# data[].attributes.body
Art : trois lettres pour désigner un monde merveilleux, revisité par les artistes. Depuis toujours, ils utilisent leur talent pour recréer la beauté des choses qui nous entourent, et nous offrent ainsi un univers de formes et de couleurs qui donne à voir et à réfléchir, à s’émouvoir.

Tout un programme …. Pour t’aider à préparer ton exposés, voici quelques consignes à respecter :

Choix d’une époque, d’un artiste, d’une oeuvre.

Chaque groupe présente une brève présentation de l’oeuvre d’art. ( 10 minutes max.).

La présentation suit les étapes  présentée dans le petit carnet        «  Analyser une oeuvre d’art »

Chaque élève prends des notes et pose des questions afin de compléter au mieux son carnet.

• Période.
• Courant artistique.
• Nom de l’artiste.
• Titre de l’œuvre.
Description formelle.
• Interprétation de l’oeuvre.
• Description technique (exemple : huile sur toile).
• Année de création (finalisation) de l’œuvre.
• Lieu d’exposition (ville et musée).

La présentation orale durera environ 10 minutes.  L’exposé ne doit pas être une simple lecture, le sujet doit être maîtrisé.

# data[].attributes.body
Une petite vidéo pour appréhender tous les aspects de l'analyse d'une oeuvre d'art.

# data[].attributes.headline
Les clefs pour analyser une oeuvre d'art .... 

# data[].attributes.subject
Les clefs pour analyser une oeuvre d'art .... 

# data[].attributes.body
Voici la grille d'évaluation pour votre exposé oral.

# data[].attributes.body
Voici le document que vous allez recevoir afin de prendre des notes plus facilement pendant les exposés oraux de votre groupe.

Vous pourrez alors plus facilement constitué le carnet d'histoire de l'art demandé pour la fin de l'année scolaire.

# data[].attributes.body
Voici l'ensemble des tableaux choisis dans le cadre du volet "Histoire de l'art" pour votre option Art en 3ème.

Les deux groupes sont différencier par la couleur de fond.

Vert pour le groupe de Mme D'Outreligne

Orange pour le groupe de Mme Moerenhout

!!!! Disponible dès que nous aurons reçu l'ensemble des sujets.

# data[].attributes.body
Ce Padlet à été construit pour vous faciliter la compréhension des différents mouvements de l'histoire de l'art.

Il est présenté sous la forme d'une ligne du temps et reprend un petit explicatif pour chaque courants ainsi que les artistes et les oeuvres choisis cette année.

# data[].attributes.body
Dans le courant du XVe siècle, les sociétés européennes se transforment, l'art aussi. Dès le XIVe siècle, les artistes italiens vont ramener au grand jour l'héritage de l'Antiquité grecque et romaine. C'est pourquoi cette période est appelée « renaissance » .

La production artistique du Moyen Âge était très riche, mais la Renaissance amorce un grand changement dans la façon de représenter le monde.

Ce changement débute avec Giotto (vers 1266-1337), artiste italien. Il va beaucoup influencer les peintres du XVe siècle. On redécouvre l’art des anciens grecs et des romains.

L'humanisme

Un courant humaniste naît. Alors que Dieu était au cœur de la pensée médiévale, la Renaissance place l'homme au centre de ses préoccupations.
On s’interroge sur le monde qui l’entoure. Les humanistes sont des penseurs, des écrivains ou des savants. Ils apprennent les langues pour traduire, avec exactitude, les textes anciens. Ils sont passionnés par l’antiquité et veulent changer la place de l’homme dans la société.

En Hollande, le penseur Érasme (vers 1467-1536) préconise l’éducation et la lecture des textes pour former l’esprit critique.

# data[].attributes.body
Sandro Botticelli

La naissance de vénus.

# data[].attributes.body
Léonard de Vinci - l'homme de Vitruve

# data[].attributes.body
Les peintures réalisées dans les Pays-Bas méridionaux au cours du XVe siècle et au début du XVIe siècle constituent un point d’orgue dans l’histoire de l’art.

