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Mit deutlicher Mehrheit abstimmen, sonst lest ihr was anderes

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66 und mehr oder weniger glücklich verheiratet

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teil 2

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ELoTRiX heftigster Schrei?! :D (Black Ops 2)

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Falls du dir gar nicht zutrauen solltest, über sexuelle Inhalte im Literaturunterricht zu sprechen, stimme bitte für ein anderes Werk!

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Skandalös!! Weshalb das Stück damals zensiert wurde:

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Skandalös!! Weshalb das Stück damals zensiert wurde:

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In einer Kloszene masturbieren Schüler um die Wette. Es gibt eine homosexuelle Liebesszene, Masochismus ist ein Thema. Deftig geht es zu in Frank Wedekinds 1890 begonnenem Dreiakter "Frühlings Erwachen", das vom Aufkeimen jugendlicher Sexualität berichtet. Zugleich nimmt Wedekind die verklemmte Sexualmoral und die verstaubten Erziehungsmethoden seiner Zeitgenossen auf die Schippe. Der 14-jährigen Wendla Bergmann, die nicht mehr an den Klapperstorch glauben will, erklärt die Mutter das Zustandekommen von Kindern mit der romantischen Liebe zu einem Mann. "Man muss ihn so sehr von ganzem Herzen lieben, wie - wie sich's nicht sagen lässt. Man muss ihn lieben, wie du, Wendla, noch gar nicht lieben kannst. Jetzt weißt du's. Jetzt weißt du, welche Prüfung dir noch bevorsteht."1891 soll "Frühlings Erwachen" bei Eugen Albert in München erscheinen. Kurz vor Drucklegung aber kommen dem Verleger Bedenken, die auch ein Rechtsbeistand nicht zerstreut. Im Gegenteil: Der Jurist bestätigt, dass Albert ebenso wie Autor Wedekind mindestens zwei Jahre Gefängnis wegen "Verbreitung unzüchtiger Schriften" drohen. Dabei geht es Wedekind darum, dass Erwachen sexueller Neigungen nicht als psychische Erkrankung wie bisher, sondern als normalste Sache der Welt zu deklarieren. Anders als die Erwachsenen im Stück, die schweigen, stottern, lügen, heucheln und verbieten. Die "Kindertragödie", wie Wedekind sein Drama auch genannt hat, findet in dieser bürgerlichen Doppelmoral der wilhelminischen Gesellschaft ihren Anfang.

In der Folge bringt Wedekind, der auch für die Satirezeitschrift "Simplicissimus" schreibt, das Stück in Teilen auf eigene Kosten heraus. Die Zeit allerdings ist für die "Frühreifen" auf der Bühne noch nicht reif genug. Erst am 20. November 1906, 15 Jahre nach seiner Entstehung, wird "Frühlings Erwachen" von Max Reinhardt in Berlin uraufgeführt. Es ist die Zeit der Reformpädagogik, Sigmund Freud praktiziert bereits. Trotzdem muss das Drama die Vorzensur passieren. Einige Szenen werden gestrichen, das Wort "Beischlaf" ist verboten. Auch Hungergurt, Affenschmalz, Knüppeldick und Fliegentod dürfen respektable Studienräte immer noch nicht heißen. Trotzdem kommt es zum Skandal. In der ersten Reihe hätten junge Damen gesessen, empört sich der "Berliner Lokalanzeiger", ein geistlicher Herr befürchtet, dass "sittliche Verflachung und gemeine Lüsternheit" der Jugend "die Nahrung ihrer unsterblichen Seele" werden könne. Berlins Theaterkritiker aber sind begeistert. Wedekind avanciert zum wichtigsten Dramatiker seiner Zeit.

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Frühlings Erwachen (1. Akt, 5. Szene, Teil 5)

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Kurzer Einblick in die Hörspiel-Version:

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Kurzer Einblick in die Hörspiel-Version:

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Frühlings Erwachen (1. Akt, 5. Szene, Teil 5)

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Filmkritik: Der Besuch der alten Dame - Eine Jugendliebe will Rache

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Bei der Sichtung einiger Rezensionsmuster bin ich zu dem Schluss gekommen, dass ich den Filmproduktionen des öffentlich-rechtlichen Fernsehens in Zukunft wieder etwas mehr Aufmerksamkeit schenken sollte. Nach der Überraschung „Die Tote in der Zisterne" gab es mit „Der Besuch der alten Dame" ein weiteres TV-Highlight, das den Weg in meinem DVD-Player gefunden hat.
[STORY]
Die Milliardärin Claire Zachanassian (Christiane Hörbiger) stattet ihrer verarmten Geburtsstadt Güllen einen Besuch ab und zur Überraschung aller Einwohner, möchte sie dem Örtchen eine Finanzspritze zukommen lassen, die Güllen wieder in ganz neuem Glanz erstrahlen lassen würde.

Allerdings ist diese Zuwendung an eine moralisch bedenkliche Bedingung geknüpft: Alfred III (Michael Mendl) soll sterben. Und diese Bedingung hat für Claire einen historischen Hintergrund.

In ihrer Jugend wurde Claire von Alfred III geschwängert, doch dieser wollte das Kind nicht akzeptieren und bestritt die Vaterschaft. Claire wurde vor dem gesamten Dorf damals gedemütigt und bloß gestellt.

Da Geld nun mal den Charakter verdirbt, beginnt bald in ganz Güllen eine Hetzjagd auf Alfred III. Die Aussicht auf das große Geld ist verlockender als alte Freundschaften. Gemeinsam mit seiner Frau und seinen letzten verliebenden Freunden sucht Alfred III nach einem Weg zu überleben und nach einer guten Lösung für alle für die Problematik.
[MEINE MEINUNG]
Mit „Der Besuch der alten Dame" findet wieder einmal eine Verfilmung eines Theaterstücks von Friedrich Dürrenmatt den Weg auf die Leinwand. Vielleicht wird der ein oder andere nun die Hände über dem Kopf zusammen schlagen, wurden doch sicher viele Leser mit den Werken Dürrenmatts im Deutschunterricht gequält, doch keine Angst „Der Besuch der alten Dame" ist keine trockene Theaterkost mit der man arme Schüler quält, sondern ein wirkliches filmisches TV-Highlight. Sobald Claire vor dem gesamten Dorf ihre Bedingung kundgetan hat, beginnt der Film seine gesamte Faszination zu entfalten und entpuppt sich als äußert spannende Charakterstudie.

Bei einem Blick auf den Inhalt könnte man nun vielleicht meinen, dass „Der Besuch der alten Dame" etwas reißerisch daherkommt, doch bis auf eine Jagdsequenz ist dem gar nicht so. Vielmehr merkt man der TV-Verfilmung die Herkunft von der Theaterbühne an, was sich vor allem in den ruhigen und oft für heutige Verhältnisse recht langen Kameraeinstellung widerspiegelt.

Doch „Der Besuch der alten Dame" wird damit nicht langweilig. Nikolaus Leytner (Die Entscheidung, Der Schuß) gelingt es nämlich seine Figuren großartig in Szene zu setzen und den Fokus gut auf die Eigenarten der einzelnen Charaktere zu lenken.

