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Senza titolo (Primo acquerello astratto)

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Kandinskij segue una traiettoria artistica che dall'Espressionismo lo conduce all'elaborazione di un linguaggio espressivo astratto, privo di qualsiasi riferimento alla realtà. Una svolta radicale alla quale egli approda partendo dal "Blaue Reiter" e dalla forte componente emotiva e spirituale che lo contraddistingue: ciò conferisce all'Astrattismo di Kandinskij - denominato appunto "Astrattismo lirico" - un carattere poetico ed emozionale. L'opera che rappresenta questa svolta è "PRIMO ACQUERELLO ASTRATTO", un dipinto che fa esplodere una superficie priva di rappresentazione ma incredibilmente ricca di colori e di linee. Un dipinto che non ha un impianto compositivo perchè in questo universo vorticoso, fluido, libero, manca una costruzione: un dipinto che vive di vita propria, di armonie e di ritmi, di macchie colorate e di segmenti che galleggiano e dialogano fra di loro, evocando l'universo musicale.

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Nell'opera di Franz Marc appare il soggetto più anomalo della pittura del Primo Novecento: l'animale, simbolo di una natura che sembra lanciare il suo ultimo richiamo ad una purezza primordiale ormai perduta nella società moderna. Per capire la natura, dobbiamo farci noi stessi natura, guardarla con gli occhi di chi ne fa parte. Lo stesso pittore si chiedeva "C'è per un artista un'idea più misteriosa dell'immagine con cui la natura si rispecchia nell'occhio di un animale?"

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Kandinskij: "Murnau, paesaggio con torre"

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2.2.2. KANDINSKIJ: le radici russe e gli inizi a Monaco

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2.2.2. KANDINSKIJ: le radici russe e gli inizi a Monaco

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Trasferitosi a Monaco da Mosca nel 1896, Kandinskij dipinge soprattutto paesaggi, nel quali progressivamente si libera da valenze naturalistiche. "MURNAU, PAESAGGIO CON TORRE", una tela del 1908, mostra il debito nel confronti dei Fauves ma anche una chiara influenza dell'arte popolare russa. Qui il soggetto è riconoscibile, eppure torre, case, alberi e colline sembrano sfaldarsi in una pittura sempre meno vicina al reale.

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Dal 1908 al 1910 Matisse procede verso la sintesi del linguaggio pittorico che fonda equilibrio compositivo e cromatico. Fondamentale è la comprensione dei rapporti quantitativi fra i colori, cioè di come la saturazione di un colore incida sulla sua percezione, per cui "un centimetro quadrato di blu non equivale ad un metro quadrato dello stesso blu." LA STANZA ROSSA ci consente di capire l'importanza che assume il concetto di quantità di colore.

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2.1.3.  Un'opera-manifesto: Cinque donne per strada

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2.1.3.  Un'opera-manifesto: Cinque donne per strada

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A Berlino KIRCHNER dipinge una delle opere più rappresentative dell'intera BRUCKE: "CINQUE DONNE PER STRADA".

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A sinistra: "Nollendorfplatz" di Kirchner                                                    a destra "Paesaggio estivo (case a Murnau)" di Kandinskij

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Kandinskij è il grande teorico del gruppo. Egli definisce l'arte come uno strumento di elevazione spirituale: bisogna andare oltre il mondo visibile per approdare ad una spiritualità superiore, liberandosi delle contingenze materiali. Se il Cavaliere Azzurro è vicino ai modi del gruppo del Ponte per l'uso di colori brillanti e antinaturalistici, l'approccio all'arte è differente: Die Brucke vuole rendere espressiva la realtà esterna in modo da farla coincidere con le risonanze interiori, Der Blaue Reiter propone un tipo di pittura in cui la componente fondamentale è l'espressione interiore diretta dell'artista, che può anche ignorare la realtà esterna.

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Altre arti espressioniste: teatro e cinema

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Altre arti espressioniste: teatro e cinema

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Il linguaggio espressionista si afferma anche nel teatro e nel cinema: ciò accade soprattutto negli anni Venti, quando ha già perso gran parte del suo slancio nel campo delle arti figurative.

