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Parque nacional Fray jorge (Microclima)

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Artist-run Platform for Radical Learning and Collective Making in Public Spaces

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Carpeta drive con bibliografía

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Lee - Entrevista
Entrevista por Marla Bahloul
Cuando vi a Cecilia Vicuña en su performance en septiembre pasado como parte de la exposición Mujeres radicales: arte latinoamericano 1960-1985 , quedó en evidencia su notable ingenio como artista y acogida del público. La sala se encontraba hechizada. Ella estaba en silla de ruedas y cantaba en voz baja, sin levantar la vista, mientras actores con ovillos de lana en mano, se iban entrelazando con nosotros sentados en la audiencia. La entonación de Cecilia era frenética y su cadencia hipnótica, casi chamánica.

Cuando terminó su actuación, se quitó el fino chal blanco que cubría delicadamente su cuerpo y se apartó los largos mechones de cabello grises que cubrían su rostro. Por primera vez, pudimos ver claramente a la artista. En esta performance, ella invita a los participantes a usar lana para envolverse como regalos entre unos y otros, y es seguida por el acto de deshacer el tejido. Esto simboliza la armoniosa existencia y balance que existe en todos nosotros del ser independiente y, al mismo tiempo, el deseo innato de hacer comunidad y pertenecer a un colectivo.

Cecilia Vicuña nació en Santiago de Chile en 1948 en una familia de artistas y escritores. Desde pequeña comenzó a escribir y dibujar. Concibe su arte como actos transformadores que unen la brecha entre el arte y la vida, lo ancestral y la vanguardia. Su obra ha influenciado la poesía latinoamericana, el arte conceptual y la escritura feminista, siendo expuesta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Americano Whitney, Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y Museo de Bellas Artes en Buenos Aires y Santiago. En 2017, tuvo su primera exposición individual en Contemporary Arts Center (CAC) en New Orleans, Estados Unidos. Además, ha publicado más de 20 libros de arte y poesía.

Louise Bourgeois esculpió semanas antes de su muerte a los 98 años de edad y a los 102 años de edad, Carmen Herrera todavía exhibe su trabajo. Y de la misma manera, a casi 70 años de edad, Cecilia Vicuña continúa explorando las interfaces entre el ser humano y la naturaleza, lo individual y lo colectivo, intercalando temas andinos y cósmicos a lo largo de su trabajo multidisciplinario. Es una fuerza de la naturaleza y no tiene interés en detenerse.

Describe su voz como "el tono de una anciana". Desde la perspectiva de nuestras sociedad hoy, nada es más solitario, dice ella. Su voz es uno de sus instrumentos más cautivadores y lo usa en su improvisaciones y presentaciones orales, en los cuales teje su poesía, sus recuerdos y sus amores pasados.

El envejecimiento ocupa un extraño y paradójico lugar en nuestra sociedad. Se valoriza y se demoniza. Pero para mujeres artistas, en especial mujeres mayores -de las cuales muchas de ellas están siendo recientemente reconocidas- la edad no significa impotencia creativa. Y si la consecuencia solitaria de la vejez en la sociedad es la invisibilidad, dice Cecilia Vicuña, ella se niega a ser encubierta.

Esta entrevista ha sido resumida y editada.

Vivir una vida creativa y ser artista ¿fue algo que supiste que querías ser desde pequeña?

Como esta cultura está basada en , en la codicia, supone que una persona que no es codiciosa no sirve. Eso es totalmente contrario a lo humano profundo porque el humano profundo ¿qué es lo que busca? Busca descubrir, busca explorar, no predeterminar. Eso de predeterminar es como el preemptive attack . Es como un acto de violencia a lo que es humano en nosotros.

Hay una idea indígena que plantea que cada viviente antes de aparecer en el vientre de su madre, escoge a la mujer. Es una idea indigena muy bonita que, por supuesto, no podemos saber si es o no. Yo te puedo decir que yo aparecí en un vientre que fue benéfico y mi mamá cuenta que yo todavía no sabía ni hablar muy bien. Cuando me llamaron a comer dije que no, porque estaba pintando.

Había observado que había gente que pintaba y que escribía. Eso es muy importante que haber algo que nace, que viene contigo. Pero también es importante a donde llegas. Entonces, mi familia es de artistas y escritores por muchas generaciones. Sea lo que fue, ya sabía que existía el acto de pintar y el acto de escribir. Por supuesto aprendí a escribir y pintar después, pero ya esa idea del contacto con una imagen, una comunicación-por ejemplo mi madre cuenta, y yo me acuerdo de esto, de que yo todavía no sabía escribir, pero ya le dictaba significados a los dibujos que yo hacía-ya esa idea de que uno recibe y transmite a la arte estaba en mi.

¿Cómo describirías tu arte y proceso creativo?

Nunca me molestaría en describirlo porque todo lo que podría decir es absurdo. Puede ser una aproximación, puede ser una definición elegante, una definición inteligente, una definición hermosa, pero el arte y las definiciones no se conjugan. El arte es arte precisamente porque no encaja.

Ayer, estaba haciendo una lista de la exposición de Louise Bourgeois y me emocioné inmenso. Pero lo que sucedió es una historia que tiene muchas analogías. En los años 40, estaba explorando ciertas cosas que no podía continuar explorando para diferentes cosas en su vida. Y luego, al final de su vida, regresa, cuando ya tiene más de 90 años, todavía es como una niña, arrojándose a lo desconocido en estas nuevas técnicas. Y soportando estas tremendas limitaciones físicas de lo que tus manos pueden hacer y lo que no pueden hacer, y aun así logró explorar precisamente en ese espacio, entre lo que es posible y lo que no es posible. Si piensas en lo que acabo de contarte sobre mi actuación y piensas en cómo procedió, hay una característica común de la mujer valiente que es algo que las chicas jóvenes deberían asumir con todo su ser. No solo con su mente y sus cuerpos. Pero tu ser está compuesto de muchas más dimensiones que son invisibles. Muy poderoso. Y aún más poderoso que los visibles, que es lo que se transmite de mujer a mujer, generación tras generación a lo largo de miles de años. Siento que estoy completamente vivo en mí y pienso cuando eso está vivo.

Lo más importante para una artista es no estar ocupado. Entonces, ese es otro elemento de la colonización mental. Existe esta idea de que tienes que estar ocupado permanentemente, mandando un e-mail o chequeando Facebook. Entonces, eso te mantiene . Esa ocupación es una ocupación de tu ser. Tú estás siendo ocupado por fuerzas, foráneas por imaginaciones que no son las tuyas. Si tú quieres, verdaderamente ser una creativa, tienes que ser super estricta y rigurosa con respecto de lo que tú admites en tu propio imaginación y en tu propio ser.

¿Crees que el arte es una herramienta para responder a climas sociales y políticos urgentes?

Por supuesto, pero no solo eso. El arte es una herramienta para preguntar, especialmente. Para tocar y transformar. El arte es una herramienta que no se puede definir y es por eso que es una herramienta. Una herramienta real. Es algo que realmente no sabes. Nunca se sabe hasta dónde puede llegar, a cuántas personas puede afectar. Definitivamente es una herramienta transformadora. Transforma al que lo usa y al que lo recibe. Transforma ambos.

Mi arte comenzó antes de la dictadura de Augusto Pinochet, a mediados de los 1960s, pero la urgencia era tan poderosa en aquel entonces. Cuando piensas en lo que estaba sucediendo en Latinoamérica, era un momento decisivo en todo el mundo. Así que es bastante cierto que hoy finalmente estamos llegando a un momento que se asemeja a los años 1960. La principal diferencia es que en esa época había una gran sensación de potencial y esperanza. Realmente puedes sentir que este fue un movimiento de transformación en todo el mundo.
¿Qué otras herramientas, acciones o espacios se pueden activar para construir transformación?
Cuando hay energía, una energía colectiva, que va por un propósito, con un objetivo, que es completamente concreto, en que hay que realizar ciertas acciones... uno tiene que guiarse por donde está la energía creativa y, a la vez, no abandonar tu propia individualidad. Lo maravilloso de las comunidades indígenas es que hay un sentido de individualidad que es completamente saltado, en cuanto cada uno es absolutamente diferente del otro, pero solamente es posible porque están participando en el colectivo. Están participando en la comunidad. Entonces, no es individualismo contra comunidad.

¿Siempre te sentiste conectada con tu herencia indígena?

Creo que sentí que era india todo el tiempo. ¿Por qué sería eso? Solo porque eran más hermosos, porque estaban algo serenos y profundamente sentados dentro de ellos mismos. Tal vez eso es lo que la niña estaba [resonando con] porque yo no había nacido en una tribu. Nací en un matrimonio mixto. Mi madre era india, mi padre era de ascendencia europea, en Santiago. Crecí, por supuesto, en La Florida, que solía ser campo total. Si has visto fotos de cómo era Santiago en los años 40, cuando yo nací, todos los vecindarios, que ahora están llenos de millones de personas, en aquel entonces, era completamente salvaje. Había bosques, lagunas. Fui a la escuela en un camino de tierra, caminando descalzo y no porque no tuviera zapatos, sino porque crecí descalza. Los zapatos me molestaban ¿sabes? Y entonces todas esas cosas realmente formaron sensibilidad y la orientación hacia el cosmos y la vida profunda dentro de todo lo que está vivo. Yo jugué con animales e insectos. Mis amigos eran las ranas. Era simplemente un tipo de vida completamente diferente.

En tu obra, exploras temas como tu indigenidad y la naturaleza. ¿Qué tipo de trabajo crees que estamos haciendo como sociedad en la forma en que tratamos el ambiente?