Apropos Charaktere. Kommen wir noch schnell zur Besetzung des Films. Mit Christiane Hörbiger (Niete zählt Hauptgewinn, Lamort) spielt eine der ganz großen deutschen Schauspielerinnen die Rolle der Claire. Und dies mehr als nur fantastisch. Ganz ehrlich, mich würde es nicht wundern, wenn Hörbiger für ihre Leistung in „Der Besuch der alten Dame" mit einigen Filmpreisen belohnt werden würde. Und auch ihre weiteren Schauspielerkollegen überzeugen auf ganzer Linie. Hervorheben möchte ich dabei Michael Mendl (Die Gustloff, Ein schöner Tag) als Alfred III, steht er doch als mögliches Mordopfer im Mittelpunkt der Geschichte. Mendl kann man seine Angst vor einem Mordanschlag wirklich in jeder Szene aus dem Gesicht lesen.
[FAZIT]
Wenn „Der Besuch der alten Dame" in kürze in der ARD über den Bildschirm flackert, sollte man sich dieses TV-Highlight nicht entgehen lassen. Wenn die Rundfunkgebühren auch weiterhin in solche guten Produktionen gesteckt werden, werde ich in Zukunft auf jeden Fall wieder öfters die öffentlich-rechtlichen Programme einschalten.
[FILMFAKTEN]
Titel: Der Besuch der alten Dame
Alternativtitel: The Visit
Jahr: 2008
Land: Deutschland
Länge: 87 Minuten
Regie: Nikolaus Leytner
Drehbuch: Susanne Beck, Friedrich Dürrenmatt
Darsteller: Christiane Hörbiger - Claire Zachanassian
Michael Mendl - Alfred Ill
Muriel Baumeister - Mia Mohr
Lisa Kreuzer - Angelika Ill
Dietrich Hollinderbäumer - Matthias Büsing
Dietrich Mattausch - Polizist Lutz Wolff
Helmut Berger - Oliver Marx
Hans von Borsody - Pfarrer Gottfried Unseld
Rolf Hoppe - Georg Riemann
André Pohl - Andreas Postel
Wolfgang S. Zechmayer - Marc Worth
Kathrin Beck - Moni Büsing
Genre: Drama
Vertrieb: Ziegler Film / ARD Degeto
[Wertung]
Gnislew:
(3,5 / 5)

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Filmkritik: Der Besuch der alten Dame - Eine Jugendliebe will Rache

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Bei der Sichtung einiger Rezensionsmuster bin ich zu dem Schluss gekommen, dass ich den Filmproduktionen des öffentlich-rechtlichen Fernsehens in Zukunft wieder etwas mehr Aufmerksamkeit schenken sollte. Nach der Überraschung "Die Tote in der Zisterne" gab es mit "Der Besuch der alten Dame" ein weiteres TV-Highlight, das den Weg in meinem DVD-Player gefunden hat.

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Die alte Dame zu Besuch in der 9b - Schüler*innen-Rezensionen zu Dürrenmatts Drama “Der Besuch der alten Dame”

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Die alte Dame zu Besuch in der 9b - Schüler*innen-Rezensionen zu Dürrenmatts Drama “Der Besuch der alten Dame”

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„Der Besuch der alten Dame“-
Noch ein langweiliges Buch von der Schule oder steckt doch mehr dahinter? Ja, das ist eine gute und eigentlich sehr unterschiedlich zu beantwortende Frage!
Um euch bei eurer Entscheidung zu helfen, kommt jetzt eine Rezension zu dieser berühmten Tragikomödie.
Der Autor…

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Inszenierung am Saarländischen Staatstheater Saarbrücken (2022)

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„Der Besuch der alten Dame“ in 3 Minuten :-)

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Nimm an der Umfrage (OSS) teil und entscheide dich für 1 Drama deiner Wahl.

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Informiere dich umfassend über die einzelnen hier aufgeführten Dramen. Nutze dazu die vorgegebenen Materialien. Bewerte und kommentiere anschließend die Materialien (Wie eindrücklich? Wie interessant? Wie informativ?...)
Die Kommentarfunktion kann auch ganz klassisch zur Diskussion über einzelne Einträge genutzt werden.

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Wir werden, nachdem wir die Reihe zu den pragmatischen Texten abgeschlossen haben, im Wechselunterricht ein deutsches Drama behandeln. Dieses Padlet soll dazu dienen, einen ersten Überblick über verschiedene Dramen zu erhalten und einen Eindruck von den verschiedenen Themen zu bekommen. Die Vorauswahl habe ich bereits getroffen - die endgültige Auswahl liegt bei euch! ;-)

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Aus gutem Grund ist "Kabale und Liebe" so berühmt. Denn das 1784 uraufgeführte Stück vereint alle Motive, an denen sich der Protest der jüngeren Generation damals entzündete.

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Mit gutem Grund hat Friedrich Schillers Drama "Kabale und Liebe" einen festen Platz im Kanon der deutschsprachigen Literatur. Denn das 1784 uraufgeführte Stück vereint alle Motive und Konstellationen, an denen sich der Protest einer jüngeren Schriftstellergeneration damals entzündete: das Aufbegehren gegen die höfische Arroganz, gegen die Autorität der Väter und gegen eine korrupte Gesellschaft, die das Glück ihrer Kinder auf dem Altar der Konventionen und des Kalküls opferte.

Schillers Drama führt uns vor Augen, wie schwer einst Freiheiten wie die selbstbestimmte Wahl eines Ehepartners und das Recht auf ein eigenes Leben hierzulande errungen werden mussten - und wie sehr solche Freiheiten andernorts noch vonnöten sind.

Liebe und Intrigen

Luise ist verzweifelt. Ihr Vater, der Stadtmusikant Miller, hat den Zorn des herzoglichen Präsidenten auf sich gezogen. Der ist der Vater ihres Geliebten Ferdinand. Luise ist zerrissen zwischen der Sorge um die Eltern und ihrer Liebe. Ferdinand will einfach nur mit ihr fliehen, irgendwohin. Schillers Trauerspiel "Kabale und Liebe" von 1784 erzählt die Geschichte zweier junger Menschen, deren Liebe an den Intrigen einer feudalen Ständegesellschaft scheitert.

Sturm und Drang

Die Mutter erhofft sich, recht naiv, von der Beziehung Luises mit Ferdinand den sozialen Aufstieg der Tochter. Der Vater aber hält das für eine dumme Illusion, denn die Standesunterschiede zwischen einem Adligen und einer Kleinbürgerstochter lassen eine Heirat nicht zu. Luise wäre allenfalls ein Schicksal als Mätresse des Majors beschieden. Ihre bürgerliche Ehre wäre dahin, das Ansehen der Familie ruiniert. Also müssen die beiden sich trennen – und zwar sofort!

Ist Miller ein autoritärer Patriarch – oder ein beschützender Vater?

Effektvoll setzt der junge Schiller in Szene, wie die starren Regeln von Vätern, Fürsten und Hofschranzen letztlich sogar den Tod von Ferdinand und Luise bewirken. Damit rührte er schon das Theaterpublikum seiner Zeit. Und die Gewalt ist es, die Schillers Trauerspiel zwar in den Standesschranken der autoritären Hofgesellschaft des 18. Jahrhunderts verortet – aber zugleich auch für ein heutiges Publikum interessant macht.