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1911: a Monaco nasce un nuovo gruppo d'avanguardia: "Il cavaliere azzurro". I fondatori sono il russo Vasilij Kandinskij e il tedesco Franz Marc. Kandinskij afferma di aver scelto il nome per caso insieme a Marc, davanti ad una tazza di caffè, facendo riferimento alle passioni di entrambe, cioè il blu e i cavalieri. In realtà la scelta è meditata in quanto è legata ai significati simbolici che l'immagine racchiude. Il gruppo diffonde le proprie idee sull'almanacco "Der Blaue Reiter" che viene pubblicato nel 1912 e di cui vediamo la copertina, ideata proprio da Kandinskij.

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Dopo un inizio "esplosivo, documentato dal ritratto "Donna con cappello, e dopo una breve fase puntinista, Matisse dipinge opere altamente poetiche e decorative, in cui il colore, disteso in zone piatte si coniuga con una linea fluida e armoniosa. Un esempio di questa fase della sua ricerca artistica è "LA GIOIA DI VIVERE".

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2.1.1. La personalità di spicco del gruppo DIE BRUCKE è E.L KIRCHNER.

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2.1.1. La personalità di spicco del gruppo DIE BRUCKE è E.L KIRCHNER.

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Kirchner è il genio irrequieto del gruppo, colui che si scaglia contro tutte le convenzioni del mondo dell'arte. Il suo linguaggio secco e vibrante accoglie molti stimoli diversi: Van Gogh, Gauguin e Munch ma anche gli artisti tedeschi del '500,Cranach e Durer e l'arte gotica come quella africana.

Una delle sue opere più famose è "MARCELLA", il ritratto di una "bambina adulta" che mostra il rapporto diretto fra l'arte di Kirchner e quella di Munch

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Una giovane donna, nuda sul letto, siede a braccia incrociate guardando dritta davanti a sé. I grandi occhi neri sono truccati pesantemente e la bocca, dipinta di rosso, sta imbronciata sul viso bianco di Marzella, protagonista eponima del famoso quadro del 1910-11, "figlia di pennello" del pittore espressionista tedesco Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).

Interessato a portare su tela, quindi ad esprimere, quello che è il suo mondo interiore, ed in questo caso l'idea che l'autore ha del passaggio dall'età della fanciullezza a quella del'adolescenza, Kirchner guarda anzitutto al "collega" norvegese Edvard Munch (1863-1944). L'immediato precedente di Marzella è infatti La Pubertà, opera del 1894-95.

C'è soltanto l'essenziale: una ragazzina nuda seduta sul bordo di un letto sfatto che tiene le braccia incrociate in grembo e guarda dritta davanti sé. Guarda all'avvenire, al suo destino incombente di futura donna, futura moglie e mamma; guarda, insomma, al ruolo che la società ha in serbo per lei. A simbolo di questa condizione sociale che affligge la giovane e candida protagonista del quadro, la macchia nera sulla destra, allusione all'inevitabile fine dell'età della spensieratezza e della possibilità, cui la fanciulla si sta avvicinando.

La Marzella di Kirchner, pur avendo evidenti punti di contatto con la "cugina" norvegese, viene modulata dall'autore in modo del tutto differente. In gioco non ci sono più i colori scuri, variamente sfumati ed inframmezzati dal bianco del letto e dal rosa pallido del corpo. A farla da padroni, in Kirchner, sono i verdi acidi, gli arancioni e l'azzurro.

Prevalgono le linee rette e spezzate, ispessite e marcate al punto da far convergere l'attenzione dell'osservatore verso il volto della giovane, la parte visivamente più pesante di tutta la composizione. Gli occhi e le labbra risaltano in modo precipuo sul viso bianco di Marzella, la cui massa di capelli neri ricade sensualmente sulle spalle e sull'abbozzo del seno appena sbocciato.

Sulla tela di Kirchner, dunque, vi è un'altra ragazza, un altro tipo di donna in divenire: dallo sguardo impaurito e pudico di Munch si passa alla sensualità evidente di Marzella e quello che esprime il ritratto è un mutato concetto di femminilità.