C’est pendant cette période qu’un groupe d’artistes prend son essor : les Primitifs flamands. Ce groupe de peintres, qui compte notamment Rogier van der Weyden, Hans Memling, Dieric Bouts et Jan van Eyck, vivent et travaillent dans différentes villes florissantes comme Anvers, Bruges, Gand, Leuven et Bruxelles.

Grâce à leur maîtrise de la nouvelle technique de la peinture à l’huile et à leur sens du détail, ils propulsent l’art pictural à des niveaux inégalés et changent à jamais le cours de l’histoire de l’art.

C’est l’époque où les commandes affluent non seulement des différentes cours et institutions religieuses, mais aussi des villes et de leurs habitants. Pour la première fois, le peintre bénéficie d’un statut de premier plan dans la société.

Aujourd’hui, nous sommes toujours fiers de cet héritage artistique sans pareil. Vous pouvez admirer l’héritage laissé par les Primitifs flamands dans de nombreux musées disséminés aux quatre coins de la Flandre. Les plus importants sont le Musée royal des Beaux-Arts d’Anvers, les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles et le Musée Groeninge à Bruges. Citons par ailleurs le Musée des Beaux-Arts de Gand, le Musée M de Leuven , le Musée Mayer van den Bergh à Anvers et le Musée de l’Hôpital Saint-Jean à Bruges, qui possèdent eux aussi une série d’œuvres réalisées par les Primitifs flamands.

# data[].attributes.headline
Les primitifs flamands - 15e et 16e siècle

# data[].attributes.subject
Les primitifs flamands - 15e et 16e siècle

# data[].attributes.body
Jérome Bosch - Le jardin des délices

# data[].attributes.body
La tentation de Saint Antoine

Jérome Bosch.

# data[].attributes.headline
Les primitifs flamands - 15e et 16e siècle. 

# data[].attributes.subject
Les primitifs flamands - 15e et 16e siècle. 

# data[].attributes.body
Les primitifs flamands.

Jan van Eyck - Adam et Eve ( Le retable de Gand)

# data[].attributes.body
Le baroque est un mouvement artistique qui trouve son origine en Italie dans des villes telles que Rome, Mantoue, Venise et Florence dès le milieu du 16e siècle et qui se termine au milieu du 18e siècle. Il y a un âge baroque différent selon les domaines, qu'ils soient intellectuels, historiques ou artistiques.

Le baroque, qui touche tous les domaines, se caractérise par l’exagération du mouvement, la surcharge décorative, les effets dramatiques, la tension, l’exubérance des formes, la grandeur parfois pompeuse et le contraste.

L’époque baroque a tenté de dire « un monde où tous les contraires seraient harmonieusement possibles ».

À l'origine, le baroque était un terme péjoratif, relevant de la bizarrerie et de l'étrangeté. L’adjectif « baroque » apparaît au XVIe siècle sous le nom de berrueco (en Espagne) et barroco (au Portugal) pour désigner, en joaillerie, une perle irrégulière.

Le mot « baroque » pourrait aussi provenir d'un moyen mnémotechnique utilisé à la Renaissance pour retenir la façon de construire, en logique aristotélicienne, un des syllogismes de la deuxième figure, Baroco.

La bizarrerie qu'on attache depuis toujours au baroque serait née de cette manière futile et pédante de raisonner, pour finir, au XVIIIe siècle, par désigner « la forme la plus extrême du bizarre »².

Il touche tous les domaines artistiques, sculpture, peinture, littérature, architecture, théâtre et musique et se répand rapidement dans la plupart des pays d’Europe.

# data[].attributes.body
Johannes Vermeer - la jeune fille à la perle

# data[].attributes.body
Rembrandt - La ronde de nuit.

# data[].attributes.headline
L'art Moderne et les courants du XXe siècle 

# data[].attributes.subject
L'art Moderne et les courants du XXe siècle 

# data[].attributes.body
L'appellation d'art moderne désigne une période de l'histoire de l'art qui est initiée par Édouard Manet et les peintres impressionnistes dans les années 1870 et s'achève au milieu des années 1950, notamment avec la naissance du pop art.

Pourquoi appelle t-on moderne l'art de la période courant des années 1850 à 1950 ? La notion de modernité émerge dans les années 1850 pour désigner les profonds bouleversements que connaissent les pays industrialisés à partir du 19ème siècle avec les révolutions techniques et industrielles.

