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Thématique de ce qui est caché/entreposé sous le cyclo et ce qu'on choisi de dévoiler.

Le cyclo comme élément scénographique et dramaturgique

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2 juin 2021

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Nous avons pris instinctivement la voie du «contrôle» parce que cela nous permettait de montrer une symbiose maximale de nos corps et la technologie en amplifiant les connexions. (notamment avec les contrôle du son et des éclairages à l'aide du Qlab)

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Jouer entre le contrôle d'un dispositif et la perte de contrôle de celui-ci m'intéresse particulièrement. Je pense que nous commencions tout juste à toucher à cela avec mon équipe pour le projet numéro 3. J'aurais été curieuse de voir dans quelle mesures pouvions nous perdre le contrôle de ce qui arrivait - nous arrivait... mais le contrôle n'est-il pas antagoniste à la notion de permissivité?

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Bien que la fonctionnalité d'un dispositif est importante, je persiste à penser que les bugs sont extrêmement intéressants. En effet, ceux-ci permettent d'entrevoir les brèches, les limites, les éléments altérables de ce qui constitue un dispositif.

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présentation 3 rassemblement génie retour du larsen

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Présentation 3 interaction mur mapping unisson

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Ce qui fait que je me suis senti complètement stimulée et envoutée par notre création c'est que nous avions une idée très claire de où est ce qu'on partait (assises théoriques, concept dramaturgique cohérent, etc)et de ce vers quoi on tendait (connexions, interrelations, affects sensoriels... en fonctions de nos bases conceptuelles)

Étant donné que nos bases conceptuelles incluaient le lien entre corps et technologie, je n'ai pas perdu la relation à mon corps et c'est ce qui me permet de dire que je trouve notre recherche et notre processus pertinent (du moins à mes yeux, en fonction de mes obsessions artistiques.) Avec plus de temps, je pense que le résultat aurait été plus convainquant - j'aurais eu la possibilité en tant qu'interprète de plus plonger et d'entrer davantage dans un état que ce qui à été présenté. Je reste, sommes toutes, plus que satisfaite du chemin parcouru et du résultat obtenu par ce processus artistique. Je suis contente d'avoir pu, en partie, répondre créativement à mes questions initiales concernant la place de l'exploration et celle de la dramaturgie lorsqu'on travail des dispositifs technologiques.

La clef de voute que je décèle à l'heure actuelle : prendre le temps de réfléchir à des assises théoriques, à un concept dramaturgique précis incluant les aspects technologiques entourant un projet et que, si cette étape suit une phase exploratoire technologique, qu'elle soit suivie, à postériori, d'explorations en lien avec les bases conceptuelles.

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Étant donné que la base de notre dispositif était l'appel téléphonique qui créait des larsen en fonction du rapprochement de nos corps entre eux, nous avons cru bon de construire une évolution du son d'un point de vue dramaturgique. On commence en silence, puis mom.ycybord nous appelle et donc, les larsens se font entendre, puis Fanny allume les micros qui ajoutent une couche sonore, puis on commence à jouer entre nous à nous rapprocher/nous éloigner les unes des autres, mais aussi des objets. Nos respirations sont amplifiées parce que le son de l'ordinateur « mom.ycyborg» qui est en appel avec nous est relié au enceintes (extrait 1), puis on crée un rythme avec le bruit de nos talons au sol (dont le son est amplifié par les micros qui sont au sol.... (extrait 2)) ___ Mélusine enregistre à 2-3 reprises les sons qui sont créés et les mix en live pour créer des plafonds sonores qui s'accumulent. Notre environnement sonore est donc entièrement créé par nous, nos corps, nos prothèses et notre relations à tout ce qui constitue la pièce.

____La pièce termine avec une seule couche sonore (extraits 4 + 5) , soit le bruit de nos téléphones qui entrent en interférence. Comme un retour à la base de notre connexion à nous et à notre posture de cyborg (mom.ycyborg).

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La vidéo live nous a permis de montrer ce qui était caché sous le cyclo au début de notre présentation. Elle n'a pas été utilisée plus tard dans le spectacle parce que nous ne lui avons pas trouvé de place, ni de sens.

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Concept dramaturgique_ le Cyborg comme encrage

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Concept dramaturgique_ le Cyborg comme encrage

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Nos tempêtes d'idées nous ont menées au concept du cyborg comme posture et comme concept dramaturgique se rapportant étroitement à nos désirs créatifs. L'envie de ne faire qu'un avec la technologie, qu'il y ait une interdépendance entre chaque élément du dispositif.