Kirchner, infatti, porta su tela una donna ben conscia del futuro che l'aspetta, che lei attende, in un misto di pudicizia e malizia, sul bordo di un letto dal lenzuolo decorato, in una stanza piena di decorazioni ed oggetti alle pareti.

La visione che l'autore ha della realtà è violenta, come lo sono le linee ed i colori del quadro, e pessimistica: per Marzella l'unico modo per farsi spazio nel mondo è sfoggiare una sensualità che per il momento stona con la sua condizione ancora di bimba, ma che di lì a poco potrebbe, purtroppo, diventare la sua chiave di affermazione nella società e nel mondo privo di candore ed innocenza degli adulti.

23 anni, laureata a pieni voti in Lettere Classiche alla Statale di Milano, amante della grecità antica e moderna spera, un giorno, di poter coronare il suo sogno e di vivere in terra ellenica.

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"Marzella": diventare donna nel 1910 secondo Kirchner

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Una giovane donna, nuda sul letto, siede a braccia incrociate guardando dritta davanti a sé. I grandi occhi neri sono truccati pesantemente e la bocca, dipinta di rosso, sta imbronciata sul viso bianco di Marzella , protagonista eponima del famoso quadro del 1910-11, "figlia di pennello" del pittore espressionista tedesco Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).

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2.1.4. Francesco Tadini legge una lettera di Kirchner...

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2.1.4. Francesco Tadini legge una lettera di Kirchner...

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Ernst Ludwig Kirchner 1937 - Francesco Tadini per video Spazio Tadini Milano arte.wmv

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1.4.La storica dell'arte Ester Coen riassume in 3 minuti la pittura di Matisse

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1.4.La storica dell'arte Ester Coen riassume in 3 minuti la pittura di Matisse

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Nel periodo berlinese, Kirchner dedica una serie di dipinti alle "scene di strada", dove il paesaggio urbano mostra prospettive schiacciate e deformate, animate da personaggi solitari ed inquietanti. La città gioiosa degli impressionisti è ormai solo un ricordo.

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( "Con il Ponte ) è una comunità di artisti che nasce senza un vero programma. Le parole che, a caratteri gotici, Kirchner incide su una xilografia-manifesto nel 1906, sotto l'immagine di un ponte giapponese, indicano solo la fiducia, tipicamente romantica, nella "gioventù", presente anche nella denominazioneJugendstil, la versione tedesca dell', e l'esigenza di unire le forze e comunicare all'esterno: ponte, dunque, tra gli artisti "nuovi" e tra l'artista e il rnondo la fede in una evoluzione, in una nuova generazione di creatori e fruitori d'arte, chiamiamo a raccolta tutta la gioventù e, come gioventù che reca in sé il futuro, vogliamo conquistarci libertà d'azione e di vita, contro le vecchie forze tanto profondamente radicate. E dei nostri chiunque riproduca con immediatezza e senza falsificazioni ciò che lo spinge a creare".

Le figure più significative sono Ludwig Kirchner, l'anima del gruppo, e, in ordine di ingresso, Erich Heckel , Karl Schmidt-Rottluff , , Emil Nolde Max Pechstein e Otto Mueller . Al di là delle affinità di linguaggio, si differenziano i dati caratteriali. Kirchner è il pittore dalle più spiccate qualità introspettive, ma è anche tista del gruppo che introduce elementi cubisteggianti tra i prevalenti riferimenti ai fauves, affiancato, in questo, forse solo da quello che, prima degli altri, guarda al tema urbano; non a caso, dunque, è anche l'arCézanne . maschere" di e, nello stesso tempo, alle istanze sociali avanzate nel cristianesimo "di sinistra" della Bruxelles fin de siede. I meno "problematici" del gruppo appaiono Schmidt-Rottluff e
Heckel. Quest'ultimo, pure incline a un forte psicologismo, sembra il più interessato alle trasparenze luminose e a una struttura regolare, "cristallina" del quadro, vicine, dunque, a dipinti dell'area "orfica", a e a Marc , e a una interpretazione strutturale della pennellata di Nolde ama i soggetti religiosi, ma anche il colore esuberante dei fiori e dei paesaggi. Nei suoi dipinti ispirati alla vita di Cristo è il pittore che più palesemente si ispira alle " Pechstein, interessati più alla figura e al paesaggio che ai tratti del volto. Schmidt-Rottluff, pur adottando una pennellata vicina a , non sembra riprendere un'istanza tragica simile a quella di altri espressionisti tedeschi.

