel besteht und dadurch etwas Mystisches sowie Futuristisches hat. Ohne diese beiden Komponenten hätte der Abend nicht viel zu erzählen. Nur hin und wieder gibt es einige interessante Dialoge. Während die eine etwa wiederholt gequält „Japan? China?" fragt, antwortet die andere „Herne". Dazu verkrampfen sich ihre Körper, sie zittern, sie werden malträtiert, sie sind diese Fragen und Vorurteile nicht gewohnt. Im Jahr 2069 ist alles anders und es peinigen sie die Wunden der Vergangenheit.

Die Bildschirme links und rechts von der Bühne werden kaum eingesetzt, nur am Ende werden auf ihnen Porträts der beteiligten Jugendlichen gezeigt. Am Schluss erklärt eine Stimme aus dem Off, worum es eigentlich geht, und fordert die Zuschauenden zum richtigen Handeln auf. Das ist mehr als ostentativ und als Schluss denkbar unpassend. Ebenso fragwürdig ist der Spielcharakter der Inszenierung: Zu Beginn starten die Performerinnen auf einem bestimmten Level. Sie müssen verschiedene Hindernisse in der Vergangenheit überwinden, um am Schluss ein Level höher zu steigen, was aber nur schwach abgesetzt wird. Knapp 55 Minuten dauert der Abend - da hätte man sich deutlich mehr Zeit nehmen dürfen.

# data[].attributes.attachment_link.title
Julia Wissert und Ensemble: 2069 - Das Ende der Anderen | Die Deutsche Bühne

# data[].attributes.attachment_link.description
Eine große trübe Folie erstreckt sich von den ersten drei Zuschauerreihen über die Bühne bis zu einer zweiten Folie, die die Bühne abtrennt. Zunächst kann man nur erahnen, dass sich dahinter noch etwas verbirgt. Als eine der Performerinnen hinter dem Vorhang verschwindet, wird er schließlich heruntergerissen.

# data[].attributes.body
Film (Comedy) über den Kinderwunsch queerer Paare und dessen Möglichkeiten der Umsetzbarkeit.

# data[].attributes.body
"DO I LOVE YOU" (2002)
von Lisa Gornick:

# data[].attributes.headline
Streamingdienste und TV-Sender überprüfen ihre Angebote auf rassistische Tendenzen.

# data[].attributes.subject
Streamingdienste und TV-Sender überprüfen ihre Angebote auf rassistische Tendenzen.

# data[].attributes.attachment_link.title
HBO Max nimmt “Vom Winde verweht” aus dem Angebot

# data[].attributes.attachment_link.description
“Little Britain”, “Vom Winde verweht”, “Cops” - Streamingdienste und TV-Sender überprüfen ihre Angebote auf rassistische Tendenzen. Einige Serien und Filme werden nun nicht mehr gezeigt.

# data[].attributes.headline
Corona und die Hochschulen     (Dingler 2020)  

# data[].attributes.subject
Corona und die Hochschulen     (Dingler 2020)  

# data[].attributes.body
Kommentierter Blogeintrag

# data[].attributes.attachment_link.title
Dingler. 2020. Corona und die Hochschulen (kommentiert)

# data[].attributes.body
Kommentierter Blogeintrag

# data[].attributes.attachment_link.title
Hark. 2020. Ein Orchester der wut (kommentiert)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
In his adventurous stage work, performance maker Ariel Efraim Ashbel creates speculative spaces in which a multitude of historical, political, theoretical and pop-cultural references collapse.

How can representation in theater be overcome? Ariel Efraim Ashbel's activities range from director, dramaturg, lighting designer or self-called facilitator. Surrounded by a transdisciplinary team of friends, the Berlin-based artist established a spectacular but also playful stage language at the interface of theater, dance, music and visual arts and was presented at steirischer herbst, Kampnagel, donaufestival or HAU Hebbel am Ufer. An interview by Lewon Heublein with photos by Marie Haefner.

At least since your last piece "no apocalypse not now" you are an expert in the iconography of the apocalypse. At the moment we are in the first part of the Corona crisis, which will have an enormous impact on our culture and economy. Therefore it is obvious to ask you if you have already encountered certain aesthetic of the apocalypse in these times that you can reconnect.

Definitely. It's uncanny to enter this moment right after being immersed in apocalyptic language for so long. My research partner Romm Lewkowicz and I were working on the concept for over two years. We've encountered so many manifestations of the question of "the end" - aesthetic, political, religious, economic - and it's wild to see how some of these images are forming around us right now. It seems as if people are enacting their apocalyptic fantasies or narratives they've learned from religious fictions and their incarnations in pop culture.