Cependant, la modernité est également un mode de pensée et de création qui se veut résolument novateur et en réaction avec les règles de l'Académie des Beaux-Arts. L'Académie des Beaux-Arts, qui depuis 1725, acceptaient ou non d'exposer les artistes dans le Salon de peinture et de Sculpture (communément appelé le Salon) perd de l'influence et les jurys des Salons perdent leur très forte crédibilité aux yeux des peintres, du public et de l'Etat. Les peintres hors académie (car enfreignant les règles établies par cette dernière) refuseront peu à peu d'être exposés au côté des peintres académiques.

Dans le même temps, la critique d'art se développe car l'art devient un sujet d'écriture. De grands écrivains comme Baudelaire ou Zola écrivent des critiques sur le travail d'artistes modernes souvent pour leur apporter leur soutien. Certains artistes eux-mêmes écrivent des critiques d'art comme Matisse ou des manifestes (manifeste du dadaïsme, manifeste du surréalisme).

Enfin l'émergence de la photographie comme nouveau médium de l'art visuel a de nombreux impact sur les artistes. Ils y voient tout d'abord une raison supplémentaire pour s'éloigner du figuratif et des canons de l'art classique. La photographie sera également une nouvelle source d'inspiration et un support de travail : les artistes prennent des photographies de paysages ou d'objet pour ensuite les restituer plus ou moins fidèlement dans leurs oeuvres.

# data[].attributes.body
Fin du 19e siècle / Début du 20e s.

Avec leur volonté de représenter le motif en fonction de la lumière et de ses effets, les impressionnistes remettent en question les principes artistiques qui définissaient jusqu’alors la représentation picturale. L’impressionnisme ne cherche pas le sens mais la forme, qu’il réinvente en peignant l’instant selon les lois scientifiques de la perception visuelle, en utilisant la couleur comme seul outil de composition.

Des artistes, en marge de l’art officiel de la seconde moitié du XIXeme siècle, créent en 1863 le Salon des refusés, qui rassemblent les peintures qui ne sont pas admises au salon officiel. Principal vecteur entre les artistes et le public, le Salon officiel permettait la célébrité et l’accès au marché de l’art aux peintres qui respectaient les conventions académiques de l’époque.

En plus du Salon des refusés, le groupe qui deviendra bientôt connu sous le terme d’impressionniste (nom attribué de manière péjorative par un critique d’art regardant le tableau de Monet Impression, soleil levant) décide d’organiser des expositions indépendantes. L’académie crie au scandale et les critiques attaquent avec violence le style présenté par le groupe. Néanmoins les cercles cultivés et intellectuels adhèrent rapidement à cette peinture nouvelle, à sa texture brute et épaisse, à son rendu “non fini“ qui s’attache à traduire une impression plutôt qu’à rechercher la perfection réaliste du dessin.

Si les impressionnistes sont en marge de l’art officiel et incarnent la révolte picturale de leur temps cela est totalement indépendant de leur volonté. Ils font une peinture qui s’adresse à la bourgeoisie. Leur univers est calme, joyeux, léger, insouciant. Ils peignent des scènes de la vie quotidienne avec le souci de créer une "vérité visuelle" qui tient compte de la lumière et de ses effets sur les motifs qu’ils intègrent à leurs compositions. Le sens philosophique de la scène, les sentiments ou l’introspection ne sont pas leur propos.

C’est en fait une autre forme de réalisme que les premiers impressionnistes, Monet et Renoir en particulier, cherchent à mettre en place à la fin des années 1860, sans toutefois figer leurs innovations dans une quelconque théorie esthétique.

Les impressionnistes reprennent aux réalistes l’idée de ne peindre que des sujets contemporains et ils y ajoutent leur volonté de les représenter tels qu’ils les perçoivent à l’endroit et à l’instant où ils les réalisent leur tableau. Cela est rendu possible par l’apparition récente du tube de peinture souple qui permet aux artistes de sortir pour aller peindre hors de l’atelier.
L’invention de la photographie a également joué un rôle dans l’art du XIXeme siècle grâce la possibilité qu’elle offre pour imaginer de nouveaux cadrages mais surtout dans le fait que l’image fige le motif à un instant précis, gardant sur l’image les effets atmosphériques présents lors de la prise du cliché ; effets qui auraient été supprimés par la volonté d’idéalisation des peintres académiques.