Se ci fosse una strada, per partire o arrivare. Ludwig Kirchner ed il primo espressionismo tedesco●
Se "partire" fosse solo "morire". Se nel bel mezzo del cammino ci si ritrovasse
( E. L. Kirchner ) in una selva oscura. Se si soffocasse, potendo, senza respirare. Se il respiro stesso non fosse un "su" e "giù" del petto, ma solo un trattenersi, un rigonfiare, un cedere le armi. Se l'inconscio esistesse di giorno e la notte fosse per la tranquillità degli occhi che non vedono di notte. Se ci si mangiasse lo stomaco per salire troppo in alto e salendo la nausea fosse a dismisura asfissiata in gola. Se ci fosse qualcuno. Qualcuno. Almeno uno. Almeno. Per camminare insieme, per parlare insieme, per giocare insieme. Se non si fosse soli, così soli. Se non si fosse i soli a morire in questa città. Se ci fosse qualcuno, uno almeno, almeno un altro. Per avere meno paura. Per avere paura insieme.

Kirchner Con lui altri artisti erano mossi da una volontà di (1880-1938) è il rappresentante più importante della rottura con la tradizione accademica
Nel 1910 Kirchner aderì alla Nuova Secessione di Berlino e l'anno successivo si trasferì in questa città e insieme a Pechstein fondò una scuola artistica che però non ebbe alcuna fortuna. e di polemica verso la società contemporanea. Portarono alle estreme conseguenze l'ideologia romantica, affermando la priorità della coscienza soggettiva e la necessità dell' artista di liberare senza mediazioni il "grido originario" ( Ur-schrei ) in polemica con una concezione classica del fare artistico. I precedenti di questo tipo di pittura, che connota in modi nuovi l'immaginario urbano, sono le opere di e Gauguin, diMunch edEnsor ed il gruppo dei con le sue audacie cromatiche: uso dei colori accesi fortemente contrastanti, deformazione dell'immagine ( ora in chiave caricaturale, ora di visione interiore e psicologica ). prima fase dell'espressionismo in Germania. Egli è tra i fondatori nel 1905 del gruppoDie Br

Karl Schimidt-Rottluff, Strada, incisione 0

da Jaresmappen der br ü cke, 1908-1912

Eric Heckel, Canale a Berlino, 1912

del pittore tedesco La L'opposizione città-campagna , che era già comparsa con l'Impressionismo, torna nell'opera dei Kirchner la città non è vista come luogo di piacevole affollamento o di attività confusa e frenetica, quanto piuttosto trasfigurazione delle ossessioni del vivere, con i suoi Karl Schmidt-Rottluff ed era debitrice senza dubbio dell'opera diSono gli anniin cui altre avanguardie si fanno strada in Italia ed in Europa, pur con programmi tra loro loro molto diversi.De Chirico.città futurista èattraversata - un po' come la città di da forze dinamiche, mentre con tematiche del tutto particolari la città metafisica disi presenta come un luogo altrettanto deserto della piazza diTorre rossa ad Halle,immersa in un silenzio ed una solitudine enigmatici.
In ambito italiano agiscono i ed a Parigi si matura l'evoluzione della pittura metafisica di emblemi( la torre ) inseriti in forti contrasti cromatici. Le tonalità dei fauves ora vengono impiegate con caratteri più visionari e ossessivi, in un contesto di assenza di presenze umane. Questa tensione espressiva di Kirchner fatta di una pittura mossa, pastosa a pennellate marcate è condivisa da pittori del gruppo Erich Heckele