As early as we can culturally recall, we've been preparing for our end. We dread and fetishize it, so whereas the economic systems and those providing health care seem to be overwhelmed and unprepared, conceptually we've been very ready for this moment. Even on a purely visual level, it's of course weird now to see the stage pictures from my last piece with Jessica Gadani dancing in a mask and American flag bikini top - a quote from the problematic Playboy Bunnies scene in "Apocalypse Now". But I think the more interesting side of it, at least what I can recognize in the haze of the moment, is the epistemological shift that the apocalypse - a revelation - brings forth.

When you feel this kind of disruption, your whole perception changes.

The coordinates of space and time, the most basic building blocks of what constitutes our notion of reality, are morphing into a vague flux. The idea of time - days, nights, hours, weeks - is almost completely disintegrated. We know the catastrophe is here, but we can't really feel it. The wish for excitement, for a cataclysm, is not being fulfilled, and while we hoard toilet paper or guns and become all preppers, there's something else at play here. Something new, something more processual in nature that behaves differently: It creeps up on us and takes over in a strange new way. I believe this kind of "catastrophe without event", like Eva Horn calls it, is the most interesting aspect of this apocalypse. The disruption of space and time could hopefully allow some new movement, which God knows we desperately need. What it will be remains to be seen. As you mentioned, we are in the first act of this crisis, and I'm interested in listening to the strangeness before I make something out of it. However, it reminds me of something I saw in an Insta story the other day: A friend wrote that in our freelance lives, the shift is felt in the fact that we've moved from having no time and endless space - always running from plane to train -, to having endless time and no space. I think that pretty much nails it.

I would say that in your work you are always looking for a better future. You once described theater as a tool for constructing other realities or other ways of communicating knowledge. Can you elaborate on these thoughts a little further?

That's exactly what I mean when I speak of the epistemic shift of the apocalypse, that's where I think it connects to theater. If the world as we know it is coming to an end, it must become better, because there's a space to know differently, to go beyond anthropocentrism. I try to do this by collecting images that challenge the position of the human being. It's a way of inviting transformation and establishing a different movement of ideas or even a different definition of what "ideas" are; not monads, mental abstractions or ideological pathologies, but sensual articulations, clusters of content that matter in a myriad of ways. I always advocate for a theater that moves knowledge in this sensual way. A poetic trajectory can break open the procedures that make us form meaning by addressing our desiring, not only our imagined sense of making sense.

Since theater is a sensual space, a space of sensitivity that goes beyond representation, theater it is - and with the absence of the bodies of my collaborators I feel it today more than ever - an opportunity to find access to many different kinds of companionship. When I make a show, I have no goal of what I want you to "take" from it. Rather, I offer a bunch of loose ends, many beginnings scattered throughout space and time, material around which a concept organizes itself. It's a complicated task, and besides its aesthetic playfulness, it has an ethical side, as it requires an active letting go of notions of utility and relevance. To steal another idea - the title of "no apocalypse not now" is taken from Derrida - I think performance has the potential to materialize what Timothy Morton calls a "dark ecology". A space of addressing things that goes beyond the categorical restrictions of Western thinking, especially by acknowledging that "the dreamlike quality is precisely what is most real about ecological reality". I believe the same can be said about performative reality.

It's like creating a blind spot or a glitch in this institution called theater, which is very strongly connected to Western historiography. Is this one of the reasons you like to make full use of the theater apparatus?

It's not only connected to Western historiography, it's but also traditionally reflecting the contemporary political, religious or scientific trends of the moment. Modern theater has been thoroughly devoted to the universalist project of the "human". Nowadays I would say theater is haunted by this, although we know that the humanistic ideology is neither sustainable nor relevant, and, to be honest, just not very interesting. I think this is partly the reason why my work has been gradually shifting more and more towards an articulation in the space. The space has so many potentials, experiencing it can really be transformative and I truly believe that the more we're invested in the technical aspects of making theater, the more we elevate and celebrate them, and the more we detach ourselves from the prevailing logic of identification, the more we can achieve a meaningful situation. And I mean "meaning" in the broadest, most abstract, most sensual and playful sense of the word.

Although my work is research-based, I believe the part of it that actually matters doesn't happen in the office or the studio. It happens in the theater. I'm very old-school in that way. It's also a critical point of view; it would be easier to do a small show with an empty stage and two or three performers. That's what all freelance experimental artists are expected to do; we're pressured into making tourable work while being sold this lie that "less is more", a useless remnant of the minimalism of the 70s and its boring derivative, the conceptualism of the 90s. Basically we're told that conceptual rigor is more important than spectacle articulation. I utterly reject that, that's why my shows are a fucking circus. The abundance of physical phenomena that enable performing has always been more exciting for me than any "idea" or "concept" - and I'm really invested in the function of "entertainment". I think it has mad spiritual potential and the days of dismissing it are over.