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Als bürgerliches Trauerspiel wird eine Form des Dramas und folglich ein Thater genre bezeichnet, das vor allem in der Aufklärung entstand (vgl. Literaturepochen). Wesentlich ist für das bürgerliche Trauerspiel, das es Schicksale von Menschen zeigt, die bürgerlichen Standes sind. Diese Entwicklung galt als besonders, weil noch im Barock durch die Ständeklausel untersagt wurde, dass Bürger die Protagonisten eines Trauerspiels sein können, weshalb es dem Adel vorbehalten war (vgl. Fallhöhe). Bürgerliche Stoffe wurden zuvor vor allem in der Komödie gezeigt (vgl. Lustspiel). Im bürgerlichen Trauerspiel wurde dann der tragische Konflikt zumeist durch den starken Gegensatz der sozialen Schichten ausgelöst, wodurch es zwar gewisse Privilegien der Stände überwand, doch ihr Vorhandensein im gleichen Maße festigte. Dieses Lösen vom klassischen Bild der Tragödie wurde auch in der Sprache deutlich. Statt in Versform - wie sonst in der Tragödie üblich - wurde das bürgerliche Trauerspiel in Prosa verfasst.

Der Begriff setzt sich aus dem Adjektiv bürgerlich und dem Nomen Trauerspiel zusammen. Dieses Begriffspaar ist eine Form des Dramas. Das europäische Drama entstand in etwa im 5. Jahrhundert v. Chr., also zur Zeit der Antike. Im darauffolgenden Jahrhundert unterteilte der Philosoph Aristoteles das Drama in die Tragödie und die Komödie.

Die Tragödie meint hierbei ein Stück, das den schicksalhafte Konflikt seiner Hauptfigur zeigt, der in der Katastrophe endet (vgl. Peripetie), wohingegen die Komödie ein dramatisches Werk mit erheiterndem Handlungsablauf ist, das meist glücklich endet (vgl. Happy End).

Die Begriffe Trauerspiel und Lustspiel gelten dabei als die deutschen Entsprechungen von Tragödie und Komödie. So gilt das Trauerspiel als tragisch, wohingegen das Lustspiel eine heitere Form ist. Das bürgerliche Trauerspiel ist in diesem Sinne eine Tragödie, die die schicksalhaften Konflikte des Bürgertums auf der Bühne zeigt.

Zur Zeit seiner Entstehung galt der Begriff als Oxymoron, da sich die Begriffe bürgerlich und Trauerspiel in dieser Verbindung gegenseitig ausschlossen und widersprachen. Dies liegt im dramenpoetischen Prinzip der Ständeklausel begründet. In der Tragödie sollten nur die Schicksale von Königen und Fürsten oder hohen Standespersonen dargestellt werden. Es galt die Annahme, dass es dem Leben der Bürgerlichen an Bedeutung fehle und der dramatischen Darstellung ihrer Personen deshalb an der Fallhöhe, um beim konfliktreichen Scheitern überhaupt als tragisch wahrgenommen zu werden.

Merkmale des bürgerlichen Trauerspiels
Übersicht: Die wesentlichen Merkmale im Überblick

Das bürgerliche Trauerspiel entstand zur Zeit der Aufklärung, also im 18. Jahrhundert. Zwar gab es bereits zum Ende des 16. Jahrhunderts (vgl. Renaissance) ähnliche Ansätze in England, doch fanden diese kaum Nachfolger und nur wenig Beachtung (vgl. Domestic tragedy).

Das wesentliche Merkmal bei diesem Genre ist, dass erstmals der Bürger und das Bürgerliche in den Mittelpunkt der Tragödie rücken. Diese Rollen waren zuvor dem Adel, also den hohen Ständen, vorbehalten, wohingegen die Schicksale des Bürgertums nur in der Komödie behandelt wurden.

Begründet wurde dies durch das Prinzip der Ständeklausel. Hierbei geht es darum, dass das Tragische den hohen Ständen vorbehalten sein sollte, da nur bei diesen eine soziale und gesellschaftliche Fallhöhe gegeben ist, welche das Scheitern der Handelnden überhaupt erst tragisch macht.

Durch den Wandel der Protagonisten, ändern sich natürlich auch die Spielorte. Zeigten ältere Tragödien vor allem das Leben am Hof und ein höfisches Umfeld sowie die Welt der Politik und des Staates, wird nun das Leben von Privatpersonen in ihrem Umfeld gezeigt. Das Setting ist betont bürgerlich und eindeutig vom Höfischen abgegrenzt.

Der Aufbau des bürgerlichen Trauerspiels ist zumeist mit dem dem des klassischen Dramas identisch. Es besteht demzufolge aus fünf Akten, die typischerweise aus einer Einleitung (vgl. Exposition), der Steigerung der Spannung (vgl. erregendes Moment), dem Höhepunkt (vgl. Peripetie), einer Verzögerung, um Spannung aufzubauen (vgl. retardierendes Moment) und letztlich der Katastrophe gebildet werden (siehe auch: Spannungsbogen).

Das bürgerliche Trauerspiel lässt sich in Bezug auf seine Entwicklung in drei Phasen einteilen. Die ersten Werke zeigten vor allem die Konflikte zwischen Bürgertum und Adel oder die Probleme einer absolutistischen Willkür und setzten sich somit unmittelbar mit den Ständeunterschieden auseinander. Beispielhaft sind Lessings Emilia Galotti und Schillers Kabale und Liebe. In der zweiten Phase entsteht der Konflikt im Bürgerlichen selbst. Der Einzelne wird zum Opfer der Gesellschaft und muss gegen kleinbürgerliche Moralvorstellungen ankämpfen, wie es ewta in Hebbels Maria Magdalena gezeigt wird. Die letzte Phase wandelt das bürgerliche Trauerspiel durch den Einfluss des Naturalismus zur sozialen Dichtung, die das selbstzufriedene Bürgertum kritisiert und den Forderungen des rechtlosen Arbeiterstandes eine Stimme verleiht. Beispiele sind die naturalistischen Dramen Gerhart Hauptmanns und Henrik Ibsens.

Diese Kritik, die vor allem in der dritten Phase aufkeimte, steigerte sich in den folgenden Jahren beinahe zur Karikatur des bürgerlichen Trauerspiels, was vor allem in den expressionistischen und surrealistischen Werken Wedekinds, Schnitzlers oder auch Brechts deutlich wird. Zu dieser Zeit verliert das Genre vermehrt an Relevanz und eine Unterscheidung ist vor allem in der modernen Dramatik nicht mehr zweckdienlich.

Geschichte des bürgerlichen Trauerspiels
Das wesentliche Merkmal des Genres ist es, dass die Handelnden der Tragödie aus dem Bürgertum stammen und das Werk deren Konflikte zeigt. Solche Tendenzen gab es bereits vor der Aufklärung. Vor allem in England finden sich schon früher solcherlei Tendenzen, aber auch im deutschen Mittelalter finden sich einzelne Ansätze.
Im mittelalterlichen Europa wurden zu hohen Festtagen von den Bürgern einer Stadt durchaus kleinere Theaterstücke aufgeführt. Zumeist wurden hierbei biblische Szenen oder moralische Stücke gezeigt. Sogar der Reformator Martin Luther förderte das Aufführen solcher Stücke und sprach ihnen eine moralische Lehre zu.

