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Andy Warhol: Le roi du Pop Art - Entrée libre

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Portrait d'artiste   Andy Warhol - Documentaire en français.

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Sur les traces de Basquiat #6 : Warhol jusqu'à la mort

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Trois choses à connaître sur Jean-Michel Basquiat

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Visite de l'exposition au Louvre  "Figure d'artiste"

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Visite de l'exposition au Louvre  "Figure d'artiste"

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Vous souhaitez sensibiliser vos publics à la culture et au monde des musées ? Vous pouvez accueillir la Petite Galerie itinérante dans vos locaux.

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Rubens, le mal aimé de l'histoire de l'art

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Plusieurs expositions et rétrospectives mettent en lumière le travail des collectifs d'artistes. Dépassement de l'ego, recherche d'une radicalité, émulation créative, portraits de ces groupes qui font, ou ont fait, œuvre commune.
Les duos et collectifs d'artistes ont le vent en poupe. Asco, groupe subversif chicano, actif dans les années 1970 et 1980 à Los Angeles, s'est installé dans la Friche Belle-de-Mai, à Marseille, où sont exposées les photos séditieuses qui ont fait sa légende. Le monde en technicolor de Pierre et Gilles est lui à l'affiche à la galerie Templon à Paris. C'est aussi un couple, Ilya et Emilia Kabakov, qui va investir, fin mai, le Grand Palais, à Paris, pour l'opération " Monumenta ", invitant chaque année un artiste à s'emparer de ce lieu.

Qu'ils s'appellent Claire Fontaine, Ultralab, Slavs and Tatars, Superflex, ou qu'ils travaillent en duo comme Dewar et Gicquel, les membres de la jeune garde de l'art contemporain tournent le dos à l'idée d'auteur unique. L'œuvre à quatre mains ou à deux têtes n'est toutefois pas une nouveauté. Les exemples foisonnent, des dadas du cabaret Voltaire au début du XX e siècle aux " cadavres exquis " des surréalistes, jusqu'au Grand Méchoui des Malassis. " Le mythe de l'artiste romantique et solitaire du XIXe siècle a perduré hypocritement au XXe, mais il cachait la réalité de l'artiste entrepreneur du XXIe, observe Nicolas Ledoux, cofondateur d'Ultralab, un collectif porté sur l'art conceptuel. L'artiste contemporain est devenu un entrepreneur mais ne le dit pas, ou peu, et souvent même le dissimule. Nous travaillons en équipe, comme au cinéma, il est juste de le signaler et même de le revendiquer. "
DÉNONCER LE POUVOIR CAPITALISTE
Certains groupes d'artistes portent un ferment contestataire. Asco s'est formé en 1972 dans la foulée des révoltes des immigrés latino-américains et de la fronde estudiantine de 1968 à Los Angeles. Il fallait alors résister aux discriminations, mais aussi au bourrage de crâne de la télévision hollywoodienne, prompte à dégoûter tout libre-penseur. C'est justement le mot " nausée " en espagnol que ces Chicanos ont choisi comme nom de guerre. " On a utilisé la technique de la guerre froide, nous emparer d'un mot qu'on utilise pour nous dénigrer, et le rendre à la mode ", explique, regard de jais, Harry Gamboa Jr, cofondateur du mouvement. Bien que fédérées en groupe, les composantes ont chacune leur propre talent : l'un fait des dessins, l'autre crée des chapeaux surdimensionnés, un troisième réalise les flyers pour les happenings. " Séparément, nous étions efficaces. Mais ensemble, on pouvait provoquer une réaction en chaîne ", souligne Harry Gamboa Jr.

C'est la même veine insoumise qui anime Superflex, un collectif fondé à Copenhague par trois artistes activistes, avec une idée : dénoncer le pouvoir capitaliste. Une entreprise voisine de celle de Claire Fontaine, personnage fictif créé en 2004 par Fulvia Carnevale et James Thornhill, deux intellectuels nourris de la pensée de Deleuze et Guattari : dans un esprit de révolution permanente, Claire Fontaine traque les failles, excès ou ambiguïtés de nos systèmes.

Le travail de Slavs and Tatars, formé en 2006 par la réunion de Kasia et Payam, se situe, lui, à mi-chemin entre politique et linguistique avec une constante : balayer les idées reçues sur l'islam et faire redécouvrir des territoires oubliés du Caucase et de l'Asie centrale par le biais de livres, conférences et objets d'inspiration pop.

De son côté, Ultralab s'est d'abord attaqué au microcosme parisien de l'art contemporain, à qui il a envoyé, en 1999, de faux cartons d'invitation annonçant des expositions fictives. Longtemps, personne ne soupçonnera l'origine du canular jusqu'à ce que ses auteurs se dévoilent. Aujourd'hui, Nicolas Ledoux, d'Ultralab, aime toujours le travail de groupe, au point de s'être associé à l'artiste Damien Béguet pour un projet fou : racheter, avec son consentement, l'œuvre de Ludovic Chemarin, qui a cessé son activité en 2005.
L'ALCHIMIE DU COUPLE DANS LES DUOS D'ARTISTES
Les duos à succès relèvent de cette alchimie rare dans un couple, d'une osmose à la Montaigne et La Boétie. Entre Gilles, le peintre extraverti né au Havre, et Pierre, l'enfant timide de La Roche-sur-Yon devenu photographe, c'est le coup de foudre en 1976, lors d'une soirée pour l'ouverture du magasin Kenzo, place des Victoires, à Paris. Couple dans la vie, ils feront aussi œuvre commune. Si Pierre était fasciné par la musique, les stars et le glamour, Gilles cultivait plutôt un côté bad boy provocateur. La répartition des tâches est claire : Gilles repeint à la main, Pierre s'occupe de la photo et des lumières. L'un parle beaucoup, l'autre peu.

Chez Daniel Dewar et Grégory Gicquel aussi, l'un est plus taiseux que l'autre. Les deux lascars, qui produisent sculptures et tapisseries, cultivent l'idée du " fait main " et chahutent le bon goût. Ils ont toujours travaillé ensemble depuis leur rencontre, à l'école, en 1997. " Travailler seul ? On n'y a jamais pensé ", reconnaît Daniel Dewar.