What I especially like about your pieces is the heterogeneity of the bodies, where they come from and how they deal with (pop) cultural references.

Indeed, heterogeneity is important to me, and it stems as much from a political position as it's a natural part of my social circle. I'm lucky to be surrounded by an incredible group of women who come from different backgrounds and hold different views, approaches and experiences regarding image-making. Having a diverse group in the studio makes the show richer. Also, I'm bored by the sameness of bodies we're force-fed by social media and that unfortunately permeates our stages.

It seems, for example, that the performers don't reenact scenes from movies, but rather emancipate themselves from certain hegemonic images. It is like an exercise in overcoming these dominant images without losing the playfulness of the act of copying.

You definitely read our approach to the archive very well; we enjoy messing with dominant images, and what you call the act of copying, I'd call the act of sampling.; In "no apocalypse not now" for example, over 80 percent of the materials are quotes. Their accumulating and layering allow us to address an archive of apocalyptic narratives and to start a process of associating with them. So, it is a practice of commitment to a set of questions and at the same time of emancipation, as it frees the performers from a need to "act" in a representationalistic way. Rather than representing, they're presenting, reiterating and recontextualizing. We are navigating the archive intuitively, activating it through collaboration and riffing off of each other's associations rather than following a singular research methodology. So, it's not only multilayered, but also multidirectional. Many times one reference triggers a chain reaction, and by bouncing back and forth between us, new images reveal themselves and weird links start to emerge. When we take off, we're more committed to the departure than to the destination, a much more joyful journey and in a way the most honest one we can propose.

This (and your T-Shirt) brings me to your latest collaboration with the artist Paul Maheke and the musician Nkisi: The performance Sènsa. Sènsa is a word in Lingala that translates as "coming to visibility", or "to reveal itself". Instead of deconstructing the dominant, you try to put marginalized images in the spotlight as a sensual experience.

I think Melika (aka Nkisi), Paul and I share a deep understanding and are equally devoted to formulating sensual experiences that challenge the politics of vision and visibility. The three of us, each in our own field, are hyper aware of essentializing discourse and actively figuring out ways to divert it. "Sènsa" articulates not in words but in moving images and sounds. One of the most beautiful things about it is that when we're working, we never talk about what stuff "means" or what images "represent", but focus on the craft: timing, actions, editing, spatial relations. We have this simple trust in each other, and we know that once we focus on our joint vision, the meaning will be there, it can't not be. Your interpretation regarding what we're trying to do is exactly that - one possible reading.

For me, the gesture of "Sènsa" has to do with both shedding light and bringing darkness to light, celebrating the vagueness that lies between light and dark. Rather than exposing, making visible or bringing things into being, it deals with the poetics of a space which keeps getting reconfigured. This dynamic and the way the vibrations between the three of us extend to the audience results in a beautiful, weird embrace that feels like a concert, a party, a sculpture, and a dance piece, all mashed together.

In terms of strategies for establishing a complicated net of performative intra-actions, I'd say that "Sènsa" is a direct continuation of my work with "Ashbel and friends". Even in the literal sense, if we remember that "apocalypse" means revelation or unveiling - the removal of what hinders one's own vision - there is an expansion or a modification of similar concerns to those of "Sènsa". The deconstruction of the dominant and the redefinition of visual relations through sensuality aren't opposites, but actually different points in a similar continuum, planets in the same ever-expanding multiverse.

PW-Magazine is a bilingual online magazine for contemporary culture.

Newsletter

Subscribe to our newsletter to get all contents of the PW-Magazine and more directly into your mailbox. No spam!

# data[].attributes.attachment_link.title
Ariel Efraim Ashbel: Theater as "Dark Ecology"

# data[].attributes.attachment_link.description
In his adventurous stage work, performance maker Ariel Efraim Ashbel creates speculative spaces in which a multitude of historical, political, theoretical and pop-cultural references collapse. How can representation in theater be overcome? Ariel Efraim Ashbel's activities range from director, dramaturg, lighting designer or self-called facilitator.

# data[].attributes.headline
Versteht man Edelmans No Future These etwas als Hofftnungslose und nur auf Lust/desire basierende These? Inwiefern lässt sich mit der Fischers Argumentation über ausgelösste Depressionen und psychische Krankheiten durch Kapitalismus zu verknüpfen?