Diese Szenen erinnern an das bürgerliche Trauerspiel, da sie nicht vordergründig am Hof angesiedelt waren oder sich mit dem adligen oder höfischen Leben befassten. Ein wichtiges Beispiel aus dieser Zeit ist etwa Jörg Wickrams (1505 - 1555/1560) Roman Der Jungen Knaben Spiegel (1554), der vielfach für das Theater bearbeitet wurde.

In England, wo die Ständeklausel nicht durchgriff und somit nicht zwingend im Drama angewandt werden musste, erschienen zum Ende des 16. Jahrhunderts vermehrt die sogenannten domestic tragedies, ein Theatergenre, das um Morde und Kriminalfälle in bürgerlichen Familien kreiste. Beispielhaft sind hier die anonymen Stücke Arden of Feversham (1591) und A Yorkshire tragedy (1606).

Diese Stücke fanden allerdings kaum Nachahmer und sind in keinem Fall ursächlich für das spätere bürgerliche Trauerspiel. Dennoch sind sie erwähnenswert, weil auch hier das Bürgerliche in das Zentrum des tragischen Konflikts rückt. Aber auch in Deutschland finden sich noch vor der Aufklärung Einzelfälle, wie etwa in Andreas Gryphius' Cardenio und Celine (1649), das im bürgerlichen Milieu angesiedelt ist. Es bleibt jedoch bei wenigen Ausnahmen ohne Breitenwirkung.

Prototyp des bürgerlichen Trauerspiels

Erst mit dem Erstarken des Bürgertums, das sich im Laufe der Zeit selbstbewusster gab und durchaus stolz auf seinen Stand wurde, wuchs auch das Bedürfnis die Konflikte und Probleme ebendiesen Standes auf die Bühne zu bringen. Und zwar nicht mehr nur in den lächerlichen Darstellungen, die die Komödie bot, sondern auch als ernster und ernstzunehmender Dramenstoff.

Die ersten Tendenzen lassen sich hierfür in England ausmachen. Hier kann schon früh von einem starken sowie emanzipierten Bürgertum gesprochen werden. Dies wurde etwa in George Lillos The London Merchant ( UA: 1731) deutlich. Ebendieses Werk gilt als Prototyp des bürgerlichen Trauerspiels und wurde von Henning Adam von Basewitz im Jahr 1752 als Der Kaufmann von London ins Deutsche übersetzt. George Lillo setzt in seinem Drama einen bürgerlichen Helden ein und begründet dies damit, dass ein Drama, das ein bürgerliches Publikum erreichen will, auch einen bürgerlichen Helden benötigt.

Der Kaufmann von London wurde in Deutschland zu einem Erfolg und zahlreiche Schauspieltruppen spielten und zeigten es einem begeisterten Publikum. Kritiker sprachen dem Stück eine ungeheure Wirkung zu: nämlich dass es fesselnd sei, große Emotionen auslöse sowie Mitleid und Rührung beim Publikum bewirke.

In Frankreich entwickelte sich parallel hierzu ein ähnliches Genre: nämlich die Comédie larmoyante (deutsch: rührende Komödie). Auch hierbei ging es um das Personal im Drama. Allerdings näherte man sich diesem nicht über die klassische Tragödie, wie es die vorherigen Beispiele taten, sondern über die Komödie. In dieser wurden nun die nicht-adligen Figuren in ernsthafte Situationen versetzt, die nicht mehr lächerlich wirken konnten oder zum Verlachen einluden.

Folglich kann die Comédie larmoyante als eine Mischform gelten, die ebenfalls die Ständeklausel übergeht. Die Komödienform wird somit durch ernsthafte Elemente angereichert. Dies geschieht etwa durch Themen wie Eltern- oder Kindesliebe, also Themen, die nicht an den Stand gebunden sind und jegliches Publikum rühren können, da es allgemeine menschliche Erfahrungen sind (vgl. Empfindsamkeit).

Beispielhaft ist etwa Die zärtlichen Schwestern (1747) von Christian Fürchtegott Gellert. Gellert hält in seiner Abhandlung Pro comoedia commovente (1751) dazu fest, dass es Tugenden im Privaten gebe, die eben nicht verlacht werden können, auch wenn sie nicht zur Größe des Adels gehören, sondern zur bürgerlichen Rechtschaffenheit.

Das bürgerliche Trauerspiel
Das bürgerliche Trauerspiel, das in Deutschland entsteht, hat seine Wurzeln also in all diesen vorherigen Formen, wenngleich man sich von der französischen Tragödie abgrenzte und sich am englischem Vorbild orientierte. Folglich hat das Englische einen großen Einfluss.
Diese Nähe zum Englischen wird etwa in Lessings Miß Sara Sampson (1755), das in einem englischen Milieu angesiedelt ist, deutlich. Das Werk gilt als das erste bürgerliche Trauerspiel der neueren deutschen Literatur und zeigt ein rührendes Familienbild, das zu zahlreichen Nachahmungen in der deutschen Literatur führte. Lessing erweiterte aber nicht nur das Tragödienpersonal um das Bürgerliche, sondern verwarf die Ständeklausel auch mit seiner Minna von Barnhelm (1767), das den Adel in einem komödiantischen Umfeld zeigt.

Gotthold Ephraim Lessing war es dann aber auch, der das bürgerliche Trauerspiel thematisch prägte. So zeigte seine Emilia Galotti (1772) das erste Mal den tragischen Konflikt zwischen dem Bürgertum und der Adelswillkür und leitete damit den ersten Höhepunkt des Genres ein, der allgemein als erste Phase bezeichnet wird. Emilia Galotti beginnt hierbei in einem rührenden Familienumfeld, das letztlich in einen größeren Zusammenhang gesetzt wird und zu staatspolitischen und sozialen Problemen sowie dem tragischen Tod Emilias führt.

Diese Tradition wird nun in der Folge, vor allem im Sturm und Drang, durch zahlreiche Werke fortgesetzt. Stets geht es um das Adlige, das scheinbar willkürlich das Leben der Bürgerlichen beeinflusst oder gar zerstört. Solche Sozialdramen finden sich etwa bei Lenz und Klinger und bilden ihren absoluten Höhepunkt in Friedrich Schillers Kabale und Liebe (1783), das auch sprachlich und aufgrund der dramatischen Umsetzung wegweisend bleibt. Deshalb gilt dieses Werk - auch im Deutschunterricht - als Paradebeispiel für das Genre.

Hinweis: Im Wesentlichen zeigt der obige Abschnitt den Weg zum bürgerlichen Trauerspiel, wie es zumeist verstanden und im Unterricht behandelt wird. In den folgenden Epochen (vgl. Klassik, Romantik) ist das bürgerliche Trauerspiel allenfalls eine Randerscheinung und auch die Bemühungen durch das Junge Deutschland, das Genre wiederzubeleben, scheitern eher und sind nicht von Erfolg gekrönt. Folglich ist es vor allem die erste Phase, die mit dem Begriff gemeint ist. Dennoch entwickelte sich das Genre in der Folge dennoch fort.