Parfois une invitation ponctuelle scelle une collaboration durable. Quand Sarah Fauguet a répondu, en 2004, à l'invite de David Cousinard pour une exposition, elle ne se doutait pas que l'occasion ferait les larrons. Tous deux nourrissent un intérêt pour l'architecture et les changements d'échelle qui désarçonnent les spectateurs. Pour tous ces artistes, le fait de travailler en groupe présente d'énormes avantages : éviter la solitude, associer les compétences, se poser de nouvelles questions, partager les frais, et se dédoubler. " Dans un monde où il faut être visible partout à la fois, c'est une force indéniable ", confie Sarah Fauguet.

Le groupe donne de l'endurance, quand l'un flanche, l'autre relance la machine. " Travailler ensemble, quand on apprend à le faire - ce qui peut être plus ou moins compliqué -, c'est beaucoup plus excitant que travailler seul, poursuit le duo Fauguet-Cousinard. Il y a une vitesse propre à la collectivité, dans le processus de la pensée, qui fait paraître le travail individuel d'une lenteur insupportable. " Mais travailler à deux ne fait pas forcément gagner du temps. Il faut convaincre l'autre, " trouver un consensus autour d'un projet ou d'un objet en évitant les compromis ", admet Sarah Fauguet. En d'autres termes, rabaisser son ego.
LE COLLECTIF, STADE ULTIME DE LA SAGESSE ?
Or, même dans les groupes de rock, il y a des leaders... et des putschs. Si un duo d'artistes fonctionne bien dans l'adversité, qu'en est-il face au succès ? " L'ego est un moteur, mais aussi un poison, une zone toxique, qui déconcentre, dévie, affaiblit la vision ", assure Nicolas Ledoux. Pierre et Gilles bottent en touche : " On est un ego à deux têtes. " Pour le collectif Claire Fontaine, le " je " est un problème secondaire, tout comme la dilution du patronyme dans un nom d'emprunt : " Le besoin de s'affirmer individuellement aux dépens des autres cache des frustrations affectives, des incapacités à vivre, que la société encourage en poussant les gens à la réussite individuelle. " Pour la plupart de ces artistes collectifs, la réponse est claire : " Travailler seul ? Jamais, insiste Pierre. On a besoin l'un de l'autre. "

Même son de cloche du côté de Dewar et Gicquel : " On a plus envie de travailler ensemble que d'arrêter. " C'est à cette envie, et à une distribution changeante des rôles, qu'on doit la longévité - vingt ans ! - du groupe Superflex. Les membres de Slavs and Tatars sont allés jusqu'à signer récemment un contrat leur interdisant de travailler en solo dans le champ de l'art. " On a préféré un contrat qui nous soude à un contrat qui nous protège, confie Payam, l'un des deux membres du groupe. Aucun de nous n'a envie de faire le travail de l'autre. " Et si le collectif était le stade ultime de la sagesse ?

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Plusieurs expositions et rétrospectives mettent en lumière le travail des collectifs d'artistes. Dépassement de l'ego, recherche d'une radicalité, émulation créative, portraits de ces groupes qui font, ou ont fait, œuvre commune. Les duos et collectifs d'artistes ont le vent en poupe.

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Le topos de l'artiste solitaire et inspiré

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Le topos de l'artiste solitaire et inspiré

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Michel-Ange, Les mains, XVIe siècle, sanguine

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Michel-Ange, Les mains, XVIe siècle, sanguine

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Michel-Ange, La Main de l'artiste, XVIe siècle, Musée du Louvre

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Michel-Ange, La Main de l'artiste, XVIe siècle, Musée du Louvre

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Nicolas Poussin, L'inspiration du poète, 1630-1632, huile sur toile, 182 x 213, Musée du Louvre

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Nicolas Poussin, L'inspiration du poète, 1630-1632, huile sur toile, 182 x 213, Musée du Louvre

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Riepenhausen, Le rêve de Raphaël, 1821, huile sur toile, 99.5 x 119.5, Poznan

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Riepenhausen, Le rêve de Raphaël, 1821, huile sur toile, 99.5 x 119.5, Poznan

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Trois artistes : Soulages, Delvoye, Koons

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Trois artistes : Soulages, Delvoye, Koons

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TROIS ARTISTES : SOULAGES, Delvoye, Koons

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TROIS ARTISTES : SOULAGES, Delvoye, Koons

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Extrait La Grande Expo - Soulages, la lumière du noir

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Extrait du hitième numéro de La Grande Expo, la série documentaire consacrée à l'art diffusée sur Paris Première. Une série présentée par David Abiker, produite par Let's Pix Une série de Nicolas Valode et Pauline Cathala, présentée par David Abiker, produite par Let's Pix Première diffusion du documentaire Soulages, la lumière du noir le 31 mai 2014 Réalisation : Nicolas Valode et Pauline Cathala avec Jessica Piersanti.

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Pierre Soulages

Quand j'essaie de me rappeler ce qui m'a... enfin, mon enfance, ce que je retrouve peut-être, c'est d'abord des sons. Peut-être des odeurs aussi. Et puis, des paysages. Des choses qui m'ont beaucoup impressionné, qui m'ont beaucoup plu. Mais effectivement, je crois que dans mes souvenirs, les sons ont une grande importance. Et j'imagine, je crois, en tout cas, que ce n'est pas en eux-mêmes, pour leur qualité de son. Encore que j'aime toujours, j'ai toujours aimé le bronze, la voix de bronze des cloches. Mais c'est plutôt la manière dont les sons, en parcourant un espace, le font... permettent de l'imaginer. Et ça, ça m'a toujours beaucoup touché. Que ce soit l'enclume, le marteau sur l'enclume de la forge, que ce soit...

Jean-Michel Meurice

Pierre Soulages

Oui. Que ce soit le bourdon dans les nuits, les nuits de gel dans la ville. Le bourdon, c'est surtout à Noël. Et tous ces bruits, même celui du train qui traverse la plaine comme ça et qui résonne comme ça, en faisant vivre un espace aussi vaste qu'un horizon, tout ça, ce sont des bruits qui me reviennent en mémoire facilement. Plus, peut-être, que certains paysages précis.

Jean-Michel Meurice

Je recherche, là, le passage... Je le trouve pas. Il y a autre chose qui, moi, m'a frappé à plusieurs reprises dans le fond. Tu parles de... Tu ne parles pas vraiment de couleur. Quand tu parles de couleur, c'est vraiment, presque, la matière, la quantité. Tu parles de lumière, de lumière et d'espace d'une part. D'autre part, les outils que tu emploies sont des outils qui enlèvent ou qui ajoutent, c'est-à-dire des pinceaux ou des racloirs. On se dit c'est plus une manière plus de sculpteur que de peintre.