# data[].attributes.subject
Versteht man Edelmans No Future These etwas als Hofftnungslose und nur auf Lust/desire basierende These? Inwiefern lässt sich mit der Fischers Argumentation über ausgelösste Depressionen und psychische Krankheiten durch Kapitalismus zu verknüpfen?

# data[].attributes.headline
Inwiefern kann die Idee von Sinthomosexualität eine überzeugende Alternative für Gleichgerechtigkeit selbst in heteronormativen Strukturen sein?

# data[].attributes.subject
Inwiefern kann die Idee von Sinthomosexualität eine überzeugende Alternative für Gleichgerechtigkeit selbst in heteronormativen Strukturen sein?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Männer- und Frauenleben unterscheiden sich fundamental. Das zu benennen ist keine feministische Ideologie, sondern das Gegenteil davon: schierer Realismus. Trotzdem hört man nun immer wieder das Argument, in einer habe man mit "echten" Problemen zu kämpfen, der Feminismus sei dagegen ein Luxus für bessere Tage.

Die Politik trifft gerade weltweit in rasendem Tempo Entscheidungen von ungekannter Tragweite. Nur Leichtsinnige beschränken jetzt ihre Wahrnehmung. Vernünftiger ist es, den Blick zu erweitern und das zu erkennen, was immer noch zu wenig gesehen wird: die Lebenswirklichkeit der Frauen.

Männer wie Frauen leiden unter Krisen wie der Corona-Pandemie. Aber ihre ökonomischen und sozialen Folgen treffen Frauen fast immer härter. Das war so nach der Ebola-Epidemie in Westafrika, das war so nach der globalen Finanzkrise. Werden Ressourcen und Arbeit knapp, verlieren Mädchen ihren Platz in der Schule und Frauen Job und Einkommen. Wer Letzteres für ein Phänomen armer Gesellschaften hält, der sei an die vergangene Woche hier in Deutschland erinnert.

Da erlebten Eltern junger Kinder einen Schock. Ganz nebenbei verkündete die Bundesregierung, dass Kitas noch längere Zeit geschlossen bleiben sollen, Betreuungsarbeit also weiterhin gratis zu Hause geleistet werden soll - und zwar überwiegend von Frauen, weil auch im Jahr 2020 diese Arbeit eben immer noch überwiegend von Müttern geleistet wird. Auch wenn sie berufstätig sind. Die öffentliche Empörung hielt sich in Grenzen - zumindest im Vergleich zu dem Aufschrei, der durchs Land ging, als ein Virologe nur andeutete, es könnten dieses Jahr vielleicht keine Bundesligaspiele mehr stattfinden. Tatsächlich wird sehr wohl bald wieder gespielt, wenn auch ohne Zuschauer im Stadion. Die Bundesregierung möchte gern den "Millionen Fußballfans" trotz epidemiologischer Bedenken "ein Stück Normalität" zurückgeben.

Jeder Autohaus- und Angelladenbesitzer hat also der Regierung schon sein Leid über die schwierige Lage geklagt. Nach einigem Protest richtet sich jetzt nach und nach die Aufmerksamkeit auch auf jene Hälfte der Bevölkerung, die man Frauen nennt: Wie ist es möglich, dass sie in ihren für die Gesellschaft lebenswichtigen Berufen so wenig verdienen? Welcher Schaden entsteht, wenn sie dauerhaft der Überlastung durch Kinderbetreuung, Homeschooling und Erwerbsarbeit ausgesetzt sind? Ein Sofortkredit oder Kurzarbeitergeld bringt Müttern da wenig. Ein wirksames Instrument zur Unterstützung wurde aber bislang noch nicht einmal gesucht.

Eine Chance birgt die Pandemie immerhin: Sie legt offen, was vorher so gern ignoriert wurde. Für alle ist jetzt offensichtlich, dass vor allem Frauen Fürsorge unbezahlt und nebenbei leisten.

Dies ist ein Ausschnitt aus der Wirklichkeit in Deutschland. Welche Folgen hat die Ausbreitung von Covid-19 weltweit für Frauen? Auf der folgenden Seite werfen wir Schlaglichter auf verschiedene Länder.

Überall auf der Welt ist das Risiko, an der Lungenkrankheit zu sterben, für Männer deutlich höher als für Frauen. (Ob es an den Genen, der Lebensweise oder etwas anderem liegt, ist noch nicht erforscht.) Und überall auf der Welt leiden Frauen stärker unter den Maßnahmen zur Eindämmung und den ökonomischen Folgen. Die UN erwarten "langfristige Einkommensverluste" für Frauen und einen Einbruch der Frauenerwerbsquote. Das mag technisch klingen, doch genau das - eine außerhäusliche Arbeit und ein Einkommen - ermöglichen es, an Gleichberechtigung überhaupt zu denken. Andersherum funktioniert es genauso: Erst geht das Geld, dann die Selbstbestimmung.