Zweite und dritte Phase
Fast ein Jahrhundert später wird dann die zweite Phase des Genres eingeleitet. Als zweite Phase wird sie deshalb bezeichnet, weil sich die inhaltliche Ausrichtung der Werke änderte. Ging es zuvor noch um das Bürgertum, das mit der Adelswillkür zu kämpfen hat, sind es nun die konfliktreichen Probleme des Bürgertums selbst.
Exemplarisch kann hierfür Friedrich Hebbels Maria Magdalena (1844) genannt werden, das auch als das letzte bürgerliche Trauerspiel gilt. Der Konflikt entsteht hier aus dem eigenen Stand heraus, wobei es aufgrund eines pedantischen Ehrgefühls innerhalb des Bürgertums zum tragischen Selbstmord der Protagonistin Klara führt. Hierbei wird der Einzelne also zum Opfer der Gesellschaft und des eigenen Standes. Sehr deutlich wird dieser inhaltliche Wandel auch durch die Schlussworte in Hebbels Werk, die der Vater nach dem Tod seiner Tochter spricht: „Ich verstehe die Welt nicht mehr!".

Das bürgerliche Trauerspiel wird in der literarischen Landschaft nun immer unbedeutender. Das Bürgertum hatte sich als eigener Stand emanzipiert und die Probleme mit denen es sich konfrontiert sah, wurden kleiner oder waren keine Probleme, die aus dem Bürgerlichen rührten. So entstanden vor allem Stücke, die sich mit der Rolle des Einzelnen befassten und dessen Scheitern an den gesellschaftlichen Umständen zeigten. Diese dritte Phase beschreibt also eher die Überwindung des Genres und keine Weiterentwicklung.

Das bürgerliche Trauerspiel wird zur sozialen Dichtung, wobei eher die Forderungen des rechtlosen Arbeiterstandes gegenüber dem Bürgertum eine Rolle spielen. Die Dichter des Realismus (Friedrich Hebbel, Gottfried Keller, Theodor Storm, Theodor Fontane) erkennen die Ausbeutung der untersten Klasse und wollen die Wirklichkeit ungeschönt darstellen. Im Naturalismus ist es dann etwa Gerhart Hauptmann ( Die Weber und Vor Sonnenaufgang), wobei der Einzelne endgültig zu einem Produkt der sozialen Verhältnisse avanciert.

Hinweis: Das Ende des bürgerlichen Trauerspiels wird also durch Hebbels Maria Magdalena markiert. Spätere Werke, die aus dem Genre erwachsen, lassen sich eher unter den Begriffen Sozialdrama oder soziale Dichtung fassen. Darüber hinaus verliert das Genre in der modernen Dramatik allein deshalb an Relevanz, da es im klassischen Sinne keine Stände mehr gibt.

Miss Sara Sampson (1755), Gotthold Ephraim Lessing

Lucie Woodvil (1756), Johann Gottlob Benjamin Pfeil

Emilia Galotti (1772), Gotthold Ephraim Lessing

Die Kindermörderin (1776), Heinrich Leopold Wagner

Die Soldaten (1776), Jakob Michael Reinhold Lenz

Romeo und Julie (1776), Christian Felix Weiße

Düval und Charmille (1778), Christiane Karoline Schlegel

Kabale und Liebe (1784), Friedrich Schiller

Maria Magdalena (1844), Friedrich Hebbel

(1879), Georg Büchner (Vorläufer des Sozialdramas)

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Als bürgerliches Trauerspiel wird eine Form des Dramas bezeichnet. Wir zeigen die Merkmale und Geschichte und geben Beispiele für das bürgerliche Trauerspiel.

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Ort: Salon einer bequemen, wenn auch etwas verlotterten Villa des privaten Sanatoriums ›Les Cerisiers‹.

Nähere Umgebung: Zuerst natürliches, dann verbautes Seeufer, später eine mittlere, beinahe kleine Stadt. Das einst schmucke Nest mit seinem Schloß und seiner Altstadt ist nun mit gräßlichen Gebäuden der Versicherungsgesellschaften verziert und ernährt sich zur Hauptsache von einer bescheidenen Universität mit ausgebauter theologischer Fakultät und sommerlichen Sprachkursen, ferner von einer Handels- und einer Zahntechnikerschule, dann von Töchterpensionaten und von einer kaum nennenswerten Leichtindustrie und liegt somit schon an sich abseits vom Getriebe. Dazu beruhigt überflüssigerweise auch noch die Landschaft die Nerven, jedenfalls sind blaue Gebirgszüge, human bewaldete Hügel und ein beträchtlicher See vorhanden sowie eine weite, abends rauchende Ebene in unmittelbarer Nähe – einst ein düsteres Moor – nun von Kanälen durchzogen und fruchtbar, mit einer Strafanstalt irgendwo und dazugehörendem landwirtschaftlichem Großbetrieb, so daß überall schweigsame und schattenhafte Gruppen und Grüppchen von hackenden und umgrabenden Verbrechern sichtbar sind. Doch spielt das Örtliche eigentlich keine Rolle, wird hier nur der Genauigkeit zuliebe erwähnt, verlassen wir doch nie die Villa des Irrenhauses (nun ist das Wort doch gefallen), noch präziser: auch den Salon werden wir nie [12] verlassen, haben wir uns doch vorgenommen, die Einheit von Raum, Zeit und Handlung streng einzuhalten; einer Handlung, die unter Verrückten spielt, kommt nur die klassische Form bei. [...]

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Beitrag zum 70jährigen Jubiläum der Uraufführung

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Beitrag zum 70jährigen Jubiläum der Uraufführung

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"Der Anlass, das war eine lakonische Zeitungsnotiz in der amerikanischen Presse, dass Ernst Udet, der Fliegergeneral, mit dem ich seit dem Ersten Weltkrieg befreundet war, tödlich verunglückt und mit Staatsbegräbnis beerdigt worden sei. Mehr nicht. Aber mir war sofort klar, dass da was nicht stimmt und dass es anders gewesen sein muss."

Bis zur Uraufführung seines Stückes "Des Teufels General" am 14. Dezember 1946 in Zürich sollte es zwar noch fünf Jahre dauern, aber Carl Zuckmayer, seit zwei Jahren im amerikanischen Exil, reagierte schnell und machte sich, von dieser Zeitungsnachricht elektrisiert, sofort an die Arbeit.

"Einen Anfang oder eine Idee für den Aufbau der ganzen Handlung hab ich zunächst gar nicht gehabt. Nur ein einziges Wort, das Wort Staatsbegräbnis. Ich habe gewusst, dass das Stück mit diesem Wort und mit der bitteren Ironie dieses Vorgangs enden muss."