E. L. Kirchner, Torre rossa ad Halle, 1915 1

L'atteggiamento di Kirchner diverge da quello dei suoi compagni del gruppo. Lo shock della guerra incide certamente sul suo equilibrio psichico, segnato dall'isolamento del lungo periodo di Davos. L'istanza di comunicazione, enunciata nel 1906, si rovescia fin dalle prime opere originali in una poetica dell'incomunicabilità. Le sue figure femminili lanciano appelli inarticolati cui lo spettatore non è in grado di rispondere: la fissità di uno sguardo rende impenetrabile la psicologia del personaggio, di cui si intuisce, ma non si legge il dramma interiore; l'indeterminatezza dei tratti fisionomici impedisce alle forme di tradursi in messaggio.
Lontano dal voler strutturare la figura e lo spazio, chiude l'individuo in una prigione. E, soprattutto, le sue figure sinuose degli"Strassenbilder" ("scene di strada") berlinesi esprimono il più totale isolamento che si avverte in un gruppo, privo di radici l'eleganza delle silhouettes e dei motivi dell'abbigliamento, segnata dal in un ambiente anonimo e privo di coesione affettiva dove gusto di una Belle époque senza gioia, stride con il ghigno amaro di volti che non si guardano; e importa assai poco stabilire che si tratti o meno di un gruppo di prostitute: il male di questi personaggi è, comunque, nell'anima.

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( "Con il Ponte ) è una comunità di artisti che nasce senza un vero programma.

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Matisse giunge al massimo della sintesi del linguaggio pittorico nel 1910, quando il collezionista russo Sergej Scukin, che ha già acquistato "La stanza rossa", gli commissiona 2 grandi tele:LA DANZA e LA MUSICA.

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Versione audio:

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Henri Matisse (1869-1954) è stato non solo il più autorevole esponente dell' Espressionismo francese ma uno degli artisti più significativi dell'intero Novecento. , capolavoro del 1909, esprime in modo esemplare sia la sua poetica sia il suo stile. Di questo soggetto esistono due versioni: infatti, all'inizio del 1909, mentre Matisse lavorava al dipinto (oggi conservato al MoMA di New York), Ščukin, importantissimo collezionista russo, gliene chiese una copia per la sua villa di Mosca.

La seconda versione, oggi all'Ermitage di San Pietroburgo, è quasi identica ma presenta, rispetto alla precedente, un carattere appena più dinamico e colori leggermente differenti. Nel 1910 Matisse dipinse, sempre per Ščukin, anche La musica.

Un girotondo danzante

La danza è una versione in chiave espressionista di un antico tema bacchico e pastorale, costruito sul motivo del girotondo danzante. La scena si svolge di notte, su una verde collina e contro un fondo azzurro. Cinque figure nude e quasi asessuate (ma nella prima versione sono chiaramente cinque donne), allacciano le loro mani e ballano con movimenti ampi e vitali. Stilisticamente, l'opera sembra assommare in sé tutte le caratteristiche della grande pittura europea di fine Ottocento.

Vi riscontriamo, infatti, il primitivismo e il colore a stesure piatte di Gauguin, l'intensità cromatica "arbitraria" di Van Gogh, lo studio della composizione di Cézanne. Il verde, che occupa la parte inferiore del quadro, rappresenterebbe un prato ma in realtà simboleggia tutta la Terra, come conferma la curvatura sferica di questa superficie. Il blu nella parte superiore sarebbe il cielo, laddove il tono intenso di questo colore richiama piuttosto l'idea dell'universo intero.

La silhouette delle donne è non solo fortemente semplificata ma anche allungata e deformata sebbene l'artista non abbia rinunciato del tutto alla resa anatomica dei corpi. Tutta la scena, che include sia il gruppo di figure sia il profilo del prato, è dominata da linee curve ed elastiche, che si intrecciano o si incontrano, proseguendo idealmente l'una con l'altra, e che sono capaci di rendere i gesti delle figure morbidi e fluidi e di comunicare un senso di armoniosa fusione tra le donne e l'ambiente circostante. Si noti che il magico girotondo femminile è aperto: infatti, le mani delle due figure in primo piano si toccano appena, creando una frattura nel movimento.