# data[].attributes.body
G. Caillebotte - Rue Halevy- Vue du 6ème étage.

# data[].attributes.body
William Turner - The fighting Temeraine.

# data[].attributes.body
Multiforme et international, le mouvement Art nouveau est celui des courbes et des arabesques. Librement inspiré par la nature, privilégiant aussi le thème de la femme, il est un pur produit de la Belle Époque (1890–1914). En France, c’est surtout Hector Guimard qui l’incarne, au travers des bouches de métro dont il est l’architecte, et l’École de Nancy, autour d’Émile Gallé. Céramiques, meubles, objets d’art, verreries… L’Art nouveau offre un véritable univers esthétique idéalement mis à la portée de tous. L’un de ses apports majeurs est d’avoir fait tomber la barrière traditionnelle entre arts majeurs et arts mineurs, en élevant par exemple l’affiche aux rangs des beaux-arts. En Allemagne, l’Art nouveau prend le nom de Jugendstil, tandis qu’en Angleterre il s’incarne dans le mouvement Arts & Crafts. Parfois qualifié de Modern Style, il signe un véritable renouveau de l’art décoratif européen à l’ère de l’industrialisation croissante.

L’art nouveau puise ses racines dans le mouvement Arts & Crafts, apparu en Angleterre dans les années 1860. Il s’apparente à un désir de retour à l’artisanat, à une revalorisation du travail ouvrier, à la création de beaux objets utilitaires. William Morris en fut l’un des grands promoteurs. Il s’agit de relancer l’art de l’ébénisterie, de la poterie, de l’émaillage, en renouant avec un retour à la nature et la simplicité. C’est un peu l’émergence du design qui s’exprime au travers de ce mouvement.

En France, l’Art nouveau a émergé au début des années 1890, et fut rapidement qualifié de « style nouille », en raison du privilège donné aux arabesques sur les lignes droites. Il touche principalement l’architecture et les objets de décoration d’intérieur, comme les meubles et les verreries. L’architecte Hector Guimard en est l’un de ses plus célèbres représentants. La promotion de l’Art nouveau fut assurée par le marchand Samuel Bing qui ouvrit un magasin à Paris en 1895. Les représentants du style (Louis Majorelle, Émile Gallé, René Lalique, Eugène Grasset…) s’illustrent particulièrement lors de l’exposition universelle de 1900.

Ses œuvres se caractérisent par des motifs et couleurs exubérants, principalement inspirés par la flore, le monde marin et le japonisme. Le but est la création de formes à la fois simples et harmonieuses.

En Allemagne, comme en France, l’émergence de ce nouveau style décoratif souhaite remettre au goût du jour les vertus de l’artisanat, face à l’émergence de la production industrielle. Là encore, il s’agit d’une esthétique fin de siècle, marquée par la volonté de créer un art total. En Autriche, la richesse de cette inspiration symboliste s’exprime au travers de la personnalité de Gustav Klimt et de l’organisation de Sécessions, des expositions internationales. Aux quatre coins de l’Europe, de nombreux bâtiments témoignent de l’influence de cette esthétique, comme les constructions d’Antoni Gaudí à Barcelone, le bâtiment de la Sécession à Vienne, certains hôtels particuliers de Bruxelles ou encore les bouches de métro parisiennes réalisées par Hector Guimard.

La Grande Guerre signe de la fin des inspirations libres et volubiles de l’Art nouveau. Il cédera la place au style Art déco qui, dans les années 1920, promeut un retour au classicisme.

# data[].attributes.body
Mucha - Spring

# data[].attributes.body
Gustav Klimt - Frise Beethoven

# data[].attributes.body
L'inspiration première vient de l’œuvre de Cézanne qui transforme la vision en volumétrie concrète. Braque et Picasso en créant le courant cubisme abolissent la perspective, principe fondamental de la peinture depuis la renaissance. Dès lors le spectateur est confronté à une image dont il peut faire le tour sans avoir à se déplacer : la troisième dimension entre dans l'espace bidimensionnel.