Das Mitläufertum auf allen Ebenen bloßgestellt

Wie jedem Emigranten aus Nazideutschland war ihm klar: Das verordnete Staatsbegräbnis im November 1941 diente nur einem Zweck, die heroisch-nationalsozialistische Fassade aufrechtzuerhalten und das Skandalon eines hochrangigen Offiziers als Saboteur und Kollaborateur zu verdecken. Und so stellte er mit seiner Figur Harry Harras einen Mann ins Zentrum des Stückes, den seine Technikbegeisterung in schwere Konflikte mit dem Nazi-Regime brachte, dem er als General und Flugzeugbauer diente. In zahllosen, immer wieder wechselnden Konstellationen, in vielen kleinen Episoden zerpflückt Zuckmayer die pseudo-idealistischen Posen und das Mitläufertum auf allen Ebenen: der Militärs, Ministerialbeamten und der in die Irre Geführten. Schon 1948 sendete der Südwestfunk eine von Christian Böhme für den Funk bearbeitete Hörspielfassung von "Des Teufels General", Regie: Karl Peter Biltz.

"Jawohl Herr General! Der Tod auf dem Schlachtfeld ist groß und rein und edel ..." - "Ach Scheiße! Das sind doch olle Tiraden! ... Der Tod auf dem Schlachtfeld - der stinkt! ... Er ist gemein und roh und dreckig! ... Er gehört zum Krieg wie die Verdauung zum Fraß. Sonst nichts. Du sollst den Tod nicht fürchten ... Aber du sollst ihm widerstehen und ihn überlisten und ihn hassen wie die Pest! Wer ihn anbetet, wer ihn vergöttert und verklärt, oder gar ihn sucht, der ist kein Held. Der ist ein Narr!"

Der eigenwillige Kriegsheld Harras weigert sich, in die NSDAP einzutreten. Andererseits macht er aber eben doch mit. Als es immer mehr Unfälle durch Materialfehler gibt, gerät er in Verdacht. Am Ende wird er den Saboteur decken und, statt zu fliehen, sich selbst dafür bestrafen, dass er Hitler, dem Teufel, gedient hat. Und fliegt in den Tod.

"Ich konnte ja nicht wissen, und ich hatte keine Ahnung, ob ich mit dem, was mir die innere Wahrheit zu sein schien, auch die Wirklichkeit getroffen hatte, wie sie sich denen darstellte, die dabei gewesen waren. Aber offenbar war das geglückt."

Was zählte, war allein die Haltung

"Des Teufels General" sollte Zuckmayers größter Nachkriegserfolg werden. Allein in den Vierzigerjahren wurde das Stück über 3000mal gespielt. Trotz des spektakulären Abgangs - kein Stück, das auf grelle Effekte setzt. Zuckmayer war kein Schwarz-weiß-Maler. Weder im Leben noch in seinen Stücken. Selbst sein "Geheimreport", den er im Auftrag des US-Geheimdienstes verfasste, eine Art Prosa-Pendant zu seinem Stück, ist ein virtuoses Panoptikum der Ambiguität. So charakterisierte er in 150 Porträts, die von Anpassung bis Widerstand reichten, Persönlichkeiten des kulturellen Lebens - ohne Anklage, ohne Entschuldigen, mit viel Sinn für Nuancen. Über Heinz Hilpert, den Uraufführungsregisseur des "Hauptmanns von Köpenick", der später die Uraufführung von "Des Teufels General" inszenieren sollte, schrieb er zum Beispiel:

"Wer nicht selbst miterlebt hat, wie Hilpert zum Beispiel auf einer Probe im Jahr 1936 dem 'Heil Hitler' eines beflissenen Statisten nach langem, vernichtenden Blick, Räuspern, Spucken und bedeutsamem Kopfschütteln mit einem breiten 'Gut'n Morjen' antwortete, kann sich von dem Ton, der an seinen Bühnen herrschte, und von dem, was er sich trotz dauernder Denunziationen erlauben konnte, keine Vorstellung machen."

Was für Carl Zuckmayer zählte, ob in den Stücken oder im "wirklichen Leben", war allein die Haltung.

"Viel wichtiger aber als diese kleineren und mehr äußerlich determinierten Beispiele von Zivilcourage ist die innere Einstellung Hilperts und sein im Ergebnis wohl tragischer Versuch, die Reinheit und Echtheit deutscher Kunst durch eine ordinäre und nichtswürdige Periode, von deren Vergänglichkeit er immer überzeugt war, hindurchzuretten."

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Vor 70 Jahren - Uraufführung von Carl Zuckmayers Drama "Des Teufels General"

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Carl Zuckmayer gehörte zu den deutschen Schriftstellern, die vor den Nationalsozialisten ins Exil flüchten mussten. Aber auch dort setzte er sich mit den Ereignissen in Deutschland auseinander. So entstand während des Zweiten Weltkriegs eines der wichtigsten Theaterstücke der Nachkriegszeit: "Des Teufels General".

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Ein zwiespältiger Held nach realem Vorbild

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Ein zwiespältiger Held nach realem Vorbild

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Er ist wahrlich ein Teufelskerl: Harry Harras (Curt Jürgens), ein leidenschaftlicher Flieger, der es unter den Nazis bis zum Rang eines Generals gebracht hat, ist ein Kriegsheld. Und doch ist Harras aufgrund der politischen Lage und der fatalen Fehlentscheidungen der Obersten Heeresleitung längst zum Zyniker geworden, der seinen Frust in edlem Cognac ersäuft. Allen Anwerbungsversuchen von Partei und SS hat er bislang widerstanden. Stattdessen gibt er weiterhin den wortgewandten Frauenschwarm und tollkühnen Flieger, der auch Gegenüber den Nazigrößen kein Blatt vor den Mund nimmt.

Als eine Sabotage-Aktion von Kreisen des Widerstandes einige Prototypen eines neuen Flugzeuges zum Absturz bringt, ist Harras wild entschlossen, den Ursachen für den Defekt am Höhenruder auf den Grund zu gehen – bis er erkennen muss, dass ausgerechnet sein engster Vertrauter hinter den Sabotageakten steckt. Der General steht vor der schwierigsten Entscheidung seines Lebens: Soll er sein Wissen preisgeben oder die Aktionen gegen die Luftwaffe vertuschen? Harras findet seinen ganz eigenen Ausweg aus dem moralischen Dilemma – und der führt natürlich hoch hinauf in den Himmel.

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CARL ZUCKMAYER - DES TEUFELS GENERAL (Auszug)

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Auf den ersten Blick sah es am vergangenen Mittwoch im Zürcher Schauspielhaus so aus, als hätte Friedrich Dürrenmatt der deutschen

deutschsprachigen - Literatur ein neues Lustspiel beigebracht. Auf den zweiten Blick wirkten "Die Physiker" eher wie ein Arsenal von Irrenwitzen. Tatsächlich sind sie ein Zeitstück.

Nur ist die Zeit inzwischen ziemlich unbescheiden geworden. Ein Zeitstück - einem jeweils aktuellen Aspekt der Menschengesellschaft zugewendet - konnte sich im achtzehnten Jahrhundert, bei Beaumarchais, noch mit dem Übermut des Adels im Umgang mit Unschuldsmädchen ("Figaro"), im neunzehnten Jahrhundert, bei Ibsen, noch mit der Emanzipation der Frauen abgeben, die nicht mehr ins Puppenheim gesteckt werden wollen ("Nora"). Im zwanzigsten Jahrhundert geht Dürrenmatts Zeitstück unterm Applaus eines eleganten Publikums, das vom Gelächter bis zur Atemnot erschöpft ist, um den Untergang der Menschheit, möglicherweise um deren Fortbestand.