Vivimos en un momento realmente oscuro de la historia humana donde todo lo que importa es ganancia y extracción. Estamos destruyendo todo lo que está vivo. Por ejemplo ¿sabías que hay un 40% menos de oxígeno ahora mismo en la atmósfera? Estamos destruyendo la atmósfera, el océano, el bosque, los insectos. La información más reciente que se ha publicado es que incluso nuestra agricultura llegará a su fin porque los pesticidas están agotando el suelo. Entonces, es como si estuviéramos haciendo todo lo posible para asegurar la muerte de la humanidad. ¿Por qué el movimiento suicida? Solo porque el beneficio se valora más que la vida. El beneficio se valora más que la humanidad. Y entonces es hora de cambiar nuestra orientación y comenzar a luchar por cada insecto, cada océano, cada corriente de agua, cada ley que puede proteger la vida y mejorar nuestras posibilidades de supervivencia. De lo contrario, esto realmente está llegando a su fin. Siento que todo el mundo lo sabe y que es solo la cúpula; existe el uno por ciento que está gobernando el planeta que cree que las ganancias todavía están bien.

Entonces ¿cómo combatimos eso?

Nuestras herramientas más profundas son la transparencia y la conciencia. Cuando vemos algo que es realmente dañino, injusto, tenemos que compartirlo. Tenemos que compartirlo, discutirlo, y tenemos que actuar y unirnos a quienes lo hacen. Lo que es realmente importante para el artista, es que el artista tiene que mantener la vista total. La vista cósmica. Porque lo que sucede cuando hay tanta opresión y tanta corrupción como hay ahora, también existe el peligro de la atomización. Así que debes mantener la visión total que te permitirá encontrar, como un pescado encuentra agua, el movimiento más grande, la organización más grande, para que tu intención realmente se una a la intención de los demás y se convierta en un océano. Una gran corriente.

Quería regresar por un momento a tu actuación Doubled ¿Cuál es el significado del material que usas? ¿existe una conexión entre la lana como herramienta indígena?

Si me has escuchado cantar, cantó con el tono de voz más puro, que es el tono de la anciana. No hay nada más solitario que eso, desde la perspectiva de nuestra sociedad actual. He descubierto que esta lana pura y sin pelo-que en realidad es pelo de animal-es la compañera perfecta para eso, porque la lana cruda no tiene absolutamente nada. Si la tocas, se cae. Nada la mantiene unida, excepto el deseo de cada pelo estar al lado del otro. Entonces este material ha sido utilizado por miles de años porque representa nuestra conexión con el cosmos. Nada lo mantiene unido, y sin embargo, tiene el poder generativo de crear vida y planetas y galaxias y demás.

Mientras queramos vencer a las sociedades capitalistas, tenemos que permanecer unidos o de lo contrario nos desharemos y seremos inútiles, algo así como la lana que no puedes usar después de que se separe la pelos.

Así es, así que tenemos que seguir lo que realmente nos mantiene unidos, que es el amor. Es algo tan básico y tan clave. El deseo de cuidarse unos a otros, el deseo de acariciarse, de abrazarse mutuamente, ya sabes. Y esta es nuestra única fuerza orientadora al final.

¿Crees que estamos experimentando el mismo tipo de renacimiento cultural que experimentabas cuando eras más joven en el que valoramos el arte, el intelecto y la filosofía?

Es muy temprano para decirlo, pero se ve de esa manera. Se siente como si estuviera sucediendo. Y eso "puede estar sucediendo" es lo más hermoso. Por ejemplo, recientemente leí hace dos días que la Primavera Árabe volverá. Eso es importante. Pasé mucho tiempo en Europa el año pasado y fue realmente mortal ver lo asustada que está la gente en Europa por la afluencia de inmigrantes. ¿Cómo la gente tiene tanto miedo de la transformación que la migración traerá? Qué magnifica la belleza que esas personas pueden traer al mundo. Las personas que han sufrido más que nadie, esos son los que tienen el don del potencial de un nuevo tipo de humanidad.

Este año realmente tenemos algo que transmitir a la nueva generación, a personas como usted. ¿Y qué es eso? Creo que el núcleo de eso es una sensación de absoluto asombro en cuanto a lo que somos, porque la maravilla proviene de no saber exactamente qué es. Es como si durante estos 50 años nos hubieran impuesto la dictadura, los medios de comunicación, este sistema educativo jodido, tan autoritario y patriarcal, nos han impuesto una visión de lo que ser humano es. Y mi resistencia a eso, viene de ser un indio, de ser una mujer mestiza sudamericana que siempre ha sido despreciada y ridiculizada, y estoy muy orgullosa de eso. Es lo más hermoso que me ha pasado. Si hubiera sido reconocido y celebrado, estaría muerta como artista en este momento.

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Dentro de la psique cósmica de Cecilia Vicuña - Somos Ruidosa

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Entrevista por Marla Bahloul Cuando vi a Cecilia Vicuña en su performance en septiembre pasado como parte de la exposición Mujeres radicales: arte latinoamericano 1960-1985 , quedó en evidencia su notable ingenio como artista y acogida del público. La sala se encontraba hechizada.

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Miriam Guirao

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PROYECTOS PÚBLICOS

Jardines Tipicos de bilbao

(...) el rol del artista en la educación del público para comprender nuestra situación ecológica y cómo el artista puede servir para renovar el sentido de un feliz equilibrio entre el hombre y su ambiente (...)

¿Como vemos la naturaleza de nuestra ciudad?, ¿Pensamos en los parques jardines, árboles en la calle, macetas en los balcones o estampados florales de nuestra ropa del mismo modo?, ¿Las plantas que nacen de modo salvaje en nuestras calles son malas hiervas, plantas sin ningún tipo de función, etc.? ¿Somos conscientes de que esta vegetación que nace de modo espontáneo, es parte de esa flora de la zona y tiene funcionalidad?.

De este modo"Jardines típicos de Bilbao" pretende crear una conciencia mas cercana de esa naturaleza que nos rodea, a través de algunas postales con esta vegetaciones silvestres de la ciudad de Bilbao, para mostrar una pequeña visión sobre; cualidades culinarias, propiedades medicinales, aspectos históricos-socio-políticos, ambientales, etc.

Instalación de la documentación en la sede de Turismo Central de Bilbao

por enseñarme tanto sobre plantas, por descubrirme la clave y los entresijos de la determinación de especies vegetales ;) a sido maravilloso

Aroca Córdova /Miriam Martínez Guirao con la colaboración especial del conservador del jardín botánico de Olarizu (Vitoria -Gasteiz) Agustí Agust.

Salida 9/5: Frente al Hotel Ercilla (Intersección C/Máximo Aguirre con C/Licenciado Poza). Salida 10/5: Ascensor Puente de Deusto (bajo). Salida 11/5: Entrada Museo de Bellas Artes de Bilbao. Salida 12/5: Entrada Parque Misericordia en C/Sabino Arana.

Horarios: Jueves y viernes de 18:00 a 19:00 horas. Sábado de 12:00 a 13:00 horas y de 18:00 a 19:00 horas. Domingo de 12:00 a 13:00.

La propuesta ¡HERRITAR EKOLOGIKOAK (Ciudadanos ecológicos), se articula en torno a los parques de Bilbao como contenedores de naturaleza, y los árboles alóctonos que allí se encuentran. Identificaremos especies foráneas y reconfiguraremos el estatus de la especie. Es el foráneo naturalizado que se construye en lo social pero también en lo ambiental.

La identificación de las personas a través del DNI significa reconocer que es parte del entorno del País Vasco, e implica también un proceso de ser parte del lugar, bajo un contexto sociopolítico determinado y bajo la definición de ciudadanía. En este sentido, cada día, siguiendo un itinerario se identificará una especie foránea, in situ elaboraremos su "DNI" y mostraremos la parte desconocida de estos árboles; origen, familia... En el mismo lugar planteamos debates alrededor de los árboles donde los ciudadanos conocerán, intercambiaran y entenderán otros contextos.

Desde un punto de vista conceptual, trabajamos desde perspectivas artísticas biocentristas, el paso de la naturaleza de objeto a sujeto. Es un acto simple, pero trascendental, que pone en valor otras formas de relacionarlos con nuestro entorno, otorgándole derechos.

Además de visibilizar el patrimonio natural arbóreo con el que cuenta actualmente la ciudad de Bilbao en sus parques, queremos cambiar "textos y contextos", como naturaleza que ha sido forzada a moverse sin su consentimiento y ahora es parte de un entorno natural ajeno. Analogías a la migración humana, pero que nos revela que la naturaleza necesita otro estatus para ser entendida y cuidada, la naturaleza con derecho a existir como individuos. Ciudadanos ecológicos que sufren, que son forzados a hacer cosas que no quieren y que desde una mirada metafísica, son el reflejo del Yo. En este sentido Friedrich Schelling, habla de que "la Naturaleza carece de conciencia" y no es más que el hombre haciéndose consciente.

Las actividades estarán orientadas para todos los públicos, y se realizarán tanto en euskera, como en castellano.

Los objetivos esenciales de esta propuesta se pueden resumir en:

Proponer relaciones entre la naturaleza, el arte y problemáticas medio ambientales de manera transversal y transdisciplinar.

Generar nuevos diálogos entre el entorno natural urbano y los habitantes de la ciudad de Bilbao

Reconstruir imaginarios colectivos estableciendo otro estatus a la naturaleza para incentivar la sensibilización medioambiental en tiempos de crisis ecológica.

Miriam Martínez Guirao (Elche, España) y Álvaro Aroca Córdova (Temuco, Chile), aparte de unirles la pasión por el arte y el cuidado del entorno natural, son artistas que trabajan alrededor de la naturaleza con acciones artísticos medioambientales. Construyen y recrean espacios innovadores donde el medio natural interactúa con las personas a través de acciones artísticas en función de un objetivo común, la sensibilización medioambiental y reflexión en torno a la crisis ecológica actual. Nuestro último proyecto llamado "Eco Indagaciones en Urdaibai, un camino a la concienciación medioambiental a través de las experiencias sensoriales in situ", se desarrolló en la Reserva de la Biosfera de Urdaibai y fue financiado por el Gobierno Vasco, trabajando colaborativamente desde el arte, educación ambiental y la psicología medioambiental en conjunto con las asociación Idea Bat y profesionales del País Vasco.