Ensemble avec notre dispositif, nous formons un nouvel organisme, un  cyborg collectif

La posture du cyborg comme une idée à laquelle nous avons toujours pu revenir lors des moments d'égarement durant la création. Comme l'essence de ce nous étions en train de créer.

Dona Haraway

Virginie Despentes

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Toutes les choses qui sont sur scène sont toutes des choses que nous avons choisies de garder, car elles nous servaient à entrer en relations et à être sensible. La mapping des 10 panneaux nous sert d'éclairage et est allumé à un moment précis. Le départ de l'effet stroboscopique sur les panneaux marque le début d'un rassemblement de nos 6 corps - comme un premier effet d'unisson.

- chacune de nous a la responsabilité d'éteindre ou d'allumer des lumière selon les besoin d'éclairage de chaque «scène».

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À la base de notre connexion : nos téléphones cellulaires comme prothèses à nos corps qui sont connectés par un appel Messenger.

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- Création d'un dispositif/ d'un environnement qui nous place en interrelation et en connexion directe avec la technologie
- Trouver le moyen de se faire influencer par la technologie et d'influencer celle-ci.
- Un endroit neutre, sans socialisation. Juste des relations.
- Contexte immersif (textures sonores, physiques, de corps) de rave et de permissivité (en tant qu’organisme philosophiquement sans histoire) . On est tous interdépendants dans ce micro environnement.

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(Carte conceptuelle d'équipe du projet #3)

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Nous avons également rencontré plusieurs problèmes techniques autres que ceux liés au mapping. En effet, notre régis était constituée de 3 ordinateurs qui utilisaient Keynote pour l'enchainement d'images et des son.

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En plus de structurer un spectacle À MERVEILLE, QLab permet de faire du mapping en 2 temps 3 mouvements! Je l'utiliserai pour toute mes prochains spectacles, c'est sûr et certain.

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MOM.YCYBORD

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-exploration de la superposition d'image
-jeu d'opacité
-jeu de ralentissement de la musique

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J'aurais tendance à dire que je me sens plus inspiré par le Clash. Les deux approches, si elles sont bien réalisées, apportent des résultats intéressant selon moi. Cela dit, je pense que le clash me stimule plus en tant que spectatrice et en tant que créatrice. J'aime quand la fabrique est un agent actif.

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Le choix de l'abstrait peut être judicieux

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C'est à partir de là que j'ai perdu mon lien à mon corps et au sens artistique et dramaturgique de notre projet.

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Pour conceptualiser notre idée, nous nous sommes dit mapping - lien à l'espace - découper l'espace - tuyaux - coins du mur - plancher - grille de ventilation. Nous sommes ensuite dit : un corps par espace, puis nous somme partie rapidement dans des tâches de productions de contenu (sans trop penser au sens de nos images) pour commencer le plus rapidement possible le mapping.

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Ce projet est celui qui m'a le plus déstabilisée. Je me suis questionnée tout au long du processus au «pourquoi» du dispositif et au «pourquoi» de cette dramaturgie qui ne m'inspirait pas plus qui faut d'un point de vu artistique.

D'avoir à me lancer rapidement dans une tâche de mapping m'a déconnectée plus d'une demi journée de nos motivations artistiques et cela m'a beaucoup déstabilisée.

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Nous avons été ambitieuses ce qui fait que nous n'avons pas eu beaucoup de temps pour penser au rôle de nos corps dans l'espace ni pour faire des runs.

Le mapping a du être fait et refait plusieurs fois à cause du projecteur. Et jusqu'à la présentation finale ou encore une fois le mapping s'est légèrement déplacé.

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- explorer différents espaces grâce au mapping.
- se faire apparaitre dans des lieux impossible
- être comme prises et vouloir se rejoindre

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pleurer

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Keynote

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Le «bug» m'intéresse pour cette raison. Parce qu'il révèle les failles et informe sur la sensibilité de la technologie/ de certains dispositifs. Il est intrinsèquement relié à l'humain.

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On voit Christina et moi attirées physiquement vers le sol/ le son/ vibration des speakers. Notre état de corps nous mène dans un état de «veille». Mention spéciale à l'électricité statique dans le cheveux de Christina.