Die Zeit ist danach. Vollkommen angemessen spielt das Zeitstück des 41 jährigen Pastorensohns aus Konolfingen bei Bern, Friedrich Dürrenmatt (SPIEGEL 28/1959), in einem Irrenhaus.

Die - wie er es nennt - "story" zu seinem Physiker-Drama hat sich Dürrenmatt zurechtgelegt, als er sich vor etwas über Jahresfrist, des gestörten Stoffwechsels wegen, einer Kur unterzog und täglich einen zweieinhalbstündigen Spaziergang absolvieren mußte. Die Elemente waren ihm bekannt. Dürrenmatt: "Ich kenne viele Physiker." Und: "Ich kenne viele Irrenhäuser." Er

hat mehrere Verwandte, die in Heilanstalten arbeiten.

Ein solches, tatsächlich bei Neuchâtel gelegenes "Sanatorium" hat Dürrenmatt als Ort der Handlung streng detailliert beschrieben, samt näherer und weiterer Umgebung, dem "zunächst natürlichen, dann verbauten Seeufer", der nahe liegenden Stadt und ihrer Ausrüstung mit Universität, Handels- und Zahntechnikerschule, Töchterpensionaten, "kaum nennenswerter Leichtindustrie" - der Ort der Handlung liegt somit schon an sich abseits vom Getriebe. Dazu beruhigt überflüssigerweise auch noch die Landschaft die Nerven, jedenfalls sind blaue Gebirgszüge, human bewaldete Hügel und ein beträchtlicher See vorhanden", ferner eine "Strafanstalt irgendwo, so daß überall schweigsame und schattenhafte Gruppen und Grüppchen von hackenden und umgrabenden Verbrechern sichtbar sind".

Die behäbige Präzision dieser Ortsschilderung signalisiert bereits den Irrsinn, der kommen wird - die Schilderung der Umgebung geschah nämlich nur "der Genauigkeit zuliebe" und ist ganz überflüssig. Das Stück spielt in einem einzigen Zimmer der Anstalt, "haben wir uns doch vorgenommen, die Einheit von Raum, Zeit und Handlung** streng einzuhalten; einer Handlung, die unter Verrückten spielt, kommt nur die klassische Form bei" (Dürrenmatt).

Auch daß die Handlung zunächst wie ein Kabarett-Ulk aussieht und dem klassischen Muster des Irrenwitzes folgt, bei dem die Vernunft an einer Stelle auftaucht, wo sie nicht hingehört, die Logik an einer Stelle funktioniert, wo niemand sie erwartet, ist bei Dürrenmatt berechnete dramaturgische Methode. "Die Literatur", glaubt Dürrenmatt, "muß so leicht werden, daß sie auf der Waage der heutigen Literaturkritik nicht mehr wiegt. Nur so wird sie wieder gewichtig."

Und Dürrenmatt hat mit dem Erleichtern Ernst gemacht. Der Ort seines Schauspiels, ein mondänes Sanatorium - "für die horrenden Preise wird auch die bösartigste Verrücktheit ein reines Vergnügen" -, gehört Mathilde von Zahnd (Therese Giehse), einer "buckligen Jungfer in ihrem ewigen Ärztekittel", "Psychiater von Ruf, man darf ruhig behaupten von Weltruf (ihr Briefwechsel mit C. G. Jung ist eben erschienen)", dem letzten, unfruchtbaren, "nur noch zur Nächstenliebe tauglichen" Sproß einer weitverzweigten und hochmögenden Familie, die Staatspräsidenten und Marschälle hervorgebracht hat und deren letzte, uralte Mitglieder für fürstliche Summen bei Mathilde einsitzen.

In einem besonderen Gebäude, der "Villa", hat Dr. Mathilde von Zahnd drei Physiker untergebracht, von denen der eine, Beutler, sich für Sir Isaac Newton hält, den Entdecker der Gravitationsgesetze (Gustav Knuth). Der zweite, Ernesti, hält sich für den Begründer der Relativitätstheorie, Albert Einstein: Theo Lingen, zum erstenmal auf einer Züricher Bühne, hat sich eine frappante Einstein-Maske angelegt, er läuft mit Strubbelkopf in Cordhose und grauem Pullover herum und führt stets eine Geige mit sich. Dem dritten Physiker, Möbius (Hans-Christian Blech), der am längsten in Gewahrsam ist, erscheint seit fünfzehn Jahren täglich der König Salomo und diktiert physikalische Gesetze.

Die Physiker, "harmlose, liebenswerte Irre, lenkbar, leicht zu behandeln und anspruchslos", wären "wahre Musterpatienten", wenn nicht Beutler alias Newton vor drei Monaten seine Pflegerin mit einer Vorhangkordel erdrosselt hätte. Zu Beginn des Stücks liegt schon ein zweites Opfer auf dem Parkett - laut Regieanweisung "in tragischer und definitiver Stellung, mehr im Hintergrund, um das Publikum nicht unnütz zu erschrecken". Das Opfer ist wieder eine Schwester, diesmal von Ernesti alias Einstein erdrosselt, diesmal mit der Schnur der Stehlampe.

Und während in seinem Zimmer Ernesti-Einstein, um sich nach der frischen Tat zu beruhigen, die Kreutzersonate spielt, von Mathilde von Zahnd am Klavier begleitet, vertraut Beutler -Newton, der Mörder von vor drei Monaten, dem Kriminal-Inspektor, der ihn mit Sir Isaac anspricht, ein Geheimnis an: Glauben Sie wirklich, ich sei Newton? Ich gebe mich nur wegen Ernesti dafür aus, der sich für Einstein hält: "Wenn Ernesti erführe, daß ich in Wirklichkeit Albert Einstein bin, wäre der Teufel los."

Um den Irrenwitz noch eine Spirale weiter zu treiben, erläutert Mathilde von Zahnd dem Inspektor später, Beutler erzähle nur, er sei Einstein, tatsächlich halte er sich doch für Newton: "Ich kenne sie (die Patienten) weitaus besser, als sie sich selber kennen."

Die Institutsleiterin hat wegen der Morde - der Patienten-Verirrungen - Schwierigkeiten bekommen. Zwar war das erste Opfer, Schwester Moser, Mitglied des Damenringervereins, zwar war das zweite Opfer, Schwester Straub, Landesmeisterin des nationalen Judoverbandes, aber der Staatsanwalt fordert nun doch kategorisch männliche Wärter für die Kranken. Mathilde gibt nach, und so kommt die dritte Schwester, Monika, zum dritten Physiker, zu Möbius, um sich zu verabschieden. Ehe das Publikum in die Pause entlassen wird, ist auch sie erdrosselt - wieder mit der Vorhangkordel.