APRÈS CÉZANNE

Cézanne remet en question la perception en perspective issue de la Renaissance Italienne. Il déforme les volumes et les plans, quitte à créer de « fausses perspectives ». Dans ses natures mortes, on peut observer simultanément différents points de vue et des décalages de plans. Par exemple, la table est montrée vue du dessus, alors que les fruits sont représentés vus de face. Il n’hésite pas à s’éloigner de la « justesse » du dessin, et à déformer les choses, si cela peut servir sa composition et mettre en valeur tel ou tel contraste qui l’intéresse, ou s’il veut mettre en avant une forme particulière.

Il aboutit aussi dans ses compositions à une grande simplification des formes et des surfaces colorées, de plus en plus géométriques, qui s’éloignent de la représentation réaliste de la peinture classique.

REPRÉSENTER CE QUE L'ON SAIT

Suivant la voie ainsi ouverte Georges Braque et Pablo Picasso, les premiers, ont la volonté de représenter l’objet tel qu’il est, dans sa globalité, dans son intégralité, et non tel qu’on le voit de manière directe, c’est-à-dire du seul point de vue de notre oeil. Il y a donc une rupture radicale avec la représentation perspective à point de fuite de la Renaissance qui présente la scène de manière réaliste à partir d’un point de vue unique qui correspond à celui de notre regard.

Les cubistes veulent montrer ce qui fait l’essence d’une chose, la montrer dans son intégralité. Ils veulent montrer tout ce qui peut caractériser une forme, même si dans la réalité, on ne peut pas le percevoir simultanément. Par exemple, ce qui caractérise une tasse, c’est l'anse que l’on voit quand on l’observe de face, l’ellipse qui se dessine quand on la regarde d’au-dessus, et la forme du récipient lui-même vu de profil.

Le cubiste, va chercher à montrer l’essentiel de ce qu’est une tasse, en représentant ses différentes caractéristiques, ses différents plans, simultanément sur le plan de la toile, même si cela ne correspond pas à ce que l’on peut observer dans la réalité. Ce principe est appliqué aux objets comme aux personnages.

Cela fait penser aux représentations égyptiennes dans les hiéroglyphes, qui, pour signifier la chose en montrent les éléments caractéristiques et essentiels, même s’ils ne se situent pas nécessairement sur un même plan dans la réalité : pour montrer une vache, on va en montrer le profil, et simultanément, les cornes qui la caractérisent, vues de face. Il en va de même pour les personnages qui sont représentés avec le corps vu de face et le visage de profil.

On voit d’ailleurs à cette époque de nombreuses références à l’Afrique et à l’Egypte dans toute la culture, aussi bien littéraire, que théâtrale, au cinéma ou en musique. Le thème des momies est souvent emprunté ainsi que de nombreux thèmes orientaux et africains. C’est la mode de l’exotisme et de la fascination des autres continents que sont l’Asie, l’Inde et l’Afrique.

L’aspect géométrique des formes cubistes est aussi très inspiré des sculptures africaines. De nombreux artistes s’y intéressaient de très près. Certains portraits ressemblent en effet à s’y méprendre à des copies de masques africains.

Inspiré par ces types de représentations, le cubisme cherche à traduire la vérité de l’objet en l’analysant de manière concrète dans chacune de ses parties et à rendre compte de ses différents points de vue sur une même image. Mais l’analyse des formes et est de plus en plus complexe et les formes deviennent de plus en plus morcelées, fractionnées. À force de complexité, les cubistes finissent par perdre la lisibilité de l’image.

Face à cette perte de l’image, les artistes ressentent alors le besoin d’introduire des éléments rapportés pour permettre à nouveau la reconnaissance de l’objet. Ils introduisent alors dans leurs tableaux des éléments issus du réel, pour donner des indices et permettre à nouveau la reconnaissance de l’objet : lettres, chiffres, fragments de matériaux divers, échantillons prélevés dans le monde réel.

# data[].attributes.body
Pablo Picasso - Guernica

# data[].attributes.body
Georges Braque - Violon et cruche

# data[].attributes.body
Au début du XXe siècle, le monde de l’Art est en plein renouvellement à travers toute l’Europe, et tout particulièrement en France. Organisé autour d’Henri Matisse et André Derain à partir de l’été 1905, le Fauvisme se développe jusqu’en 1910. Basé sur l’utilisation d’aplats de couleurs pures, ce courant a durablement transformé l’Art et ses certitudes picturales.