Pierre Soulages

Ou ambigu. Parce que quand tu dis des racloirs, le racloir, effectivement, c'est quelque chose qui enlève. Mais les outils que j'emploie, ce sont des racloirs très particuliers. Parce que ce sont des sortes de lames de cuir ou de bois ou de métal qui me permettent, dans le même moment, de déposer de la couleur et d'en enlever. Ils me servent aussi bien à déposer qu'à retirer.

Jean-Michel Meurice

Comme sur la toile, par exemple, qui est là ?

Pierre Soulages

Comme sur la toile qui est là, oui. Et ça, c'est fait avec des outils de cuir, des lames de cuir qui étaient chargées de couleur, et qui, déposant de la couleur au début, pouvaient, avec une pression différente, une inclinaison différente de l'outil, découvrir la couleur qui était par dessous. Oui. Alors ça, ce sont des outils que j'ai fabriqués avec des lames de cuir. Des morceaux de semelle, au fond, que j'ai montés. Alors ça me permet tout à la fois de déposer de la couleur ou d'en retirer. C'est-à-dire si je mets la couleur là, dans ce geste-là, je la dépose, et puis quand je redresse l'outil, que je racle en pressant plus fortement, je découvre le bleu qui était sous le noir. Et puis si je presse encore davantage, je découvre le blanc qui était sous le bleu. Mais toutes ces valeurs-là se produisent naturellement. C'est-à-dire que le bleu, le noir, le bleu plus clair et le blanc sont liés, physiquement liés. Alors qu'avec une technique différente qui correspond à une autre époque de la peinture, on aurait pu obtenir un effet semblable mais par superposition de petites touches. Au fond, on aurait analysé la forme avant. Alors que là, tout arrive organiquement lié.

Jean-Michel Meurice

Il y a une chose, d'ailleurs. Je l'ai apprise en lisant des interviews qu'il fallait une eau pas trop calcaire pour la peinture Song ?

Pierre Soulages

Oui. Pour toute la peinture chinoise. Parce que si on broie l'encre avec une eau calcaire, il y a toujours une auréole qui s'établit autour de la tache dans le papier, une auréole calcaire. Parce que l'encre de l'encre chinoise, quand on travaille sur des papiers de Chine, ça a une manière de diffuser dans le papier très particulière. Quand nous, nous travaillons sur du papier avec une encre, l'encre se dépose à la surface du papier, pénètre relativement peu dans le papier. Alors que le papier de Chine est un papier absorbant. L'eau le traverse. Et il agit comme filtre pratiquement. C'est-à-dire que les fibres du papier retiennent les pigments qui constituent la couleur de l'encre et l'eau s'en va. Et elle s'en va dans le feutre qui est dessous sous forme de vapeur déjà ou sous forme de... enfin, elle ne coule pas dans le feutre mais elle est absorbée par le feutre. Et autour aussi de la tache, il y a une partie qui diffuse dans le papier. Et alors dans cette partie, l'encre ne diffuse pas, le pigment de l'encre ne diffuse pas mais l'eau de l'encre diffuse. Et en diffusant, elle entraîne du calcaire. Et le calcaire jaunit. Alors quand on travaille avec une eau calcaire qui n'est pas... Enfin, au fond, l'idéal, c'est de travailler avec de l'eau de pluie. Mais quand on travaille avec une eau calcaire, comme celle qu'on a le plus souvent au robinet, eh bien, au bout de quelque temps, on a des auréoles jaunes qui viennent du calcaire. Voilà l'histoire de... Mais tout ça, c'est plein de subtilités qu'on n'imagine pas. Quand on parle de la peinture chinoise, on imagine que c'est subtil parce que les Chinois passent pour très subtils. Mais nous avons, dans le travail de la gravure notamment, des subtilités qui sont au moins aussi grandes. Quand on est en train d'imprimer une gravure, si le papier n'est pas mouillé convenablement, ça n'imprime pas bien. Si le papier, même, n'est pas rendu, comme disent les graveurs, " amoureux " de l'encre, ça n'imprime pas bien. Et pour le rendre amoureux de l'encre, on le brosse une fois humide avant de le passer sous la presse, sur le cuivre. Tout ça, c'est fait de... Quand on est attentif à ces choses-là, à ces métiers-là, on s'aperçoit de la quantité de subtilités qu'il y a mais que les hommes qui pratiquent ces métiers connaissent car ce sont des artisans. Alors que les trois quarts du temps, nous rencontrons des phénomènes physiques extrêmement complexes dans la peinture dont on nous ne prenons pas toujours conscience. Mais si nous sommes sensibles et attentifs à ce que nous ne connaissons pas, en regardant, on s'aperçoit qu'il se passe des choses importantes qu'on n'a pas besoin, d'ailleurs, d'expliquer physiquement comme je viens de le faire pour l'encre de Chine, mais que l'on voit sans qu'il soit besoin d'analyser.

Jean-Michel Meurice

Je voudrais revoir les cuivres, là, ou les verres. Je ne sais pas ce que tu as.

Pierre Soulages

Là, dans ce coin de l'atelier, j'ai un certain nombre de choses qui datent de moments de travail anciens. Là, les plus anciens que j'ai, ce sont ces verres que j'avais commencés à faire il y a très très longtemps, que j'ai ramenés ici parce que ce sont des choses fragiles. Ce sont des traces de... J'ai fait ça au goudron, sur des morceaux de verre plus ou moins cassés.

Jean-Michel Meurice

Quelle année ?

Pierre Soulages

Ça, c'était après mon premier séjour à Paris. Ça devait être entre 45 et 48. Je ne me souviens plus exactement. C'est à la même époque que mes premières peintures sur papier. Mes peintures sur papier au brou de noix sur fond blanc, les premières choses abstraites datent de 46-47.

Jean-Michel Meurice

Montre-le bien.