# data[].attributes.attachment_link.description
Männer- und Frauenleben unterscheiden sich fundamental. Das zu benennen ist keine feministische Ideologie, sondern das Gegenteil davon: schierer Realismus. Trotzdem hört man nun immer wieder das Argument, in einer habe man mit "echten" Problemen zu kämpfen, der Feminismus sei dagegen ein Luxus für bessere Tage.

# data[].attributes.body
Zum anderen irritierten Edelmans Thesen No Future in dem kritischen verhältnis zu der politischen Rechten in den USA, errinert mich an der mixed Media Installation Tag X von Henrieke Naumann. Sie (re)produziert Einrichtungsgegenstände, die von der rechtextremen Szene als Waffen oder Verteidugungsmittel im Tax X benutzt wird. Tag X ist der Tag in der Zukunft, indem das System unfähig wird, sie (Rechten, Bundeswehr Soldaten, Polizist*innen und Beamt*innen im Verfassungschutz) und deren KINDER von allen katastrofallen Ereignisse wie Flüchtlinge, Homosexuellen oder auch von finanziellen Krise zu schützen.

# data[].attributes.attachment_link.description
In the cinema, "Day X" occurs all the time: Natural catastrophes, epidemics or the collapse of the global financial market lead to the collapse of supply and protection systems and people having to defend their lives.

# data[].attributes.headline
 »We’re fighting for the children. Whose side are you on?« (dieser Slogan ist von recht auf Abtreibungskampagne, den ich auf Fridays for Futures übertragen habe)

# data[].attributes.subject
 »We’re fighting for the children. Whose side are you on?« (dieser Slogan ist von recht auf Abtreibungskampagne, den ich auf Fridays for Futures übertragen habe)

# data[].attributes.body
Nach Edelmans Ausgangspunkt, dass in der Ideologie der heteronormativen Gesellschaft das KIND ein Zukunuftsentwurf ist, wie lässt sich das Ziel und die Aktivitäten von "Fridays for Future" Aktivit*innen verstehen?

# data[].attributes.headline
Transgeneratoren Festival, Kampnagel in Co. mit Fundustheater Hamburg 2020

# data[].attributes.subject
Transgeneratoren Festival, Kampnagel in Co. mit Fundustheater Hamburg 2020

# data[].attributes.headline
Talk im DKH - Julia Wissert und Aladdin El-Mafaalani

# data[].attributes.subject
Talk im DKH - Julia Wissert und Aladdin El-Mafaalani

# data[].attributes.headline
Theater und Queer Futures **Eine Liste**

# data[].attributes.subject
Theater und Queer Futures **Eine Liste**

# data[].attributes.body
Hier sammeln wir uín den Kommentaren Theaterarbeiten die in Bezug auf das Thema von Queer Futures interessant sein können:

# data[].attributes.body
Hitchcock Psychanalyse Male Gaze auf das weibliche Subjekt Voyeurismus Heimlichkeit
Warum wird sich hier gerade auf Hitchcock bezogen?
Stellt es die Notwendigkeit von queerem Gaze bzw queerer Zeitlichkeit heraus?

Lässt sich ein Male Gaze brechen? Welche zukunftsweisenden Projekte existieren?

Sprachliche Parallelen von Act Up und Black Lives Matter -> Vokabular silence=death...
intersektionale Solidarität zwischen verschiedenen diskrminierten Gruppen
Keeling S 84 unten -> M

Sinthomosexuality <-> Activism  ??

# data[].attributes.body
Etymology

Blend of sinthome +‎ homosexual.

Adjective[

sinthomosexual (not comparable)

1. Having no personal interest in the future of humanity because of one's (non-heterosexual, therefore non-reproductive) sexual orientation

# data[].attributes.body
-  Compassion outside the register of Love
-  " We shall reflect the compassion that is so   much a part of your makeup"
- Ronald Reagan

- "North by Northwest" (Hitchcock, 1959)

# data[].attributes.attachment_link.title
04_Frantz Fanon_Die Verdammten dieser Erde_Von der Gewalt

# data[].attributes.body
Queer Times,
Black Futures

# data[].attributes.body
Lee Edelman

# data[].attributes.attachment_link.title
Organizers' message, BIPoC Climate Justice Conference 2020, Leipzig

# data[].attributes.body
Zukunft der Demokratie, ein Online-Konferenz, in dem nur weiße Menschen beteiligt sind. Besser genannt: Zkunft der weßen Demokratie!