Diesmal aber hat das Publikum zusehen dürfen, und so ist erkennbar geworden, warum die "Musterpatienten" ihre Pflegerinnen umbringen. Monika - dargestellt von der Brecht-Tochter Hanne Hiob - kam mit einem Bekenntnis zu Möbius. Sie glaubte an ihn, sie hielt ihn nicht für verrückt, sie wollte für seine Entdeckungen kämpfen, sie hatte die Erlaubnis ertrotzt, ihn aus der Anstalt herauszunehmen, sie hatte Ersparnisse gemacht, sie liebte ihn, sie wollte ihn heiraten. Ähnliches wird seinen Kollegen zugestoßen sein. So griffen sie alle zum Strick, zu Kordel und Schnur.

Denn alle wollen aus sehr speziellen, ja vernünftigen Gründen im Irrenhaus bleiben. Möbius simuliert seit fünfzehn Jahren die Begegnungen mit Salomo, denn er hat die lang gesuchte "einheitliche Feldtheorie" gefunden, eine schlüssige Gravitationslehre und ein "System aller möglichen Erfindungen" aufgestellt, er hat Entdeckungen gemacht, die "neue unvorstellbare Energien" freisetzen würden, "falls seine Arbeiten in die Hände der Menschen fielen".

* Beutler alias Newton aber heißt eigentlich Kilton, Ernesti alias Einstein heißt eigentlich Eisler - beide sind sie Physiker von Rang, beide halten sie Möbius für den "genialsten Physiker der Gegenwart", beide sind von Geheimdiensten - von Ost und West - zu Möbius geschleust worden, um den wichtigen Mann für ihre Sache zu gewinnen. Als sie sich zu erkennen geben, erläutert ihnen Möbius, warum er Schwester Monika ermorden mußte: "Sie hielt mich für ein verkanntes Genie. Sie begriff nicht, daß es heute die Pflicht eines Genies ist, verkannt zu bleiben."

Der Schweizer Literaturtheoretiker Walter Muschg ("Die Zerstörung der deutschen Literatur") kommentiert: "Wie immer bei Dürrenmatt steigt aus der scheinbaren Farce ruckweise das

kalte Grauen auf." Bereits in seinem Schauspiel "Romulus der Große" (1949) hat Dürrenmatt nämlich Simulantentum moralisch rehabilitiert: Romulus Augustulus, der letzte römische Imperator, markiert zielvoll den trotteligen Züchter von Leghennen, weil er herausgefunden hat, das römische Imperium sei eine verbrecherische Institution geworden, die nicht von einem starken Kaiser verteidigt werden sollte. Er hat nur das Pech, auf den Germanenfürsten Odoaker zu treffen, der ebenfalls den passionierten Züchter von Leghennen markiert - aus berechtigter Sorge vor der Zukunft, die ein Germanenreich bringen werde.

Beider Vorsorge erweist sich als unwirksam, und ähnlich geht es den "Physikern", deren Uraufführung in Zürich von dem in Neuruppin geborenen, in Pankow herangewachsenen Wahlmünchner Kurt Horwitz inszeniert wurde: Horwitz hatte vor fünfzehn Jahren das erste Theaterstück des damals unbekannten 26jährigen Dürrenmatt, das Wiedertäufer-Drama "Es steht geschrieben", von Basel mit Empfehlungen ans Schauspielhaus Zürich geschickt, wo es sofort angenommen und aufgeführt wurde. Horwitz - gegenseitige Anrede mit dem Autor: Horri und Dürri - hält "Die Physiker" für Dürrenmatts bisher wirksamstes Stück, das den Aufführungserfolg des Schauspiels "Der Besuch der alten Dame" noch übertreffen werde.

Bevor Dürrenmatts jüngste alte Dame, Mathilde von Zahnd, die Physiker überraschen kann, streiten Ost und West, Eisler wie Kilton, um die Gunst von Möbius.

* West-Kilton-Beutler-Newton: "Wir haben Pionierarbeit zu leisten und nichts außerdem. Ob die Menschheit den Weg zu gehen versteht, den wir ihr bahnen, ist ihre Sache, nicht die unsrige." Und: "Einige der berühmtesten Physiker erwarten Sie. Besoldung und Unterkunft ideaL" Der Nobelpreis wird fürs kommende Jahr garantiert.

Ost-Eisler-Ernesti-Einstein: "Auch wir können es uns schon längst nicht mehr leisten, die Physik zu bevormunden. Auch wir brauchen Resultate. Auch unser politisches System muß der Wissenschaft aus der Hand fressen."

Aber Möbius kann seine Kollegen - bedeutende Physiker auch sie - überzeugen, daß die Resultate seiner Forschungen nicht bekannt werden dürfen: "Unsere Wissenschaft ist schrecklich geworden, unsere Forschung gefährlich, unsere Erkenntnisse tödlich." Die beiden Physiker melden ihren Geheimdiensten, sie hätten sich geirrt. Möbius sei wirklich verrückt.

Möbius: "Nur im Irrenhaus sind wir noch frei. Nur im Irrenhaus dürfen wir noch denken. In der Freiheit sind unsere Gedanken Sprengstoff." Und: "Entweder wir bleiben im Irrenhaus, oder die Welt wird eins."

Auch diese makabre Alternative aber ist Dürrenmatt zu optimistisch. Er entschied: Die Physiker bleiben im Irrenhaus, aber die Welt wird trotzdem eins. Denn es erweist sich: Die Irrenärztin Mathilde von Zahnd ist gemeingefährlich verrückt. Sie hat zwar die Agenten durchschaut, aber sie glaubt fest daran, daß König Salomo täglich dem Physiker Möbius Weisheiten diktiert habe. Sie hat alle seine Schriften, bevor Möbius sie vernichtete, photokopiert. Die schwerreiche Mathilde von Zahnd - der Name wirkt nicht unabsichtlich wie eine Verkürzung der schwerreichen, mordlustigen Zachanassian aus dem "Besuch der alten Dame" - hat einen weltweiten Konzern gegründet, der die tödlichen Forschungsergebnisse von Möbius auswerten wird. Den Physikern, die sie von nun an streng bewacht hält, versichert die irre Irrenärztin: "Die Produktion rollt an."

Dazu Dürrenmatt: "Eine Geschichte ist dann zuende gedacht, wenn sie ihre schlimmstmögliche Wendung genommen hat."

**Kennzeichen der antiken Tragödie.

Züricher Uraufführung "Die Physiker"*: Genie-Pflicht ist, verkannt zu bleiben

Mord noch dem Heiratsantrag

* v. l.: Hans-Christian Blech, Theo Lingen, Gustav Knuth als Patienten, Therese Giehse als Irrenärztin.

DER SPIEGEL 9/1962

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Auf den ersten Blick sah es am vergangenen Mittwoch im Zürcher Schauspielhaus so aus, als hätte Friedrich Dürrenmatt der deutschen deutschsprachigen - Literatur ein neues Lustspiel beigebracht. Auf den zweiten Blick wirkten "Die Physiker" eher wie ein Arsenal von Irrenwitzen. Tatsächlich sind sie ein Zeitstück. Nur ist die Zeit inzwischen ziemlich unbescheiden geworden.

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Letzte Stunde vor den Ferien: Die Physiker | NEO MAGAZIN ROYALE mit Jan Böhmermann - ZDFneo