Pierre Soulages

L'idée m'en était venue après ce que j'avais vu dans la verrière de la gare de Lyon. Mais dans la verrière de la gare de Lyon, c'était quelque chose de plus complexe que ça finalement. Parce que les traits du pinceau de l'ouvrier qui avait réparé cette verrière cassée et qui avait été réparée avec du goudron, ses traits de pinceau s'organisaient non pas pour leurs qualités de forme (ça, on se rendait bien compte que pour lui, ça n'avait pas compté) mais il y avait quand même une cohérence qui s'établissait entre ses traits, et qui étaient dûe, je crois, à la cohérence de la cassure. Parce qu'un verre ne casse pas n'importe comment, surtout quand il est tenu par un châssis. Alors il y a une relation qui s'établit entre la cassure, la flexibilité du verre, la manière dont il est tenu. Ce n'est pas n'importe quoi. Et la cohérence de ces coups de pinceau ne venait pas des coups de pinceau eux-mêmes mais leur organisation était celle de la cassure du verre. Et ça, je trouvais très intéressant, ce mariage de deux choses. Enfin, cette combinaison de deux... de deux logiques différentes.

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Soulages - Soulages parle de ses outils et de la gravure, avec Jean-Michel Meurice - Ina.fr

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Filmé par Jean-Michel Meurice, Pierre Soulages parle de son enfance, des sons et des paysages. Il montre ses outils pour peindre, et les différences de couleur qu'il obtient sur une toile. Il parle ensuite d'eau, d'encre de Chine, de la technique de la gravure et de la qualité du papier.

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Claudio Monteverdi, "Lamento della Ninfa" (1638), par le Concerto Italiano.

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Claudio Monteverdi, "Lamento della Ninfa" (1638), par le Concerto Italiano.

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Monteverdi: Lamento De La Ninfa - “Amor”, Dicea In A Quattro (Canto, Doi Tenori E Basso), Si Tra Sdegnosi Pianti In A Tre Voci (Doi Tenori E Basso)

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Rinaldo Alessandrini: Concerto Italiano - Monteverdi: Madrigali Guerrieri Et Amorosi [Disc 2]

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Monteverdi: Madrigali Guerrieri Et Amorosi [Disc 2]

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Monteverdi: Lamento De La Ninfa - “Amor”, Dicea In A Quattro (Canto, Doi Tenori E Basso), Si Tra Sdegnosi Pianti In A Tre Voci (Doi Tenori E Basso)

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Monteverdi: Lamento De La Ninfa - Non Avea Febo Ancora In A Tre Voci (Doi Tenori E Basso)

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Rinaldo Alessandrini: Concerto Italiano - Monteverdi: Madrigali Guerrieri Et Amorosi [Disc 2]

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Monteverdi: Madrigali Guerrieri Et Amorosi [Disc 2]

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Monteverdi: Lamento De La Ninfa - Non Avea Febo Ancora In A Tre Voci (Doi Tenori E Basso)

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Journaliste

Il est le peintre de tous les superlatifs. Premier artiste vivant invité à exposer au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Peintre français le mieux côté au monde. Présent dans les musées d'art contemporain de New York et Londres. Un artiste dont l'oeuvre ne laisse pas indifférent.

Inconnu 1

Ca me plaît. Mais je ne comprends pas trop.

Inconnue 1

Oui j'aime bien. Les couleurs et le coup de pinceau.

Inconnu 2

Je le mettrais bien dans mon salon.

Inconnue 2

J'aime la profondeur, les contrastes, la respiration du pinceau. Il a les deux.

Journaliste

Paris, l'automne dernier. Pierre Soulages, 90 ans, est consacré à Beaubourg.

Journaliste

Soixante ans de peinture réunis sur un étage, pour fêter un homme a priori paradoxal. Méconnu du grand public, mais célébré par ses pairs. Adepte de la lumière, mais révélé par son noir.

Pierre Soulages

Mais c'est pas noir. Depuis 79, si on regarde... oui, le pot avec lequel je peins, c'est le noir. Mais en réalité, c'est la lumière qui importe. C'est la lumière réfléchie par les états de surface du noir. Et d'ailleurs, quand les toiles sont accrochées comme je les accroche, on peut circuler dans les toiles, c'est-à-dire on voit la lumière qui arrive, ou qui disparaît. Et les toiles apparaissent telles qu'elles sont au moment même du regard. C'est un travail avec la lumière, absolument. Si on ne voit que du noir, c'est qu'on a le noir dans la tête.

Journaliste

Nous sommes donc partis sur les chemins de ces mystères. Nous avons tenté de remonter le fil de sa vie, avec une envie : écouter l'homme pour comprendre l'artiste.

Pierre Soulages

Quand je suis devant une peinture préhistorique, quand je suis devant une statue menhir, quand je suis devant des choses d'il y a plusieurs millénaires, qu'est-ce qui se passe en moi ? Pourquoi je suis ému ? Pourquoi cela va si loin en moi ? Ca n'a pas besoin de passer par l'illusion, au contraire même. Ce qui compte, c'est la présence. C'est à ce moment-là que j'ai pensé que ce qui était important dans une oeuvre d'art, ce n'était ni la ressemblance, ni... C'était la présence. La force qu'elles prennent quand on les regarde, et combien ça va loin en nous. Et c'est comme ça que j'ai été amené à réfléchir à la peinture et à faire la peinture que je fais depuis maintenant soixante-trois ans.

Journaliste

La peinture préhistorique, une source d'inspiration que l'on retrouve dans ces brous de noix. Des oeuvres de jeunesse, réalisées à partir d'une matière peu conventionnelle pour l'époque. Une terre sèche, obtenue à partir d'écorces de noix broyées, dissoute à l'eau et qui, une fois chauffée au bain-marie, donne un épais sirop noir. Nous sommes vers la fin des années quarante, Pierre Soulages a trente ans, il se veut déjà différent.

Benoît Decron

Il ne laisse pas le geste aller n'importe comment. Ou il ne se laisse pas aller, je veux dire, à une sorte de mouvement un petit peu, pathologique, en quelque sorte. Lui, son trait est vraiment appliqué. Mais lui dit que tout ça, le musée... du moins, l'oeuvre se fait au moment où il la fait. Au moment où il cherche, l'oeuvre se fait. Et c'est ça qui est justement intéressant, c'est quand on voit toutes ces barres, et bien on voit le côté étudié, on voit la trace de l'outil, on voit très bien comment avec une brosse, par exemple, il a une ligne extrêmement droite.

Journaliste

Un caractère bien trempé. Une volonté de ne pas se conformer. L'artiste abstrait commence à se dessiner.

Journaliste

Mais comprendre Pierre Soulages, c'est aussi le découvrir autrement. Nous nous envolons pour Strasbourg. Là-bas, dans une exposition dédiée à la gravure, un peu du mystère de sa création va se dissiper. Soulages va se dévoiler sous un nouveau jour.