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Auf dem Weg von der Monarchie zur Demokratie 1.0 wurden die individuellen Grundrechte gewonnen, aus den Augen verloren wurden die kollektiven Grundrechte. Was bedeutet es, wenn der "Souverän" sich an die lateinische Bedeutung des Begriffs erinnern würde? Könnte das zu einer 2. Aufklärung oder einer Demokratie 2.0 führen? Der Vordenker der Gemeinwohl-Ökonomie stellt deren Zwillingsschwester "Souveräne Demokratie" vor. An drei Beispielen a) beyond BIP b) Geldschöpfung und c) Zustandekommen eines Handelsabkommens wird die Vision konkret durchgespielt.
Mit Christian Felber
Er ist Autor mehrerer Bestseller, zuletzt „Ethischer Welthandel" und „This is not economy. Aufruf zur Revolution der Wirtschaftswissenschaft". „Geld. die neuen Spielregeln" wurde als Wirtschaftsbuch des Jahres 2014 ausgezeichnet, die „Gemeinwohl-Ökonomie" 2017 mit dem ZEIT-Wissen Preis. christian-felber.at

# data[].attributes.attachment_link.description
Auf dem Weg von der Monarchie zur Demokratie 1.0 wurden die individuellen Grundrechte gewonnen, aus den Augen verloren wurden die kollektiven Grundrechte. Was bedeutet es, wenn der "Souverän" sich an die lateinische Bedeutung des Begriffs erinnern würde? Könnte das zu einer 2. Aufklärung oder einer Demokratie 2.0 führen?

# data[].attributes.body
In einem Vortrag über "Queere Paradoxe" von Dr. Mai-Anh Boger, die an der Universität Bielefeld wissenschaftliche Mitarbeiterin der Fakultät für Erziehungswissenschaft ist, wurde über das Trilemma-Projekt berichtet, welches sich mit dem Erstellen einer Praxis-Theorie der Anti-Diskriminierung beschäftigt. Dazu werden die verschiedensten Zugänge zum Themenfeld ‚Diskriminierung – Exklusion – Unterdrückung’ kartographiert und jeweils gezeigt, was ihre Stärken sind und woran sie scheitern.
Sie erläuterte in dem Vortrag das Trilemma im Kontext queeren intersektionalen Aktivismus anhand von diversen Beispielen. Als Knotenpunkte dieser Arbeit stellte sie Empowerment, Normalisierung und Dekonstruktion heraus. Die These ist, dass in queer-feministischen Projekten und Aktivitäten nicht jeder diese Knotenpunkte erreicht werden kann. Ich erinnere vor Allem das Beispiel der sogenannten gleichgeschlechtlichen Ehe, die in iher Konsequenz nicht-heterosexuelle Liebe normalisiert und für viele Nicht-Heterosexuelle auch empowernd wirkt. Der Faktor der Dekonstruktion der Institution Ehe wird dabei aber erschwert, da die heteronarmative Institution Ehe als solche gefestigt und nicht hinterfragt werden kann.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Das Trilemma-Projekt befasst sich mit dem Erstellen einer Praxis-Theorie der Anti-Diskriminierung / Inklusion. Dazu werden die verschiedensten Zugänge zum Themenfeld ‚Diskriminierung - Exklusion - Unterdrückung' kartographiert und jeweils gezeigt, was ihre Stärken sind und woran sie scheitern.
DIE METHODE
Kartographieren wird als Verfahren der methodisch kontrollierten Rhizombildung (nach Deleuze & Guattari) verstanden.
DIE PLATEAUS
Auf den Ebenen der (1) Theoriebildung, der (2) politischen Bewegungen, der (3) pädagogischen Praktiken und der (4) Subjektivation werden Möglichkeiten des widerständigen Denkens und Handelns sowie deren Aporien nachgezeichnet.

DIE KNOTENPUNKTE
1) Inklusion ist Empowerment.
2) Inklusion ist Normalisierung.
3) Inklusion ist Dekonstruktion.

Für alle Plateaus und alle Diskriminierungsachsen gilt nun, dass die drei Knotenpunkte anti-diskriminierender Theoriebildung und Praxis in einem trilemmatischen Verhältnis zueinander stehen. Hat man sich für zwei der drei Punkte entschieden, ist der dritte notwendigerweise ausgeschlossen. DER TRILEMMATISCHE RINGSCHLUSS
DIE ONTOLOGISCHE POINTE
Dass dies der Fall ist, liegt an den politischen Einsatzpunkten, die jeweils auf unterschiedlichen Ontologien der Andersheit* basieren. Es lässt sich daher zeigen, dass sich im Feld der 'Inklusion / Anti-Diskriminierung' inkommensurable Ontologien des Kampfes gegenüberstehen.