Martínez es doctoranda en la Universidad Complutense de Madrid en Historia del arte en colaboración con el Departamento de Psicología Ambiental de la Universidad Simón Bolívar en Venezuela, Máster en Producción e Investigación en Artes UGR y Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Miguel Hernández en Altea. Su práctica artística e investigadora gira alrededor de proyectos que indagan sobre la relación humana ante la naturaleza vegetal, y la pérdida de la naturaleza en nuestro medio más cercano, la ciudad. Reflexionando en las conexiones de proyectos entre diferentes disciplinas como la ecología y la restauración ecológica a través de la psicología ambiental (jardines-efimeros.com), la pedagogía (Autóctonos e Indígenas (CACIS), la estadística (Paseando por la naturaleza del Museo del Prado (Depto. Psicología Ambiental de la UAM)), confluyendo en la obra final como medio de restauración del apego emocional hacia la vegetación. Trabajos que en muchas ocasiones terminan devorados unos con otros por el poder de lo salvaje que hay en la vida, podríamos decir que es como esa lucha incesante entre naturaleza y artificio a la que nos enfrentamos cada día en nuestra ciudad.

Aroca, por su parte, es Doctor Internacional en Investigación y Creación en Arte por la Universidad del País Vasco y la Universidad de Concepción en Chile, Máster en Investigación y Creación en Arte por la Universidad del País Vasco e Ingeniero Civil por la Universidad del Bío-Bío en Chile. Él es un artista e investigador transdisciplinar que trabaja con procesos artísticos vinculados con y para la naturaleza, como constructo cautivo de la modernidad. Además de enfocarse en las relaciones e impacto de acciones artísticas en la naturaleza desde la sostenibilidad, donde ha elaborado e investigador diferentes herramientas e interacciones. Y es en torno a las estéticas decoloniales que imagina, recrea y contextualiza otros caminos para enfrentar lo que nos rodea y nuestra construcción política del cuerpo. Explora las dualidades a través de las propiedades simbólicas de los intersticios históricos y vivenciales desde la periferia de conocimiento, referido a las cosmovisiones latinoamericanas y su relación con la naturaleza.

Finalmente, ambos artistas tienen una amplia experiencia tanto nacional como internacional en proyectos artísticos y tienes a su haber publicaciones relacionadas con el arte, naturaleza y la sostenibilidad. Y en este caso se apoyan en la colaboración especial de Agustí Agut, conservador del Jardín Botánico de Olarizu (Vitoria-Gasteiz).

ECOINDAGACIONES I - urdaibai

ECO-INDAGACIONES EN URDAIBAI

esta desarrollando unas actividades en conjunto con el Gobierno Vasco llamado "Eco Indagaciones en Urdaibai" Un camino a la concienciación medioambiental a través de las experiencias sensoriales in situ. Realizaremos tres actividades en la RESERVA DE BIOSFERA DE URDAIBAI, junto al Centro de Biodiversidad de Euskadi y la artista plástica Miriam Martínez Guirao, entre enero y marzo 2018.

fotos cedidas por Idea Bat

Hace un año comenzamos esta aventura Ecoindagaciones en Urdaibai I un lugar increíble donde hablar de botánica, arte, clima y música entre naturaleza y arte contemporáneo.

Las rutas turísticas tradicionales acompañadas por la colaboración de una servidora que introduce en

estas rutas literatura, música, cine y arte contemporáneo... cultura que une a la naturaleza y sostenibilidad

en sitios tan maravillosos como estos.

2ª RUTA - BIOTOPO DE IÑURRITZA EN ZARAUTZ

IDEA BAT - Dirección del proyecto: Alvaro Aroca / Ecoartista: Miriam M. Guirao, 2019

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PROYECTOS PÚBLICOS Jardines Tipicos de bilbao (...) el rol del artista en la educación del público para comprender nuestra situación ecológica y cómo el artista puede servir para renovar el sentido de un feliz equilibrio entre el hombre y su ambiente (...)

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Tania Candiani

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La presente exposición es el resultado de la residencia que la artista mexicana Tania Candiani realizó en Honda, Tolima, durante varias semanas en los meses de julio y agosto de 2013. Candiani fue la ganadora de la convocatoria realizada por Casa del Lago en el marco de un convenio de colaboración con FLORA.

Situada a orillas del Río Magdalena, Honda es una de las ciudades más antiguas de Colombia, y fue por muchos años el puerto fluvial más importante del país. Por Honda entraron gran parte de los bienes que llegaron al interior de la Nueva Granada, y por allí salieron los productos de la colonia hacia la metrópoli europea. En el siglo 19 Honda tuvo un gran desarrollo comercial, pero con la apertura de las carreteras y el declive de la navegación fluvial en el siglo pasado, la importancia estratégica de Honda decayó. Hoy es una ciudad que sobrevive precariamente de la pesca, el comercio y el turismo.

Candiani trabajó en varios frentes de manera simultánea durante su estadía en Honda, dando como resultado una serie de obras que apelan a los diferentes sentidos. De una parte, realizó talleres con los niños del barrio, proponiéndoles realizar instrumentos con plantas a partir de instrucciones de un libro francés de principios del siglo XX. Los niños realizaron sus juguetes-instrumentos y con ellos improvisaron un caótico y divertido concierto. Un antiguo proyector de diapositivas con lente caleidoscópico le permitió "animar" diapositivas de hojas y frutas en una imagen enigmática que se dobla, se desdobla e implosiona. Un pintor de vallas realizó un paisaje del rio en que se aprecia uno de los puentes, ahora convertido en reliquia turística, y un viejo barco de vapor en un río que ya no se usa casi para navegación comercial o de pasajeros.

Otro proyecto fue un herbario hecho también con la participación de los niños, que recolectaron los especímenes, así como un archivo de esencias que constituye una "biblioteca de olores". En la presentación del herbario, Candiani contrasta las descripciones científicas con las que hace un poblador de Honda, en las que resalta los nombres populares y los usos tradicionales de estas plantas. Durante un viaje a la ciudad de Mariquita, sede de las Reales Expediciones Botánicas en la Nueva Granada, Candiani realizó un video en el cual el sonido de las cigarras se vuelve tan denso y ensordecedor que se convierte literalmente en un muro de sonido.

Estableciendo una conexión entre tiempo y sonido, Candiani persuade a la banda de guerra de Honda de realizar una acción sonora, formando una fila que señala la posición de la manecilla horaria.

Una de las piezas más potentes de la exposición, titulada La Magdalena, consiste en una canoa que la artista compró a un pescador local, con un video dispuesto sobre ella. La canoa ya había sido retirada de uso pues la polución del río y la deforestación de sus riberas ha causado una merma importante en la pesca, sustento tradicional de esta comunidad. Candiani hace cortar la canoa y dispone sus dos partes en una situación de impasse. El video es un homenaje a una de las escenas del filme Fitzcarraldo (1982) de Werner Herzog. En la versión de Candiani, la canoa navega en el Río Magdalena con un gramófono tocando música clásica; el barco, el aparato, la música e inclusive el río mismo, en su manifiesto anacronismo, son todos símbolos de un progreso coartado.

En palabras de la artista, "Hoy en día, en un momento en el que muchos artistas estamos tratando de encontrar vínculos entre la ciencia y el arte, naturaleza y cultura vuelven a posicionarse como los dos estandartes que dan intensidad a las propuestas estéticas. Sabemos que en una era en donde predomina la apropiación de la naturaleza, es el arte el que debe resistir en sus discursos a la posible normalización y estandarización de las otras producciones sociales. Reactivar aquellos momentos de intenso dinamismo entre la ciencia y el arte no puede sino dejarnos preguntas que se alejan de la capa superficial o la simple observación empírica para actuar como generadores de creatividad y promotores de nuevas experiencias estéticas. Porque, una vez que conocemos la ideología a la que respondían esos momentos de dinamismo e intercambio entre ciencia y arte, tal vez nos resulte más urgente la revalorización del presente en donde las capacidades biológicas de la observación están completamente saturadas por las tecnologías avanzadas. Y solo entonces podemos plantear que no es la tecnología la que forma la base de la propuesta artística, sino las mediaciones que esta pone en marcha y la liberación de "afecto" que, como artistas, podemos agitar en la puesta en marcha de proyectos específicos".

Las obras realizadas por Tania Candiani en Honda ponen de presente el marcado anacronismo de los diferentes aspectos de la vida cotidiana en una ciudad venida a menos. Pero en vez de considerarlo un problema, Candiani propone que tal vez sea en este tiempo lento en donde radiquen sus posibilidades de supervivencia como sociedad en un futuro cada vez más frenético y deshumanizado.

José Roca

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The present exhibition results from the residence that the Mexican artist Tania Candiani realized in Honda, Tolima, for severeal weeks in July and August, 2013. Candiani is the winner of the grant from the Casa de Lago in collaboration with FLORA.

Placed on the riversides of the Magdalena, Honda is one of the most ancient cities of Colombia and it was for many years the most important fluvial port in the country. At this time, Honda entered big parts of the goods, that came from Nueva Granada and also the products of the colony that were exported to the European metropolis. In the 19th centuary Honda had a great commercial developement. But with the opening of the highways and the downfall of the inland navigation in the last centuary, the strategic importance of Honda declined. Today, it it a city that survives precariously from fishing, the commerce and the tourism.