Journaliste

Dans les années soixante-dix, le peintre joue les apprentis chimistes, avec une obsession : la matière. Il prend du cuivre, le recouvre d'acide, et gratte, triture, laisse agir et réagir, jusqu'à trouer son support.

Journaliste

Le passage en presse donnera ces eaux-fortes, méconnues, mais essentielles dans son oeuvre.

Marie-Jeanne Geyer

Je considère que en gravure, ce sont des oeuvres majeures, et pour Soulages c'est extrêmement important, parce qu'il y a une chose qu'il répète toujours, c'est qu'il n'y a pas de genre supérieur à un autre. C'est-à-dire que pour lui, la peinture n'est pas supérieure à la gravure. Et il dit "j'ai des crises de lithographie, j'ai des crises d'eau-forte, comme j'ai des crises de peinture". Voilà.

Journaliste

Soulages s'amuse des codes, des disciplines, et du regard. Chez lui, tout prend sens dans l'instant et dans la confidence.

Pierre Soulages

Là, vous avez les bronzes qui sont nés de... qui sont autre chose, qu'il ne faut pas voir de la même manière. Et que j'ai travaillés en fonction de la lumière qui brille dessus d'ailleurs. Je me suis demandé, longtemps après, si ce n'était pas l'origine de mes peintures outrenoir.

Benoît Decron

Oui c'est vrai, c'est...

Pierre Soulages

Je me suis demandé ça parce que finalement, et c'est ce que je disais ce matin, je travaille avec le reflet, or... Comme j'ai fait ça deux-trois ans avant, lorsque j'étais en train de me désoler parce que j'avais recouvert toute ma surface de noir, et que je savais pas si j'allais en sortir, et que je travaillais depuis des heures à ça, je me suis... je ne suis quand même pas masochiste, je suis allé dormir. Quand je me suis réveillé, je suis allé voir ce que j'avais fait, je me suis aperçu que je ne travaillais plus avec du noir, que je travaillais avec la réflexion de la lumière sur le noir. Et peut-être cette idée de réflexion de la lumière sur le noir m'est venue de ça. Il est possible. Mais enfin je le dis avec un point d'interrogation.

Journaliste

Tenter de découvrir l'homme qui se cache derrière le miroir.

Journaliste

Notre quête nous mène à Conques. Une route que Soulages connaît bien. En 1986, l'artiste est choisi pour réaliser les cent quatre vitraux de l'abbatiale. Point de motif coloré au programme, le travail demandé sonne comme un retour aux sources, fait d'ombre et lumière.

Journaliste

Soulages a visité Conques adolescent, et en garde un souvenir puissant. C'est là qu'il rencontre sa vocation.

Pierre Soulages

La révélation de Conques, c'est à l'intérieur de l'abbatiale. L'espace et la manière dont la lumière jouait dans cet espace-là, quand je l'ai vu, les premières fois. Il n'y avait pas de vitraux colorés, à ce moment-là. Je vous parle de mon enfance, mon adolescence. Et c'est... l'espace architectural qui m'a, qui m'a impressionné, à un point où, ce jour-là, je me suis dit "au fond, il n'y a qu'une chose importante dans la vie, c'est l'Art".

Pierre Soulages

Ce jour-là, à Conques, j'ai décidé d'être... de faire de la peinture ma vie. Et pas de l'architecture. Mais c'est l'espace architectural de Conques qui m'a à ce point touché, qui m'en a décidé. Et puis je voyais autour de moi tous les gens qui perdaient leur vie à la gagner. Qui n'aspiraient qu'à une chose, au dimanche, puisque c'était le dimanche, le seul jour qui était disponible en dehors du travail. Et le dimanche, ils avaient des conduites... On avait l'impression qu'ils ne savaient pas que faire. J'ai trouvé ça... j'ai trouvé cette vie terrible. Et j'avais décidé de faire de la mienne autre chose. Et comme j'aimais peindre, d'être peintre. C'est au fond à Conques que je l'ai décidé.

Journaliste

Il le rendra bien, à Conques. Son travail autour des vitraux durera huit ans. Huit années à façonner, à la manière de l'artisan, ces grandes plaques de verre blanc. Autant de temps passé à dompter la lumière et à rendre à l'abbatiale romane ses couleurs initiales.

Journaliste

Conques, Rodez, l'Aveyron, Montpellier, Sète. Le cheminement de Pierre Soulages s'écrit entre Grands Causses et Languedoc. Artiste du monde, mais homme bien d'ici. L'artiste n'a pas d'enfants, et depuis quelques années il lègue. Son héritage, vingt grandes toiles données au musée Fabre de Montpellier par exemple. Des outrenoirs, beaucoup, comme s'il cherchait à laisser une trace dans les lieux qui l'ont vu grandir, à s'enraciner dans le territoire.

Michel Hilaire

Le fait aussi que l'épouse de Pierre Soulages, Colette Soulages, qui a été d'ailleurs elle-même associée à ces donations et associée à l'installation, a des liens très forts avec l'Hérault puisqu'elle est originaire de Sète, et donc il a cette maison aussi à Sète, où toute sa vie il est venu, depuis 58-59, tous les étés, se replonger dans cette ambiance, donc il est revenu aussi dans ce musée. Je crois que vraiment, là, on peut parler d'un ensemble, l'ensemble d'une aventure artistique, affective, autour de cette donation.

Journaliste

L'itinéraire de Pierre Soulages s'écrit entre ombre et lumière, entre douceur et rudesse. Les sillons de ses toiles rappellent le relief des paysages de son enfance. Né à Rodez en 1919, il garde avec ce territoire abrupt un rapport tourmenté, fait d'amour et de distance. L'Aveyron, un lieu qu'il a quitté, il y a plus de soixante ans.

Pierre Soulages

Je suis un individu, avec sa liberté, et quand on me parle de l'Aveyron, c'est le pays où je suis né, mais j'ai l'habitude de dire que je suis né, finalement, dans la peinture. Et dans la peinture moderne, et dans la peinture contemporaine. C'est ça ma véritable naissance. Mais mon lieu d'origine, c'est l'Aveyron, mes goûts se sont formés dans l'Aveyron, mes choix se sont faits dans l'Aveyron, j'ai aimé la grande façade nue de la cathédrale de Rodez, j'ai aimé les grands plateaux, j'ai aimé, oui, tout ça c'est mes goûts qui se sont formés dans l'Aveyron. Et puis peut-être aussi une certaine opiniâtreté qui est aveyronnaise, je trouve, et qui a fait que je n'ai pas dévié de ma ligne, du début jusqu'à maintenant.