Pour les Fauves, la couleur prime sur le dessin, ainsi que sur la réalité. Dans un tableau fauviste, les couleurs sont vives, exacerbées, mais surtout, utilisées pures – c’est-à-dire qu’elles ne sont pas ou peu mélangées entre elles sur la palette. Cette façon de peindre est non conventionnelle pour l’époque.

La touche, elle, est très variable selon les artistes ou même les tableaux, à l’image de Derain qui s’essaye aux aplats mais aussi au pointillisme. La majorité des tableaux montrent aussi un travail de simplification des formes.

Contrairement à l’Impressionnisme qui s’attachait surtout au genre du paysage, les sujets des tableaux Fauvistes sont nombreux.

Le Fauvisme est un mouvement éphémère, qui fut un moment d’expérimentation pour les peintres. Cependant, il eut une influence majeure sur les recherches picturales dans la suite du XXe siècle. Il permit notamment de débuter un questionnement sur le rôle et la place de la couleurs, mais aussi sur la représentation de la réalité.

Il se diffusa rapidement en Europe, notamment en Belgique, en Hongrie et en Espagne.

# data[].attributes.body
Henri Matisse - La femme au chapeau

# data[].attributes.body
Henri Matisse - La raie verte

# data[].attributes.body
En Europe comme en Amérique, de jeunes artistes tels que  Marcel Duchamp (plasticien) ou encore Tristan Tzara (écrivain et poète)  remodèlent l’art en effectuant à travers leurs œuvres une véritable recherche de la liberté, de la légèreté et de l’humour.

Devant l’absurdité de la guerre, les artistes Dada croient à un art frivole, ludique et léger.

Par la destruction, ils veulent faire table rase et recréer un monde nouveau, animé par une philosophie et un art dépassant toutes les limites.

Le mouvement grandit très vite pour s’épanouir en Allemagne, puis dans toute l’Europe. S’opposant à l’expressionnisme et à l’art abstrait, le mouvement, qui n’a pas vraiment de chef de file, intrigue et attire les foules.

Au niveau esthétique, Dada est marqué par la spontanéité de la création : les artistes se plaisent à exécuter des performances devant public, explorant la part de hasard qu’amène l’art de performance.

Le terme Dada est issu d’un jeu de hasard : les fondateurs se munissent d’un dictionnaire, y insèrent un coupe-papier et donnent à leur nouveau-né le premier mot sur lequel ils tombent.

Dada, terme qui se prononce et se lit dans pratiquement toutes les langues, représente bien les désirs d’internationalité et de mixité que veulent aller chercher les fondateurs du groupe.

En encourageant les artistes de tous milieux et en acceptant des propositions de toutes natures, Dada réunit les avant-gardes et se développe en de multiples branches, qui donneront naissance à plusieurs mouvements artistiques, dont le surréalisme d’André Breton.

# data[].attributes.body
Marcel Duchamps - La roue de bicyclette.

# data[].attributes.body
Le surréalisme est un mouvement qui touche tous les domaines artistiques : arts visuels, littérature, musique, cinéma…

Il est considéré comme un courant révolutionnaire, qui se développe pendant plus de quarante ans.

Le surréalisme a pour origine le mouvement Dada, né de la première guerre mondiale. André Breton en donne sa définition dans son manifeste du Surréalisme en 1924.

Ce mouvement utilise les théories (un ensemble d’idées) sur les rêves et sur l’inconscient (ce qui est en dehors la connaissance réelle de soi) de Sigmund Freud (médecin neurologue, inventeur de la psychanalyse, 1856-1939).

Le surréalisme invente « un jeu qui consiste à faire composer une phrase, ou un dessin, par plusieurs personnes sans qu’aucune d’elles puissent tenir compte de la collaboration ou des collaborations précédentes » ; appelé Cadavre exquis.