Candiani worked at serveral simultaneous fronts during its stay in Honda. It resuted a series of works that appeal to different senses. For example, she made workshops together with the children of the quarter. She was proposing them to realize instruments with plants from instructions of a French book from the earlier 20th century. The children made their toy-instrumets and with them they improvised a chaotic and entertaining concert. A old slide projector with kaleidoscopic lens allowed her to "brighten up" slides of leafes and fruits in an enigmatic image, that doubles, divides and implodes. A local painter realized a landscape of the river in which one of the bridges appreciate. Nowadays it is used as a tourist relic. Also, there is a painting with an old steam ship in the river, which know is only used for the commercial navigation or tourist passengers.

Another project was a herbarium, also done with the participation of the children. They gathered the samples. Also, they helped with a archive of extracts for a "libary of smells". In the presentation of the herbarium, Candiani opposed the scientific descriptions to the descriptions that were given by the population of Honda. There, she explicated the popular names and the traditional uses of these plants.

During a trip to Mariquita, seat of the "Reales Expediciones Botánicas" in la Nueva Granada, Candiani realized a viedeo, in which the sound of the cicadas turns so densely and deafening, that it turns litarally into a sound wall. Establishing a connection between time and sound, Candiani persuades to the military band of Honda for realising a sound action. Therefore, they were forming a line that indicates the time though the position of the sun and their shadow, which worked like a clock hand.

One of the most potent pieces of the exhibition is titled La Magdalena. It consists of a canoe that the artist bought from a local fisherman. In it a video was arranged. The canoe had already been retired from its use, since the pollution of the river and the deforestation of the riversides has caused an serious decrease in the fishing, the traditional sustenance of this community. Candiani cut the canoe and arranged the two parts in an impasse situation. The video is an homage to a scene of the movie "Fitzcarraldo" (1982) by Werner Herzog. In the Candiani version, a canoe is navigated in the River Magdalena with music of an phonograph, that playes touching classical music. The boat, the device, the music and the river in its anachronism: they all are symbols of an alibi progress.

With the words of the artist: "Nowadays, in a moment in which many artists trying to find relations between science and art, nature and culture, they position themselves like two banners, that give intensity to the esthetic offer. We know that in a time where the adaption dominates over the nature, there is the art that must resist its discurse to the possible standardization of the other social productions. To reactivate those moments of intense dynamism and exchange between science and art, it leave us to questions that move away from the superficial layer or the simple empirical observation for making us acting like generators of creativity and promoter of new esthetic experiences. Because, once we knowed the ideology, which answers these moments of dynamism and exange between art and science. Maybe, the revaluation of the present turns out to be more urgent to us, where the biological capacities of the observation are completely saturated by the advanced technologies. Only then, we can see that it is not the technology that forms the base of the artistical offer, but the mediations that the process start and the liberation of the "affection" that we - as artists - can put in the progess of specific projects."

The works by Tania Candiani, that were realized in Honda, put the anachroism of the different aspects of the everyday life in a city at least. Instead of considering it to be a problem, Candiani proposes it to be perhaps in this slow time, where there settle their possibilities of survial as a society in a more and more wild and dehumanized future.

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La Magdalena y otros estudios de campo - FLORA

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La presente exposición es el resultado de la residencia que la artista mexicana Tania Candiani realizó en Honda, Tolima, durante varias semanas en los meses de julio y agosto de 2013.

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En el contexto del proyecto: Reparaciones circulares

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La ausencia de certezas y la evidencia de carencias, que recientemente estamos viviendo como consecuencia del Covid19, ha desbordado los históricos nudos de hambre, haciéndonos repensar los sentidos de lo humano.

Se hace indispensable en base a la organización, producción, intercambios y consumos, definir una política alimentaria que nos sitúe dentro de una atmósfera de esperanza, suficientemente virtuosa como para empujarnos a encarnar un mundo fuera de lo habitual. Remover los campos para cultivar sentidos y cosechar afectos, donde las personas cuiden unas de otras, es el urgente compromiso que debemos impulsar como sociedad.

Desde luego, interpelar al presente a través de nuestros orígenes humanos y no humanos, es un desafío imperioso para abordar las naturalezas, saberes y pervivencias que se encuentran en riesgo. Las debemos heredar, tal cual cordón umbilical o semilla que no deja de germinar.

Traspasar los límites individualistas de la mente y reparar juntxs los colapsos del asfixiante mercado del capitalismo, es asegurar la coexistencia con lxs otrxs, haciendo de ello, un jardín de reservas para espantar los males. El Cinturón Verde ha de convertirse en una ruta común, un refugio donde la reciprocidad que promulga el Ayni alza el vuelo para sumergirnos en las profundidades del ser, buscando los más preciados brotes que nos enseñan a ver y valorar el tiempo con mayor claridad.

Se nos hace obligatorio entonces, afrontar y transgredir la falsa idea sobre la madre tierra como una fuente inagotable de materia, en donde somos simples y sedentarixs espectadorxs de una destrucción a causa de estructuras económicas que dañan irreversiblemente los ecosistemas (Timothy Morton). Hay que abandonar aquella imagen lejana e idealizada -y por tanto privada- de la naturaleza eterna, ya que hoy más que nunca, queda al descubierto la tragedia de la sobrevivencia versus el sentido de la interconectividad en busca del reinicio de la tierra. (el reseteo)

Naturalezas, saberes y pervivencias

Quién es capaz de destruir su propia casa, debiese ser también capaz de aguantar el hambre...

Redefinir los sentidos y lenguajes y su relación con los saberes de nuestro tiempo es emancipación.
Marina Garcés

Buscar la conexión entre todos los sistemas vivos es conciliar el pensamiento humano con la forma en que funciona la naturaleza. Gregory Bateson

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La ausencia de certezas y la evidencia de carencias, que recientemente estamos viviendo como consecuencia del Covid19, ha desbordado los históricos nudos de hambre, haciéndonos repensar los sentidos de lo humano. Se hace indispensable en base a la organización, producción, intercambios y consumos, definir una política alimentaria que nos sitúe dentro de una atmósfera de esperanza, suficientemente virtuosa como para empujarnos a encarnar un mundo fuera de lo habitual.

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Estrategias colectivas.

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Reparaciones circulares es un proyecto virtual dedicado al arte que surge de la mano de Nancy Mansilla Alvarado (Valparaíso) y Loreto González Barra (Iquique) en medio de la pandemia. Definirlo es una tarea compleja, porque al mismo tiempo que es un espacio virtual, es un manifiesto coral de cara al presente convulso que habitamos. Entre sus características podríamos destacar su afán feminista e internacionalista que busca generar una plataforma de encuentro entre artistas de múltiples territorios, y así mantener activo el deseo de colectividad que marcó a nuestro país con posterioridad al 18 de octubre de 2019.

Para ello, lanzaron tres convocatorias durante el 2020, que fueron dando forma al sitio: https://colectivainternacionalista.hotglue.me/. La primera tuvo lugar en junio del año pasado y se tituló "Anticipaciones: predicciones, ilusiones y distopías" y se planteó desde una lectura del presente incierto que apostase por futuros posibles. La segunda fue "Zona liminal/geopolíticas y contextos", que trabajó críticamente en torno a Abya Yala y el jaguar, animal que es parte del imaginario asociado a las fuerzas de la tierra y, al mismo tiempo, utilizado como metáfora del progreso neoliberal: Chile como el "jaguar de América Latina", término acuñado por El Mercurio. Así, buscan analizar críticamente el extractivismo que marca a Latinoamérica.

La tercera curaduría es "Cinturón verde: soberanía alimentaria", que se propuso como una estrategia concreta para actuar frente a un escenario de consumo que sostiene un modelo económico depredador. Nancy y Loreto, en la página web, establecen que este trabajo curatorial en proceso surge "desde la idea de reciprocidad y elaboración recompositiva de los afectos, del cuidado mutuo y la necesidad de hacer lenguaje los signos del cuerpo y todo deseo de emancipación que nos obligue a salir de este oscuro tiempo".

Así, cada uno de los ejes se propone desde un aparato teórico complejo y un trabajo visual que organiza y conceptualiza el modo en que convergen las obras en la página que las acoge. Además de las convocatorias, han realizado una serie de instancias de mediación, puesto que las pedagogías críticas son otros de sus intereses. No se trata solo de instalar obras, sino que de buscar instancias que permitan generar diálogos transversales.

Si tuviera que describir el proyecto desde una perspectiva general y abarcadora, diría que las curadoras hacen de internet un espacio, construyen un repositorio que se desborda sobre sí mismo, evidenciando la necesidad de lugares en los cuales encontrarse. A partir de bases de datos libres de internet, van recopilando imágenes y proponiendo una visualidad que invita a perderse en la página, a querer ver cada obra y conocer las distintas instancias que han ido generando como, por ejemplo, las "señales de humo", acción común entre artistas que respondieron a una de las convocatorias, o las "escrituras críticas", donde invitan a otrxs a ofrecer una mirada sobre Reparaciones circulares.

Una de las cuestiones más llamativas del proyecto es la cantidad de artistas y obras que han logrado reunir; pareciera ser que su condición de proceso la tiene en constante crecimiento, lo que a su vez habla del enorme trabajo para ir dando sentido a una gran cantidad de materiales, puesto que, si bien las convocatorias son un puntapié inicial para instalar temas, estas no se cierran con su lanzamiento, quizás porque no son solo temas, sino que también posturas para comprender el presente. Para conocer más acerca de este proyecto y su futuro comparto la siguiente entrevista a Nancy y Loreto, sus responsables/detonantes, quienes responden al unísono.