Journaliste

Une affection qui l'a poussé, il y a cinq ans, à donner cinq cents pièces à la ville de Rodez. Un musée qui portera son nom devrait sortir de terre dans les deux prochaines années. L'artiste voulait un musée dans un jardin, les matériaux choisis sont à son image. Bruts et simples. Fait de bois et d'acier, ouvert à la lumière, le musée accueillera ses oeuvres de jeunesse et celles d'artistes contemporains. La capitale aveyronaise hérite d'une des signatures les plus convoitées du monde.

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Soulages - Le mag : Pierre Soulages, de l'ombre a la lumière - Ina.fr

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Journaliste Il est le peintre de tous les superlatifs. Premier artiste vivant invité à exposer au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Peintre français le mieux côté au monde. Présent dans les musées d'art contemporain de New York et Londres. Un artiste dont l'oeuvre ne laisse pas indifférent. Inconnu 1 Ca me plaît.

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Wim Delvoye, l'art et la lutte des classes

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Rencontre inédite avec Wim Delvoye dans son atelier lors des préparatifs de son exposition au Louvre. 7 chapitres, 18 minutes avec ce "mâle, blanc" qui pense son nom comme une "marque" créant des oeuvres "haute définition", souvent "scatologiques", issues des cultures dites "populaires".

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World Premiere of Wim Delvoye's Super Cloaca at Mudam / Luxembourg

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L'artiste Jeff Koons s'invite à Versailles, mélangeant classicisme et pop - Lumni | Enseignement

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Des œuvres de l'artiste plasticien américain Jeff Koons sont installées au château de Versailles. Le choc des styles entre classicisme et pop-art entraîne une polémique à l'intérieur et autour du château.

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Une famille heureuse et... nombreuse !

A 6 h 30, mon fils Shawn, 3 ans, déboule immuablement dans notre chambre. C'est le réveil de la maison : tous les jours de l'année, il est debout à cette même heure ! Parfois, je descends préparer le petit déjeuner que nous prenons en famille avec ma femme, Justin, et nos cinq enfants. Ils ont entre 9 ans et 2 mois, l'âge de la petite dernière, Scarlett Eve. Enfin une fille après quatre garçons ! Ma femme et moi adorons les enfants et chacun nous rend plus heureux. J'ai aussi deux aînés qui n'habitentpas avec nous, ma fille Shannon, qui a 35 ans, et mon fils de 17 ans [Ludwig qu'il a eu avec la Cicciolina, ndlr].

La conception des oeuvres au studio

Chaque matin, je quitte ma maison, up town, à 8 h 15 pour me rendre à mon studio de 20 000 mètres carrés à Chelsea. Cent trente-cinq personnes y travaillent dans différents départements : la peinture, la sculpture ou encore la peinture des sculptures ! Il y a aussi les pros de l'ordinateur, certains étant uniquement spécialistes de la 2D et d'autres de la 3D. Contrairement à ce que beaucoup de gens pensent, je ne produis pas énormément, et seulement une vingtaine de peintures et de sculptures sortent chaque année du studio. En fait, leur réalisation nécessite tellement de temps que les idées que j'ai aujourd'hui ne prendront pas forme avant deux à trois ans ! Ainsi, l'idée de la Art Car - cette voiture conçue pour BMW qui a couru aux dernières 24 Heures du Mans - mûrissait depuis très longtemps. Si j'ai autant d'assistants, c'est aussi parce que cela ne m'intéresse pas d'être enfermé dans ma tour d'ivoire et de travailler uniquement sur moi-même. J'ai besoin d'être entouré, de partager. Cela me vient de mon père qui aimait beaucoup les gens. Il était décorateur, possédait un magasin de meubles, et c'est lui qui m'a également transmis le sens de l'esthétique. Mes parents ont toujours été d'un grand soutien. Enfant, je faisais du porte-à-porte, ils conduisaient la voiture et m'y attendaient, pendant que j'allais sonner chez les gens pour proposer des bonbons, des chocolats... Mes motivations étaient doubles : me faire de l'argent de poche et, en même temps, j'aimais cette idée qu'on ne sait jamais qui va ouvrir la porte, à quoi vont ressembler le propriétaire, la décoration de la maison... C'est cette interaction qui se crée avec l'autre, cette rencontre, que je recherche dans l'art.

Un avenir précoce

Je déjeune tous les jours au studio, entre midi et 13 heures, toujours la même salade - je suis un homme d'habitude ! Si je sortais, je perdrais mon énergie. A partir de quand ai-je su que je voulais être artiste ? A 4 ans. Mon grand-père recevait un journal qui publiait une bande dessinée qui s'appelait " Capi Dick ". C'était un marin en train de préparer son bateau, de pêcher, de revenir au port..., et le lecteur devait dessiner la suite de l'histoire. J'y passais des heures si bien qu'au final j'ai gagné un prix. Une récompense fondamentale, car, pour la première fois, j'avais trouvé un domaine dans lequel je pouvais enfin être plus fort que ma soeur aînée ! Au moins un après-midi par semaine, mes fils viennent au studio, ils adorent cet endroit, et chacun y amène régulièrement sa classe.

Pas d'extinction des feux après minuit

A 17 h 30, je quitte le bureau et rentre à la maison. Le soir, quand nous sortons, c'est dans des réceptions organisées par des musées, des fondations, mais, le plus souvent, nous dînons à la maison. D'ailleurs, si vous me demandiez de vous conseiller un restaurant branché, j'aurais du mal à vous donner une adresse. Après le dîner, je vais systématiquement surfer sur Internet. Pendant deux à trois heures, je regarde des milliers d'images, en rapport avec mes idées d'oeuvres du moment. Actuellement, je m'intéresse aux ballerines et à Vénus, et je collecte beaucoup de photos de porcelaines de Dresde ou de Sèvres. Ensuite, je les scanne et les passe aux rayons X pour voir comment elles sont faites à l'intérieur... Une vraie dissection. Avant, je pouvais veiller ainsi jusqu'à 2 heures du matin, mais, aujourd'hui, avec cinq enfants à la maison, c'est extinction des feux à minuit au plus tard.