Une œuvre surréaliste se compose généralement d’éléments inattendus, qui n’ont pas forcément de lien les uns avec les autres. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques, grâce au hasard. Ils utilisent différentes techniques comme le dessin automatique, le collage, le frottage… Les thèmes, que l’on retrouve souvent sont : le rêve, l’imagination, les phénomènes extraordinaires…

# data[].attributes.body
S. Dali - La persistance de la mémoire.

# data[].attributes.body
L’art abstrait naît au début du XXème siècle.

Le paysage artistique de l’époque se composait majoritairement du fauvisme, du cubisme et de l’expressionnisme figuratif.

L’art est marqué par la libération de la couleur, des formes, et surtout, du sujet. Tant et si bien que peu à peu, la figuration est totalement laissée de côté, le contenu abandonné pour la forme pure. Audace et recherches chromatiques caractérisent cette période; le style des artistes s’affranchit de plus en plus des carcans académiques.

Les débuts de l’art abstrait sont difficiles à cerner. On constate en effet l’apparition simultanée de différents peintres aux styles variés, chacun apportant sa touche très personnelle à la définition de l’abstraction.

S’il devait être donné une date au début de l’art abstrait, 1910 fait (quasiment) l’unanimité.
Elle correspond à la Première aquarelle abstraite de Vassily Kandinsky.  Ainsi se définira l’art abstrait : un art qui, à l’opposé de l’art figuratif, ne représente pas la réalité, s’en abstrait. Cet art se concentre sur les couleurs et les formes. Il est libéré des habituels sujets ou objets du monde extérieur.

L’art abstrait est une mouvance riche, rapidement divisée en sous-catégories aux codes bien précis.

Kandinsky est le représentant de l’abstraction lyrique ; l’on trouve au coeur de ses préoccupations la puissance des émotions et l’impact de la couleur sur l’être humain.

Malevitch représente le suprématisme : un mouvement qui recherche la sensibilité picturale pure et où les formes et les couleurs sont travaillées pour elles-mêmes.

Piet Mondrian, quant à lui, ouvre la voie vers l’abstraction géométrique, un art presque mathématique.

On note également le développement de l’orphisme. Il a été porté par les époux Delaunay. Ils usent de couleurs acidulées et formes arrondies recouvrant entièrement la toile. Ces différentes tendances sont quasiment concomitantes, et durent jusqu’aux années 30.

# data[].attributes.body
Piet Mondrian - Composition II, en rouge, jaune et bleu

# data[].attributes.body
K. Malevitch - carré noir sur fond blanc.

# data[].attributes.body
Dans les années 40-50 se développe une nouvelle mouvance de l’abstraction, instiguée par les peintres américains. Il s’agit de l’expressionnisme abstrait.

Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, ce style nouveau envahit littéralement le paysage artistique.

Des figures comme Jackson Pollock et Willem de Kooning marquent les esprits et comptent encore aujourd’hui parmi les plus prisés sur le marché.

Au sein de l’expressionnisme abstrait, plusieurs dénominations sont utilisées selon les artistes. Pollock, par exemple, est le représentant de l’action-painting. Elle est une peinture caractérisée par les gestes virulents du peintre, qui secoue son pinceau au-dessus de la toile. Cela crée des taches de couleur (« spotting ») qui forment peu à peu l’œuvre.

Ici, c’est l’acte physique du peintre qui est au centre du processus artistique, et non le sujet (par ailleurs inexistant) du tableau. Le colorfield-painting, grands aplats de couleurs vibrantes, est porté par des artistes comme Rothko ou Clyfford Still, et prône une autonomie de la couleur, libérée du sujet et de la toile.

# data[].attributes.body
Rendu célèbre par Andy Warhol et Roy Lichtenstein, le Pop Art continue d’inspirer de nombreux artistes contemporains.

Les œuvres colorées, décalées ou kitsch et représentant des icônes populaires rencontrent en effet un fort engouement parmi les collectionneurs et amateurs d’art.

Le Pop Art est né au milieu des années 50 en Grande-Bretagne et à la fin des années 50 aux États-Unis. Il est apparu en réaction à l’expressionnisme abstrait considéré comme trop rigide et prétentieux. Il prône un retour aux réalités matérielles de la vie quotidienne des individus. Pour cela, il utilise des éléments visuels de la culture populaire produits en série qu’il isole de leur contexte ou qu’il associe à d’autres objets. L’attitude donnée à l’œuvre compte dorénavant davantage que l’œuvre elle-même.