Cheril Linett (Chile), curaduría "Anticipaciones: predicciones, ilusiones y distopías". Cortesía: Reparaciones Circulares

Mariairis Flores Leiva: Una de las características de nuestro país es su excesivo centralismo, el que también se refleja en el circuito artístico. Algo que ambas comparten es no habitar este centro y apostar por la generación de otros espacios para el arte desde sus proyectos y contextos territoriales. Internet pareciera estar deslocalizado y no responder a esas lógicas, no obstante, establecer una crítica a esos modos tradicionales de pensar y hacer arte es algo implícito en este proyecto. ¿Cómo evalúan el trabajo realizado hasta ahora en relación a estos planteamientos y cómo esbozan este 2021?

Loreto González Barra y Nancy Alvarado Mansilla: Como un gran aprendizaje, nos ha tocado profundamente cómo este proyecto se ha ido construyendo desde una pluralidad radical, feminista y transformadora, un ejercicio dialógico hacia un plan de trabajo curatorial activista, que ha producido un tejido rizomático, constelado, entre mujeres y disidencias, una red o malla que invita, bajo una política imaginaria, a reparar(nos) de manera circular, colectiva y desde la idea de reciprocidad y cuidado mutuo, estableciendo relaciones entre discursos, contextos y prácticas. A través de un llamado internacionalista, estamos levantando una cartografía social y política colectiva de borde, una cuerpa en disputa que nos permite encontrar, a través de propuestas lúcidas, señalamientos y revertimientos de los alarmantes e inciertos planos en los que vivimos en la actualidad.

Llevamos ya casi un año reflexionando sobre líneas de acción o ejes curatoriales que en el fondo apuntan a accionar respecto de un arte político, centrado en algunas formas de justicia social y las políticas de reconocimiento en nuestro campo. Son tantas las desigualdades estructurales y micro desigualdades cotidianas... es una tecnología compleja que banaliza ¿no?, que no le toca y perpetúa las brechas... Entonces, ¿cómo nos ponemos en el punto de vista de otres?

De lo anterior, podemos desprender infinidad de aprendizajes y desafíos que parten de sentidos de mundo compartidos basados en la acción mutua y en prácticas individuales y colaborativas, que a lo largo de los años han ido cimentando micropolíticas de lo cotidiano en los espacios que compartimos desde La Pan y Caput, y que pulsan por una redefinición del arte y están estrechamente relacionadas a investigaciones procesuales, experimentales y lentas, más cercanas a profundizar que a generar resultados rápidos.

Un trabajo situado desde las pedagogías experimentales y metodologías colaborativas centradas en la horizontalidad, reciprocidad y mutualidad, la producción de investigación basada en artes y el desarrollo de pensamiento crítico como práctica política.

Podemos decir que nos situamos desde una arquitectura de la crisis, retaguardia radical que se hace cargo de producir y visibilizar conocimiento colectivo emancipatorio desde lo sobrevivido, lo sobrevivible y lo que está por sobrevivirse, y lo hace desde la provincia, alejada de los centros de pensamiento y poder geopolíticos y mercantilizantes del arte, tejiendo de manera fortuita a medida que la colaboración recíproca con diversidad de otres agentes se hace cuerpo en cada iniciativa de esta curaduría que es activista y además es lenta, o un slow curating.

Finalmente creemos que el 2021 es un año igual de incierto que el 2020; pareciera que existen más respuestas ante la pasada y extraña experiencia, porque hoy conocemos más sobre una pandemia y algunos modus operandi que han logrado adaptarnos a sus estructuras. Sin embargo, de alguna manera, estamos casi en el mismo lugar que antes (literalmente frente a una pantalla de computador), con mayores anhelos por supuesto, pero igualmente con distintas dudas y errores que nos desafían a repensarnos todo el tiempo a través del diálogo.

El trabajo en colectiva se hace indispensable y nuestro mejor esbozo para este año es seguir dándonos espacios para compartir laboral y políticamente con más trabajadoras de las artes. Hemos decidido, a modo de manifiesto, que Reparaciones Circulares y la colectiva internacionalista que la conforman, deben vivir lo que quieran vivir, con la energía suficiente como para provocar tensiones y agitaciones varias que le entreguen dinamismo al proyecto. La atracción y el movimiento serán las únicas maneras de imaginarnos en el tiempo.

Julio Urbina (Perú), curaduría "Zona liminal/geopolíticas y contextos". Cortesía: Reparaciones Circulares

"Ha sido importante hacer de la curaduría una producción agitable y discontinua utilizando el dentro y fuera de la pantalla como excusa para accionar el presente del espacio social, inventando otros bordes para acercarnos a la proyección de un nuevo universo de acciones de emancipación y autonomía"
MFL: ¿Cómo fue la experiencia de abordar este proyecto desde lo virtual y en la distancia?
LGB/NMA: Cuando tuvimos que volcar muchos de nuestros modos de hacer a la virtualidad, a todes se nos presentó un gran desafío; fuimos atravesadas por el universo hipertextual y sus riesgos estandarizantes, especialmente para el campo de las artes. Entonces, propusimos llevar la idea de malla/rizoma al espacio virtual, que ya es un mosaico infinito, y vincularla con operaciones cartográficas que permitieran abrir conocimiento de formas no estandarizadas y que fueran respondiendo a las distintas estrategias de investigar de todes quienes hemos ido conformando esta iniciativa, porque ¿qué es la realidad virtual sino lo que cada cual construye y cree de ella?

Reparaciones Circulares ha sido fundamentalmente un dispositivo de investigación que se mueve en una malla dinámica, a través de nodos de relaciones móviles y vivas desde donde emergen desclasificaciones en forma de imágenes y diagramas de investigación, textos, mapas de redes e hipervínculos. Esto ha permitido construir cartografías que van cambiando de forma y contenidos en cada ciclo, porque responden a un llamado abierto que nosotras pensamos de una manera y que luego tiene infinidad de respuestas, apareciendo nuevas formas y sentidos, provenientes del cómo cada persona que participa de la colectiva está interpretando el mundo. Un gran viaje de lectura sobre ecosistemas creativos e intelectuales, así como del paisaje neocolonial.

Por otro lado, nuestra escala ha sido súper doméstica. Vamos aprendiendo del mundo digital, mientras somos diseñadoras web, amigas, curadoras, mediadoras, productoras, gestoras y un largo etcétera que se redefine cada cierto tiempo desde el diálogo, la intuición, lo afectivo-cotidiano y lo micropolítico. Estos elementos han sido activados desde una estética noventera retro-futurista de germen under y de open source, por lo que utiliza elementos como ruidos molestos, glitch, gif animados y bloques de color.

Desde este meta lugar, ha sido importante hacer de la curaduría una producción agitable y discontinua utilizando el dentro y fuera de la pantalla como excusa para accionar el presente del espacio social, inventando otros bordes para acercarnos a la proyección de un nuevo universo de acciones de emancipación y autonomía. Hacer de esto una práctica constante, para repensarnos como una gran torre de babel, con un mismo cuerpo y territorio. Y es que, accionar desde el borde como punto de partida es pensar necesariamente desde otras perspectivas. No tan sólo desde la desconcentración de los territorios, sino también desde la desconcentración del pensamiento.

Como un sitio web actuando desde la lógica de la red, nosotras operamos a través de la malla en hipervinculación con otros sitios. Algo así como un otro territorio, uno que suma a la conexión más que presentarse hacia o desde un centro y una periferia. Por supuesto que esto es parte de un deseo internacionalista que no habita más que en los impulsos por tejer, sin fronteras de por medio que den pie a categorías establecidas bajo políticas segregadoras como lo ha hecho históricamente la cultura del progreso bajo su naturaleza tradicional y por tanto descompuesta.

Francesca Fini (Italia), curaduría "Anticipaciones: predicciones, ilusiones y distopías". Cortesía: Reparaciones Circulares

"Estamos trabajando de formas diversas sin caer en la normatividad o normalidad del circuito artístico común, sino desde un lenguaje compuesto, que apoye, estimule y avance hacia un tiempo más lento, con más espacios para emanciparnos hacia lo vivible".
MFL: Desde este ímpetu internacionalista al que aluden y que es parte constitutiva de sus planteamientos, me gustaría que me contasen cómo eso se ha traducido en el trabajo con lxs artistas y las obras. ¿Se podría establecer un paralelo con la producción de los artistas locales o esa distinción parece no importar?
LGB/NMA: Creemos que el trabajo que hemos buscado de manera colaborativa se mantiene gracias a la convicción de que hoy más que nunca necesitamos acercarnos afectiva y políticamente para sobrellevar las contradicciones a las que nos ha empujado el actual alzamiento social y que además ha desnudado el COVID-19. Entonces, desde la urgencia por reparar los abatidos contextos y salir de la constante amenaza de alienamiento, tanto lxs artistas como sus operaciones, procesos creativos u obras han sabido entrar en la dinámica, haciéndose parte de este llamado internacionalista.

Es decir, al momento que aceptan el llamamiento ponemos en común planteamientos y formas de situarse y analizar el mundo, por lo que inmediatamente las reflexiones y piezas de todxs entran a formar parte de los seres y conexiones infinitas de la malla (refiriéndonos al concepto de Morton) que propone esta estrategia de pensamiento, algo así como micelios interconectados. Pensamos esto de lo internacionalista como individualidades que son autónomas produciendo conocimiento y, al mismo tiempo, se constituyen en una colectividad sin espacio ni período estático, donde todo coexiste con lo demás. Y eso ha sido muy particular, por ejemplo, en el caso de las mediaciones que circulan dentro de cada programa curatorial. Este "coexitencialismo" que pone fin al relato lineal ha sido clave para crear y experimentar diversos y excéntricos diálogos que desde lo virtual nos han permitido salirnos de los cánones del internet, como estrategia y quizás excusa, para agitar y tomar postura respecto de la crisis multidimensional en la que habitamos.