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Il expose à Paris sa série sur Popeye, " Jeff Koons Popeye sculpture ", jusqu'au 20 novembre à la galerie Jérôme de Noirmont. L'occasion pour la star de l'art contemporain de raconter son quotidien à New York, loin de ses frasques passées avec la Cicciolina, aujourd'hui dévolu à son travail et à...

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Site du Centre Pompidou (Paris) : agenda des manifestations, collection en ligne, informations pratiques, achat de billets, etc.

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1. Article du Monde "L'art en bande organisée" : introduction
2. Le topos de l'artiste solitaire
3. Trois artistes contemporains solitaires ? Soulages(Polyptyque F), Delvoye (Cloaca) et Koons, (Balloon Dog)
4. La Factory, ou le duo Warhol-Basquiat, un véritable collectif ? Ten Lizes, Untitled Skull et Eiffel Tower

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L'exposition du Musée du Luxembourg est ouverte du 4 octobre 2017 au 14 janvier 2018.

Un avant-goût en images, avec les explications d'Emmanuel Coquery, directeur scientifique de la Réunion des musées nationaux-Grand Palais

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L'exposition du Musée du Luxembourg est ouverte du 4 octobre 2017 au 14 janvier 2018. Un avant-goût en images, avec les explications d'Emmanuel Coquery, directeur scientifique de la Réunion des musées nationaux-Grand Palais

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'Rubens - Portraits princiers' au Musée du Luxembourg - Reportage (20/10/2017)

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La Descente de la croix de Pierre Paul Rubens

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Andy Warhol (de son vrai nom Andrew Warhola), né le 6 août 1928 à Pittsburgh en Pennsylvanie etmort à New York le 22 février 1987 est un artiste américain; il appartient au mouvement artistique : Pop Art, dont il est l'un des innovateurs. Warhol est connu dans le monde entier par son travail de peintre, de producteur musical, d'auteur, par ses films d'avant-garde, et par ses liens avec les intellectuels, les célébrités de Hollywood ou les riches aristocrates. Warhol est généralement reconnu comme l'un des artistes les plus connus du XXe siècle.
Les années 60
Au tout début des années 1960, le pop art américain émerge avec Andy Warhol et autres artistes. C'est surtout la branche américaine qui va populariser ce courant artistique devenu majeur, qui questionne la consommation de masse de façon agressive. Il s'agit principalement de présenter l'art comme un simple produit à consommer : éphémère, jetable, bon marché... Dans la même année, Warhol réalise ses premiers tableaux inspirés des comics (bandes dessinées). Il peint ses premières boîtes de soupes Campbell's et Dollars, et compose aussi ses premières sérigraphies (technique d' imprimerie qui utilise des écrans de soie interposés entre l'encre et le support) sur les stars américaines. Première exposition exclusive à la Eleanor Wards Stable Gallery à New York.

En janvier 1964, Warhol ouvre la Factory dans un loft sur la 47eme rue. C'est une sorte d'atelier artistique qui sert en même temps de studio d'enregistrement pour ses œuvres cinématographiques et de lieu de rencontre pour son entourage. C'est là qu'il tourne plusieurs films expérimentaux, largement improvisés, sans sujet ni scénario. À la manière de ses toiles, ces films ne sont en réalité qu'une seule séquence répétée plusieurs centaines de fois, comme par exemple dans Sleep, où l'on voit le même homme dormir pendant 20 minutes, cette séquence étant répétée dix-huit fois pour former un film de six heures.

Ainsi de la même manière que la Factory avait servi à produire à la chaîne les serigraphie les plus chères de l'histoire de l'art, ce lieu devait aussi servir à Warhol à produire du mythe de l'image sociale en quantité industrielle, et propulser dans la grande constellation des VIP quiconque mettrait les pieds chez lui. La Factory, la "fabrique" donc, se devait d'être ce loft des années 1960/1970, cet endroit où on entre anonyme et d'où on sort "Superstar" (selon la terminologie de Warhol).

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Andy Warhol (de son vrai nom Andrew Warhola), né le 6 août 1928 à Pittsburgh en Pennsylvanie etmort à New York le 22 février 1987 est un artiste américain; il appartient au mouvement artistique : Pop Art, dont il est l'un des innovateurs.

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Une grande partie de l'œuvre de Andy Warhol consistait à interroger la production d'images. Images de stars, unes de journaux, symboles de l'Amérique, mais aussi images sociales, ces masques quenous mettons entre nous et les autres dans un va-et-vient entre l'être et le paraître qui était la seule chose vraiment primordiale à ses yeux.Andy Warhol a ouvert la factory le 28 janvier 1964.

La Factory était située à New York. Située d'abord, en janvier 1964, au cinquième étagedu 231 East sur la 47 e rue (" Silver Factory ", car ses murs étaient recouverts depeinture argentée) puis déménagée en 1968 au sixième étage du 33 UnionSquare West.

De la même manière que la Factory avait servi à produire à la chaîne lessérigraphies les plus chères de l'histoire de l'art, ce lieu devait aussi servir à Warholà produire du mythe, de l'image sociale en quantité industrielle, et propulser dans la grande constellation des VIP quiconque mettrait les pieds chez lui.

La Factory, la " fabrique " donc, se devait d'être ce loft des années 1960/1970, cet endroit où on entre anonyme et d'où on sort " Superstar " (selon la terminologie de Warhol). Cet atelier allait donc accueillir tout ce que Warhol et ses acolytes pourraient produire. Galerie d'exposition, studio de tournage, salle de projection, salle de concert, boîte de nuit, tous les événements étaient prétextes à la réunion du gratin de la jet-sey new-yorkaise qui venait s'encanailler allègrement avec tous les paumés, dépressifs, toxicos dont Warhol aimait s'entourer dans des fêtes géantes où les classes sociales étaient abolies, tout le monde logeait à la même enseigne du super-star-system underground. De fait, la célébrité importait peu, même si de nombreuses figures du monde de l'art, des médias ou du cinéma traînaient dans les parages, de Salvador Dali à William Burroughs, de Dylan à De Niro. Ce qui importait, c'était d'être une star, et pour être une star, il suffisait de le dire, et d'être là. Rien de plus.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Factory
L'intérieur de l'atelier
L'atelier d'Andy Warhol, une véritable usine à œuvre d'art. Entierement décoré par Billy Name par des feuilles d'aluminium, la Factory est rapidement devenue un lieu culte de la scène artistique new-yorkaise.