Matisse adottò questa soluzione per rendere più dinamica la composizione: la donna vista di spalle è costretta ad allungarsi in uno slancio violento per raggiungere quella alla sua sinistra, la quale a sua volta si piega in un moto rotatorio che viene trasmesso ai due nudi nel fondo. Ma non è solo una scelta formale: quel protendersi l'una verso l'altra, quel cercare la mano della compagna testimoniano, con efficacissima immediatezza, la tenace volontà di restare unite.

Con il suo tipico linguaggio essenziale e sintetico, Matisse non descrisse una scena: raccontò, caso mai, la continuità della vita, il suo continuo rinnovarsi, il suo rigenerarsi. All'artista non interessava raffigurare ma solo esprimere. Egli elevò l'oggetto rappresentato o la figura umana ritratta a una dimensione puramente spirituale, trasfigurandone la sostanza più intima. "La composizione è l'arte di disporre decorativamente i vari elementi che il pittore ha a disposizione per esprimere i propri sentimenti", scrisse.

La sua pittura ha una forza vitalistica, musicale, lirica e gioiosa che solo di rado gli artisti del Novecento hanno saputo raggiungere. "L'espressione, per me, non risiede nella passione improvvisa che si esprime violentemente", affermò l'artista. "È in tutta la composizione del mio quadro: il posto che occupano i corpi, i vuoti che li circondano, le proporzioni".

Alla domanda "perché dipinge?", egli rispose: "Per tradurre nel colore e nel disegno le mie emozioni, le mie sensazioni e le reazioni della mia sensibilità, qualcosa che né la più perfetta macchina fotografica, anche a colori, né il cinema possono realizzare".

Un abbraccio universale

La danza è, insomma, la visione simbolica di un abbraccio universale, l'espressione di un ideale di armonia e di felicità, la personificazione di una umanità bella, che nella ricerca di amicizia costruisce e non distrugge. All'atteggiamento dolente, pessimista, perfino distruttivo del Simbolismo e dell'Espressionismo tedesco e austriaco, Matisse contrappose un approccio costruttivo all'arte e alla vita: egli aprì la pittura alla speranza in un futuro migliore.

In quegli anni tormentati di primo Novecento, un uomo della sua cultura non poteva che avvertire il progressivo decadimento del mondo occidentale, prossimo a precipitare nella Prima guerra mondiale. Ne La danza, il suo intento fu allora quello di mostrare un'altra via, una strada alternativa alla violenza e al male, l'unica realmente percorribile: quella della solidarietà. In una società sempre più egoista, fondata sul prevalere dell'interesse del singolo a discapito di quello dei molti, l'unica possibile soluzione era assecondare l'impulso sano che ognuno ha di fare del bene, di aiutare il prossimo.

La danza nacque, insomma, come l'ultimo appello lanciato dall'arte all'umanità, l'esortazione alta e nobile a recuperare l'unità perduta, il senso della comunità. E immaginò, non a caso, un girotondo di donne, da sempre fattrici di vita, costruttrici di pace: donne nude su un prato, immagini archetipiche di materne divinità, tutelari della natura e del mondo.

Matisse come l'ultimo Leopardi: la solidarietà è l'unica risposta al male

Con quel girotondo privo di gerarchie, mosso dalla ricerca instancabile della mano protesa, Matisse volle ricordare a tutti gli uomini che possono essere fratelli, al di là di ogni professione religiosa. In questo, è il valore universale e straordinariamente attuale di questo capolavoro. Prima di lui, a sostenere con altrettanta lucidità che la solidarietà è l'unica risposta possibile al male in un mondo avverso, era stato Giacomo Leopardi (1798-1837).

Il grande poeta romantico riteneva che l'uomo fosse stato felice, un tempo, quando - a stretto contatto con la Natura, madre amorosa - viveva "naturalmente", cioè di sogni, fantasie, illusioni, forti sentimenti, grandi ideali: ignaro, insomma, dei limiti della condizione umana. L'uomo moderno, invece, civile e dominato dalla ragione e dal calcolo utilitaristico, aveva strappato i veli delle illusioni, aveva conosciuto il vero e quindi perso la felicità. Non per questo, tuttavia, egli deve dimenticare la sua grandezza, che non consiste nella capacità di raggiungere traguardi di ingannevole benessere.