Desde luego, la sintonía en la que actualmente estamos mujeres y disidencias, más allá de las disciplinas, es una frecuencia urgente de agitar. Y por lo mismo, sumergirnos en áreas que nos permitan sobrellevar-transitar por los turbulentos tiempos que traen consigo las formas soterradas de las estructuras de poder; es parte de nuestro quehacer, es una responsabilidad política con la que cargamos y que es necesario poner en acción. Y para eso, junto a las confianzas, voluntades y, por sobre todo, motivaciones por amplificar aquellas visiones limitantes, tanto los trabajos como lxs artistas presentes han logrado activar un lugar, un soporte de contención y acción que nos invita a traspasar cualquier tipo de orden establecido que nos sujete a la cosmovisión del capital, especialmente la que nos somete a una lógica geográfica irrumpida por las fronteras territoriales. Lo que igualmente, desde un campo laboral, implica perforar cajas: los cubos físicos y cuadrados virtuales que encierran el problema.

Y es en ese sentido donde la añeja e incrustada idea que tradicionalmente tenemos de "centro" se desarticula; seguir sus estructuras sería sesgarnos a una manera de hacer las cosas. Sabemos que los centros limitan en sí mismos, moldean estructuras que generalmente se nublan de lo que ocurre en otros espacios, por lo que pocas veces articulan un trabajo dialógico con otras realidades. El trabajo internacionalista permite abrir puentes, correr cercos, y la red virtual también, obviamente en la medida que tengas la mirada fuera de esos centros de legitimidad establecida, los cuales están presentes en cada territorio; entonces, sabemos que en parte depende de nosotros abrir campos de acción.

Si todo lo anteriormente expuesto ocurre, te abre un universo de constelaciones donde no tiene lugar la competencia por el objeto artístico en sí, que no funciona desde el recurso o necesariamente desde lo estético, sino que comienza y termina en la producción de trabajo como fuente de dignidad, de amor hacia lo que haces y quieres divulgar, con una razón afectiva y efectiva en cuanto a sus modos de hacer, y desde un sentido profundo de justicia social.

Si los artistas y sus trabajos tienen relación con la producción local, por supuesto que sí. En todo aspecto, en las metodologías de trabajo, en los estilos, en sus fuentes teóricas, y hasta en la modalidad de exhibición, hay muchas vinculaciones que son puntos interesantes de abordar. Sin embargo, en Reparaciones Circulares estamos invitando a avanzar hacia una curaduría de retaguardia, a abrir un espacio en la crítica de arte para dialogar sobre estos tópicos, analizar obras, contextos, procesos, pero principalmente trasfondos. Por eso estamos trabajando de formas diversas sin caer en la normatividad o normalidad del circuito artístico común, sino desde un lenguaje compuesto, que apoye, estimule y avance hacia un tiempo más lento, con más espacios para emanciparnos hacia lo vivible. Y no desde la ruptura que ofrece el convencionalismo del arte mediante la predominancia de la estética y la crítica al objeto, lo cual es importante para la investigación, pero también entra en crisis dentro de las subjetividades.

Creemos que hoy requerimos tramar procesos completos e implicantes que pongan en práctica sistemas interdisciplinarios y tejidos rizomáticos-afectivos que nos permitan co-aprender para supervivir a la crisis humanitaria que estamos viviendo.
MFL: ¿Cuál es el tema que aborda la próxima convocatoria y cómo lo enlazan a las curadurías que ya se encuentran disponibles?
LGB/NMA: Nuestra próxima curaduría se piensa nuevamente desde lo político del arte en diálogo con otras disciplinas. Esta vez desde la palabra escrita, le entregamos protagonismo al texto, la crítica y la investigación. Hemos pensando en un cuarto llamado que interpele a escritoras, sean de cualquier oficio: profesoras, artistas, cocineras, curadoras, académicas, jardineras, gestoras, activistas, etc. con el fin de trazar líneas de ideas y análisis sobre las tres curadurías del 2020.

La intención es poder conocer, de manera conjunta, la mirada de pensadoras cuya performatividad y trabajo a veces queda oculto o desplazado ante la prevalencia de la objetualidad discursiva. También aquellas personas, mujeres y disidencias, que por muchas razones patriarcales no han sido publicadas, no se atreven a exponer sus pensamientos o básicamente no cumplen con las normas establecidas para narrar estudios sobre arte.

Motivadas por los diagramas de pensamiento que componen un resumen-síntesis de lo que fueron "Anticipaciones", "Zona Liminal" y "Cinturón Verde", invitamos a escribir, según intereses personales o colectivos, sobre las propias interpretaciones que pudieran darle a cada espacio curatorial o al cruce entre ellos. La idea es que puedan elegir un tema en cuestión, vincularlo a los tópicos curatoriales y a las obras presentadas y/o mediaciones, conversar sobre las líneas de acción o hasta del soporte mismo. La plataforma da para mucho y nuestro llamado es a crear espacios de diálogo creativos abiertos.

Este 2021 seguimos elaborando un plano espiral de contenidos que busca ser hurgueteado para reorganizarse según la curiosa mirada de quien escriba. Esto sin más expectativa que construirse como fuente de conocimiento recíproco para la visibilización y divulgación de saberes feministas. Finalmente, esta cuarta convocatoria busca apoyarse dentro del marco escritural con la finalidad de corresponder a una figura visual con la que venimos trabajando.

Esperamos en un futuro cercano abrirnos a un proyecto editorial que se mezcle con estudios curatoriales, diagramas conceptuales, obras de arte, críticas y recursos pedagógicos para el aporte de aprendizajes colaborativos.

Reparaciones Circulares. Screenshot de sitio web

"¿Hasta cuándo el hombre político se representará como un superhéroe lleno de promesas vacías y campañas rotas? ¿Cómo mediar representaciones versus vocerías? ¿Cuándo veremos el fin de la decadente mediocridad y el oportunismo? ¿Podemos seguir perdiendo el tiempo? ¿Cómo lograr a través de este proceso constituyente abrir el muro hacia la convivencia entre diferentes, desde la autonomía del saber y del ser como camino hacia el progreso?"
MFL: Me parece muy interesante que generen un espacio para la escritura, porque esta es fundamental para la experiencia artística, ya que es constitutiva tanto de la obra como de las lecturas que se relacionan con ella. Ya para cerrar, y siguiendo con los planteamientos políticos que desarrollan desde su trabajo y desde esta escritura de doble autoría, me gustaría que me contaran, a grandes rasgos, cómo ven este año que se viene en términos de la coyuntura política que estamos viviendo con el proceso constituyente.
LGB/NMA: Sin duda existe una gran dicotomía en la relación proceso-resultado... ¿a costa de qué o quiénes? Y ante las consecuencias de la crisis del fallido sistema civilizatorio más ocupado de la economía del miedo y de la ilusión de una falsa prosperidad indefinida, centrada en la producción de lo igual y la satisfacción inmediata, se nos vienen a la cabeza algunas preguntas para que la ilusión del cambio no se transforme en alienación destructiva y nos permita supervivir estos tiempos: ¿Dónde quedaron las asambleas? ¿Otra vez los mismos de siempre? ¿Hasta cuándo el hombre político se representará como un superhéroe lleno de promesas vacías y campañas rotas? ¿Cómo mediar representaciones versus vocerías? ¿Cuándo veremos el fin de la decadente mediocridad y el oportunismo? ¿Podemos seguir perdiendo el tiempo? Finalmente, ¿cómo lograr a través de este proceso constituyente abrir el muro hacia la convivencia entre diferentes, desde la autonomía del saber y del ser como camino hacia el progreso? Como verás, estamos llenas de dudas. Y ante esta incertidumbre sólo nos queda seguir levantando acciones concretas desde nuestro campo de acción, para realmente avanzar hacia una dignidad más justa con sentido social.

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REPARACIONES CIRCULARES. ESTRATEGIAS COLECTIVAS PARA IRRUMPIR EN EL PRESENTE

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"Reparaciones circulares" es un proyecto virtual dedicado al arte que surge de la mano de Nancy Mansilla Alvarado (Valparaíso) y Loreto González Barra (Iquique) en medio de la pandemia. Definirlo es una tarea compleja, porque al mismo tiempo que es un espacio virtual, es un manifiesto coral de cara al presente convulso que habitamos.

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Hidrofeminismo en Astrida Neimanis

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Auscultar un territorio de alumbramientos

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Auscultar un territorio de alumbramientos

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Leonel Vasquez

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Auscultar un territorio de alumbramientos

Residencia Plataforma Bogotá-Más arte Más Acción

Junio/noviembre 2019

Año tras año, las ballenas yubarta viajan miles de kilómetros en la búsqueda de aguas cálidas y tranquilas para poder aparearse y alumbrar sus crías, rodean la costa pacifica de centro américa y entre tantos lugares encuentran el golfo de tribugá: un espacio para el ritual sonoro de la procreación de la vida. Sin embargo las aguas profundas de los mares en Colombia se están contaminando acústicamente, los niveles de polución han venido aumentando al igual que los proyectos de desarrollo e infraestructura en la política de estado. El tránsito marítimo, la pesca industrial, la exploración de hidrocarburos entre otras acciones antropogénicas, están sometiendo a la vida marina a intensidades y frecuencias que afectan la salud acústica de los mares y alteran los comportamientos de los animales al punto de volver imposible su vida en estos territorios.

Hemos creado una imagen del mundo subacuático fuera del agua, sin escucharlo, sin sentirlo, imagen que nos ha permitido, referenciarlo, intervenirlo y apropiarlo. No somos conscientes de los impactos que tienen las acciones humanas más allá del alcance de nuestra mirada, se ve el paisaje acuático como un recurso y las interacciones como procesos técnicos para su instrumentalización. La imagen silenciosa que proyectamos desde afuera de las aguas del pacifico contrasta con la cacofonía de sonidos producto de las acciones vitales y de territorialización entre el mundo mineral, animal y humano.

