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Esta obra enlazada con el realismo  nos muestra la dureza de la vida de la época, la miseria  para las personas de la tercera clase. Al tratarse, de un carruaje como elemento de la obra, puedo mencionar que en cuestiones sociales este vagón indica el desarrollo de la revolución industrial. Relatando así una pequeña escena del día a día de las personas, posteriormente plasmándolo así como una critica o denuncia política.
En cuanto a la técnica, Daumier es sumamente dibujistico, su pintura se compone principalmente por el dibujo y no por la mancha  en incluso dejando ver los trazos por debajo de la pintura, o lo que conocemos también como infrapintura. usando una reducida gama de colores en su paleta.

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Apostando por su obra como un instrumento de lucha social, esta caricatura del rey Luis  Felipe nos propone un claro ejemplo de su critica política. Plasmando asimismo la realidad política, como social entre las clases. Se dice que Daumier fue encarcelado 6 meses por realizar esta caricatura.
la obra es una litografía, con la representación del rey como Gargantúa el famoso personaje de Rabelais. haciendo alusión al rey devorando el oro colectado por los obreros (referente a las malas condiciones y el sufrimiento de los mismos en el trabajo). donde también él mismo, lo defeca a manera de títulos(papeles). tomando en cuenta a él como la clase privilegiada.

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Una vez más, Daumier  pone a la vista el agotador trabajo de la clase pobre, es ahora en esta pieza que Daumier refiere a la mujer, las largas jornadas de trabajo mal pagadas, el trabajo que desempeña tanto como madre y empleada en la sociedad0. Enfocando siempre su pintura al mundo campesino (lo que me trae a la mente al mexicano Saturnino Herrán), quien vendría posteriormente influenciado por este tipo de pintura. En esta obra, podemos notar el contraste que hay entre la burguesía y la clase pobre, atrás en el fondo, se reflejan las grandes y alumbradas casas, a diferencia de otras de sus obras, aquí Daumier compone más desde la mancha y se puede notar en la ausencia de linea y detalles tanto en el fondo como en los rostros

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Millet, miembro de la escuela de Barbizon y la pintura de paisaje, la pintura de Millet está enfocada más a la labor campesina, como ya se ha mencionado antes, el duro trabajo y la representación real y cruda del agricultor y el naturalismo que lo rodea.  Debido a los cambios que estaba causando la revolución industrial en las granjas, el hombre con una azada es interpretado como un protestante socialista por lo que también podría relacionar a Millet como un socialista. el cuestiones técnicas. se puede notar mucho el paisaje y la construcción pictórica por manchas, utilizando también su característica paleta reducida.

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Acá de una manera muy humanista, vemos la realidad social en donde tambien las mujeres tenián que trabajar, porque como en la pelicula  "Germinal" podemos ver, que cada miembro de la familia tenia que trabajar para poder mantenerse porque las jornadas laborales no eran bien pagadas para lo numerosqas que eran las familias, este tipo de pinturas, y este cuadro en espefifico, eran mal vistos por la clase alta. por su manera tan natural de representar la realidad. esta pintura incluso tiene una luz natural que hace que los colores, las luces y las sombras tengan un marcado contraste, y como millet compone un poco más desde lo dibujistico.

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Con gran similitud, El Ángelus, expresa como a pesar de las condiciones sociales, de pobreza y de salud, al final del día y de una larga jornada de trabajo, en este caso recolección de papas, las personas tienen fe, como aquí observamos la naturalidad cotidiana de rezar, que incluso no está nada alejado de la realidad actual. A diferencia de Daumier, Millet no centra su obra tanto hacia el lado político ni la sátira.
por el lado técnico, Millet sigue construyendo desde el dibujo, y cada vez con más contraste en sus obras, en esta un contra luz, lo que nos indica que es un atardecer, que ha pasado un largo día de trabajo, pero sobre todo, la expresividad el color, opaco y oscuro

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Courbet fue de los artistas de la época, el más adentrado en el socialismo y sus derivados, en esta obra podemos observar la relación que tenía con lideres socialistas y poetas como claro ejemplo, puesto que Courbet coloca a algunos de ellos dentro de su obra, como Baudelaire y Proudhon (padre del anarquismo), esto dentro del tema político. cabe resaltar que incluso fue catalogado como vulgar, que hasta la obra fue rechazada en la exposición universal de París.
por otro lado más social Courbet nos contrasta la jerarquía entre las clases sociales,colocándose él mismo más cercano hacia los pobres como signo de protesta. los pobres a la izquierda, los escritores ya mencionados a la derecha.
en esta obra Courbet mezcla algunas categorías como el paisaje, el desnudo y el retrato, lo que enriquece a la obra. Courbet, como característica de su obra y al igual que otros pintores y los ya mencionados de la época, utiliza claroscuro o paletas de color reducidas, a lo que también lo caracteriza por tener obras de gran formato.

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En esta obra, trata de transmitir Courbet el realismo de un sepelio. Reuniendo aquí a la comunidad, es decir que a las diferentes clases sociales. una ves más Courbet se retrata en la obra.
como elemento social, la obra presenta distintos signos, algunos ellos, símbolos de muerte y religión, que pese a todo seguían siendo temas prevalecientes.
esto ligado al naturalismo también como una forma de mostrar la realidad tal cual de una escena en la vida común. también dejando atrás Courbet a los estandares, estéticos y jerárquicos de la pintura. Por lo cual fue criticado por usar un gran formato en esta obra para una escena tan simple.

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esta pintura causó controversia entre la sociedad a cerca del desnudo tan explicito, que está más cercano a la pornografía.
obra realizada especialmente para la burguesía. Hasta la fecha ha sido mal vista por la sociedad tanto que incluso diversos medios lo han censurado, lo cual obviamente me lleva a pensar a que en aquel entonces causaba más controversia que ahora, es por eso que los propietarios eran discretos y la obra se había mantenido oculta por tantos años.
A diferencia de otras de sus obras con colores sepias y claroscuros, Courbet aquí se aventura más dentro de las luces, el color y el formato pequeño.

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Caillebotte, también  pintor realista, relata en esta obra todavía un naturalismo. Asociado al realismo del proletariado, con aparición de los trabajadores. A diferencia del realismo de Millet o de Dumier, quienes representaban al trabajador rural, Caillebotte se centra más en la representación del trabajador urbano,(hombres tallando duela de madera) lo cual tiene inicios del impresionismo pero también características del realismo.
En esta obra hay un intento ya por representar más la luz aunque con unos colores y una pincelada todavía realista.

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Siguiendo con la pintura para el burgués, Caillebore a diferencia del resto, con sus obras impresionistas no era catalogado como vulgar, puesto que ahora con esta obra se enfoca en representar el día tal cual era. utilizando la luz natural y pintando al aire libre, pero se observa todavía una influencia social del realismo.
en cuanto a técnica refiere, Caillebotte en esta obra representa la luz, tal cual era, puesto que al ser pintada al aire libre, la cercanía con la realidad era mayor.
su formato no es grande pero su pincelada es más libre y llena de color. una pintura matérica.

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Un poco más alejado de temas sociales como el anarquismo o las representaciones de la vida pobre, Caillebotte se enfoca en la naturalidad urbana, desde sus exageradas perspectivas, y la representación del color y la luz. Caillebotte comienza a pintar el paisaje urbano. lo cual lo deja fuera del realismo y da comienzo con el impresionismo.
impresionista también por su técnica, fuera de lo dibujistico y componiendo más por la mancha, la pintura matérica y la luz al aire libre. aunque no tenía esa pincelada todavía tan característica de los impresionistas.