# data[].attributes.attachment_link.description
Das Trilemma-Projekt befasst sich mit dem Erstellen einer Praxis-Theorie der Anti-Diskriminierung / Inklusion. Dazu werden die verschiedensten Zugänge zum Themenfeld ‚Diskriminierung - Exklusion - Unterdrückung' kartographiert und jeweils gezeigt, was ihre Stärken sind und woran sie scheitern. DIE METHODE Kartographieren wird als Verfahren der methodisch kontrollierten Rhizombildung (nach Deleuze & Guattari) verstanden.

# data[].attributes.body
Ist queere Kritik nur eine Kritik am heteronormativen System oder auch an dem queeren System?
Ist Utopie gleichzeitig anwesend und unmöglich?

- Queerness als politisches Potential das das heteronormative System übersteigt

- Abwendung von Binarität jeglicher Art

- Gegenentwurf zu einem kapitalistischen System

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Männer- und Frauenleben unterscheiden sich fundamental. Das zu benennen ist keine feministische Ideologie, sondern das Gegenteil davon: schierer Realismus. Trotzdem hört man nun immer wieder das Argument, in einer habe man mit "echten" Problemen zu kämpfen, der Feminismus sei dagegen ein Luxus für bessere Tage.

Die Politik trifft gerade weltweit in rasendem Tempo Entscheidungen von ungekannter Tragweite. Nur Leichtsinnige beschränken jetzt ihre Wahrnehmung. Vernünftiger ist es, den Blick zu erweitern und das zu erkennen, was immer noch zu wenig gesehen wird: die Lebenswirklichkeit der Frauen.

Männer wie Frauen leiden unter Krisen wie der Corona-Pandemie. Aber ihre ökonomischen und sozialen Folgen treffen Frauen fast immer härter. Das war so nach der Ebola-Epidemie in Westafrika, das war so nach der globalen Finanzkrise. Werden Ressourcen und Arbeit knapp, verlieren Mädchen ihren Platz in der Schule und Frauen Job und Einkommen. Wer Letzteres für ein Phänomen armer Gesellschaften hält, der sei an die vergangene Woche hier in Deutschland erinnert.

Da erlebten Eltern junger Kinder einen Schock. Ganz nebenbei verkündete die Bundesregierung, dass Kitas noch längere Zeit geschlossen bleiben sollen, Betreuungsarbeit also weiterhin gratis zu Hause geleistet werden soll - und zwar überwiegend von Frauen, weil auch im Jahr 2020 diese Arbeit eben immer noch überwiegend von Müttern geleistet wird. Auch wenn sie berufstätig sind. Die öffentliche Empörung hielt sich in Grenzen - zumindest im Vergleich zu dem Aufschrei, der durchs Land ging, als ein Virologe nur andeutete, es könnten dieses Jahr vielleicht keine Bundesligaspiele mehr stattfinden. Tatsächlich wird sehr wohl bald wieder gespielt, wenn auch ohne Zuschauer im Stadion. Die Bundesregierung möchte gern den "Millionen Fußballfans" trotz epidemiologischer Bedenken "ein Stück Normalität" zurückgeben.

Jeder Autohaus- und Angelladenbesitzer hat also der Regierung schon sein Leid über die schwierige Lage geklagt. Nach einigem Protest richtet sich jetzt nach und nach die Aufmerksamkeit auch auf jene Hälfte der Bevölkerung, die man Frauen nennt: Wie ist es möglich, dass sie in ihren für die Gesellschaft lebenswichtigen Berufen so wenig verdienen? Welcher Schaden entsteht, wenn sie dauerhaft der Überlastung durch Kinderbetreuung, Homeschooling und Erwerbsarbeit ausgesetzt sind? Ein Sofortkredit oder Kurzarbeitergeld bringt Müttern da wenig. Ein wirksames Instrument zur Unterstützung wurde aber bislang noch nicht einmal gesucht.

Eine Chance birgt die Pandemie immerhin: Sie legt offen, was vorher so gern ignoriert wurde. Für alle ist jetzt offensichtlich, dass vor allem Frauen Fürsorge unbezahlt und nebenbei leisten.

Dies ist ein Ausschnitt aus der Wirklichkeit in Deutschland. Welche Folgen hat die Ausbreitung von Covid-19 weltweit für Frauen? Auf der folgenden Seite werfen wir Schlaglichter auf verschiedene Länder.