En este proyecto de residencia asumí el trabajo urgente de democratizar la escucha subacuática, acercar el oído a las agua y sus distintas formas de vida y sus mensajes. Como una acción cotidiana y urgente, desterritorializar el sonido en las aguas del lugar exclusivo de la investigación en las ciencias oceanográficas, la comunicación militar, y los proyectos extractivistas. Una escucha que permite el conocimiento, la sensibilidad y la responsabilidad como testigos sonoros para buen entender y relacionarse con los distintos seres que allí habitan. Encontré en el sonido obstétrico y oficio de las parteras del pacífico un motivo revelador, unos cuerpos tendidos a la comprensión de su entorno que les ha permitido transformar el mundo botánico ancestral en medicina, expandir las potencias de su cuerpo sintiente para desarrollar la imaginación táctil y la escucha profunda como un modo de establecer comunicación y entendimiento de lo oculto. Entonces ¿Que pasa si orientamos la escucha sensata al fondo de las aguas, a los lugares donde la vista no llega y nos dejamos interpelar por los mensajes que las pueblan?. ¿Qué pasa si ese mismo modelo de amor hacia la vida de los humanos se proyecta hacia el territorio, si nos volvemos parteras y parteros de las ballenas y si interpretamos los sonidos como señales vitales para tomar decisiones?

Recorrí con mis oídos varios corregimientos y paisajes de agua, conversé durante horas con parteras, carpinteros de rivera, pescadores artesanales, biólogos, agentes turísticos y nuestro tema de conversación giraba entorno a las cosas que tenemos en común con las ballenas, el territorio, y el lugar de los sonidos en esta relación. Después de varias semanas de reconocimiento, lideré un laboratorio de escucha subacuática donde, además de abordar aspectos técnicos del sonido en el mar, hicimos nuestros propios hidrófonos con tecnología básica pero efectiva, y luego hicimos salidas de escucha y registro en la mar, siempre acompañados por el indeterminado concierto de ballenas donde pudimos vivir en carne propia la magia de su cantos y lo aturdidor de los motores de los barcos camaroneros.

Al final del laboratorio generamos un espacio para compartir la experiencia, con los registros sonoros en las salidas de escucha, compusimos una pieza para que sonara bajo el agua en una estación de escucha subacuática. Para esto, llenamos de agua una "azotadora" (embarcación utilizada generalmente para el trabajo con arroz) e hicimos una especie de baño sonoro conducido por un flujo vibrátil de cantos de ballenas y de humanos, arrullos y voces del paisaje, mezclado con un preparativo de hierbas medicinales.

Durante este tiempo y con distintas personas llegábamos a la misma conclusión, somos lo peor y lo mejor que le ha pasado a este planeta, los humanos hemos puesto el paisaje acuático en crisis, pero también podemos aportarle desde el entendimiento, la sensibilidad y la revaloración, escucharlo de otro modo ayudará a reestablecer los vínculos y eso se reflejará en su aprecio y cuidado.
Entrevista Radio Nacional de Colombia

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Residencia Plataforma Bogotá-Más arte Más Acción Junio/noviembre 2019 Año tras año, las ballenas yubarta viajan miles de kilómetros en la búsqueda de aguas cálidas y tranquilas para poder aparearse y alumbrar sus crías, rodean la costa pacifica de centro américa y entre tantos lugares encuentran el golfo de tribugá: un espacio para el ritual sonoro de la procreación de la vida.

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En el trabajo de Olafur

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En los últimos años, me he interesado cada vez más en los esfuerzos para considerar la vida no solo desde una perspectiva antropocéntrica, sino desde una perspectiva amplia, biocéntrica. Me he dado cuenta que transformo sustantivos en verbos; por ejemplo, cuando recorro mi exposición, trato de 'arbolar', para así tomar conciencia de perspectivas que van más allá de lo que los humanos podemos llegar a imaginar.

Como todos los mamíferos, para los humanos la vida depende de inhalar y exhalar oxígeno. Siguiendo a los antropólogos Natasha Myers y Timothy Choy, diría que la vida también se trata de conspirar, jugando con el origen de la palabra ("respirar con") y su definición en el diccionario. Conspiramos con el árbol, con otros y con el planeta.

Cuando reconocemos que nuestras vidas están inextricablemente ligadas a nuestro entorno, a estructuras y sistemas que van más allá de nuestro contexto local, creo que aprendemos que todos somos vulnerables y no tenemos todo el control. Actuamos e interactuamos en situaciones definidas por la incertidumbre y resultados poco claros.

Citando a la antropóloga Anna L. Tsing: "La precariedad antes parecía el destino de los menos afortunados. Ahora, pareciera que la vida de todos es precaria, incluso cuando, por el momento, nuestros bolsillos están llenos".

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Mark Niedermann

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Mark Niedermann

Life -mi obra- y la Fundación Beyeler se entrelazan con el parque que las rodea, el paisaje urbano y el planeta, y cobran vida a través de todo y todos a quienes se encuentran en ellas.

Desde que empecé mi carrera artística al inicio de la década de los 90, me he interesado en la percepción y en las condiciones cognitivas y culturales que la moldean. Life cobra vida a través de tu encuentro activo con ella, a través de tu percepción. Opté por no ofrecer textos didácticos o explicativos que acompañen las obras, ya que esto podría condicionar la percepción y entendimiento de la exhibición por parte del público. Para mí es importante no compartir una perspectiva finita de Life; aquí se encuentran algunos de mis pensamientos respecto a la creación de la obra y su continuidad, como también mis fuentes de inspiración. Al mismo tiempo, agradezco lo que los visitantes traen consigo a la obra, sus expectativas y recuerdos, pensamientos y emociones.

Life presenta un modelo para un paisaje futuro: hospitalario. Hace un par de años, cuando Sam Keller, director de la Fundación Beyeler, y yo, hablamos por primera vez de la exhibición, pensé ¿por qué no invitamos a todos? Invitemos al planeta, a las plantas y a las distintas especies. Más allá de abrir una puerta, decidí eliminar los límites estructurales que sostienen el exterior de la institución, y estoy agradecido con la Fundación Beyeler y el arquitecto Renzo Piano, quien diseñó el museo, por haber confiado en mí para retirar cuidadosamente la fachada de cristal del edificio.

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Mark Niedermann

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Mark Niedermann

Junto con el museo, renuncio, por así decirlo, al control sobre la obra de arte, entregándosela a los visitantes humanos y no humanos, a las plantas, a los microorganismos, al tiempo, al clima, aquellos elementos que los museos suelen esforzarse por mantener afuera. En cambio, intentamos acoger a todo y a todos.

Me interesa cómo ponemos en práctica nuestros sentidos, cómo usamos nuestra conciencia y qué sucede cuando nos adormecemos. Mi buena amiga, la científica cognitiva y poeta Pireeni Sundaralingam ha investigado cómo los entornos digitales a menudo se construyen como sistemas para captar nuestra atención que generan estrés neurológico y patrones de comportamiento basados en la amenaza. Pireeni sostiene que los entornos sensoriales abundantes y los espacios digitales o físicos que albergan incertidumbre, en lugar de amenaza, tienen un impacto positivo en cuanto al desarrollo del cerebro en el crecimiento, en la creatividad, innovación y resiliencia. Espero que Life anime a los visitantes a experimentarse a sí mismos dentro de un paisaje expandido, abierto e incierto, como seres compuestos, atrapados en ecologías más grandes e ingobernables.

Life les brinda a los visitantes humanos la oportunidad de activar todo su sistema sensorial; a través de los olores de las plantas y el agua, los sonidos del entorno y la humedad del aire, se invita a los visitantes a usar no solo la visión para explorar la obra. Life invita a la "conciencia panorámica" dentro del paisaje, sugiere que lo que está detrás, a cada lado, o incluso encima de ti es igual de importante como lo que tienes en frente.

Hace poco conocí a la antropóloga y bailarina Natasha Myers, quien nos invita a lo que ella llama "vegetalizar" nuestros sentidos, para así comprender el potencial de la relación entre plantas y personas. En uno de sus ensayos, Myers se pregunta: ¿Qué quieren las plantas? ¿Qué saben las plantas? ¿Qué puede hacer una planta? Aún no tenemos esas respuestas, pero podríamos llegar a ellas estando conscientes de que no las sabemos y olvidando lo que pensábamos que cuenta como conocimiento.

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Pati Grabowicz

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Pati Grabowicz

Si bien Life da la impresión de que la naturaleza se apoderó de la Fundación Beyeler, al mismo tiempo presenta una experiencia profundamente esculpida. El agua verde brillante, que ocupa la mayor parte del espacio, está teñida con fluoresceína, colorante orgánico que se utiliza para estudiar el flujo hídrico. Lo he utilizado para explicitar la presencia del agua.

Las plantas en Life (nenúfares, flores de concha, helechos flotantes, entre otras) fueron cuidadosamente seleccionadas por mi buen amigo, el arquitecto paisajista Günther Vogt. En el pasado, él y yo hemos colaborado en varias obras que exploraban las líneas difusas entre naturaleza y cultura, reconociendo que los humanos somos parte de sistemas más grandes.

Yo veo Life como un paisaje natural-cultural. La naturocultura es un término acuñado por la feminista, científica y autora Donna Haraway, y creo que por fin estamos en ese punto de darnos cuenta que la cultura y la naturaleza son inseparables, de hecho, siempre lo han sido. En mi parte del mundo, creíamos que los humanos somos excepcionales, que alcanzábamos el éxito cuando nos poníamos por sobre la naturaleza, en un rol de poder, utilizando y moldeando la Tierra a nuestro gusto. Hoy, tenemos que ocuparnos del hecho que no somos tan excepcionales como creíamos. Debemos hacer espacio para otros.