Andy Warhol (1928-1987) représente une, sinon LA figure la plus incontournable du pop art.

Abréviation anglaise de Popular Art, Art populaire, le pop art s’appuie sur une approche qui vise la déconstruction des images issues de la culture de masse.

# data[].attributes.body
Andy Wharol - Shot Marylin

# data[].attributes.body
Roy Lichtenstein - La fille qui pleure

# data[].attributes.body
Le street art, ou art urbain, est un mouvement artistique contemporain. Il s’agit de toutes formes d’art réalisé dans la rue ou dans des endroits publics et englobe diverses méthodes telles que le graffiti, le graffiti au pochoir, les stickers, les posters, la projection vidéo, les installations de lumière, la céramique, etc.

Le street-art parsème l’univers visuel des grandes cités. On en retrouve sur les murs, les trottoirs, les rues, dans les parcs ou sur les monuments. Le terme est par ailleurs utilisé afin de différencier une forme artistique d’un mouvement territorial ponctué de vandalisme et d’illégalité.

Le désir d’être subversif, de provoquer, de représenter ce que tout le monde pense tout bas serait à l’origine de ce courant, la rue étant la plateforme la plus large et la plus puissante dans un but de visibilité.

Artiste américain majeur du XXème siècle, Keith Haring a incontestablement marqué le monde du Pop art et l’univers du Street art. Artiste militant, il n’a cessé d’aborder des sujets parfois épineux, le tout en un trait reconnaissable et minimaliste.

L’univers de l’artiste fait d’ailleurs écho à la bande-dessinée et aux codes des dessins animés. Malgré l’absence de visage distinct, ces bonhommes colorés ne restent pas inexpressifs pour autant, c’est tout l’art de Keith Haring ! L’une des priorités de l’artiste est ainsi de rendre son art accessible au plus grand nombre.

# data[].attributes.body
Quelques consignes concernant votre carnet d'histoire de l'art !

Une carnet d'histoire de l'art qui reprend toutes les informations apprises lors des exposés .... Bonne idée, mais sous quelle forme et comment le mettre en page.

Voici quelques astuces pour t'aider dans la réalisation de ton carnet.

1. Le support :

Tu peux utiliser un carnet existant ou réaliser ton carnet au départ des feuilles de dessin distribuées en classe. A toi de trouver la meilleur manière de relié l'ensemble ( Une toile de reliure, une ficelle .... ).

2. Le contenu :

Chaque page doit présenter un artiste, son courant et les oeuvres présentées en classe sous la forme d'une petite fiche d'identité. L'idéal est évidemment de garder la même mise en page pour l'ensemble du carnet afin de faciliter la lecture de celui-ci.

3. Les informations :

| ° La période  | ° Interprétation de l'oeuvre
| ° Le courant artistique  | ° Description technique ( ex : Huile sur toile )
| ° Nom de l'artiste  | ° Année de création (finalisation de l'oeuvre)
| ° Titre de l'oeuvre  | ° Lieu d'exposition. (Ville et musée).
| ° Description formelle  | ° Petites anecdotes insolites

# data[].attributes.body
Le carnet d'histoire de l'art représente une partie de votre note finale d'examen de juin.

Il est important qu'il puisse refléter votre univers sous la forme d'une technique, d'une mise en page, d'une histoire....

La page de garde à également de l'importance pour donner vie à votre carnet.

A vos crayons et à vos pinceaux pour mettre en scène les plus grands tableaux de l'histoire de l'art.

# data[].attributes.headline
Quelques idées de mise en page pour votre carnet

# data[].attributes.subject
Quelques idées de mise en page pour votre carnet

# data[].attributes.body
A vous de nous proposer un carnet avec une mise en page originale.

La page de garde devra refléter le thème choisi pour votre travail d'histoire de l'art.

# data[].attributes.attachment_link.title
"Les masques et la mort" Ensor - d'Art d'Art

# data[].attributes.attachment_link.description
d'Art d'ArtLes masques et la mortJames Ensor1897Musée d'art moderne et d'art contemporain, Liège