Überall auf der Welt ist das Risiko, an der Lungenkrankheit zu sterben, für Männer deutlich höher als für Frauen. (Ob es an den Genen, der Lebensweise oder etwas anderem liegt, ist noch nicht erforscht.) Und überall auf der Welt leiden Frauen stärker unter den Maßnahmen zur Eindämmung und den ökonomischen Folgen. Die UN erwarten "langfristige Einkommensverluste" für Frauen und einen Einbruch der Frauenerwerbsquote. Das mag technisch klingen, doch genau das - eine außerhäusliche Arbeit und ein Einkommen - ermöglichen es, an Gleichberechtigung überhaupt zu denken. Andersherum funktioniert es genauso: Erst geht das Geld, dann die Selbstbestimmung.

# data[].attributes.attachment_link.description
Männer- und Frauenleben unterscheiden sich fundamental. Das zu benennen ist keine feministische Ideologie, sondern das Gegenteil davon: schierer Realismus. Trotzdem hört man nun immer wieder das Argument, in einer habe man mit "echten" Problemen zu kämpfen, der Feminismus sei dagegen ein Luxus für bessere Tage.

# data[].attributes.body
This is a platform to create communal knowledge about what is yet to come while centering disabled queer/trans folks, disrupting traditional ways of teaching/learning, and blurring the borders between non-academic/academic knowledge.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
How to Respect Your Peers: An Open Conversation about respecting Gender

Click here to download the PDF

Made by: Toffee sabrinamatech.myportfolio.com; Gray (They/Them) twitter @dogsbian ; Masa (He/Him); Lenna (They/Them) tumblr hatnhousejacket; Rowan (He/Him) instagram @ro.dan.art; Bren (she/her) twitter/instagram @brenthefren; Bambi (all) instagram @bambidraw.s twitter @_bambidraws; Drew (He/They) twitter/instagram @frogdad99; Seb (He/Him) twitter @valaissheep; Moriah (all) instagram @baconwrappedunicorns; Jay instagram/twitter @silberkuste

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Manifeste sind in Transformationsprozessen ein mächtiges Instrument. Meistens sind sie nicht aus einer einzelnen Stimme komponiert, sondern aus einer Polyfonie, die unterschiedliche Ideen, Energien und Meinungen kondensiert. Das Projekt "Manifestos for Queer Futures",mit dem das HAU-Festival "The Present Is Not Enough - Performing Queer Histories and Futures" im Juni 2019 eröffnet wurde, folgt genau dieser Praxis und macht deutlich, wie wichtig es ist, sich nicht nur als Einzelne*r zu sehen. Was wir hier beobachten, ist das Bestreben vieler, ein gleiches Gemeinsam zu teilen, zu praktizieren und zu performen. Dabei wird die lebendige Dynamik kultureller Praktiken, intellektueller Kreise und affektiver Netzwerke sichtbar, die Zukunftsentwürfe aufzeigen und ein neues Potenzial alternativer Lebensentwürfe vorleben.

Das HAU Hebbel am Ufer rief in Berlin lebende Künstler*innen dazu auf, ihre Manifeste zu einer queeren Zukunftsvision einzureichen. Aus 270 Einsendungen wurden 26 ausgewählt und auf der Bühne des HAU2 präsentiert. Die Bandbreite der Projekte ist beachtlich: von Arbeiten mit kulturellen und soziopolitischen Referenzen über aktive Beschäftigungen mit der Vergangenheit bis hin zu Visionen für eine mögliche Zukunft. Jetzt steht die komplette Video-Dokumentation online zur Verfügung - in der chronologischen Reihenfolge der Performances.

# data[].attributes.attachment_link.title
HAU Hebbel am Ufer Berlin - Das HAU Hebbel am Ufer rief in Berlin lebende Künstler*innen dazu auf, ihre Manifeste zu einer queeren Zukunftsvision einzureichen. Aus 270 Einsendungen wurden 26 ausgewählt und stehen nun als Video-Dokumentation zur Verfügung.

# data[].attributes.attachment_link.description
Manifeste sind in Transformationsprozessen ein mächtiges Instrument. Meistens sind sie nicht aus einer einzelnen Stimme komponiert, sondern aus einer Polyfonie, die unterschiedliche Ideen, Energien und Meinungen kondensiert. Das Projekt "Manifestos for Queer Futures",mit dem das HAU-Festival "The Present Is Not Enough - Performing Queer Histories and Futures" im Juni 2019 eröffnet wurde, folgt genau dieser Praxis und macht deutlich, wie wichtig es ist, sich nicht nur als Einzelne*r zu sehen.