Me gustaría sugerir que nuestro sentido del paso del tiempo también es parte de la obra. Pienso que existe algo de potencial en "desbloquear el tiempo" desde las unidades de medidas estándar para entender el tiempo que toma encontrarse con la obra y estar completamente inmersos en ella, como una noción del tiempo vivido, inseparable de la propia experiencia.

Vista de la instalación "Life", de Olafur Eliasson, en la Fundación Beyeler, Riehen/Basilea, 2021. Cortesía del artista; neugerriemschneider, Berlín; Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York / Los Angeles © 2021 Olafur Eliasson. Foto: Mark Niedermann

La neurobióloga Anna Wirz-Justice ha hecho investigaciones increíbles sobre la ciencia del tiempo biológico, de nuestros ritmos diarios -los llamados ritmos circadianos- y cómo estos gobiernan el comportamiento humano y la fisiología. Pero ellos también tienen un impacto en la mayoría de otros seres vivos - desde la más pequeña bacteria a los hongos, desde las plantas a las moscas y desde los peces a los mamíferos - puesto que todos ellos han internalizados estos ritmos geofísicos externos y tienen un conjunto notoriamente similar de "relojes biológicos" que generan un ciclo interno de alrededor de veinticuatro horas.

Life no está limitada por un sentido humano del tiempo; no tiene fechas fijas de apertura o cierre. En cambio, comenzó a surgir lentamente en abril y se desvanecerá en julio. De esta manera, la construcción y deconstrucción de Life se convierten en partes integrales de la obra y pueden ser observadas por los asistentes desde el parque que rodea la Fundación Beyeler.

Life está en constante transformación. Los humanos y no humanos por igual pueden experimentar estos cambios a cualquier hora del día o de la noche, ya que no existen horarios de apertura y cierre para la exhibición. Incluso, si hay asistentes no humanos en el lugar, otros seres -por ejemplo, insectos, murciélagos o aves- pueden volar a través de la obra o hacer residencia temporal dentro de ella. En la noche, Life se ilumina - lo puedes ir a ver por ti mismo.

Siempre he sentido que el arte tiene agencia -no como un valor intrínseco o un núcleo esencial, sino que como estar-en-y-con-el-mundo-, tal como los asistentes tienen agencia para encontrarse con la obra. Ambos están situados en alguna parte, en un mundo - las agencias y trayectorias de la obra y del visitante son partes de redes más amplias. La pregunta, entonces, es ¿qué pasa en ese encuentro entre el arte, el visitante y el mundo cuando sus trayectos se entrelazan? ¿El arte transforma al asistente? ¿Los asistentes transforman el arte en su "ahora"- el momento y el mundo en el que sucede el encuentro? Y ¿qué pasa si el visitante no es un ser humano, por ejemplo, una mariposa tomando un desvío de su viaje por el parque Beyeler? Yo creo que todos pueden, potencialmente, transformar y ser transformados.

- Traducción por Catalina Moreno y Nadia Lizana, pasantes de Traducción de la Universidad Católica de Valparaíso, Chile

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OLAFUR ELIASSON SOBRE "LIFE" EN LA FUNDACIÓN BEYELER

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"Creo que por fin estamos en ese punto de darnos cuenta que la cultura y la naturaleza son inseparables, de hecho, siempre lo han sido. En mi parte del mundo, creíamos que los humanos somos excepcionales, que alcanzábamos el éxito cuando nos poníamos por sobre la naturaleza, en un rol de poder, utilizando y moldeando la Tierra a nuestro gusto.

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Instalación: 20 piezas de cerámicas esmaltadas de azul (3 caladas e intervenidas con texto) 5 lienzos con dibujos y escritos en pigmento azul cobalto, incienso de hierbas (Eucalipto y Pino) y video performance (15 min)

La obra hace una relación poética y política en torno al agua, el cuerpo, la lengua mapuche y el territorio. En una combinación de técnicas, la instalación propone un recorrido que atraviesa las toponimias del agua en el mapudungun (Foyeko, Kallfüko, Kürruko, Renayko, entre otros) , la escritura insistente de "Mapu kishu angkükelay, kakelu angkümmapukey" (la tierra no se seca sola, otros la secan), el mapa del territorio que hoy comprende Chile y también un extracto de los artículos 5 y 9 del código de aguas hecho en 1981, en plena dictadura militar y que norma hoy el agua como un mueble transable en el mercado.

Otras piezas que componen la obra son cerámicas vaciadas de contenedores de agua, de distintas capacidades y tamaños en distintos tonos de azul e intervenidas por medio de un calado con los textos: "SEQUÍA", "SAQUEO" Y "PETORCA LEWFÜ (río Petorca).

La última parte de la obra es un registro de performance en donde aparece el rostro del artista dibujado con la Guñelve (Lucero del amanecer), símbolo de la resistencia mapuche.

La obra busca poner en cuestión los vínculos históricos del agua y el pueblo mapuche en relación con el extractivismo neoliberal presente en Chile y su modelo privatizador del agua.
Ko ta mapungey ka (Water is also territory, 2020)
Installation: 20 blue enameled ceramic pieces (3 carved and intervened with text), 5 canvases with drawings and writing in cobalt-blue ointment, herb incense (eucalyptus and pine) and video performance, 1920×1080,FULL HD,15 minutes.

The work establishes a poetic and political relationship between the water, the body, the Mapuche language and the territory. In a combination of techniques, the installation proposes a path that goes through the water toponymies in Mapudungun ( Foyeko, Kallfüko, Kürruko, Renayko, among others), the insistent message " Mapu kishu angkükelay, kakelu angkümmapukey" (The soil does not dry by itself, others dry it), the map of the territory that today corresponds to Chile and extracts of the articles 5 and 9 of the Chilean Water Code published in 1981, in the middle of the dictatorship, which established the water in Chile as a marketable good.

Other pieces of the work are ceramic moldings shaped as water containers of different capacities and sizes in shades of blue, intervened with the concepts: "SEQUÍA", "SAQUEO" Y "PETORCA LEWFÜ" [DROUGHT, LOOTING, PETORCA RIVER].The last part of the work is a performance recording showing the artist's face with a Guñelve (Morning Star), symbol of the Mapuche resistance, painted on their face.

The work seeks to question the historical bonds between the water and the Mapuche people in relation with the neoliberal extractivism present in Chile and its water-privatizing model.

Photos: Diego Argote.

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Ko ta mapungey ka (Agua también es territorio) (2020)

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Instalación: 20 piezas de cerámicas esmaltadas de azul (3 caladas e intervenidas con texto) 5 lienzos con dibujos y escritos en pigmento azul cobalto, incienso de hierbas (Eucalipto y Pino) y video performance (15 min) La obra hace una relación poética y política en torno al agua, el cuerpo, la lengua mapuche y el territorio....

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Un resbalín hacia lo desconocido - Cecilia Vicuña (Primera parte)

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Jardín migrante

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Immigrant Garden

Environmental artwork, plants and a book, 2006

Immigrant Garden introduces 26 decorative and culinary plants that in the course of centuries have arrived in the furthermost North. The plants selected for the artwork originate in four different parts of the globe: Far East Asia, Western and Central Asia, the Americas and Africa. The work presents plants as active agents that have single-mindedly spread around the globe. Many of these plants have rooted deeply into our own cultural identity, for example geranium that has even been celebrated in a popular Finnish song.

Plants spread naturally from one place to another through the agency of wind, water and animals. The spread of the plants in Immigrant Garden was dictated by historical events – trade, conquest, exploration – the human desire for profit. Over the course of history the passions aroused by plants have led to over spices and orchids have been picked almost to extinction, not to mention the significance of narcotic plants. Modern genetic research and pollen analysis permit closer identification of the origin of plants than ever before. Most of the garden plants of our continent were uniquely European until the 1560s, when the large scale importation of plants began, at first mainly from Turkey. The hundred-year flow of decorative plants began in the 1620s.

Kalle Hamm and Dzamil Kamanger have made different kind of versions of it for several exhibitions in Finland: Harvest - Fiskars 2006, Rauma Biennale Balticum 2008, Jokigalleria in Eura 2007 and Gallery Augusta in Suomenlinna 2012. They have also published a book, which is a core of the whole artwork.

Henna Paunu

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Environmental artwork, plants and a book, 2006 Immigrant Garden introduces 26 decorative and culinary plants that in the course of centuries have arrived in the furthermost North. The plants selected for the artwork originate in four different parts of the globe: Far East Asia, Western and Central Asia, the Americas and Africa.

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Aniara Rodado

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La Jaquer EsCool - Plantas y Performance

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Aniara Rodado-2 días en la vida de una ruda y una hora de "quietud"

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Aniara Rodado-2 días en la vida de una ruda y una hora de "quietud"

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Scenocosme | Akousmaflore. Sensitive and interactive musical plants

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e-aruma

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Weaving is to give order to diverse materials through processes
Weaving is technology, looms are thinking machines controlled by highly complex logic and thoughts.
Weaves are also carriers of millenary technical knowledge, which are incorporated by the weaver who operates them.

These works are the result of research where 
textile is understood as technology and phenomenology, 
Since 2013 near the native forest in the community of Kollpamayu. In the shadow of molles and carob trees were woven, -in unusual materials-, works in diverse formats, where ancestral textile practices are related with energy, transformed into light and color

e-aruma, electric-aruma comes from the Aymara word that in its most direct translation means night, 
and in its most conplexed figure it connotes the physiological phenomenon of the colours that are seen when closing the eyes, that colorful darkness
Thus, many of the works included in this project, 
explore the colors that arise from the dark. The color is also explored through traditional and synthetic fibers,conductive threads, optical fiber, electrochemistry. 
Who observes, also affects the works with his presence and has to let his eyes get used to the darkness,

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Escucha bajo el agua | Radio Laboratorio