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Parfois trop prise par l'exploration technologique j'ai l'impression d'oublier le corps dans ce que j'expérimente. Pourtant, mon corps est bien présent/actif. Il manipule, analyse et répond forcément à l'action technologique qui se met en branle. J'aime le corps technicien. Il dit beaucoup dans sa simplicité, je trouve. J'ai réalisé que j'avais tendance à partir du corps technicien pour ensuite voir si un état de corps/ une gestuelle ressortait des manipulations et des interactions avec les dispositifs explorés.

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J'ai effectivement l'impression de comprendre ce décloisonnement. Mon corps entre dans différentes postures - parfois jamais visitées - grâce à la technologie.

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Je constate que nous n'avons pas utilisé le larsen à proprement parler, mais que le fait de  filmer ce qui était projeté de ce qui était filmé constitue en soi une sorte de larsen conceptuel.

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Ce que Mélia filme ,à l'aide du téléphone, qui apparait sur la télévision = Léonie qui projète l'image filmée par Rozenn.
__ inception __

L'image de la télévision n'était pas très nette/claire pour cause de difficultés techniques. Avec du recul, je réalise que j'aime bien le côté abstrait de cela. Je ne trouve pas cela inintéressant. Pour moi, le fait qu'au début, ce ne soit pas trop clair puis, que peu à peu on comprenne le système et que l'intrigue se redirige vers le lien à nos corps/ nos états finaux, constitue un fil conducteur intéressant.

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- permet la connexion entre Rozenn et Léonie

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- permet, au début, de voir ce qui n'est pas visible sur scène. (Léonie projète avec le pico à l'intérieur du vestibule ce que Rozenn filme en live.)
- permet de décupler l'action filmée qui se passe sur scène
- donne accès à d'autres/ plusieurs perspectives de l'image filmée.

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- Les écrans formaient l'éclairage de base
- une lampe de poche + une lampe suspendue formataient des éclairages secondaires et étaient contrôlées par Rozenn et Léonie au courant de la présentation. Rozenn éclairait de la lampe de poche ce qu'elle filmait. J'ai éteins la lampe suspendue comme dernière action à ma trajectoire - comme pour marquer une fin progressive.

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De ces premières explorations est né mon intérêt de montrer l'invisible grâce à la technologie. De façon tant concrète qu'abstraite

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Je réalise que physiquement, l'espace que nous avions créé me faisait entrer dans un état de corps particulier et précis. J'avais la sensation d'être à la fois attirée par les autres personnes dans l'espace et par le sol. Comme si les vibrations me ramenaient instinctivement au sol. C'est comme si mon corps cherchait à être au diapason des ondes qui circulaient dans l'espace.

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- Exploration de larsen vidéo (laissée de côté pour contrainte de temps et d'essentialisation)
- symbolique ombilicale de la caméra reliée en live au pico projecteur + le vieux moniteur de bébé
- Nous sommes toutes reliées par tous ces fils qui sont au sol.
Notre scénographie avec plusieurs écrans qui «glitchent» laisse sous entendre que nous sommes dans un endroit ou la connexion est difficile. Pourtant, nos corps sont à la recherche des autres. Nous sommes toutes liées qu'on le veuille ou non. (comme toutes sur la même fréquence)

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Quelle est la relation entre l'expérimentation et la dramaturgie? sont-elles impossible à connecter? Sont-elles des actrices en parallèles? L'expérimentation peut-elle être une forme de dramaturgie en elle-même?

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C'est que, pour moi, le fait d'utiliser la technologie à des fins créatives constitue en soi une composante dramaturgique importante.

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Cette idée me parle et m'interpèle beaucoup. C'est de cette manière que j'ai envie d'envisager le travail du corps en lien avec la technologie. Voir le numérique comme sensible me fait réaliser que la connexion est possible (et peut être pertinente entre le corps et le numérique sur scène - et ce, autrement que par simple juxtaposition ou existence parallèle (ex. projections derrière corps) De réelles connexions (et relation d'interdépendance) : voilà ce qui m'intéresse

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Cela dit, je suis d'accord que le numérique engage d'autres types de travail chez moi et je trouve cela particulièrement stimulant.

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Cette dramaturgie qui vient souvent à moi plus tard que tôt... Comment faire place à une dramaturgie quand le dispositif m'est encore inconnu/étranger? Et comment trouver son chemin vers une dramaturgie si l'exploration en tant que telle est suffisamment pertinente selon mon cheminement?