Quand l'artiste se fait machine... l'atelier devient usine

Dans ses différentes versions, la Factory est un espace de création proche d'un atelier traditionnel par son organisation hiérarchique - avec un maître qui jette les bases du travail entouré d'assistants qui exécutent les tâches - et un lieu en perpétuelle ébullition où se rencontrent le grand monde et l'underground new-yorkais.
Le premier loft
Installé dans une friche industrielle de la 47e rue Est de New York, l'atelier ouvert par Andy Warhol en 1963 reflète non seulement sa méthode de travail mais aussi sa personnalité. Dans ce grenier entièrement recouvert, jusqu'aux toilettes, de papier d'argent, de peinture argentée et d'éclats de miroirs, collectionneurs, galeristes et conservateurs de musée côtoient l'entourage de l'artiste : des personnalités issues de la culture underground, junkies, travestis et prostitués, devenues de véritables célébrités à New York.

Stephen Koch note dans son ouvrage Hyperstar : Andy Warhol, son monde, ses films : " la Factory inversa le rôle traditionnel de la culture underground : tandis que le microcosme occulte tournait le grand monde en dérision, ce dernier le contemplait avec fascination, illuminant la Factory des feux de sa curiosité. Le public du monde extérieur fit alors partie du spectacle. Tous, à la Factory, savaient qu'ils étaient regardés, et une conscience de soi, théâtrale et rayonnante, se fit jour... ".
Ainsi l'atelier de Warhol réunit non seulement les conditions matérielles de production de ses œuvres, mais contribue à construire sa réputation à travers ses fréquentations.
L'atelier est un lieu de production d'images à double titre : celles que l'artiste fabrique et aussi bien la sienne propre.
De la " Factory " au " bureau " Avec le perfectionnement de sa méthode, Warhol a besoin d'une structure quasi-professionnelle qui transforme l'atelier en usine. Ainsi, la nouvelle Factory est de moins en moins un lieu de fête, d'autant que l'artiste développe une activité cinématographique de grande ampleur. Après 1974 et un autre déménagement, il demande d'ailleurs aux standardistes de cesser d'annoncer au téléphone " la Factory ", pour tout simplement dire le " bureau ".
Cette évolution reflète des ambitions que Warhol confie lui-même dans son premier écrit autobiographique, Ma Philosophie de A à B et retour (p.79) : " L'art des affaires est l'étape qui succède à l'art. J'ai commencé comme artiste commercial [Warhol fait ici allusion à son métier de designer pour une marque de chaussures dans les années 50] je veux finir comme artiste d'affaires ". L'atelier devient le bureau des "?%

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Une grande partie de l'œuvre de Andy Warhol consistait à interroger la production d'images. Images de stars, unes de journaux, symboles de l'Amérique, mais aussi images sociales, ces masques quenous mettons entre nous et les autres dans un va-et-vient entre l'être et le paraître qui était la seule chose vraiment primordiale à ses yeux.Andy Warhol a ouvert la factory le 28 janvier 1964.

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2015 |Cet été, La Grande table vous invite à tendre l'oreille juste avant la sieste... Itinérante, elle prendra tout d'abord le chemin des festivals, de Paris à Avignon, de Metz à Arles pour laisser place, à mi-parcours, à la musique, juste avant le tête-à-tête radioscopique de notre deuxième partie.

1ère partie "Si vous voulez tout savoir d'Andy Warhol, ne regardez que la surface, celle de mes peintures, de mes films et la mienne et me voilà. Il n'y a rien derrière". * Andy Warhol* , l'homme aux mille masques, sans cesse caché derrière son oeuvre. On ne perçoit de lui que ce qu'il a bien voulu nous laisser entrevoir : l'artiste polymorphe qui a redéfini les contours mêmes de l'oeuvre d'art.

L'histoire que nous allons vous raconter aujourd'hui, se déroule dans un monde argenté : celui de la célèbre "factory", l'usine underground devenue la factory commerciale des années 80 a légitimé la production en série comme processus créateur. Elle fut un lieu de création, de rencontres, de dialogue entre artistes, elle fut le chef d'oeuvre ultime de l'artiste dont rend compte l'exposition Warhol Underground du centre Pompidou Metz.

Avec Michel Nuridsany écrivain et critique d'Art, Tania Goldenberg , auteur de Andy Warhol, un prophète américain .

*Live * Cabaret Contemporain / *Neon Light *
2ème partie

*Nick Hornby * est amateur de football, de musique pop et auteur de romans à succès, pour la plupart portés à l'écran. * Nous l'avons rencontré chez son éditeur parisien, à l'occasion de la sortie de son dernier roman, *Funny Girl . Revenant sur ses débuts, Nick Hornby évoque le livre qui lui a donné envie d'écrire : Le *déjeuner de la nostalgie, * d'Anne Tyler.

Chronique Pierre de Boishue (Figaro Magazine), série Les descendants de : " La famille Eiffel "

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Warhol ou l'art de la Factory / Live : Cabaret Contemporain / Portrait : Nick Hornby

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Cet été, La Grande table vous invite à tendre l'oreille juste avant la sieste... Itinérante, elle prendra tout d'abord le chemin des festivals, de Paris à Avignon, de Metz à Arles pour laisser place, à mi-parcours, à la musique, juste avant le tête-à-tête radioscopique de notre deu[...]

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Présentation d'exposition : "Figure d’artiste" dans la Petite Galerie

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Présentation d'exposition : Dans l'atelier, la création à l'œuvre

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Andy Warhol (1928 - 1987) Ten Lizes, 1963, Encre sérigraphique et peinture à la bombe sur toile,201 x 564,5 cm, Centre Pompidou, Paris

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Andy Warhol (1928 - 1987) Ten Lizes, 1963, Encre sérigraphique et peinture à la bombe sur toile,201 x 564,5 cm, Centre Pompidou, Paris

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Jean-Michel Basquiat et Andy Warhol, Eiffel Tower, 1985, acrylique et sérigraphie sur toile, 203 x 275 cm © Estate of Jean-Michel Basquiat Licensed by Artestar, New Yor / David Bordes / Jean-Michel Basquiat

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Jean-Michel Basquiat et Andy Warhol, Eiffel Tower, 1985, acrylique et sérigraphie sur toile, 203 x 275 cm © Estate of Jean-Michel Basquiat Licensed by Artestar, New Yor / David Bordes / Jean-Michel Basquiat