L'uomo è grande nell'accettarsi per quello che è: piccolo, debole, fragile, ma pur sempre capace di concepire l'infinito. Il cuore dell'uomo è in grado di intraprendere le più grandi avventure sentimentali, di sognare, sempre e comunque, una vita migliore. Nel deserto della vita umana, attraverso la poesia (e, aggiungiamo, attraverso l'arte), per Leopardi si può annunciare un messaggio di fratellanza: gli uomini possono stringersi in un abbraccio di solidarietà, per contrapporre, eroicamente, alla prepotenza cieca della Natura e del Fato, la resistenza alta e nobile dell'amore.

È quanto deduciamo leggendo La Ginestra o il fiore del deserto (la sua penultima lirica, scritta nel 1836 e pubblicata postuma nel 1845), dove Leopardi elegge l'umile pianta a simbolo di un'eroica speranza. Solo quando l'uomo avrà deposto il proprio orgoglio vano e capito che la vita è dura lotta per la sopravvivenza, saprà trovare la legge di una nuova fraternità.

È inutile scagliarsi uno contro l'altro; meglio essere solidali per affrontare insieme le traversie della vita e contrastare la vera responsabile di ogni sofferenza, che il poeta romantico identifica nella Natura, madre naturale degli uomini ma, di fatto, crudele come una matrigna. Gli uomini si devono quindi unire in una " social catena ".

Ecco l'attualissimo solidarismo dell'ultimo Leopardi, che costituisce il messaggio più alto della sua Ginestra. Un messaggio che, idealmente, Matisse raccolse per passarlo a noi, generazioni del futuro.

Museo dell'Ermitage Museum of Modern Art - NY

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Da Leopardi a Matisse: La danza - Arte Svelata

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Versione audio: Henri Matisse (1869-1954) è stato non solo il più autorevole esponente dell'Espressionismo francese ma uno degli artisti più significativi dell'intero Novecento. La danza, capolavoro del 1909, esprime in modo esemplare sia la sua poetica sia il suo stile.

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Chi sono, cosa dipingono e come concepiscono l'arte i pittori espressionisti? E perchè la loro pittura segna un distacco dall'Impressionismo?

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Chi sono, cosa dipingono e come concepiscono l'arte i pittori espressionisti? E perchè la loro pittura segna un distacco dall'Impressionismo?

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1905: a Dresda nasce l'Espressionismo tedesco. Il primo gruppo d'avanguardia è "Die Brucke", il Ponte, animato dall'intento di rinnovare il linguaggio artistico gettando un ponte fra l'arte tradizionale ed un nuovo modo di concepire l'atto creativo. I membri del gruppo privilegiano un linguaggio antinaturalistico, fatto di forme spigolose e semplificate, colori violenti e acidi, spazi angusti e deformati. Fra i soggetti ricorrenti troviamo la figura nuda nel paesaggio: un esempio è "Giornata limpida" di Heckel.

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André Derain: "Il ponte di Charing Cross"

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1905: nascita ufficiale dell'Espressionismo francese. Al Salon d'Automne espongono Matisse, Derain, De Vlaminck, Roualt, "buttando in faccia al pubblico" opere che non si erano mai viste: forme semplificate, colori innaturalistici caratterizzati da dissonanze nuove proprio come ne "Il ponte di Charing Cross". Il critico Louis Vauxcelles gridò allo scandalo, raccontando di aver visto "Donatello chez les fauves": Le Belve dell'arte erano nate.

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Hermann Bahr, in un saggio pubblicato nel 1916, enuncia la poetica espressionista:"...Mai l'uomo è stato più piccolo. Mai è stato più inquieto. Mai la gioia è stata più assente, e la libertà più morta. Ed ecco urlare la disperazione: l'uomo chiede urlando la sua anima, un solo grido d'angoscia sale dal nostro tempo. Anche l'arte urla nelle tenebre, chiama al soccorso, invoca lo spirito: é l'Espressionismo."

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FRANCIA E GERMANIA: la nascita di Fauves e Brucke nel 1905 e del Blaue Reiter nel 1911